UN MUSICAL HISTÓRICO

WEST SIDE STORY. Título original: West Side Story. Año: 1961. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Wise, Jerome Robbins. Reparto: Natalie Wood (Maria), Richard Beymer (Tony), Russ Tamblyn (Riff), Rita Moreno (Anita), George Chakiris (Bernardo), Simon Oakland (Schrank), Ned Glass (Doc), William Bramley (Krupke), Tucker Smith (Ice), Tony Mordente (Action), David Winters (A-rab), Eliot Feld (Baby John), Bert Michaels (Snowboy), David Bean (Tiger), Robert Banas (Joyboy), Anthony ‘Scooter’ Teague (Big Deal), Harvey Evans (Mouthpiece), Tommy Abbott (Gee-Tar), Susan Oakes (Anybodys). Guion: Ernest Lehman. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins.Música: Leonard Bernstein. Letra: Stephen Sondheim. Fotografía: Daniel L. Fapp. Duración: 151 minutos. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

El estreno de la nueva versión de Steven Spielberg ha provocado el renacimiento de este monumento al cine musical que es West Side Story (1961) de Robert Wise y Jerome Robbins. Un título que en su día machacó la taquilla en todo el mundo tras su triunfo en Broadway. El estreno oficial neoyorquino tuvo lugar el 26 de septiembre de 1957 en el Winter Garden Theatre, con Larry Kert como Tony, Carol Lawrence como María, Chita Rivera como Anita, Ken Le Roy como Bernardo y Michael Callan como Riff. Producido por Robert E. Griffith y Harold Prince en asociación con Roger L. Stevens, el montaje reunió a un equipo creativo formado por Jerome Robbins en la dirección y coreografía, Oliver Smith en el diseño de escenografía, Irene Sharaff en el diseño de vestuario, Jean Rosenthal en el diseño de iluminación y Max Goberman en la dirección musical. Para el compositor Stephen Sondheim, autor de las letras de las canciones, West Side Story supuso su debut en los escenarios de Broadway.

West Side Story (1961)  es un clásico de sesenta años que a pesar del paso del tiempo conserva intacta toda su magia, ausente en la versión de 2021,  realizada con amor pero escasa fantasía. La versión original es en cambio una explosión de luz y de color. Natalie Wood llenaba la pantalla. No la dejaron cantar pero hablaba buen español en sus escasas oportunidades.
Algunos han criticado la película por su machismo pero si los Jets y los Sharks fueran feministas no habría película. Las bandas callejeras nunca se han distinguido por su lucidez. Son elementos negativos, lumpen marginados del sistema que desprecian.
La película reúne algunos nombres míticos del musical,  Rita Moreno y Russ Tamblyn. así como George Chakiris. Todos ellos brillantes en sus respectivos papeles.
Los bailes de Jerome Robbins influenciaron los espectáculos de danza en todo el mundo. Al igual que las canciones triunfaron y se convirtieron en populares, en su día sonaban por doquier. Lo que mas chocó de este film fueron sus pinceladas trágicas impropias de un género siempre optimista, alegre y dicharachero.
El personaje central, María (Natalie Wood), sufre una profunda transformación. De ser una ingenua muchacha se convierte en una mujer fuerte, con carácter, arrastrada por el odio y la intolerancia del entorno.
Muy bella película irrepetible y madura. Un musical único, uno de los mejores jamás filmados.

EXCELENTE VERSIÓN

WEST SIDE STORY. Título original: West Side Story. Año: 2021. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Spielberg. Reparto: Ansel Elgort (Tony), Rachel Zegler (María), Ariana DeBose (Anita), David Alvarez (Bernardo), Rita Moreno (Valentina), Brian d’Arcy James (oficial Krupke), Corey Stoll (teniente Schrank), Mike Faist (Riff), Josh Andrés Rivera (Chino), Iris Menas (Cualquiera), David Aviles Morales (Aníbal), Sebastian Serra (Braulio ). Guion: Tony Kushner. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins. Música: Leonard Bernstein. Canciones: Stephen Sondheim. Fotografía: Janusz Kaminski. Duración: 156 minutos. Amblin Entertainment, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios

Producida hace sesenta años, West Side Story es uno de los más incuestionables clásicos de la Historia del Cine. Un film casi perfecto, tal vez demasiado Hollywood, sinónimo de paraíso artificial y producción demasiado perfecta. No importa que no hubiera actores hispanos, sólo la genial Rita Moreno, y que todo el reparto fuera doblado en las canciones. Richard Beymer era algo so sito pero Natalie Wood llenaba la pantalla.
West Side Story procede del teatro, una recreación moderna de Romeo y Julieta transportada a un barrio conflictivo de Nueva York. Se pensó en un principio en enfrentamientos de bandas de blancos y negros, pero entonces se consideró demasiado arriesgado y al final se decidió incluir bandas latinas, puertorriqueños, un colectivo poco integrado en Estados Unidos. Antigua provincia española que anhela volver a los brazos de su Madre Patria.
El resultado triunfó en las salas y después en el cine, pero eso es ya otra historia.

Este film de Spielberg no ha gozado de las mieles del éxito popular.  El en otro tiempo Rey Midas de Hollywood ha pinchado en taquilla. Hace tiempo que no goza del favor popular pero eso no quita la validez de su cine. Este West Side Story tendrá más éxito en discos Blu-ray o DVD, en plataformas digitales,más que en salas cinematográficas.
Las salas son más para filmes espectaculares y hay público que prefiere la intimidad de una plataforma o un disco que se puede disfrutar en familia ocon las amistades.
Referente al film ue nos ocupa, puede que moleste la problemática. Conflictos entre bandas rivales,  puertorriqueños contra polacos, no anglosajones. Un conflicto absurdo y extraño.
A diferencia de la versión 1961, los actores cantan con sus propias voces y son auténticos hispanos. Algunos de raza negra, en el mundo latino el color de la piel no tiene tanta importancia. Esta versión es mucho más creíble que la clásica de toda la vida pero carece de su magia.
Las canciones son bellas y están bien adaptadas a su entorno. Salvo Rita Moreno, el elenco es desconocido pero suponemos que se convertirán en grandes estrellas de la pantalla.

EL OCASO DE LOS CLÁSICOS

FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO. Título original: Frankenstein Meets the Wolf Man. Año:1943. País: Estados Unidos. Dirección: Roy William Neill. Reparto: Bela Lugosi (Mónstruo), Lon Chaney Jr (El Hombre Lobo – Lawrence Talbot), Ilona Massey (Baronesa Elsa Frankenstein), Patric Knowles (Dr. Frank Mannering), Lionel Atwill (Alcalde), Maria Ouspenskaya (Maleva), Adia Kuznetzoff (Cantante del Festival), Dennis Hoey (Inspector Owen), Don Barclay (Franzec), Rex Evans (Vazec), Dwight Frye (Rudi), Harry Stubbs (Guno). Guion: Curt Siodmak. Música: Hans J. Salter. Fotografía: George Robinson (B&W). Duración: 74 minutos. Universal Pictures

Machacada en todas las historias de cine porque es un refrito, Frankenstein y el hombre lobo aporta algo queden la actualidad es llamada con el anglicismo, crossover,  pero en español correcto cruce.
Cruce de la serie Frankenstein que inauguró la mítica El doctor Frankenstein  con Boris Karloff y El Hombre lobo con Lon Chaney jr. Pero en 1943, con una horrible guerra mundial, los monstruos clásicos dejaron de asustar porque se vivía un terrible horror con la cruenta contienda y nuestros antihéroes se habían vuelto obsoletos.
La Universal decidió juntar los  monstruos en una misma película, inventando el llamado cruce. La falta de presupuesto puso en marcha una producción sencilla pero simpática, no tan mala como se ha-escrito. Te diviertes y te lo pasas bien. Además recuperas la ambientación impagable de la Universal.
El monstruo de Frankenstein lo interpreta Bela Lugosi en horas bajas. En 1931 había rodado una bobina de prueba dirigido por Robert Florey dela quemada se ha sabido. Insatisfecho con el resultado Lugosi renunció al papel. Pero en 1943 las circunstancias cambiaron y finalmente se puso el maquillaje que había rechazado.

Bela Lugosi fue la primera opción para interpretar la criatura de Frankenstein en la Universal, rodó una bobina dirigida por Robert Florey pero el actor húngaro no se gustó y rechazó el papel que encumbró a Boris Karloff. En 1943 en su declive, del que no hablaremos por decoro, no tuvo otra alternativa que aceptarlo.
De hecho no está mal en su interpretación salvo que el guion, por problemas económicos y circunstanciales, es muy pobre y no le da ninguna oportunidad de mostrar su indudable genio.
Curt Siodmak, el guionista tenía un presupuesto demasiado ajustado. Curt era hermano del director Robert Siodmak, de grata memoria. Era un hombre muy afable que conocí en Sitges 1987, mi último año en ese festival,y era un caballero muy educado y muy simpático.
La película no aburre, tiene su gracia. Muy precipitada pero en la actualidad es entrañable y grata de ver. Con más medios sería genial pero la guerra mundial era entonces prioritaria.

LA GRAN ÉPOCA DE KEATON

EL BOXEADOR. Título original: Battling Butler. Año: 1926. País: Estados Unidos. Dirección: Buster Keaton. Reparto: Buster Keaton (Alfred Butler), Snitz Edwards (el sirviente de Alfred), Sally O’Neil (la Montañesa), Walter James (padre de la Montañesar), Budd Fine (hermano de la Montañesa), Francis McDonald (Alfred ‘Battling’ Butler, el boxeador), Mary O’Brien (la mujer de Battling Butler), Tom Wilson (entrenador), Eddie Borden (Mánager). Guion: Al Boasberg, Lex Neal, Charles Smith, Paul Girard Smith. Fotografía: Bert Haines, Dev Jennings (B&W). Duración: 71 minutod. Productora: Buster Keaton, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Los años veinte fueron los  mejores para el gran Buster Keaton repitiendo aquí su papel de millonario parásito e inútil como en El Navegante y Reclutas, en las que es rechazado por la mujer que ama por su vacuidad. Keaton debe  hacer méritos para conquistar al adorado ser que reina en su corazón.
La lucha para conseguir su amor es una constante de su filmografía.

Buster Keaton parece no simpatizar mucho con el mundo del pugilismo. En El boxeador, juega al equívoco. Se enamora de una montañesa con padre y hermano garrulos que lo rechazan por flojucho. Para impresionarlos fingirá ser el famoso boxeador que lleva su mismo nombre, Alfred Butler.
El equívoco originará una farsa y unas cuantas secuencias cómicas. Nos encontramos ante un film menor, sencillo, que parece necesitar un rodaje relajante con escaso esfuerzo.
Aún así su genio emerge con fuerza. Nos encontramos con buenas secuencias en las que nuestro héroe se luce.  El rodaje de El maquinista de la General le estaba esperando, una obra maestra y su ruina económica que le llevó a las desafortunadas puertas de la Metro.

RECUERDOS DE
UN INFELIZ PASADO

PEPPERMINT FRAPPÉ. Título original: Peppermint Frappé. Año: 1967. País: España. Dirección: Carlos Saura. Reparto: Geraldine Chaplin (Elena / Ana / Mujer de Calanda), José Luis López Vázquez (Julián), Alfredo Mayo (Pablo), Emiliano Redondo (Arturo), María José Charfole (Niña), Francisco Venegas (Niño), Pedro Luis Lozano (Niño), Víctor Manuel Moreno (Niño), Ana María Custodio (La madre de Pablo), Fernando Sánchez Polack (Paciente). Guion: Carlos Saura, Rafael Azcona, Angelino Fons. Argumento: Carlos Saura. Música: Luis de Pablo. Fotografía: Luís Cuadrado. Productora: Elías Querejeta. Duración: 92 minutos.
1968: Festival de Berlín: Oso de Plata – Mejor director.

Hay mucho que hablar de Peppermint Frappé (1967), una película que está muy ligada a mi adolescencia y que me trae muchos recuerdos de mi lejano pasado. Algunos muy felices, otros muy tristes.
Este filme de Carlos Saura fue seleccionado para concursar en el Festival de Cannes de 1968, coincidiendo con la revuelta de Mayo 68. Al iniciarse la proyección un grupo de manifestantes, entre los que se incluían François Truffaut y Jean-Luc Godard bajaron el telón y suspendieron la proyección. Saura retiró la película del Festival que se suspendió en aquel momento.

Charlie Chaplin, padre de la actriz Geraldine Chaplin, no estaba satisfecho con la carrera cinematográfica de su hija hasta que vio una copia de Peppermint Frappé. Entonces cambió de opinión y consideró a Geraldine una actriz competente.

José Luis López Vázquez en aquella época era un cómico muy famoso que gustaba al público y que la crítica detestaba. Mucha gente fue ver esta película creyendo que se trataba de una comedia cómica y se quedó decepcionado al verle en un papel serio. Peppermint Frappé fue su reciclaje como actor y reinicio de una carrera repleta de gloria.

Esta película es un cálido homenaje a Luis Buñuel, director insignia del cine español, como lo demuestra la aparición de los tambores de Calanda en donde nació el genial cineasta.
El argumento gira alrededor de una obsesión.Un médico descubre que su mejor amigo se ha casado con una bella rubia que recuerda una mujer que participó en una tamborrada tenla mencionada población aragonesa. En su consulta trabaja una enfermera de provincias, morena, muy parecida también a la chica del tambor.
La producción es muy sencilla pero está muy cuidada gracias a la labor de Luis Cuadrado. Se trata de una película de atmósfera, de ambiente decadente.Ese balneario abandonado y ruinoso usen decorado muy adecuado.
Los actores están soberbios, el ex galán Alfredo Mayo y José Luis López Vázquez están soberbios. También Geraldine Chaplin aunque la prefiero de enfermera, un personaje mucho más complejo y atractivo al que se le ha dado muy poca importancia.
Peppermint Frappé es una película que nos devuelve los esfuerzos de unos heroicos cineastas para superar al encorsetado franquismo. Muestra del llamado Nuevo Cine Español. En aquella época hubo una eclosión de cine joven como el Free Cinema británico, la Nouvelle Vague francesa, el Cinema Nuovo brasileño. Fue una eclosión, un Big Band cinéfilo que nos dio grandes obras y grandes autores. Nunca se ha repetido un fenómeno semejante en la Historia del Cine porque el espíritu de rebeldía que lo sustentó está ausente de nuestro presente.