Matador (1986)

EROS Y TANATOS

MATADOR. Título original: Matador. Año: 1986. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Reparto:Assumpta Serna (María), Antonio Banderas (Angel), Nacho Martínez (Diego), Eva Cobo (Eva), Julieta Serrano (Berta), Chus Lampreave (Pilar), Carmen Maura (Julia), Eusebio Poncela (Comisario), Bibiana Fernández (Vendedora Flores), Luis Ciges (Guarda), Eva Siva (Asistenta María y Diego), Verónica Forqué (Periodista), Pedro Almodóvar (Francisco Montesinos), Fabio McNamara (Atracador farmacia). Guion: Pedro Almodóvar, Jesús Ferrero. Música: Bernardo Bonezzi. Fotografía: Ángel Luis Fernández. Duración: 102 minutos. Compañía Iberoamericana de TV, TVE

Pedro Almodóvar Caballero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 25 de septiembre de 1949), Pedro Almodóvar, ha sido el cineasta de moda en las últimas décadas en España y en el extranjero. Amado y odiado por según qué clase de público. su cine nunca deja indiferente. Para algunos es un genio, para otros un hortera. No entraremos aquí en polémica. El mundo del cine es grande y en  él cabemos todos.
Matador no es de sus mejores películas pero sí fue muy controvertida en su día. Protagonizada por María Asunción Rodés Serna, más conocida como Assumpta Serna (Barcelona, 16 de septiembre de 1957), una de las más brillantes actrices del cine español e internacional, Toda la película descansa sobre sus hábiles espaldas. Uno de sus mejores trabajos aunque poco reconocido.

La premisa de Matador es confundir el sexo con la muerte. Conocemos dos asesinos que matan a sus amantes, son seres trastornados y chiflados. Almodóvar hace hincapié en la figura de la madre  (Julieta Serrano), el personaje más demencial de la cinta.  Un ser esquizofrenico y represor. Otros personajes no se salvan de la locura.
El relato es demencial, irritante y algo molesto. Almodóvar parece querer apartarse de su mundo, le acusaban de rodar siempre la misma película, algo imposible de hacer, buscar más variedad en su registro. El resultado es muy desconcertante. Por eso estamos ante una obra menor salvada por sus protagonistas.
Assumpta Serna está sensacional, sólo por ella vale apena visionar esta truculenta cinta.

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West Side Story (1961)

UN MUSICAL HISTÓRICO

WEST SIDE STORY. Título original: West Side Story. Año: 1961. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Wise, Jerome Robbins. Reparto: Natalie Wood (Maria), Richard Beymer (Tony), Russ Tamblyn (Riff), Rita Moreno (Anita), George Chakiris (Bernardo), Simon Oakland (Schrank), Ned Glass (Doc), William Bramley (Krupke), Tucker Smith (Ice), Tony Mordente (Action), David Winters (A-rab), Eliot Feld (Baby John), Bert Michaels (Snowboy), David Bean (Tiger), Robert Banas (Joyboy), Anthony ‘Scooter’ Teague (Big Deal), Harvey Evans (Mouthpiece), Tommy Abbott (Gee-Tar), Susan Oakes (Anybodys). Guion: Ernest Lehman. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins.Música: Leonard Bernstein. Letra: Stephen Sondheim. Fotografía: Daniel L. Fapp. Duración: 151 minutos. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

El estreno de la nueva versión de Steven Spielberg ha provocado el renacimiento de este monumento al cine musical que es West Side Story (1961) de Robert Wise y Jerome Robbins. Un título que en su día machacó la taquilla en todo el mundo tras su triunfo en Broadway. El estreno oficial neoyorquino tuvo lugar el 26 de septiembre de 1957 en el Winter Garden Theatre, con Larry Kert como Tony, Carol Lawrence como María, Chita Rivera como Anita, Ken Le Roy como Bernardo y Michael Callan como Riff. Producido por Robert E. Griffith y Harold Prince en asociación con Roger L. Stevens, el montaje reunió a un equipo creativo formado por Jerome Robbins en la dirección y coreografía, Oliver Smith en el diseño de escenografía, Irene Sharaff en el diseño de vestuario, Jean Rosenthal en el diseño de iluminación y Max Goberman en la dirección musical. Para el compositor Stephen Sondheim, autor de las letras de las canciones, West Side Story supuso su debut en los escenarios de Broadway.

West Side Story (1961)  es un clásico de sesenta años que a pesar del paso del tiempo conserva intacta toda su magia, ausente en la versión de 2021,  realizada con amor pero escasa fantasía. La versión original es en cambio una explosión de luz y de color. Natalie Wood llenaba la pantalla. No la dejaron cantar pero hablaba buen español en sus escasas oportunidades.
Algunos han criticado la película por su machismo pero si los Jets y los Sharks fueran feministas no habría película. Las bandas callejeras nunca se han distinguido por su lucidez. Son elementos negativos, lumpen marginados del sistema que desprecian.
La película reúne algunos nombres míticos del musical,  Rita Moreno y Russ Tamblyn. así como George Chakiris. Todos ellos brillantes en sus respectivos papeles.
Los bailes de Jerome Robbins influenciaron los espectáculos de danza en todo el mundo. Al igual que las canciones triunfaron y se convirtieron en populares, en su día sonaban por doquier. Lo que mas chocó de este film fueron sus pinceladas trágicas impropias de un género siempre optimista, alegre y dicharachero.
El personaje central, María (Natalie Wood), sufre una profunda transformación. De ser una ingenua muchacha se convierte en una mujer fuerte, con carácter, arrastrada por el odio y la intolerancia del entorno.
Muy bella película irrepetible y madura. Un musical único, uno de los mejores jamás filmados.

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West Side Story (2021)

EXCELENTE VERSIÓN


WEST SIDE STORY. Título original: West Side Story. Año: 2021. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Spielberg. Reparto: Ansel Elgort (Tony), Rachel Zegler (María), Ariana DeBose (Anita), David Alvarez (Bernardo), Rita Moreno (Valentina), Brian d’Arcy James (oficial Krupke), Corey Stoll (teniente Schrank), Mike Faist (Riff), Josh Andrés Rivera (Chino), Iris Menas (Cualquiera), David Aviles Morales (Aníbal), Sebastian Serra (Braulio ). Guion: Tony Kushner. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins. Música: Leonard Bernstein. Canciones: Stephen Sondheim. Fotografía: Janusz Kaminski. Duración: 156 minutos. Amblin Entertainment, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios

Producida hace sesenta años, West Side Story es uno de los más incuestionables clásicos de la Historia del Cine. Un film casi perfecto, tal vez demasiado Hollywood, sinónimo de paraíso artificial y producción demasiado perfecta. No importa que no hubiera actores hispanos, sólo la genial Rita Moreno, y que todo el reparto fuera doblado en las canciones. Richard Beymer era algo so sito pero Natalie Wood llenaba la pantalla.
West Side Story procede del teatro, una recreación moderna de Romeo y Julieta transportada a un barrio conflictivo de Nueva York. Se pensó en un principio en enfrentamientos de bandas de blancos y negros, pero entonces se consideró demasiado arriesgado y al final se decidió incluir bandas latinas, puertorriqueños, un colectivo poco integrado en Estados Unidos. Antigua provincia española que anhela volver a los brazos de su Madre Patria.
El resultado triunfó en las salas y después en el cine, pero eso es ya otra historia.

Este film de Spielberg no ha gozado de las mieles del éxito popular.  El en otro tiempo Rey Midas de Hollywood ha pinchado en taquilla. Hace tiempo que no goza del favor popular pero eso no quita la validez de su cine. Este West Side Story tendrá más éxito en discos Blu-ray o DVD, en plataformas digitales,más que en salas cinematográficas.
Las salas son más para filmes espectaculares y hay público que prefiere la intimidad de una plataforma o un disco que se puede disfrutar en familia ocon las amistades.
Referente al film ue nos ocupa, puede que moleste la problemática. Conflictos entre bandas rivales,  puertorriqueños contra polacos, no anglosajones. Un conflicto absurdo y extraño.
A diferencia de la versión 1961, los actores cantan con sus propias voces y son auténticos hispanos. Algunos de raza negra, en el mundo latino el color de la piel no tiene tanta importancia. Esta versión es mucho más creíble que la clásica de toda la vida pero carece de su magia.
Las canciones son bellas y están bien adaptadas a su entorno. Salvo Rita Moreno, el elenco es desconocido pero suponemos que se convertirán en grandes estrellas de la pantalla.

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Feliz 2022

AÑO OPTIMISTA

2021 no ha sido buen año para las salas. La pandemia provoca que mucha gente no salga de casa y vea cine por las plataformas digitales. Una nueva era del séptimo arte acaba de llegar. Los formatos físicos tienen asimismo mala suerte y las estanterías de las grandes superficies decrecen y la oferta se reduce considerablemente.
Pero no nos dejemos llevar por el pesimismo, la pandemia tarde o temprano desaparecerá y la-normalidad volverá a las calles. El covid nos ha arrebatado familiares y amigos, es doloroso pero nuestra fuerza nos hará superar tan dolorosa pérdida.
El mundo del cine está cada día más loco. El culebrón de los superhéroes evidencia que los grandes estudios se han vuelto locos y además padecemos una epidemia de revisionismo y cancelación.  Algo completamente inaudito.
En fin, como no podemos ir a peor iremos a mejor inevitablemente.Es ley de vida. Felicidades a todos y a todas.

Salvador Sáinz

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Dos (2021)

UNA SITUACIÓN COMPLEJA

DOS. Título original: Dos. Año: 2021. País: España. Dirección: Mar Targarona. Reparto: Marina Gatell (Sara), Pablo Derqui (David), Esteban Galilea (Mario), Anna Chincho Serrano (Rita), Kándido Uranga (Óscar). Guion: Cuca Canals, Christian Molina, Mike Hostench. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Duración: 71 minutos. Rodar y rodar.

 

 

 

Sara despierta desnuda en una cama desconocida junto a un hombre que no recuerda, descubre con horror que está cosida a él por el abdomen y que no se pueden separar. Cualquier movimiento brusco es doloroso.
La situación es muy chocante, un símil dedos siameses unidos físicamente. Una situación extraña pero real. En realidad, valga la redundancia, existen siameses de diferente sexo que malviven pegados el uno al otro sin poder separarse porque si lo hicieran morirían ambos o uno de los dos.
Ese es un tema para otra película, no para ésta centrada en un suspenso bien logrado y en un guiñol eficiente e inquietante.

La película en sí logra inquietar aunque las perspectivas dela cámara no siempre son correctas. Es una pareja cosida por el abdomen, algunas posturas son contradictorias pero eso sí, la película no aburre e inquieta. Algunos espectadores se han irritado y han escrito textos indignados pero no hay motivo.
La factura es muy sencilla, su presupuesto es muy menguado pero ingenioso.
Los actores principales bordan sus papeles, la sensación de incomodidad es palpable sobretodo en la escena del retrete y la crítica a cierto machismo o hembrismo tópico. La mujer sospecha de su compañero que es tan víctima como ella de la situación tan incómoda como desagradable.
Excelente atmósfera que crea una malsana inquietud.  Mar Targarona escuna francotiradora del cine español, catalán en este caso, que trabaja con total profesionalidad.

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La mujer con las botas rojas (1974)

UN BUÑUEL MENOR

LA MUJER CON LAS BOTAS ROJAS. Título original: La Femme aux bottes rouges. Año: 1974. País: Francia. Dirección: Juan Luis Buñuel. Reparto: Catherine Deneuve (Françoise LeRoi), Fernando Rey (Perrot), Adalberto Maria Merli (Hombre), Jacques Weber (Pintor), José Sacristán (Sirviente), Emma Cohen (Sophie), Pilar Torres (joven Françoise LeRoi). Laura Betti (Leonore), Marcelo Arroita-Jáuregui, Manuel Barrio, José María Caffarel, Carmen Martínez Sierra, Ángel Menéndez, Antonio Orengo. Guion:Juan Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière, Pierre-Jean Maintigneux, Clement Biddle Wood. Música: Jean-Louis Ducarme. Fotografía: Leopoldo Villaseñor. Duración: 95 minutos. Coproducción Francia – Italia – España; Producciones Cinematográficas Logar, Office de Radiodiffusion Télévision Française (ORTF), Procinex, Gerico Sound, Rewind Film

El genial Luis Buñuel tuvo un hijo cineasta,  Juan Luis Buñuel Rucar (París, Francia, 9 de noviembre de 1934-Ibíd., 6 de diciembre de 2017), que no tuvo ni de lejos la relevancia de su padre. Le conocí en persona enlosa festivales de Sitges e Imagfic (Madrid), era muy buen tipo y agradable de trato.
Su paso por el cine fue anecdótico y se refugió en la televisión. En el cine tenemos un dicho «el que vale, vale. Y el que no que haga televisión«. Rodó pocas películas y muchos telefilmes, con Claude Chabrol rodó la serie Fantomas (1980) ya olvidada.
Sus películas no obstante son simpáticas y agradables de ver pero lejos del genio de Calanda.

La mujer con las botas rojas tiene la misma pareja que Tristana, rodada cuatro años antes, pero no hay ninguna similitud en la trama. La diferencia de calidad es abismal aún contando con apreciables medios.
No es en absoluto una película nula, sólo que tenía un listón inalcanzable y era imposible igualarlo. La trama es grata, se ve con cierto agrado y la producción es digna, muy digna. Pero las comparaciones son odiosas e inevitables. Juan Luis Buñuel hizo lo que pudo. Catherine Deneuve está sensacional y Fernando Rey muy profesional.
El guión es confuso, incoherente. No tiene ningún sentido. No sabemos por donde tira la trama ni de qué va. Carece de la ironía buñueliana. Cuando se es hijo de un genio se espera más de lo que puedes dar y nunca se llega al nivel esperado. Lástima.

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Frankenstein y el hombre lobo (1943)

EL OCASO DE LOS CLÁSICOS

FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO. Título original: Frankenstein Meets the Wolf Man. Año:1943. País: Estados Unidos. Dirección: Roy William Neill. Reparto: Bela Lugosi (Mónstruo), Lon Chaney Jr (El Hombre Lobo – Lawrence Talbot), Ilona Massey (Baronesa Elsa Frankenstein), Patric Knowles (Dr. Frank Mannering), Lionel Atwill (Alcalde), Maria Ouspenskaya (Maleva), Adia Kuznetzoff (Cantante del Festival), Dennis Hoey (Inspector Owen), Don Barclay (Franzec), Rex Evans (Vazec), Dwight Frye (Rudi), Harry Stubbs (Guno). Guion: Curt Siodmak. Música: Hans J. Salter. Fotografía: George Robinson (B&W). Duración: 74 minutos. Universal Pictures

Machacada en todas las historias de cine porque es un refrito, Frankenstein y el hombre lobo aporta algo queden la actualidad es llamada con el anglicismo, crossover,  pero en español correcto cruce.
Cruce de la serie Frankenstein que inauguró la mítica El doctor Frankenstein  con Boris Karloff y El Hombre lobo con Lon Chaney jr. Pero en 1943, con una horrible guerra mundial, los monstruos clásicos dejaron de asustar porque se vivía un terrible horror con la cruenta contienda y nuestros antihéroes se habían vuelto obsoletos.
La Universal decidió juntar los  monstruos en una misma película, inventando el llamado cruce. La falta de presupuesto puso en marcha una producción sencilla pero simpática, no tan mala como se ha-escrito. Te diviertes y te lo pasas bien. Además recuperas la ambientación impagable de la Universal.
El monstruo de Frankenstein lo interpreta Bela Lugosi en horas bajas. En 1931 había rodado una bobina de prueba dirigido por Robert Florey dela quemada se ha sabido. Insatisfecho con el resultado Lugosi renunció al papel. Pero en 1943 las circunstancias cambiaron y finalmente se puso el maquillaje que había rechazado.

Bela Lugosi fue la primera opción para interpretar la criatura de Frankenstein en la Universal, rodó una bobina dirigida por Robert Florey pero el actor húngaro no se gustó y rechazó el papel que encumbró a Boris Karloff. En 1943 en su declive, del que no hablaremos por decoro, no tuvo otra alternativa que aceptarlo.
De hecho no está mal en su interpretación salvo que el guion, por problemas económicos y circunstanciales, es muy pobre y no le da ninguna oportunidad de mostrar su indudable genio.
Curt Siodmak, el guionista tenía un presupuesto demasiado ajustado. Curt era hermano del director Robert Siodmak, de grata memoria. Era un hombre muy afable que conocí en Sitges 1987, mi último año en ese festival,y era un caballero muy educado y muy simpático.
La película no aburre, tiene su gracia. Muy precipitada pero en la actualidad es entrañable y grata de ver. Con más medios sería genial pero la guerra mundial era entonces prioritaria.

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El boxeador (1926)

LA GRAN ÉPOCA DE KEATON

EL BOXEADOR. Título original: Battling Butler. Año: 1926. País: Estados Unidos. Dirección: Buster Keaton. Reparto: Buster Keaton (Alfred Butler), Snitz Edwards (el sirviente de Alfred), Sally O’Neil (la Montañesa), Walter James (padre de la Montañesar), Budd Fine (hermano de la Montañesa), Francis McDonald (Alfred ‘Battling’ Butler, el boxeador), Mary O’Brien (la mujer de Battling Butler), Tom Wilson (entrenador), Eddie Borden (Mánager). Guion: Al Boasberg, Lex Neal, Charles Smith, Paul Girard Smith. Fotografía: Bert Haines, Dev Jennings (B&W). Duración: 71 minutod. Productora: Buster Keaton, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Los años veinte fueron los  mejores para el gran Buster Keaton repitiendo aquí su papel de millonario parásito e inútil como en El Navegante y Reclutas, en las que es rechazado por la mujer que ama por su vacuidad. Keaton debe  hacer méritos para conquistar al adorado ser que reina en su corazón.
La lucha para conseguir su amor es una constante de su filmografía.

Buster Keaton parece no simpatizar mucho con el mundo del pugilismo. En El boxeador, juega al equívoco. Se enamora de una montañesa con padre y hermano garrulos que lo rechazan por flojucho. Para impresionarlos fingirá ser el famoso boxeador que lleva su mismo nombre, Alfred Butler.
El equívoco originará una farsa y unas cuantas secuencias cómicas. Nos encontramos ante un film menor, sencillo, que parece necesitar un rodaje relajante con escaso esfuerzo.
Aún así su genio emerge con fuerza. Nos encontramos con buenas secuencias en las que nuestro héroe se luce.  El rodaje de El maquinista de la General le estaba esperando, una obra maestra y su ruina económica que le llevó a las desafortunadas puertas de la Metro.

 

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La prima Angélica (1973)

EL PRIMER AMOR INFANTIL

LA PRIMA ANGÉLICA. Título original:La prima Angélica. Año: 1973. País: España. Dirección: Carlos Saura. Reparto: José Luis López Vázquez (Luis), Lina Canalejas (Angélica), Fernando Delgado (Anselmo), María Clara Fernández de Loaysa (Angélica niña), Pedro Sempson (Padre de Luis), María de la Riva (Abuela), Marisa Porcel, Antonio Canal (Soldado), Pedrín Fernández, Trinidad Rugero, José Villasante, Josefina Díaz (Tía Pilar), Lola Cardona (Tía Pilar), Encarna Paso (Madre de Luis), José Luis Heredia (Felipe Sagún), Luis Peña (Sacerdote), Julieta Serrano (Monja). Guion: Carlos Saura, Rafael Azcona. Fotografía: Luís Cuadrado. Productora: Elías Querejeta. Duración:107 minutos.
1974: Cannes: Premio Especial del Jurado

Cuando se estrenó La  prima Angélica se produjo un sonado escándalo porque en una secuencia, Fernando Delgado aparecía con la camisa azul de falange llevando embrazo en alto en cabestrillo. Un  gag que ya habíamos visto interpretado por Buster Keaton en Guerra a la italiana (1965) sin que  nadie se sintiera molesto.
Grupos falangistas se indignaron, protestaron en los cines realizando escraches y demás actos violentos, todos exagerados y fuera de tono.
Quien lo pasó peor fue la niña María Clara Fernández de Loaysa, intérprete de la prima Angélica pues su padre recibió numerosos anónimos asustándoles con toda clase de amenazas. A María Clara no la volvimos a ver en otra película nunca más.
En fin, agua pasada que no mueve molino.

La prima Angélica es una de las mejores películas del cine español. Una trama que se desarrolla en dos tiempos. Un presente gris y un pasado agridulce en donde el protagonista residió  durante la Guerra Civil en un pueblo con sus tíos y su prima Angélica (María Clara Fernández de Loaysa) de la que se enamora.
Los recuerdos son algo confusos con tonos felices y otros amargos. La película muestra dos tramas paralelas, el presente y el pasado,  Un pasado del cual el protagonista tiene recuerdos borrosos.
Destaca ante todo la ambientación de un mundo rural y provinciano. La nostalgia de un ayer agridulce con tonos buenos y malos. El recuerdo de un amor perdido por la intolerancia. Una película de esas que te hacen recordar tiempos pasados también agridulces.
Uno de los mejores trabajos de José Luis López-Vázquez que borda tan dificil personaje en su madurez y en su infancia. Carlos Saura era el director más prestigioso del cine español exceptuando a Luis Buñuel que rodaba en tierras extranjeras. Durante muchos años fue el centro de nuestra cinematografía.
Los escraches están ya olvidados porque esta película no pretende ofender a nadie, es simplemente una obra de arte.

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Peppermint Frappé (1967)

RECUERDOS DE
UN INFELIZ PASADO

PEPPERMINT FRAPPÉ. Título original: Peppermint Frappé. Año: 1967. País: España. Dirección: Carlos Saura. Reparto: Geraldine Chaplin (Elena / Ana / Mujer de Calanda), José Luis López Vázquez (Julián), Alfredo Mayo (Pablo), Emiliano Redondo (Arturo), María José Charfole (Niña), Francisco Venegas (Niño), Pedro Luis Lozano (Niño), Víctor Manuel Moreno (Niño), Ana María Custodio (La madre de Pablo), Fernando Sánchez Polack (Paciente). Guion: Carlos Saura, Rafael Azcona, Angelino Fons. Argumento: Carlos Saura. Música: Luis de Pablo. Fotografía: Luís Cuadrado. Productora: Elías Querejeta. Duración: 92 minutos.
1968: Festival de Berlín: Oso de Plata – Mejor director.

Hay mucho que hablar de Peppermint Frappé (1967), una película que está muy ligada a mi adolescencia y que me trae muchos recuerdos de mi lejano pasado. Algunos muy felices, otros muy tristes.
Este filme de Carlos Saura fue seleccionado para concursar en el Festival de Cannes de 1968, coincidiendo con la revuelta de Mayo 68. Al iniciarse la proyección un grupo de manifestantes, entre los que se incluían François Truffaut y Jean-Luc Godard bajaron el telón y suspendieron la proyección. Saura retiró la película del Festival que se suspendió en aquel momento.

Charlie Chaplin, padre de la actriz Geraldine Chaplin, no estaba satisfecho con la carrera cinematográfica de su hija hasta que vio una copia de Peppermint Frappé. Entonces cambió de opinión y consideró a Geraldine una actriz competente.

José Luis López Vázquez en aquella época era un cómico muy famoso que gustaba al público y que la crítica detestaba. Mucha gente fue ver esta película creyendo que se trataba de una comedia cómica y se quedó decepcionado al verle en un papel serio. Peppermint Frappé fue su reciclaje como actor y reinicio de una carrera repleta de gloria.

Esta película es un cálido homenaje a Luis Buñuel, director insignia del cine español, como lo demuestra la aparición de los tambores de Calanda en donde nació el genial cineasta.
El argumento gira alrededor de una obsesión.Un médico descubre que su mejor amigo se ha casado con una bella rubia que recuerda una mujer que participó en una tamborrada tenla mencionada población aragonesa. En su consulta trabaja una enfermera de provincias, morena, muy parecida también a la chica del tambor.
La producción es muy sencilla pero está muy cuidada gracias a la labor de Luis Cuadrado. Se trata de una película de atmósfera, de ambiente decadente.Ese balneario abandonado y ruinoso usen decorado muy adecuado.
Los actores están soberbios, el ex galán Alfredo Mayo y José Luis López Vázquez están soberbios. También Geraldine Chaplin aunque la prefiero de enfermera, un personaje mucho más complejo y atractivo al que se le ha dado muy poca importancia.
Peppermint Frappé es una película que nos devuelve los esfuerzos de unos heroicos cineastas para superar al encorsetado franquismo. Muestra del llamado Nuevo Cine Español. En aquella época hubo una eclosión de cine joven como el Free Cinema británico, la Nouvelle Vague francesa, el Cinema Nuovo brasileño. Fue una eclosión, un Big Band cinéfilo que nos dio grandes obras y grandes autores. Nunca se ha repetido un fenómeno semejante en la Historia del Cine porque el espíritu de rebeldía que lo sustentó está ausente de nuestro presente.

 

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