Aviso de tormenta (1951)

EL FAMOSO KU KLUX KLAN

AVISO DE TORMENTA. Título original: Storm Warning. Año: 1951. País: Estados Unidos. Dirección: Stuart Heisler. Reparto: Ginger Rogers (Marsha Mitchell), Ronald Reagan (Burt Rainey), Doris Day (Lucy Rice), Steve Cochran (Hank Rice), Hugh Sanders (Charlie Barr), Lloyd Gough (Cliff Rummel), Raymond Greenleaf (Faulkner), Ned Glass (George Athens), Paul E. Burns (Frank Hauser), Walter Baldwin (Coronel Bledsoe), Lynn Whitney (Cora Athens). Guion: Daniel Fuchs, Richard Brooks. Música: Daniele Amfitheatrof. Fotografía: Carl E. Guthrie (B&W). Duración: 93 minutos. Warner Bros.

Según la Wikipedia el Ku Klux Klan (KKK) es un grupo de odio​ supremacista blanco estadounidense, conocido por promover por medio de actos violentos y propagandísticos el racismo, la xenofobia y el antisemitismo, así como la homofobia, el anticatolicismo y el anticomunismo.
En sus ritos se visten como los nazarenos españoles en nuestras profesiones de Semana Santa lo que da pieza un cierto cachondeo. Este no es un blog de temas por lo que no me voy a extender sobre el tema. Me refiero únicamente a su filmografía escasa porque a los Estados Unidos no les ha interesado demasiado el tema.
David Wark Griffith rodó dos películas sobre el tema. Una a favor (El nacimiento de una nación) y otra en contra (La Rosa de Kentucky). A sus comentarios me remito para hablar sobre las mismas. Los hermanos Coen mostraron sus ritos en O’Brother. Recordemos El Cardenal de Otto Preminger. Infiltrado en el KKKlanes más reciente.
Aviso de tormenta (1951) es un thriller atípico, más abajo lo comentaremos.

Aviso de tormenta tiene un reparto atípico: Doris Day, futura reina de las comedias rosas,  Ginger Rogers alejada del musical y el futuro presidente Ronald Reagan en un papel opuesto a su fama de conservador. Aquí lo vemos como un fiscal quijotesco, muy progresista, no en vano el guionista es el izquierdista Richard Brooks.
El Ku Klux Klan lejos de ser amenazador se muestra como una fantasmada de paletos estadounidenses. El Klan siempre ha tenido mala prensa, son delincuentes y villanos de cine, malos de una pieza.
Los actores, aunque desubicados, cumplen con su labor. La película tiene sus dosis de suspenso. La realización es efectiva aunque el director no tiene gran renombre en la Historia del Cine.
Se trata de una película que por sus características despierta no poca curiosidad. Ginger Rogers está perfecta en su papel de modelo que, por un accidente, es testigo de un crimen del Klan. Un hecho que sólo le acareará toda clase de problemas. Se verá acosada y asediada por un problema que no es suyo.
Una ciudad pequeña, pueblerinos catetos e ignorantes, autores de una ejecución de un famoso periodista que investigaba y molestaba al terrible Klan. La producción es sencilla, nada espectacular, pero densa de contenido. Todo es misterio e intriga.
Una película poco conocida pero interesante a todas luces. Vale la pena visionarla alguna vez. Stuart Heisler no es Alfred Hitchcock ni Fritz Lang pero tampoco es un cineasta desdeñable. No dispone de grandes medios pero convicción no le falta.

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Asignatura pendiente (1977)

CUANDO ÉRAMOS INOCENTES

ASIGNATURA PENDIENTE. Título original: Asignatura pendiente. Año: 1977. País: España. Dirección: José Luis Garci. Reparto: José Sacristán (José), Fiorella Faltoyano (Elena Gutiérrez del Castillo), Antonio Gamero (Antonio Rebolledo ‘Trotsky’), Silvia Tortosa (Ana), Héctor Alterio (Rafa), Simón Andreu (Paco), Covadonga Cadenas (Pepa), María Casanova (Pili), José Fernández, Pilar Lavanda, Carmen Luján, José María González Sinde (Niño), Berta Fraguas (Niña), Micaela Fraguas (Niña). Guion: José Luis Garci, José María González Sinde. Música: Varios. Fotografía: Manuel Rojas. Duración: 109 minutos. José Luis Tafur.

Antes que nada he de manifestar mi plena simpatía por José Luis Garci, José Sacristán y Fiorella Faltoyano pero no estoy de acuerdo con esta oda al victimismo. Es cierto que la dictadura fue mala para los españoles pero no fue nada excepcional,  otros países lo han pasado peor.
La represión sexual no fue exclusiva del régimen, en España ya existía en tiempos de Viriato y en todos los países del mundo. El problema de los españoles esquíe votamos a malos políticos, cada gobierno es peor que el anterior. Los autonómicos son inenarrables. Los de Cataluña y Euskadi son terribles.
En la República se intentó imitar la Revolución bolchevique sucedida por una guerra civil. En Rusia la ganó Lenin y en España fue Franco el vencedor.
Este no es lugar para hablar de política pero sí para criticar el sentido de ciertas películas. No defiendo ni ataco ningún sistema político, pero sí pongo en cuestión el víctimismo.

Asignatura pendiente es película de una época, fuera de ella es poco comprensible. La época en la que España salió del franquismo, endemoniado por la mayoría de escritores y cronistas presentado como el Mal Absoluto, para entrar en un mundo idílico, la mitificada democracia creada por auténticos delincuentes. Es decir por una pandilla de cacos. Pero en aquel tiempo, la Transición, se tenía una imagen idealista que no se correspondía con la realidad.
Es decir que vivíamos obnubilados con una mentira que nos convenía. La realidad de España no es tan simple, es muy compleja. La película de Garci llora por las experiencias que deseamos tener y no tuvimos.
Es decir, no nos acostamos con la pareja que deseamos. En realidad lo que vivimos fue una época de autorepresión, autocensura. Franco no tenía fuerza para impedir que nos acostáramos con quienes queriamos, fuimos nosotros quienes nos reprimimos a nosotros mismos.
Los partidos que en aquel mitificamos, por falta de información, no nos dieron nada. Fue todo un espejismo.
La pareja de esta cinta se ducha junta, se acuesta junta y se creen libres, pero no lo son. Se lamentan de su pasado y no van a ningún lugar, son un tren en vía muerta. Son gente inmadura, desconcertada, que no sabe lo que busca. Ese desconcierto es el eje central de esta Asignatura pendiente.
Una pareja que se busca a sí misma huyendo de un pasado de atraso pero tranquilo. La película tuvo éxito y encumbró a José Luis Garci como un gran hombre de cine cuya cinefília está fuera de toda duda y al que muchos cinéfilos hemos cogido cariño.
Una película sobre una época ya superada que hemos dejado atrás.

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El crack 2 (1983)

LA CONSAGRACIÓN DE LANDA

EL CRACK 2. Título original: El crack 2. Año: 1983. País: España. Dirección: José Luis Garci. Reparto: Alfredo Landa (Germán Areta), María Casanova (Carmen), Miguel Rellán (Cárdenas ‘Moro’), José Bódalo (Don Ricardo), Manuel Lorenzo (Rocky), Rafael de Penagos (Miguel Sampedro), Agustín González (Bombilla), Arturo Fernández (Don Gregorio), José Manuel Cervino (Frutos), Maite Marchante (Maite), José Yepes (Macarra 1), José Luis Merino (Meri), Fernando Bilbao (Matón chalet), José Luis Garci, Manuel Martín Ferrand. Guion: José Luis Garci, Horacio Valcárcel. Música: Jesús Gluck. Fotografía: Manuel Rojas. Duración: 120 minutos. Nickel Odeon Dos, Lolafilms.

Alfredo Landa Areta (Pamplona, Navarra, 3 de marzo de 1933-Madrid, 9 de mayo de 2013) fue más que un actor, un icono del español medio que se vio representado en ese actor vivaz de baja estatura y nervio a flor de piel. Debutó en el cine como extra al lado de Mario Moreno Cantinflas en La vuelta al mundo en 80 días, rodada en Chinchón, pero su debut profesional con un personaje fue en Atraco a las tres.
Eterno secundario alcanzó el estrellato con No desearás al vecino del quinto (1970) que le convirtió en un ídolo de masas. No paraba de rodar y el público de la época se identificaba con él, como si fuera un representante del español medio siempre tan acomplejado pero con gran apetito sexual.
Hoy sería considerado políticamente incorrecto, desquiciado machista egocéntrico, pero en su día millones de españoles  le adoraban. Entonces el franquismo vivía sus últimos años, la gente tenía muchas ganas de vivir, de pasar página y de disfrutar de una democracia mitificada que jamás ha existido.
El landismo pasó, se dejaron de rodar esas películas y Alfredo Landa se tuvo que reciclar para sobrevivir. En 1977 rodó El puente con José Antonio Bardem, luego los dos Cracks con José Luis Garci, El bosque animado, La marrana, su premio en Cannes por Los santos inocentes. Lo más granado de su filmografía.

Cuando hablamos de El Crack, la película original, comentábamos el afán de Alfredo Landa de romper con su imagen landista adoptando una seriedad exagerada. En esta su segunda entrega no hay imagen que romper por lo que no es necesario exagerar la interpretación.
Por eso considero que esta segunda entrega es mejor que la primera, Germán Areta es aquí más humano y Alfredo Landa no exagera su interpretación. Nos encontramos de nuevo con un submundo de gente corrupta, carente de escrúpulos, que buscan enriquecerse por encima de todo sin importar los medios utilizados.
Los tópicos del cine negro norteamericano adaptados a la realidad española de la restaurada democracia que en su día se mitificó, en su día decepcionó.
Los tipos están bien construidos, no son nada ridículos como suele ser cierto cine de género rodado en España. Garcí había conseguido el Oscar a la mejor película extranjera por Volver a empezar, y era objeto de la envidia nacional que intenta destruir todo lo que en España triunfa.
La atmósfera está muy bien construida, y los actores inconmensurables. Todo un regalo para nuestra vista.

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El crack (1981)

CUANDO LANDA
NACIÓ DE NUEVO

EL CRACK. Título original: El crack. Año: 1981. País: España. Dirección: José Luis Garci. Reparto: Alfredo Landa (Germán Areta), María Casanova (Carmen), Manuel Tejada (Don Alberto ‘El Guapo’), Miguel Rellán (Cárdenas ‘El Moro’), Manuel Lorenzo (Rocky), Raúl Fraire (Francisco Medina), José Bódalo (Don Ricardo), Francisco Vidal (Nico), Maite Blasco (Merche), José Manuel Cervino (Vareta), Mayrata O’Wisiedo (Mimí de Torres), José Luis Merino (Meri), Ramón Lillo (Jugador de mus), Pablo Hoyos (Camarero), Antonio del Río (Atracador), Juan Carlos Sánchez. Emilio Fornet (Miguelito), Mónica Emilió (Maite), Rafael Álvarez ‘El Brujo’. Guion: José Luis Garci, Horacio Valcárcel. Música: Jesús Gluck. Fotografía: Manuel Rojas. Duración: 119 minutos. Nickel Odeon Dos, Acuarius Films

José Luis García Muñoz, más conocido como José Luis Garci (Madrid, 20 de enero de 1944), es un productor, crítico, presentador de televisión, autor literario, guionista y director de cine español. En 1983 tuvo el honor de ganar el primer Óscar para una producción española en la categoría de mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar, lo que le valió continuos ataques de envidia. Ha sido nominado para esta misma distinción otras tres veces, más que ningún otro director de cine español, por las películas Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987) y El abuelo (1998). Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.
El cine de Garci no cuenta con demasiadas simpatías en nuestra crítica, pero ese fenómeno no es nuevo. La mayoría de nuestros realizadores tienen el mismo problema. España es un país que se auto odia y se auto desprecia con asiduidad, pero nosotros debemos ser más justos. Garci tiene errores y aciertos, es humano.
Fue crítico y después guionista en producciones ajenas, Asignatura pendiente (1977) fue su debut como director, con José Sacristán y Fiorella Faltoyano, película en la que nadie creía pero que arrasó en taquilla convirtiéndole en un director célebre.
Con El crack manifiesta su amor por el cine negro americano. Recicla al célebre Alfredo Landa, antiguo ídolo de la comedia popular dándole por fin un papel serio. Landa solía excederse en sus astracanadas pero yo lo prefiero en papeles intermedios como el de La verbena de la Paloma, su mayor éxito comercial fue No desearás al vecino del quinto, en donde Landa interpreta a un falso gay que en realidad es un mujeriego impenitente. Crítica irónica sobre el machismo puritano de nuestra sociedad española, tanto en el franquismo como en la posterior democracia.

El crack se beneficia y se perjudica por las circunstancias en que fue creada. El inicio de la democracia, la rotura de imagen de Alfredo Landa que de ser un ídolo popular pasó a emular a los grandes del cine negro mostrándose excesivamente serio durante toda la película. Eran años en que todo el mundo presumía de progne a veces no se sabe porqué.
La obsesión de no parecer fascista era una losa que entonces seducía pero en la actualidad es indigerible. Con todo la película de Garci se ha convertido en película de culto, un título mítico  y adorable que las nuevas generaciones veneran.
En España siempre hubo corrupción, la hubo en la República, la hubo con Franco y la transición política. Los ídolos de 1981 actualmente han sido desenmascarados,  no son trigo limpio. Germán Areta no ve las cosas claras. La mentira sale siempre a la luz y nos descubre un mundo sucio y cruel.
Este título gana con el paso del tiempo, olvida el oportunismo de la época, la actualidad nos demuestra su sinceridad.
La película es oscura, sórdida, muestra un mundo ruin. Landa se excede con su personaje pero resulta encomiable su reciclaje. Se rodaron otras dos entregas pero otro día hablaremos de ellas.

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Sin tiempo para morir (2021)

UN BOND DESCAFEINADO

SIN TIEMPO PARA MORIR. Título original: No Time to Die. Año: 2021. País: Reino Unido. Dirección: Cary Joji Fukunaga. Reparto: Daniel Craig (James Bond), Léa Seydoux (Madeleine), Rami Malek (Lyutsifer Safin), Lashana Lynch (Nomi, agente 007), Ralph Fiennes (Gareth Mallory / M), Ben Whishaw (Q), Naomie Harris (Moneypenny), Rory Kinnear (Tanner), Jeffrey Wright (Felix Leiter), Billy Magnussen (Logan Ash), Christoph Waltz (Ernst Stavro Blofeld / Blofeld), David Dencik (Valdo Obruchev), Ana de Armas (Paloma), Lisa-Dorah Sonnet (Matilde Bond Swann). Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge. Personaje.Ian Fleming. Música: Hans Zimmer. Tema: Billie Eilish. Fotografía: Linus Sandgren. Duración: 163 minutos. Danjaq, EON Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Universal Pictures.

James Bond es un personaje de ficción creado por el periodista y novelista inglés Ian Fleming en 1953. James Bond es el protagonista de la serie de novelas, películas, cómics y videojuegos homónimos, en las que protagoniza sus propias misiones como James Bond. Comandante de Marina Real Británica, CMG, RNVR, es un agente secreto con número de código 007, con domicilio en Chelsea, Londres, pero activo a nivel internacional.
Ian Lancaster Fleming (Londres, 28 de mayo de 1908 – Canterbury, 12 de agosto de 1964) fue un escritor, periodista y oficial de inteligencia británico, conocido por ser el creador de la serie de novelas de espías protagonizadas por James Bond.
Casino Royale se llevó a la televisión en 1954 interpretado por Barry Nelson, pero la fama le llegó ocho años después con su debut en la pantalla grande, Agente 007 contra el Dr. No dirigida por Terence Young y protagonizada por Sean Connery que repitió papel en Desde Rusia con amor, James Bond contra GoldfingerOperación Trueno, Sólo se vive dos veces, Diamantes para la eternidad y finalmente Nunca digas nunca jamás. Esos títulos suponen la época dorada del famoso agente secreto pero el cansancio del actor, que perdió su apolínea figura y no deseaba encasillarse acrecentaron su declive con su sustitución por George Lanzeby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y finalmente Daniel Craig que fueron degradando al personaje al que lo políticamente correcto le ha asestado un golpe mortal convirtiéndole en una sombra de lo que fue.

Sin tiempo para morir (2021) supone la despedida de Daniel Craig del personaje, una sombra de lo que fue. James Bond ha perdido su capacidad de generar sueños e ilusión, se ha convertido en un títere de ciertos grupos de presión que lo han domesticado y han destruido su esencia.
Sólo dos apuntes a favor de esta película, uno la aparición estelar y espectacular de Ana de Armas como agente de la CIA y la canción We Have All The Time In The World (Nosotros tenemos todo el tiempo en el mundo) cantada por Louis Armstrong en los créditos finales. Todo lo demás es banal.
Lo políticamente correcto lo mata todo en el mundo, es como el caballo de Atila que por donde pisa ya no crece la hierba. La película es mortecina, carece de gancho e interés.
El final no se merece ningún comentario. Un letrero nos dice ue James Bond volverá, pero si es como el de las últimas películas es mejor olvidarlo.

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Quo Vadis (1951)

NERÓN, UN MALO DE CINE

El emperador Nerón compone una canción mientras arde Roma, imagen icónica que define su maldad pero en la realidad así no ocurrió. Nerón era un tirano real no un bufón de cine para provocar la hilaridad del público.

QUO VADIS. Título original: Quo Vadis. Año: 1951. País: Estados Unidos. Dirección: Mervyn LeRoy (y Anthony Mann). Reparto: Robert Taylor (Marco Vinicio), Deborah Kerr (Ligia), Leo Genn (Petronio), Peter Ustinov (Nerón), Patricia Laffan (Popea), Finlay Currie (Pedro), Abraham Sofaer (Pablo), Marina Berti (Eunice), Buddy Baer (Ursus), Felix Aylmer (Plautio), Nora Swinburne (Pomponia), Ralph Truman (Tigelino), Norman Wooland (Nerva), Peter Miles (Nazario), Rosalie Crutchley (Acte), Sophia Loren (Esclava de Ligia), Bud Spencer (Guarda Imperial), Elizabeth Taylor (Cristiana en la arena). Guion:John Lee Mahin, Sonya Levien, S.N. Behrman. Novela: Henryk Sienkiewicz. Música: Miklós Rózsa. Fotografía: Robert Surtees, William V. Skall. Duración: 171 minutos. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Henryk Adam Aleksander Pius Sienkiewicz de Oszyk (Wola Okrzejska, Polonia, 5 de mayo de 1846-Vevey, Suiza, 15 de noviembre de 1916), fue un escritor polaco, Premio Nobel de Literatura en 1905. Fue autor de una novela llamada Quo Vadis publicada en 1896 y llevada al cine en 1913, dirigida por Enrico Guazzoni, y en 1924, dirigida por Gabriello D’Annunzio y Georg Jacoby, con Emil Jannings en el papel de Nerón. Ya en el sonoro se rodó la versión de 1951, dirigida por Mervyn LeRoy, en 1985, dirigida por Franco Rossi, con Klaus Maria Brandauer como Nerón y en 2001, dirigida por Jerzy Kawalerowicz con Michał Bajor interpretando al egocéntrico emperador.
Las versiones cinematográficas siempre adolecen de una autocensura cristiana. Podemos ver arder o comidos por los leones a los antiguos cristianos pero jamás sus desnudos cuerpos. Los únicos crucificados vestidos fueron los cinematográficos, en la vida real eran clavados en la cruz completamente desnudos tanto hombres como mujeres. El puritanismo antidesnudo procede de la religión judía que se extendió a las cristianas y musulmanas.
Además entre la novela y las películas hay varias divergencias, el cine muestra una parte de la realidad o de la mentira. El retrato de Nerón es demasiado caricaturesco.
Nerón Claudio César Augusto Germánico (en latín: Nero Claudius Cæsar Augustus Germanicus, 15 de diciembre de 37-9 de junio de 68)n. fue emperador del Imperio romano desde el 13 de octubre de 54 hasta su muerte, y su reinado marcó el final de la dinastía Julio-Claudia.
Nerón fue un tirano, eso sí, pero no tan tonto como el del cine. El incendio de Roma fue fortuito. Está demostrado que no lo provocó el emperador. Las primeras persecuciones contra los cristianos salen de la época de Domiciano (Roma, 24 de octubre de 51-ibídem, 18 de septiembre de 96) y Trajano (Itálica, 18 de septiembre de 53-Selinus, c. 11 de agosto de 117) y el gran enemigo de ellos fue en realidad el emperador Marco Aurelio (en latín: Marcus Aurelius Antoninus; Roma, 26 de abril de 1213​-Vindobona o Sirmio, 17 de marzo de 180​). La peor persecución fue la de Diocleciano (nombre completo: Cayo Aurelio Valerio Diocleciano Augusto; en latín, Gaius Aurelius Valerius Diocletianus Augustus; c. 24 de diciembre de 244​ – 3 de diciembre de 311), el más cruel de los perseguidores cuya matanza jamás ha sido llevada al cine.

El signo de la cruz (1932)  era el referente más cercano de las presuntas persecuciones de Nerón (Charles Laughton) a principios de los cincuenta. La Metro estaba en bancarrota, a punto de quebrar, cuando se inició el rodaje de esta versión de Quo Vadis, la mejor y más exitosa. La versión polaca de 2001 era más realista pero también más fría por lo que su éxito fue limitado.
La Metro en su versión de 1951 tiró la casa por la ventana, rodaje en Cinecitta. Al frente un director de prestigio, Mervyn LeRoy, ayudado por Anthony Mann y con la asistencia del juvenil Sergio Leone. Es un filme colosal, muy hollywoodense a pleno Technicolor, grandes actores, miles de extras, decorados impresionantes.
Buscar rigor histórico está de más, no lo encontraremos ni de lejos. Eso sí, todo es brillante, atractivo, repleto de glamour, de encanto y de luz.
Nos encontramos ante uno de los más brillantes espectáculos jamás filmados sólo superados por Ben-Hur (1959), la Roma de Nerón brillo a gran altura. El inicio del cristianismo, el cambio que la materialista sociedad romana estaba viviendo que iba a ser transformada profundamente. Una nueva concepción del mundo se estaba procreando.
Peter Ustinov creó un Nerón perfecto, algo afeminado, provocando la hilaridad del público aunque no conozcamos sus motivaciones. Ejecutó a su madre que era la asesina de su marido el emperador Claudio, todo era consecuencia de una época convulsa.
Aunque su maldad era exagerada, el cine necesitaba un villano de una pieza, un ser malvado y grotesco al que despreciar. Todo servido con un excelente diseño de producción. Grandes decorados, brillante fotografía, elegante vestuario. LeRoy sabía contar una historia que atrapa al público, le mantiene en vilo sin fisuras.
Todo es sensacional e impactante.
El rigor histórico es olvidado, Galba, sucesor de Nerón, fue un verdadero desastre pero eso no importa. La trama de la novela es libre. Entre la secuencia de Ligia y el toro hasta el golpe de estado pasan tres años pero eso no importa, importa el dramatismo, el suspenso, la emoción.
Quo Vadis (1951) es en definitva manera un espectáculo que ofrece mucha emoción y que resiste el paso del tiempo. Su encanto todavía perdura, el erotismo de la esclava Eunice (Marina Berti) enamorada de su amo Petronio (Leo Genn), es lo mejor sin duda. El cinismo de este personaje le hace brillar por encima del resto del reparto, todos bien comedidos e inolvidables.
Es una gran pèlícula que ha vencido el paso del tiempo, un clásico imborrable y perfecto. Todo sensacional.


La lucha de Ursus contra el toro que nunca hemos podido ver en cine. Esa censura lo ha impedido.

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Benedetta (2021)

CONTROVERTIDO VERHOEVEN

BENEDETTA. Título original: Benedetta. Año: 2021. País: Francia. Dirección: Paul Verhoeven. Reparto: Virginie Efira (Benedetta), Charlotte Rampling (Hermana Felicita – abadesa), Daphne Patakia (Bartolomea), Lambert Wilson (El nuncio), Olivier Rabourdin (Alfonso Cecchi), Louise Chevillotte (Christina), Hervé Pierre (Paolo Ricordati), Clotilde Courau (Midea Carlini), David Clavel (Giuliano Carlini), Guilaine Londez (Hermana Jacopa), Gaëlle Jeantet (Hermana Petra), Justine Bachelet (Hermana Juliana), Lauriane Riquet (Hermana Rosanna), Elena Plonka (Benedetta niña), Héloïse Bresc (Christina niña), Jonathan Couzinié (Jesús). Guion: David Birke, Paul Verhoeven. Libro: Judith C. Brown. Música: Anne Dudley. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Duración: 131 minutos. Coproducción Francia – Bélgica – Países Bajos (Holanda); SBS Productions, Pathé, France 2 Cinema, France 3 Cinéma, Topkapi Films, Belga Productions

Paul Verhoeven (Ámsterdam; 14 de febrero de 1938) vive una segunda etapa europea tras sus años hollywoodenses en donde nos ofreció obras maestras como Robocop e Instinto básico, aunque yo prefiero su denostada Showgirls, recibida con indignación por la crítica estadounidense. Tal vez Verhoevven continúa siendo europeo pese a todo y alejado del puritanismo calvinista vuelve a recuperar su brío de antaño.
Uno de los mejores erotómanos del Séptimo Arte con El libro negro (2006), rodada en su natal Holanda, recupera su carácter mordaz de sus inicios. Benedetta (2021) ha puesto un nuevo escándalo. Escenas irreverentes con lesbianismo y visiones libidinosas y blasfemas ambientadas en un convento de monjas del medievo.
Virginie Efira se luce con su personaje de monja visionaria de falsa santidad. Retrata la hipocresía de la religión católica que organiza conventos para gente rica en donde los pobres no tienen cabida.
Una iglesia que impone su fe con torturas y hogueras, que castiga y persigue el placer sexual. Me parece bien que se retrate y se critique tanta mentira pero no estaría mal denunciar la mentira de las demás religiones igualmente contradictorias.

Benedetta no defrauda de ningún modo a los seguidores del cineasta holandés aunque en los  ultimos años haya ralentizado  su producción. Es más dificil encontrar financiación en el Viejo Continente pero se disfruta de mayor libertad.
El cine de Verhoeven respira libertad por los cuatro costados en una época de férrea represión. En otra época era la iglesia, el Código Hays, las ligas puritanas y en España el franquismo quienes censuraban las escenas osadas, ahora son los falsos progresistas, el falso feminismo de corto entendimiento que se molesta por todo, que ve agresiones machistas donde no las hay.
Gente que persigue a personajes tan inocentes como Lola Bunny (la novia de Bugs Bunny) o la mofeta Pepe Le Pew con acusaciones absurdas, que obligan a Laa Croft a llevar pantalón largo. Inquisidores de un progresismo abstracto que nadie entiende.
Actitudes de una gente que ha perdido el Norte y no sabe adonde va. Desconcierto de gente que todo lo confunde.
Por eso, Benedetta respira libertad y desinhibición. Virtudes extrañas en el mundo actual y suponen un oasis en medio de tanta opresión incontrolada.


Virginie Efira, Paul Verhoeven y Daphne Patakia

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Vampiresas de 1933 (1933)

EL MEJOR MUSICAL

VAMPIRESAS DE 1933. Título original: Gold Diggers of 1933. Año: 1933. País: Estados Unidos. Dirección: Mervyn LeRoy. Dirección números musicales: Busby Berkeley. Reparto: Warren William (J. Lawrence Bradford), Joan Blondell (Carol King), Aline MacMahon (Trixie Lorraine), Ruby Keeler (Polly Parker), Dick Powell (Brad Roberts), Guy Kibbee (Faneul H. Peabody), Ned Sparks (Barney Hopkins), Ginger Rogers (Fay Fortune), Busby Berkeley (Call Boy), Billy West (Ganador medalla – Número ‘Recuerda al hombre olvidado’). Guion: Erwin S. Gelsey, James Seymour. Diálogos: David Boehm, Ben Markson. Obra: Avery Hopwood. Música: Al Dubin Harry Warren. Fotografía: Sol Polito (B&W). Duración: 97 minutos. Warner Bros.

William Berkeley Enos (Los Ángeles, California, 29 de noviembre de 1895 – 14 de marzo de 1976), más conocido como Busby Berkeley, ha sido una de las figuras más importantes del género musical. Autor de una serie de comedias para la Warner como la presente en que se encargó de sus espectaculares caledoscópicos números, así como las cintas del gran cómico Eddie Cantor,  para la Metro fue director de las juveniles aventuras de Mickey Rooney y la conflictiva Judy Garland con quien tuvo múltiples problemas.
Trabajó además con Esther Williams, Gene Kelly, Frank Sinatra, Eleanor Powell a veces como director de la película, otras de los números musicales o simple coreógrafo brillando su genialidad única e incomparable.

Vampiresas de 1933 combina con acierto la comedia social, la comedia pícara y la desbordante fantasía de Berkeley en unos números inolvidables destacando Recordad al hombre olvidado. que es una auténtica obra maestra.
Mervyn LeRoy, futuro director de Qvo Vadis (1951)  y de Mujercitas (1949), productor de la Metro, juega con inteligencia los problemas de la Gran Depresión con unos imaginativos números musicales dirigidos por Busby Berkeley.
El puritanismo ridículo de cierta burguesía estadounidense, atrapada en sus mentiras, y el oportunismo de las coristas que tratan de escapar de su vida con toda clase de privaciones. La picaresca boomerang que se vuelve contra quien la utiliza.
Actrices de comedia sensacionales y la pareja romántica, Dick Powell y Ruby Keeler (actriz pasable,bailarina excepcional) son elementos combinados con inusual astucia.
El número Recordad al hombre olvidado podría conformar una corta película independiente en sí.  Los soldados estadounidenses  que fueron a luchar en la Primera Guerra Mundial, la Gran Guerra, al regresar a la vida civil no recibieron ningún reconocimiento y muchos acabaron durmiendo en las calles como mendigos que a todos estorban. ¿Denuncia del capitalismo? En un documental sobre la Unión Soviética encontramos el mismo problema.
La ingratitud de la Patria hacia sus héroes maltratados de forma injusta y cruel. Una auténtica obra maestra.

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Lágrimas negras (1999)

EL CANTO DE CISNE
DE RICARDO FRANCO

LÁGRIMAS NEGRAS. Título original: Lágrimas negras. Año: 1999. País: España. Dirección: Ricardo Franco, Fernando Bauluz. Reparto: Ariadna Gil (Isabel), Fele Martínez (Andrés), Elena Anaya (Alicia), Ana Risueño (Cinta), Elvira Mínguez (Marta), Felipe García Vélez (Máximo García), Arturo Acero (Policia), Elena Lombao (Mac). Guion: Ángeles González-Sinde, Ricardo Franco, Dionisio Pérez. Música: Eva Gancedo. Fotografía: Gonzalo F. Berridi. Duración: 104 minutos. Sogetel.

 

 

Ricardo Franco (Madrid, 24 de mayo de 1949 – Madrid, 20 de mayo de 1998) fue un director, guionista, actor y productor de cine español. Fue primo del escritor Javier Marías y sobrino del director de cine Jesús Franco, de la escritora Dolores Franco Manera y del filósofo Julián Marías.
No es un director especialmente conocido. aunque, como todo profesional del cine, es acreedor de nuestra simpatía. Empezó con cortos, su primer largo El desastre de Annual (1970) fue prohibida por la censura. En 1976 obtuvo una cierta notoriedad por Pascual Duarte, adaptación de una novela de Camilo José Cela suele valió a su actor principal José Luis Gómez el premio al mejor actor en el Festival de Cannes.
Emigró a Estados Unidos sin éxito, rodó Gringo mojado, con el actor Sam Bottoms y la mexicana Rebecca Jones. Volvió a España, dirige  La buena estrella, que ganó cinco premios Goya y dos premios Ondas.
Falleció a los 49 años de un infarto de miocardio, sin ver terminada la que sería su obra póstuma, Lágrimas negras, que fue terminada por Fernando Bauluz,

Lágrimas negras es una de esas películas que ves y olvidas enseguida, que no deja huella un tu alma cinéfila. Es muy fría, no te emociona pese a contar con grandes actrices como Elena Anaya y Ariadna Gil. Es ese cine promovido por la Administración socialista desde la fatídica Ley Miró. Un cine que no consigue interesarte en ningún momento aunque tenga sus defensores.
Tampoco nos molesta su existencia. Pasas un rato aburrido, porque no consigues conectar con su oscura trama. Ese ha sido el cine dominante durante la democracia española que aleja al público de las salas.

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Castillos de cartón (2009)

TRES, BUEN NÚMERO

CASTILLOS DE CARTÓN. Título original: Castillos de cartón. Año: 2009. País: España. Dirección: Salvador García Ruiz. Reparto: Adriana Ugarte (María José), Nilo Zimmerman (Marcos), Biel Duran (Jaime), Cristian Magaloni (Joaquín), Pepa Pedroche (Madre Maria José), Alfonso Torregrosa (Padre Maria José), Álvaro Aguilar (Hermano María Jose), Patricia Plaza (Sandra), María Saura (Alumna Bellas Artes), Lola Marceli. Guion: Enrique Urbizu. Novela: Almudena Grandes. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Teo Delgado. Duración: 101 minutos. Tornasol Films, Castafiore Films.

María Almudena Grandes Hernández​ (Madrid, 7 de mayo de 1960-Madrid, 27 de noviembre de 2021), más conocida como Almudena Grandes, fue una famosa escritora española -continúa siendo famosa pese a su desaparición- que publicaba en El País y aparte una serie de novelas retratando la lucha clandestina contra Franco y los avatares de valida moderna.
Almudena Grandes se dio a conocer con Las edades de Lulú que fue llevada al cine por Bigas Luna. Una novela erótica de la que se sacó partido el erotómano director. En su obra sobresalen sus ideas políticas de extrema izquierda, lo que le ha valido muchas polémicas.
Aquí no se juzgan las ideas políticas de nadie, todo el mundo tiene derecho a pensar como le dé la gana. Todo es respetable y criticable al mismo tiempo. La tolerancia ante todo.

Castillos de cartón, la película, fue estrenada el 30 de octubre de 2009,  obtuvo una recaudación en taquilla de 118.115,01 euros con un total de 8.771 espectadores y ocho copias.No obtuvo ningún éxito, funcionó bastante mal. Ello es debido a la poca fuerza de la narración que la convierten en un producto desangelado.
En España las películas nacionales siempre reciben críticas durísimas y son tratadas con odio y rencor. Aunque reconocemos que no es una gran película, le falta vigor en la narración tampoco merece el pésimo trato que recibió. Tiene sus cosillas.
El tema del trío se ha tratado en España en otras producciones: El sexo de los ángeles, DietaMediterránea, &Me etc. Son películas como la presente, más o menos simpáticas creadas en un país anticinéfilo. No se sabe porqué se odia tanto a la producción nacional no sólo ahora sino de siempre. Un trabajo artístico se merece al menos un respeto.

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