Los genios de la comedia

EL GORDO Y EL FLACO


EL GORDO Y EL FLACO (STAN & OLLIE). Título original: Stan & Ollie. Año: 2018. País: Reino Unido. Dirección: Jon S. Baird. Reparto: Steve Coogan (Stan Laurel), John C. Reilly (Oliver Hardy), Shirley Henderson (Lucille Hardy), Nina Arianda (Ida Kitaeva Laurel), Rufus Jones (Bernard Delfont), Danny Huston (Hal Roach), Joseph Balderrama (James Horne), John Henshaw (Nobby Cook), Tapiwa Mugweni (Burgess), Keith MacPherson (James Finlayson), Stewart Alexander (Joe Schenck), Kevin Millington (Clapper Loader), Richard Cant (Harry Langdon), Ashley Robinson (Gordon Douglas). Guion: Jeff Pope. Música: Clint Mansell. Fotografía: Laurie Rose. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC / Fable Pictures / Sonesta Films / eOne Entertainment. Duración: 97 minutos.

Realizar una biografía acerca de un personaje famoso es muy arriesgado. Puedes caer en la hagiografía, muy habitual en ciertos ídolos,  o en la difamación en casos repelentes. Algunas figuras del séptimo arte fueron grandes en la pantalla pero seres repelentes en la vida real, gente carente de moralidad, maleducada, grosera, inhumana. Podríamos citar a Orson Welles por ejemplo. Pero aquí nada de eso, Stan Laurel y Oliver Hardy fueron dos buenos chicos dentro y fuera de la pantalla aunque sus personajes fueran distintos en ambos lugares.
En el cine, Oliver Hardy era dominante y engreído mientras Stan Laurel era sumiso y corto de entendederas. Pero en el mundo real ambos eran todo lo contrario. Stan escribía guiones y era el cerebro de la pareja mientras el indolente Oliver se dedicaba a las carreras.
Ambos compusieron un buen equipo, una de las mejores parejas cinematográficas. Tal vez la mejor. Sus cortos mudos y sonoros son geniales. Sus largos son menores pero divertidos. Les faltó un buen proyecto como Luces en la ciudad o El maquinista de la general, pero nunca dispusieron de grandes medios para conseguirlo. Hal Roach les limitó mucho y posteriormente la 20th Century Fox. Por eso brillaron más en el corto con asuntos breves y escasamente complicados. Con una anécdota nímia conseguían una obra maestra. Fueron los reyes de la comedia. El público les adoraba, los críticos les odiaron en vida y los amaron tras la muerte, como siempre. Fueron gigantes del humor, nadie pudo imitarlos ni igualarles ni de lejos.
Oliver Hardy falleció en 1957, el año en que yo hice la primera comunión. En catequesis el párroco mosén Ciurana nos pasaba sus cortos en 8 mm en la sacristía. Desde entonces Laurel y Hardy me acompañaron a lo largo de mi vida. Tengo sus obras completas en DVD y las disfruto cuando estoy triste o melancólico. Siempre me han subido la moral junto a Buster Keaton, Charlie Chaplin y Haroldo Lloyd, han sido mis héroes de toda la vida y les amo profundamente.

La acción transcurre en dos épocas. La primera en 1937  mientras rodaban Laurel y Hardy en el Oeste, era su época de apogeo pero su contrato con Hal Roach estaba a punto de caducar. Laurel lamentaba que este productor los limitara y no les dejara rodar un largometraje importante como Chaplin o Keaton. Fue despedido de la compañía y Roach intentó emparejar a Hardy con Harry Langdon pero no obtuvieron éxito. Zenobia fue un sonado fracaso.
La trama prosigue tiempo después. Enmedio su época en la Fox con productos mediocres que estaban lejos de sus mejores tiempos. Un intento fallido de rodar una cinta europea, Robinsones atómicos en donde Hardy engordó de forma desmesurada y la diabetes desinfló a Laurel. Ya no estaban de moda, enfermaron y presentaban mal aspecto físico. En la Gran Bretaña e Irlanda quemaron sus últimos cartuchos realizando una nostálgica gira teatral.

La película trata con mucho cariño a sus personajes. Los dos cómicos y sus esposas. Laurel aquejado de diabetes y Hardy con sus infartos. Otros cómicos han irrumpido en las salas, Abbott y Costello triunfaban en aquel tiempo. La gran pareja se veía desplazada, eran gente de otra época. Stan continuaba escribiendo historias, lo siguió haciendo hasta su muerte aunque para otros cómicos como Jerry Lewis, Dick Van Dyke y Peter Sellers que parecían hijos suyos.
Estamos ante un canto a la amistad, al compañerísmo, a la fidelidad. La trama habla de la lealdad y del cariño que se tuvieron ambos cómicos, sus riñas y reconciliaciones. El gordo y el flaco es un film entrañable, amable con un tono de amargura por los buenos tiempos pasados que están a punto de terminar. Un buen título para disfrutar en salas y sobretodo en formato doméstico que requiere más intimidad. Vale la pena su visión.

Poca gente sabe que Lou Costello antes de encontrar la fama fue extra en Hollywood. Esta foto pertenece a La batalla del siglo, uno de los mejores cortos de Stan Laurel y Oliver Hardy. Su futuro competidor iniciaba sus pinitos en el cine.

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Por alusiones…

SUBVENCIONES AL CINE ESPAÑOL

Me hago eco de unos comentarios del cineasta Sebastián DÁrbó sobre el espinoso tema de las subvenciones al cine español que transcribo a continuación.

LAS COMISIONES DE VALORACIÓN MARGINARON LAS PELÍCULAS DE GENERO FANTÁSTICO, INCLUYENDO LAS MÍAS.

La película documenta EL PIONERO que muestra el mundo interior de como se crearon las películas de cine fantástico parapsicológico de Sebastián D’Arbó, pone al descubierto la trama urdida por Pilar Miró en la década de los 80, para acabar con el cine de género y que provocó la huida de espectadores de las salas de cine, que se vaciaron de público y consecuentemente esta politica reaccionaria produjo el hundimiento de la industria cinematográfica española.

Marginaron el cine fantástico negando subvenciones a mis películas y otras de género fantástico por parte de la administración, a las que mis producciones tenían los mismos derecho que el resto de películas de otros géneros. El estudioso y crítico cinematográfico del fantástico, Salvador Sainz, el año 2011 manifestó lo siguiente: “Cuando presentamos el proyecto de un thriller llamado “Escalofrío en la noche” de Francesc Herrera, a la comisión de evaluación de la Generalitat y al Ministerio de Cultura, pues los miembros de la comisión eran los mismos en la parte catalana y en la española, nos respondieron diciéndonos: “Denegamos la subvención al proyecto por ustedes presentado, porque es un film demasiado comercial”. Incluso a Sainz le dijeron directamente que si quería subvenciones debía renunciar al cine de género. ¡¡¡ Es asombroso este maginación temática intelectual, este menosprecio a la industria y este despreció absoluto al público cinematográfico!!!.

Y sobre la marginación de mis películas Salvador Sainz sigue diciendo: “Con respecto a Sebastián D’Arbó, con quien trabajé en dos películas, fue la persona que me metió en la profesión y por ello le he estado agradecido, me explicó Francisco Rovira Beleta (el director de “Los tarantos”), que también estaba en una comisión de estas en la Generalitat, que al ver uno de sus proyectos de película de D’Arbó sobre la mesa, comenzaron a gritar “¡¡¡Ni un duro para D’Arbó!!!”.

Sin embargo estos estos mismas personas manipuladoras subvencionaban películas de gente que no eran profesionales, también a películas muy raras y malas y que algunas que ni siquiera se estrenaban, y que incluso eran rechazadas si lo hacían. Como se ve estaban en contra del cine comercial. El colmo de la desfachatez es que algunos cineastas se auto subvencionaron sus proyectos, porque ellos eran miembros de los comités de valoración técnica. Sobre esos chanchullos en 1991 se publicó un libro escrito por Antoni Ribas “Contra el amiguismo y la corrupción” por Ediciones Libertarias.

¡¡¡ ERA UNA AUTÉNTICA VERGÜENZA!!! Es comprensible pues que yo, EL PIONERO Sebastián D’Arbó,acabará dejando el cine y volviera a la televisión y he tardado 30 años en regresar.

Sebastián D’Arbó

El tema de las subvenciones otorgadas en el cine español siempre ha dado mucho que hablar desde que en 1983 se promulgara la fatídica Ley Miró. Se empezaron a financiar proyectos españoles que nunca se estrenaban ni se exhibían en ninguna parte. Era un cine fantasma, un cine muerto que sólo triunfaba en el reproductor de video de su realizador que desaparecía de la industria tan rápido como había aparecido.
Los espectadores olvidan que esos proyectos fantasmas son financiados con nuestro dinero a pesar de que los beneficiarios de dichas subvenciones sentían un profundo desprecio hacía los contribuyentes que con sus impuestos pagaban sus invisibles producciones.
Muchos profesionales nos rebelamos contra esta dictadura y exigimos un cambio de la Administración recibiendo el desprecio por respuesta.
¿Qué estaba pasando? Un cambio de gobierno no suponía un cambio de política. Jorge Semprún fracasó porque tenía las manos atadas. Jordi Soler Tura no era competente para el cargo que le venía grande.
En 1988, en Platja d’Aro (Gerona) se organizó la primera y única semana, Mostra de Cinéma de Catalunya. Se proyectó Blue Gin, llenazo total y en media hora quedó el cine vacío. Completo ridículo.
Una película subvencionada fue rechazada de forma clara por el público. Declaraciones de su autor. “Todo va muy bien, todo va mejor que nunca. El que quiera hacer cine industrial que pida subvenciones al Ministerio de Industria“.

¿Qué estaba pasando en el cine español? ¿Porqué se suicidaba de una forma tan misteriosa? En Hollywood, Jack Valenti presionaba al gobierno español para que el cine español no fuera protegido de ningún modo.
Jack Valenti (Houston, Texas, 5 de septiembre de 1921 — Washington, DC, 26 de abril de 2007) fue un presidente de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA).  Es decir un jefazo del mundo del cine de Hollywood. Muy conocido en la industria pero no por el público.
Con varios congresistas de Washington presionaron a los diferentes gobiernos españoles para que el cine español no tuviera ninguna protección amenazándoles con suspender los contratos de importación de España. Nuestro país exportaba o exporta a los Estados Unidos otros géneros de mercancía como, por ejemplo, el calzado. Los congresistas amenazaron con hundir este comercia si España protegía a su cine.
Los diferentes gobiernos españoles tenían las manos atadas y se limitaban a dar dinero a los amiguetes que los defendían contra toda razón y que se enriquecieron de forma misteriosa.
El Ministerio de Cultura español subvencionó el cine español que interesaba a los zares de Hollywood. Aquel que nadie quiere ver, aquel que no se estrena y que no gusta a nadie. Esa es la realidad.

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Llegó la primavera

REINICIO DE DIARIO DE CINE

Ya me estoy recuperando de las heridas y con ganas de reiniciar Diario de Cine. Ha sido una separación forzada pero con la llegada de la primavera inicio la recuperación y  las ganas de regresar al  trabajo.
Un saludo para todos.

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Alto en el camino

BAJA  INVOLUNTARIA

Un desdichacho accidente ha impedido que en las últimas  semanas pudiera actualizar este blog. No,  no estoy caído.  Pronto regresaré.

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La favorita (2018)

PELIGROSO MATRIARCADO

LA FAVORITA. Título original: The Favourite. Año: 2018. País: Reino Unido. Dirección: Yorgos Lanthimos. Reparto: Emma Stone (Abigail), Olivia Colman (Reina Ana), Rachel Weisz (Lady Sarah), Emma Delves (Sirvienta de la Reina), Faye Daveney (Sirvienta de Sarah), Jennifer White (Mrs Meg), LillyRose Stevens (Sally), Denise Mack (Cocinero), James Smith (Godolphin), Mark Gatiss (Lord Marlborough). Guion: Deborah Davis, Tony McNamara. Fotografía: Robbie Ryan. Coproducción Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos; Element Pictures / Scarlet Films / Film4 Productions / Waypoint Entertainment. Distribuida por Fox Searchlight. Duración:121 minutos.

 

Ana Estuardo (Londres, 6 de febrero de 1665 – 1 de agosto de 1714) fue reina de Inglaterra, Escocia e Irlanda desde el 8 de marzo de 1702 y de Gran Bretaña e Irlanda desde el 1 de mayo de 1707 (fecha en la cual Inglaterra y Escocia se unen en un solo reino), hasta su muerte. Es por esto por lo que Ana se convirtió en la primera soberana de Gran Bretaña. Fue la última soberana británica de la casa de los Estuardo.
La  favorita ha sido una de las sorpresas del  último año. No esperaba nada de este film excelente y con grandes dosis de inteligencia.Principios del siglo XVIII, la corte de la reina Ana Estuardo, una dama arruinada, Abigail (Emma Stone) se dirige al Palacio en busca de su prima Sarah (Rachel Weisz) para solicitarle un empleo como criada. Un empleo por debajo de sus aptitudes y de su antigua posición social.
Sarah es la favorita de la reina Ana con la que tiene una relación lésbica y desprecia  a la recién llegada prima…
Toda  la trama de esta película es simplemente sórdida. La degradación de Sarah es paralela al encumbramiento de Abigail. Intrigas y maldades serán la rutina palaciega servida con una fotografía oscura y siniestra.Un matriarcado feroz en el que millones de personas se juegan su destino  en manos de estas señoras ambiciosas y sin  escrúpulos.
Yorgos Lanthimos sabe crear este ambiente terrible, mezquino y ruin. Los deseos de las mayorias en manos de  intereses privados carentes de escrúpulos. Una gran película que dará mucho que hablar  en el futuro.

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Las amazonas del siglo XX (5)

MANIKARNIKA:
LA REINA DE JHANSI

Manikarnika: La Reina de Jhansi es una película biográfica histórica india basada en la vida de Rani Laxmibai de Jhansi. Está dirigida por Krish y Kangana Ranaut y producida por Zee Studios en asociación con Kamal Jain y Nishant Pitti. La película está protagonizada por Kangana Ranaut en el papel del título.
En España se  exhibe en  versión original subtitulada al castellano y se estrena el 25 de enero  de 2019.
Según Wikipedia la protagonista es Manikarnika Tambe (19 de noviembre de 1828-17​ o 18 de junio de 1858), más conocida como Lakshmibai, Lakshmi Bai,​ Laxmi Bai​ o la raní de Jhansi, tras su matrimonio con el maharajá Gangadhar Rao en 1842, fue reina del estado indio de Jhansi, del antiguo Imperio maratha (1674-1818), en el centro-norte de India. La raní Lakshmibai fue una de las figuras más destacadas de la Rebelión en la India de 1857 y de la resistencia al Raj británico.

En 1853, al fallecer el rajá Gangadhar Rao, la raní asumió la regencia de su hijo adoptivo, Damodar Rao. Sin embargo, la posterior anexión del estado de Jahnsi por el Raj británico, junto con la rebelión de los cipayos al servicio de la Compañía Británica de las Indias Orientales, la llevó a proclamar, el 14 de febrero de 1858, la lucha conjunta de todos los hindúes y musulmanes contra los británicos.
Tras la captura de la fortaleza de Jhansi por las fuerzas británicas, la raní pudo escapar hacia la fortaleza de Gwalior y aunque tras su asedio y captura por los británicos logró escapar de nuevo, gravemente herida, murió en el posterior enfrentamiento con sus perseguidores.
Nueva producción de Bollywood que ha obtenido un importante éxito en su país de origen. Mujeres como Manikarnika Tambe han proliferado a lo largo de la Historia. Los mismos británicos tuvieron a Boudica en la época de las invasiones romanas aunque en el presente caso los invasores son los mismos británicos en su época  imperialista.
La  película  es  muy espectacular, muy típica de Bollywood,  producciones que tienen su público en Occidente que quedará  satisfecho con las aventuras de nuestra heroína.

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Cine e Historia 20: el western español

EL GRAN OLVIDADO

El Virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del Norte por la Monarquía Hispánica durante la colonización española de América, entre los siglos XVI y XIX. Se originó tras la caída de México-Tenochtitlan, evento principal de la conquista, la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues su territorio siguió creciendo hacia el norte.
Incluyó lo que actualmente es México, más los actuales estados de California, Nevada, Colorado, Utah, Nuevo México, Arizona, Texas, Oregón, Washington, Florida y partes de Idaho, Montana, Wyoming, Kansas, Oklahoma y Luisiana, por parte de los actuales Estados Unidos; así como la parte suroeste de la Columbia Británica del actual Canadá; más la Capitanía General de Guatemala (que incluía los actuales países de Guatemala, el estado de Chiapas, Belice, Costa Rica, El Salvador, Honduras, Nicaragua); más la Capitanía General de Cuba (actuales Cuba, República Dominicana, Puerto Rico, Trinidad y Tobago y Guadalupe); así como, finalmente, la Capitanía General de Filipinas, (comprendiendo las Filipinas, las islas Carolinas y las islas Marianas, en el océano Pacífico, en Asia y Oceanía). Wikipedia.

La primera vez que vi Fort Apache (1948) de John Ford en versión original me llevé una gran sorpresa.Los nativos americanos, los apaches, hablaban español y necesitaban un traductor mexicano para comunicarse con los mismos en una ubicación radicada en la árida Arizona.
Indagué y  averigué que Arizona perteneció al Virreainato de España, que tuvo colonos españoles y que los misioneros enseñaron nuestra lengua a los indígenas. En los westerns se nos habla de caravanas que arriban a un territorio salvaje en donde sólo hay tribus que viven en sus tiendas de campaña y a los que exterminan como ratas pero la historia que nos cuentan es falsa.

Cuando los estadounidenses llegaron al Oeste ya había gente viviendo en sus tierras aparte de las tribus indígenas. Vivían los españoles primero y tras la independencia los mexicanos desde 1821. Poco duraron en estasituación. Desde 1848 se fueron anexionando a los Estados Unidos tras una guerra poco conocida en el cine.
Si vemos La diligencia (1939) de John Ford en una secuencia los protagonistas llegan a una venta que hablan español. La esposa del dueño, Yakima (Elvira Ríos), es hermana de un jefe indio, razón por la que los apaches no atacan la venta, y canta una canción en español y sus criados son también castellanoparlantes.
En varios libros y artículos se lamentan del olvido de esta parte de la historia y su falsificación en el tradicional western. Los  primeros cowboys  o vaqueros fueron españoles. Quedan sólo las películas de El Zorro o Joaquín Murrieta.

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El hombre que mató a Don Quijote (2018)

LA VIRTUD DE LA PERSEVERANCIA

EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE. Título original: The Man Who Killed Don Quixote. Año: 2018. País: Reino Unido. Director: Terry Gilliam. Reparto: Adam Driver (Toby), Jonathan Pryce (Don Quijote), Stellan Skarsgård (El Jefe), Olga Kurylenko (Jacqui), Joana Ribeiro (Angelica), Óscar Jaenada (Gitano), Jason Watkins (Rupert), Sergi López (Barbero), Jordi Mollà (Alexei Miiskin ), Rossy de Palma (La posadera). Guion: Terry Gilliam, Tony Grisoni (Novela: Miguel de Cervantes). Música: Roque Baños. Fotografía: Nicola Pecorini. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-España; Tornasol Films / Entre Chien et Loup / Ukbar Filmes / Proximus / Recorded Picture Company (RPC). Distribuida por Kinology / Amazon Video. Duración: 133 minutos.

El hombre que mató a Don Quijote (2018) fue un proyecto que costó 25 años levantarlo por el exMonty Python Terry Gilliam. El 2000 intentaron rodar la película con otro equipo pero las  circunstancias se lo impidieron. Más abajo hablamos extendidamente del tema por lo que a esas líneas nos remitimos.
Creímos que este proyecto nunca vería la luz pero finalmente Gilliam lo llevó a buen puerto y por fin se estrenó y proyecto. Malas críticas y fracaso de público pero una buena película que mereció rodarse y mejor fortuna de la que ha tenido.

Tras fallecer los actores previstos, John Hurt y Jean Rochefort, fue Jonathan Pryce el actor elegido para este papel que tanta mala suerte da a los actores que lo  han encarnado. Un relato barroco como todo Gilliam donde derrocha imaginación en su  puesta en escena aunque el guión es  algo tópico y tiene esa sensación de ya visto.
Gilliam  bucea entre épocas, mezcla la fantasía con la realidad. El Quijote es  un zapatero enloquecido o el auténtico caballero de la Triste Figura. La trama es algo confusa pero puro Gilliam. La España de charanga y pandereta que aún vive en la Edad Media, la España del tópico, un país atrasado e ingenuo.
En los programas de la  Monty Python siempre aparecía la inquisición española para organizar malos encuentros. La imagen negativa propia del Imperio Rival que intenta desacreditar a sus oponentes.
Pero quien ha leído la novela de Cervantes sabe que eso no es así. Don Quijote  es un idealista que lo ve todo como le conviene y es castigado por su error. La película no tiene la fuerza de anteriores Gilliam. No es Orson Welles pero es un excelente realizador. Algunas imágenes tienen su fuerza y otras son tenues. No es un director redondo pero sí interesante.
La película será más apreciada con el paso del tiempo. Segundas y terceras visión harán descubrir aspectos importantes y se convertirá en un clásico.
El Quijote por fin venció a los molinos. Gilliam hubiese sido un excelente adaptador de la novela de Cervantes si se lo hubiera propuesto pero su mirada es desmistificadora. Tal vez no entendió que el mismo texto del  manco de Lepanto es ya auténtica  desmitificación.

PERDIDOS EN LA MANCHA (2002)

PERDIDOS EN LA MANCHA. Título original: Lost in La Mancha. Año: 2002. País: Reino Unido. Dirección: Keith Fulton, Louis Pepe. Documental con Terry Gilliam, Jean Rochefort, Johnny Depp, Vanessa Paradis. Guion: Keith Fulton, Louis Pepe. Música: Miriam Cutler. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos. Duración: 89 minutos.

En el 2000, Terry Gilliam intentó rodar este film cerca de una base aerea donde el estruendo de los F16 arruinaban las tomas con su ruido ensordecedor.
Aparte, Jean Rochefort enfermó durante el rodaje y se tuvo que volver a París para su tratamiento. Años después se intentó rodar con John Hurt pero falleció y finalmente Jonathan Pryce se hizo cargo del  papel. 18  años son una diferencia grande de tiempo y Johnny Depp ya es mayor por lo que Adam Driver accedió al papel protagonista.
Keith Fulton  y Louis Pepe rodaron un making off contando todas las vicisitudes de este rodaje tan desafortunado.

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Something’s Got to Give (1962)

ALGO TIENE QUE DAR

Something’s Got to Give (1962) fue la última película de Marilyn Monroe. Inacabada  por los problemas que fue creando la actriz, siempre impuntual que durante días no aparecía en el rodaje. Sin embargo algunas escenas han permanecido en el recuerdo.  Sobretodo la  secuencia de la rubia actriz bañándose desnuda en la piscina.
Dirigida por George Cukor, en el reparto estaban Dean Martin,  Cyd Charisse, Tom Tryon,  John McGiver, Phil Silvers. Se trata de un remake de Mi mujer favorita (1940) de Garson Kanin con Irene Dunne, Cary Grant y Randolph Scott.  Curioso triángulo.
El guión de esta cinta se rodó un año después con otro equipo. Apártate, cariño (1963) de Michael Gordon con Doris Day y James Gardner.
Doris Day no era Marilyn ni mucho menos por lo que la película no es nada del otro jueves. El cinco de agosto de 1962 la famosa estrella apareció muerta, en circunstancias poco claras, y el proyecto que nos ocupa se suspendió definitivamente.
El siguiente film de la estrella, Ella y sus maridos (1964) acabó por interpretarla Shirley McLaine.
El argumento  de estas comedias es muy simple. Una bella mujer tiene un accidente de aviación y sus familiares no tienen noticias durante cinco años  por lo que un tribunal la declara oficialmente fallecida. Cuando el marido va a rehacer su vida con Cyd Charisse, en la misma boda aparece la mujer que ha estado perdida cinco años en una isla junto a un imponente galán (Tom Tryon).
Todo son enredos y comicidad. Las  secuencias que han sobrevivido al paso del tiempo son atractivas.  Cuando Marilyn regresa a su hogar sólo la reconoce el perro como en La Odisea con el héroe Ulises.
Marilyn es actualmente una figura mitificada pero en su época no tuvo buena fama. No vamos a criticar a  nadie pero comprendemos la actitud  de la productora desesperada por el comportamiento de la actriz.

Mi mujer favorita (1940) de Garson Kanin con Irene Dunne, Cary Grant y Randolph Scott. Tres  grandes actores para una genial comedia que merece revisarse.

Dean Martin y Cyd Charisse en el abortado remake Something’s Got to Give. Si me hubieran dejado elegir entre Charisse y Monroe me hubiera quedado con la primera. Es cuestión de gustos.

Doris Day en Apártate, cariño (1963)

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Chicho ya tiene su Goya

ENTREGA  DEL GOYA DE HONOR

Narciso Ibáñez Serrador con el Goya de Honor y sus dos hijos Alejandro y Pepa.

Primero fueron Narciso Ibáñez Cotanda y Consuelo Menta, dos actores de  vida errante padres de un hijo llamado Narciso Ibáñez Menta, actor desde la más tierna infancia. Emparejado con Pepita Serrador tuvieron un hijo, Narciso Ibáñez Serrador, más conocido como Chicho, que a su vez es padre del director Alejandro y de Pepa. La saga continúa.
Ayer  Chicho recibió el Goya de Honor por toda su carrera. Nos alegramos mucho desde este  Diario de Cine.
Los parabienes no terminan aquí. La productora Prointel ha finalizado el rodaje en Brasil de Urubú (2019) de la que  tenemos pocos datos. Clarice Alves es su protagonista y dirige Alejandro Ibáñez Nauta, el debutante hijo de Chicho que continúa la fenomenal saga artística.

Clara Alves y Alejandro Ibáñez Nauta en el rodaje de Urubu.

 

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