La favorita (2018)

PELIGROSO MATRIARCADO

LA FAVORITA. Título original: The Favourite. Año: 2018. País: Reino Unido. Dirección: Yorgos Lanthimos. Reparto: Emma Stone (Abigail), Olivia Colman (Reina Ana), Rachel Weisz (Lady Sarah), Emma Delves (Sirvienta de la Reina), Faye Daveney (Sirvienta de Sarah), Jennifer White (Mrs Meg), LillyRose Stevens (Sally), Denise Mack (Cocinero), James Smith (Godolphin), Mark Gatiss (Lord Marlborough). Guion: Deborah Davis, Tony McNamara. Fotografía: Robbie Ryan. Coproducción Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos; Element Pictures / Scarlet Films / Film4 Productions / Waypoint Entertainment. Distribuida por Fox Searchlight. Duración:121 minutos.

 

Ana Estuardo (Londres, 6 de febrero de 1665 – 1 de agosto de 1714) fue reina de Inglaterra, Escocia e Irlanda desde el 8 de marzo de 1702 y de Gran Bretaña e Irlanda desde el 1 de mayo de 1707 (fecha en la cual Inglaterra y Escocia se unen en un solo reino), hasta su muerte. Es por esto por lo que Ana se convirtió en la primera soberana de Gran Bretaña. Fue la última soberana británica de la casa de los Estuardo.
La  favorita ha sido una de las sorpresas del  último año. No esperaba nada de este film excelente y con grandes dosis de inteligencia.Principios del siglo XVIII, la corte de la reina Ana Estuardo, una dama arruinada, Abigail (Emma Stone) se dirige al Palacio en busca de su prima Sarah (Rachel Weisz) para solicitarle un empleo como criada. Un empleo por debajo de sus aptitudes y de su antigua posición social.
Sarah es la favorita de la reina Ana con la que tiene una relación lésbica y desprecia  a la recién llegada prima…
Toda  la trama de esta película es simplemente sórdida. La degradación de Sarah es paralela al encumbramiento de Abigail. Intrigas y maldades serán la rutina palaciega servida con una fotografía oscura y siniestra.Un matriarcado feroz en el que millones de personas se juegan su destino  en manos de estas señoras ambiciosas y sin  escrúpulos.
Yorgos Lanthimos sabe crear este ambiente terrible, mezquino y ruin. Los deseos de las mayorias en manos de  intereses privados carentes de escrúpulos. Una gran película que dará mucho que hablar  en el futuro.

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Las amazonas del siglo XX (5)

MANIKARNIKA:
LA REINA DE JHANSI

Manikarnika: La Reina de Jhansi es una película biográfica histórica india basada en la vida de Rani Laxmibai de Jhansi. Está dirigida por Krish y Kangana Ranaut y producida por Zee Studios en asociación con Kamal Jain y Nishant Pitti. La película está protagonizada por Kangana Ranaut en el papel del título.
En España se  exhibe en  versión original subtitulada al castellano y se estrena el 25 de enero  de 2019.
Según Wikipedia la protagonista es Manikarnika Tambe (19 de noviembre de 1828-17​ o 18 de junio de 1858), más conocida como Lakshmibai, Lakshmi Bai,​ Laxmi Bai​ o la raní de Jhansi, tras su matrimonio con el maharajá Gangadhar Rao en 1842, fue reina del estado indio de Jhansi, del antiguo Imperio maratha (1674-1818), en el centro-norte de India. La raní Lakshmibai fue una de las figuras más destacadas de la Rebelión en la India de 1857 y de la resistencia al Raj británico.

En 1853, al fallecer el rajá Gangadhar Rao, la raní asumió la regencia de su hijo adoptivo, Damodar Rao. Sin embargo, la posterior anexión del estado de Jahnsi por el Raj británico, junto con la rebelión de los cipayos al servicio de la Compañía Británica de las Indias Orientales, la llevó a proclamar, el 14 de febrero de 1858, la lucha conjunta de todos los hindúes y musulmanes contra los británicos.
Tras la captura de la fortaleza de Jhansi por las fuerzas británicas, la raní pudo escapar hacia la fortaleza de Gwalior y aunque tras su asedio y captura por los británicos logró escapar de nuevo, gravemente herida, murió en el posterior enfrentamiento con sus perseguidores.
Nueva producción de Bollywood que ha obtenido un importante éxito en su país de origen. Mujeres como Manikarnika Tambe han proliferado a lo largo de la Historia. Los mismos británicos tuvieron a Boudica en la época de las invasiones romanas aunque en el presente caso los invasores son los mismos británicos en su época  imperialista.
La  película  es  muy espectacular, muy típica de Bollywood,  producciones que tienen su público en Occidente que quedará  satisfecho con las aventuras de nuestra heroína.

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Cine e Historia 20: el western español

EL GRAN OLVIDADO

El Virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del Norte por la Monarquía Hispánica durante la colonización española de América, entre los siglos XVI y XIX. Se originó tras la caída de México-Tenochtitlan, evento principal de la conquista, la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues su territorio siguió creciendo hacia el norte.
Incluyó lo que actualmente es México, más los actuales estados de California, Nevada, Colorado, Utah, Nuevo México, Arizona, Texas, Oregón, Washington, Florida y partes de Idaho, Montana, Wyoming, Kansas, Oklahoma y Luisiana, por parte de los actuales Estados Unidos; así como la parte suroeste de la Columbia Británica del actual Canadá; más la Capitanía General de Guatemala (que incluía los actuales países de Guatemala, el estado de Chiapas, Belice, Costa Rica, El Salvador, Honduras, Nicaragua); más la Capitanía General de Cuba (actuales Cuba, República Dominicana, Puerto Rico, Trinidad y Tobago y Guadalupe); así como, finalmente, la Capitanía General de Filipinas, (comprendiendo las Filipinas, las islas Carolinas y las islas Marianas, en el océano Pacífico, en Asia y Oceanía). Wikipedia.

La primera vez que vi Fort Apache (1948) de John Ford en versión original me llevé una gran sorpresa.Los nativos americanos, los apaches, hablaban español y necesitaban un traductor mexicano para comunicarse con los mismos en una ubicación radicada en la árida Arizona.
Indagué y  averigué que Arizona perteneció al Virreainato de España, que tuvo colonos españoles y que los misioneros enseñaron nuestra lengua a los indígenas. En los westerns se nos habla de caravanas que arriban a un territorio salvaje en donde sólo hay tribus que viven en sus tiendas de campaña y a los que exterminan como ratas pero la historia que nos cuentan es falsa.

Cuando los estadounidenses llegaron al Oeste ya había gente viviendo en sus tierras aparte de las tribus indígenas. Vivían los españoles primero y tras la independencia los mexicanos desde 1821. Poco duraron en estasituación. Desde 1848 se fueron anexionando a los Estados Unidos tras una guerra poco conocida en el cine.
Si vemos La diligencia (1939) de John Ford en una secuencia los protagonistas llegan a una venta que hablan español. La esposa del dueño, Yakima (Elvira Ríos), es hermana de un jefe indio, razón por la que los apaches no atacan la venta, y canta una canción en español y sus criados son también castellanoparlantes.
En varios libros y artículos se lamentan del olvido de esta parte de la historia y su falsificación en el tradicional western. Los  primeros cowboys  o vaqueros fueron españoles. Quedan sólo las películas de El Zorro o Joaquín Murrieta.

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El hombre que mató a Don Quijote (2018)

LA VIRTUD DE LA PERSEVERANCIA

EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE. Título original: The Man Who Killed Don Quixote. Año: 2018. País: Reino Unido. Director: Terry Gilliam. Reparto: Adam Driver (Toby), Jonathan Pryce (Don Quijote), Stellan Skarsgård (El Jefe), Olga Kurylenko (Jacqui), Joana Ribeiro (Angelica), Óscar Jaenada (Gitano), Jason Watkins (Rupert), Sergi López (Barbero), Jordi Mollà (Alexei Miiskin ), Rossy de Palma (La posadera). Guion: Terry Gilliam, Tony Grisoni (Novela: Miguel de Cervantes). Música: Roque Baños. Fotografía: Nicola Pecorini. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-España; Tornasol Films / Entre Chien et Loup / Ukbar Filmes / Proximus / Recorded Picture Company (RPC). Distribuida por Kinology / Amazon Video. Duración: 133 minutos.

El hombre que mató a Don Quijote (2018) fue un proyecto que costó 25 años levantarlo por el exMonty Python Terry Gilliam. El 2000 intentaron rodar la película con otro equipo pero las  circunstancias se lo impidieron. Más abajo hablamos extendidamente del tema por lo que a esas líneas nos remitimos.
Creímos que este proyecto nunca vería la luz pero finalmente Gilliam lo llevó a buen puerto y por fin se estrenó y proyecto. Malas críticas y fracaso de público pero una buena película que mereció rodarse y mejor fortuna de la que ha tenido.

Tras fallecer los actores previstos, John Hurt y Jean Rochefort, fue Jonathan Pryce el actor elegido para este papel que tanta mala suerte da a los actores que lo  han encarnado. Un relato barroco como todo Gilliam donde derrocha imaginación en su  puesta en escena aunque el guión es  algo tópico y tiene esa sensación de ya visto.
Gilliam  bucea entre épocas, mezcla la fantasía con la realidad. El Quijote es  un zapatero enloquecido o el auténtico caballero de la Triste Figura. La trama es algo confusa pero puro Gilliam. La España de charanga y pandereta que aún vive en la Edad Media, la España del tópico, un país atrasado e ingenuo.
En los programas de la  Monty Python siempre aparecía la inquisición española para organizar malos encuentros. La imagen negativa propia del Imperio Rival que intenta desacreditar a sus oponentes.
Pero quien ha leído la novela de Cervantes sabe que eso no es así. Don Quijote  es un idealista que lo ve todo como le conviene y es castigado por su error. La película no tiene la fuerza de anteriores Gilliam. No es Orson Welles pero es un excelente realizador. Algunas imágenes tienen su fuerza y otras son tenues. No es un director redondo pero sí interesante.
La película será más apreciada con el paso del tiempo. Segundas y terceras visión harán descubrir aspectos importantes y se convertirá en un clásico.
El Quijote por fin venció a los molinos. Gilliam hubiese sido un excelente adaptador de la novela de Cervantes si se lo hubiera propuesto pero su mirada es desmistificadora. Tal vez no entendió que el mismo texto del  manco de Lepanto es ya auténtica  desmitificación.

PERDIDOS EN LA MANCHA (2002)

PERDIDOS EN LA MANCHA. Título original: Lost in La Mancha. Año: 2002. País: Reino Unido. Dirección: Keith Fulton, Louis Pepe. Documental con Terry Gilliam, Jean Rochefort, Johnny Depp, Vanessa Paradis. Guion: Keith Fulton, Louis Pepe. Música: Miriam Cutler. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos. Duración: 89 minutos.

En el 2000, Terry Gilliam intentó rodar este film cerca de una base aerea donde el estruendo de los F16 arruinaban las tomas con su ruido ensordecedor.
Aparte, Jean Rochefort enfermó durante el rodaje y se tuvo que volver a París para su tratamiento. Años después se intentó rodar con John Hurt pero falleció y finalmente Jonathan Pryce se hizo cargo del  papel. 18  años son una diferencia grande de tiempo y Johnny Depp ya es mayor por lo que Adam Driver accedió al papel protagonista.
Keith Fulton  y Louis Pepe rodaron un making off contando todas las vicisitudes de este rodaje tan desafortunado.

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Something’s Got to Give (1962)

ALGO TIENE QUE DAR

Something’s Got to Give (1962) fue la última película de Marilyn Monroe. Inacabada  por los problemas que fue creando la actriz, siempre impuntual que durante días no aparecía en el rodaje. Sin embargo algunas escenas han permanecido en el recuerdo.  Sobretodo la  secuencia de la rubia actriz bañándose desnuda en la piscina.
Dirigida por George Cukor, en el reparto estaban Dean Martin,  Cyd Charisse, Tom Tryon,  John McGiver, Phil Silvers. Se trata de un remake de Mi mujer favorita (1940) de Garson Kanin con Irene Dunne, Cary Grant y Randolph Scott.  Curioso triángulo.
El guión de esta cinta se rodó un año después con otro equipo. Apártate, cariño (1963) de Michael Gordon con Doris Day y James Gardner.
Doris Day no era Marilyn ni mucho menos por lo que la película no es nada del otro jueves. El cinco de agosto de 1962 la famosa estrella apareció muerta, en circunstancias poco claras, y el proyecto que nos ocupa se suspendió definitivamente.
El siguiente film de la estrella, Ella y sus maridos (1964) acabó por interpretarla Shirley McLaine.
El argumento  de estas comedias es muy simple. Una bella mujer tiene un accidente de aviación y sus familiares no tienen noticias durante cinco años  por lo que un tribunal la declara oficialmente fallecida. Cuando el marido va a rehacer su vida con Cyd Charisse, en la misma boda aparece la mujer que ha estado perdida cinco años en una isla junto a un imponente galán (Tom Tryon).
Todo son enredos y comicidad. Las  secuencias que han sobrevivido al paso del tiempo son atractivas.  Cuando Marilyn regresa a su hogar sólo la reconoce el perro como en La Odisea con el héroe Ulises.
Marilyn es actualmente una figura mitificada pero en su época no tuvo buena fama. No vamos a criticar a  nadie pero comprendemos la actitud  de la productora desesperada por el comportamiento de la actriz.

Mi mujer favorita (1940) de Garson Kanin con Irene Dunne, Cary Grant y Randolph Scott. Tres  grandes actores para una genial comedia que merece revisarse.

Dean Martin y Cyd Charisse en el abortado remake Something’s Got to Give. Si me hubieran dejado elegir entre Charisse y Monroe me hubiera quedado con la primera. Es cuestión de gustos.

Doris Day en Apártate, cariño (1963)

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Chicho ya tiene su Goya

ENTREGA  DEL GOYA DE HONOR

Narciso Ibáñez Serrador con el Goya de Honor y sus dos hijos Alejandro y Pepa.

Primero fueron Narciso Ibáñez Cotanda y Consuelo Menta, dos actores de  vida errante padres de un hijo llamado Narciso Ibáñez Menta, actor desde la más tierna infancia. Emparejado con Pepita Serrador tuvieron un hijo, Narciso Ibáñez Serrador, más conocido como Chicho, que a su vez es padre del director Alejandro y de Pepa. La saga continúa.
Ayer  Chicho recibió el Goya de Honor por toda su carrera. Nos alegramos mucho desde este  Diario de Cine.
Los parabienes no terminan aquí. La productora Prointel ha finalizado el rodaje en Brasil de Urubú (2019) de la que  tenemos pocos datos. Clarice Alves es su protagonista y dirige Alejandro Ibáñez Nauta, el debutante hijo de Chicho que continúa la fenomenal saga artística.

Clara Alves y Alejandro Ibáñez Nauta en el rodaje de Urubu.

 

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Senso (1954) de Luchino Visconti

CORAZÓN DE  MUJER

SENSO. Título original: Senso. Año: 1954. País: Italia. Dirección: Luchino Visconti. Reparto: Alida Valli (La condesa Livia Serpieri), Farley Granger (Teniente Franz Mahler), Massimo Girotti (el marqués Roberto Ussoni), Heinz Moog (el conde Serpieri), Rina Morelli (Laura, la ama de llaves), Christian Marquand (un oficial bohemio), Sergio Fantoni (Luca), Tino Bianchi (el capitán Meucci), Ernst Nadherny (el conmandante de la plaza de Verona), Tonio Selwart (el coronel Kleist), Marcella Mariani (Clara, la prostituta). Guion: Suso Cecchi d’Amico, Luchino Visconti, Paul Bowles, Tennessee Williams (Novela: Camillo Boito). Fotografía: G.R. Aldo, Robert Krasker. Lux Film. Duración: 115 minutos.

Senso  es un exquisito melodrama dirigido por el maestro Visconti. Me encanta como los italianos tratan de maestros a sus cineastas, todo lo contrario de la España tan esperpéntica que conocemos que detesta cualquier muestra de cultura y olvida a sus mejores realizadores.
Ambientada en la misma época que El Gatopardo pero  en el norte de Italia. La ocupación austriaca y la lucha por la independencia a cargo de Giuseppe Garibaldi (Niza, 4 de julio de 1807-Caprera, 2 de junio de 1882).
El tormentoso drama de una aristócrata ya madura y aburrida con su destino enamorada de un joven espejismo (Farley Granger) se quiso rodar con Ingrid Bergman (entonces esposa  de Roberto Rosellini que se negó a cederla) y con María Félix que hubiera estado fantástica pero las leyes italianas que sólo dejaban rodar una película al año a los actores extranjeros se  lo  impidieron.
Finalmente la actriz y cantante Alida Valli (Alida Maria Laura von Altenburger, Pola, Reino de Italia, hoy Croacia, 31 de mayo de 1921 – Roma, Italia, 22 de abril de 2006) se hizo con el papel, logrando una de sus  mejores actuaciones, tal  vez la intérprete más  adecuada por  ser en la vida real la Baronesa Alida Maria Laura Altenburger von Marckenstein-Frauenberg del Sacro Romano Imperio de la Nación Alemana.
El director Luchino Visconti di Modrone, conde de Lonate Pozzolo (Milán, 2 de noviembre de 1906 – Roma, 17 de marzo de 1976) fue un aristócrata desclasado. Aristócrata, homosexual y además marxista. Su filmografía es  de las mejores del cine mundial y es una de las figuras más queridas en este Diario de Cine.

Visconti sabía crear como nadie la muerte de un mundo, la aristocracia ociosa y parasita que durante siglos había regido los destinos del mundo occidental. Destaca su exquisita puesta en escena, esos decorados,  esos movimientos de masas en las guerras garibaldinas presente en ambos filmes aqui citados.
Se retrata el punto de vista de una clase traidora  a Italia por colaborar con el invasor. Las primeras secuencias nos traslada a una representación de ópera con gran bullicio en el gallinero (los pisos más altos del teatro con las entradas más económicas y presencia de espectadores de clase humilde) con sediciosos patriotas lanzando octavillas propagandísticas al patio de butaca donde abundaban los militares austriacos y sus cómplices aristocráticos italianos.
En este ambiente nos encontramos con una historia de desamor o mejor dicho de amor interesado. La condesa busca un revulsivo a su monótona existencia y el joven teniente medios económicos para vivir sus aventuras con prostitutas jóvenes y apetecibles.
Con sumo detalle Visconti nos describe la traición de ambos a sus países y a ellos mismos. La utilización de lujosos decorados en los que vive la aristocracia, su opulencia que nos les da la felicidad. Al  contrario, son seres tristes y amargados. Parásitos que viven de los impuestos de sus pueblos, de sus rentas y demás estipendios. Una clase poco productiva a punto de ser sustituida por una burguesía más dinámica pero vulgar.
Es la muerte de un mundo que no ha servido para nada. El de los grandes señores arrogantes con su gran complejo de superioridad, su infantil egoísmo que les lleva a su desaparición como clase dominante.
Una gran película de un gran cineasta.

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Ladrón de bicicletas (1948)

NEORREALISMO ITALIANO

LADRÓN DE BICICLETAS. Título original: Ladri di biciclette. Año: 1948. País: Italia. Dirección: Vittorio De Sica. Reparto: Lamberto Maggiorani (Antonio Ricci), Enzo Staiola (Bruno Ricci, hijo de Antonio), Lianella Carell (Maria Ricci, esposa de Antonio), Gino Saltamerenda (Baiocco, amigo de Antonio), Vittorio Antonucci (Alfredo Catelli, el ladrón), Giulio Chiari (Mendigo), Elena Altieri (La señora de caridad), Carlo Jachino (Mendigo), Michele Sakara (El Secretario de la Organización de la Caridad). Guion: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Gherardo Gherardi, Suso Cecchi D’Amico, Oreste Biancoli, Adolfo Franci, Gerardo Guerrieri (Novela: Luigi Bartolini). Música: Alessandro Cicognini. Fotografía: Carlo Montuori (B&W). Produzioni De Sica (PDS). Duración: 93 minutos.

Acabada la Segunda Guerra Mundial, los países que participaron en ella acabaron en la ruina económica y moral. Sin grandes lujos, la cinematografía italiana al no poder hacer frente a los enormes gastos de producción de un rodaje sacó las cámaras a la calle e intentó dar un nuevo punto de vista a las películas de la época. Ese estilo se llamó neorrealismo.
Su objetivo fue mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical de la Italia fascista (1922-1945). Ese término fue obra del crítico Umberto Barbaro y se considera a Roma ciudad abierta, de Roberto Rossellini,la primera película de este nuevo género.
Vittorio Domenico Stanislao Gaetano Sorano De Sica (Sora, 7 de julio de 1901-Neuilly-sur-Seine, Francia, 13 de noviembre de 1974) fue un actor y director de cine italiano ganador de cuatro Premios Óscar. Se le conoció como Vittorio De Sica, actor muy popular en su tiempo. En 1946 rodó El limpiabotas  con actores no profesionales y en 1948 la que nos ocupa, Ladrón de bicicletas, una de las películas favoritas de los cine clubs y de los críticos de la época y considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.

Vista en la actualidad, una época de crisis económica, la película no puede ser más oportunda. Nos encontramos con un  país destrozado por la guerra, la gente sobrevive como puede. Entonces no había emigrantes porque la miseria era nacional.
De Sica hace un retrato certero de una época. Pese a la irrupción de la censura que eliminó varias escenas y añadió un esperanzador comentario al final para dulcificar el agrio argumento de la película.
Un obrero en paro encuentra trabajo de fijador de carteles pero para ejercerlo necesita una bicicleta para  desplazarse por Roma. Sin la bicicleta pierde el empleo y su único medio de ganarse la vida.
El retrato de la época,  en agreste blanco y negro, es  muy duro. El obrero trata de recuperar su bicicleta y es objeto de desidia por parte de la policía y de burla por los cómplices  del ladrón.
A pesar de los  setenta años de la fecha de rodaje, su contenido sigue siendo actual. Continúa el paro y la miseria en nuestra sociedad.
Cuando yo era niño detestaba esta clase  de películas porque me hacían sufrir mucho y en la actualidad reconozco sus méritos y sus valores. Todavía me deprimen pero  actualmente soy más comprensivo con sus argumentos.
Parece que la miseria, la precariedad económica, es muy dificil de erradicar. En aquella época como consecuencia de la guerra, actualmente por la corrupción económica y política que ha hundido multitud de familias en la más radical pobreza.
De Sica sabe llegar al alma del espectador porque en realidad le está contando su historia. Le está mostrando un espejo en el cual nos vemos a nosotros mismos y su imagen nos desagrada profundamente.
Ladrón de bicicletas es un cine necesario para despertar conciencias adormiladas por el sopor de la sociedad de consumo. La comodidad nos ha cegado y no nos deja ver la realidad del mundo que vivimos.
Una gran película que se merece su revisión.

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Basada en hechos reales (2017)

EL DURO OFICIO DE ESCRITOR

BASADA EN HECHOS REALES. Título original: D’après une histoire vraie. Año: 2017. Paises: Francia, Bélgica, Polonia. Dirección: Roman Polanski. Reparto: Emmanuelle Seigner (Delphine Dayrieux), Eva Green (Elle), Vincent Perez (François), Dominique Pinon (Raymond), Camille Chamoux (Oriane, jefe de prensa), Brigitte Roüan (La documentalista del liceo), Josée Dayan (Karina), Noémie Lvovsky (La comisaria de la exposición), Leonello Brandolini (El editor italiano), Elisabeth Quin (La periodista), Damien Bonnard (El ingeniero de sonido), Saadia Bentaïeb (Jeanne), Véronique Vasseur (La madre de Delphine), Stanislas Moreau (El camarero), Valérie de Monza (Mujer salón del libro). Guion: Olivier Assayas, Roman Polanski (Novela: Delphine de Vigan). Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Coproducción Francia-Bélgica; Wy Productions / Belga Productions / Belga Films Fund. Duración:110 minutos.

El oficio de escritor es muy duro  no por el trabajo en sí,  que por cierto es  agradable, sino por las circunstancias que lo envuelven que por lo  general son negativas. Sobretodo cuando uno es independiente y no está afiliado a ningún partido político que lo proteja como es mi caso y es víctima de acoso de gente interesada en sacar beneficio propagandístico de nuestra labor.
La protagonista de este  film menor de  Polanski no está  muy lejos de la anterior descripción. Al menos en Francia el oficio está bien considerado y remunerado, algo que en España no ocurre donde lo normal es que los beneficios de un libro se lo queden los distribuidores y los autores ni huelan un mal céntimo  de lo recaudado.
España es casposa en este término. Da dinero la basura, los  malos programas y los malos libros. Se encumbra a gente impresentable y odiosa. La deshonestidad campa por sus fueros. Francia es mejor en este sentido. Aún así hay parásitos que todo lo empozoñan.

Nos encontramos aquí con un título que hubiera podido  dar mucho más de sí pero que ha quedado  en un ejercicio desangelado. Una película hecha por hacer pero carente de la fuerza de este controvertido director, excelente profesional pero persona polémica  por ciertos malos hábitos que no me corresponden juzgar pero que  me provocan rechazo.  Aquí no hablamos de la persona sino de su profesión y de la  calidad incuestionable de su trabajo.
Polanski ha rodado mejores películas que esta. Aqui se le ve algo ausente, desengañado, cansado de rodar tal vez por su avanzada edad. El argumento tiene sus puntos de interés. Las actrices son soberbias tanto Emmanuelle Seigner como la excelente Eva Green. Pero la película interesa poco. Lástima.

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Trilogía sobre Fantomas, años sesenta

FANTOMAS AÑOS 60,
TRILOGIA DE LA RISA

“¡Fantomas! ¡No está en ninguna parte y está en todas. Su sombra se cierne sobre los misterios más extraños…” (“Fantomas”, de Pierre Souvestre y Marcel Allain)

I)- FANTÔMAS (FANTOMAS, 1964)-
II)- FANTÔMAS SE DECHAÎNE (FANTOMAS VUELVE, 1965)-
III)- FANTÔMAS CONTRE SCOTLAND YARD (FANTOMAS CONTRA SCOTLAND YARD, 1967)-
Las tres de André Hunebelle.

I- FANTOMAS, EL PERSONAJE
En 1911 apareció en París una obra con el extraño título de “Fantômas”. La firmaban dos escritores y periodistas apenas conocidos: Pierre Souvestre y Marcel Allain, quienes pronto gozarían de una popularidad como pocas veces se ha visto en Francia gracias a sus novelas por entregas del personaje. Derribaban a su vez las barreras que impedían el paso de los escritores principiantes colocadas por cierto número de autores, las cuales interceptaban el paso a todos los noveles no participantes, claro, de su círculo. Souvestre y Allain narran en su obra la historia de Fantomas, enigmático personaje, escurridizo, inalcanzable, transformista, camaleónico, rey del disfraz (generalmente de alguien a quien acababa de asesinar), vestido completamente de negro y enmascarado, el más grande cerebro dedicado al mal, prototipo del ladrón audaz, del asesino sin sentimientos. Esta figura tiene su centro de operaciones en París, corre por los tejados, por las cloacas, nadie sabe como y de que forma será su próximo golpe, usa técnicas estrambóticas para el crimen (habitaciones que se llenan de arena, plaga de ratas infectadas, gigantescas serpientes que arroja sobre sus perseguidores, etc.) y se supone que su verdadera personalidad es el archiduque Juan North (nacido en 1867) del principado de Hesse- Weimar, tiene un hijo (Vladimir) y por causas desconocidas fue ingresado en prisión. En 1895 Fantomas emigra a la India y allí tiene relación con una mujer europea la cual dará luz a una niña. Sus enemigos principales son el comisario Juve de la Sûrete, el periodista Jérôme Fandor (del diario Point Du Jour) y su novia Hélène Gurn (en las tres películas de los 60 es fotógrafa del Point Du Jour). Fantomas también se enamorará de Hélène, a la que rapta en más de una ocasión pero — ¡Oh, sorpresa! — en uno de los últimos episodios se descubre que Fantomas es el padre de Hélène (la niña nacida en India).

Louis Feuillade (1874- 1925) fue el primer encargado de pasar al cine el folletín de Souvestre- Allain, casi tres años después de la salida del original literario: “Fantômas” (“Fantomas”, 1913).
En 1915 David W. Griffith ideó el lenguaje cinematográfico tal como ha llegado a nuestros días en “El nacimiento de una nación” (montaje, planos, contraplanos). Antes de este título el cine era espectáculo de feria. Este “Fantomas” de Feuillade la vemos casi toda con planos fijos, solo de vez en cuando aparecía un plano detalle o un primer plano y cada película de Fantomas no era un largometraje sino un celuloide fraccionado en breves episodios que finalizaban en su punto álgido — como hicieron sus creadores literarios sobre el papel, “quienes dejaban en vilo a sus lectores” (mi amigo Salvador Saínz lo explica muy bien en “Diario de Cine”) — para crear interés, suspense y expectación. Por lo tanto no tienen ritmo cinematográfico sino sucesión de planos fijos (como tarjetas postales) pero poseen valores para el estudioso (y el que tenga sensibilidad) del cine. La atmósfera estaba bien conseguida y tenía su encanto. Finalmente la cinta quedó formada por cinco seriales: “A la sombra de la guillotina” (1913), de tres episodios, “Juve contra Fantomas” (1913), de cuatro, “La muerte que nos mata” (1913), de seis, “Fantomas contra Fantomas” (1914), de cuatro y “El falso magistrado” (1914), de cuatro episodios.

René Navarre era el actor que interpretaba al personaje, quedando identificado plenamente con él (fue tal el éxito que recibía de 300 a 400 cartas diarias y no podía salir a la calle puesto que sus fans le hacían la vida imposible).
En determinados ambientes el éxito de “Fantomas” contrarió: no sentaba bien que un maleante fuera el protagonista de una historia. A causa de ello Louis Feuillade realizó un serial de 12 episodios protagonizado por “Judex” (“Judex”, 1916), un enmascarado justiciero (“Judex”= Juez) cuyo atuendo era muy parecido al de Fantomas. El enmascarado a favor de la justicia reapareció más adelante: “Judex-1934” (“Judex-34”), dirigida por Maurice Campreaux, yerno de Feuillade, basándose en el trabajo de su insigne suegro de 1916 y en una obra un año después (1917) del mismo: “La Nouvelle Mission de Judex” (“La nueva misión de Judex”). También adquirió bastante éxito René Cresté como Judex. El personaje será resucitado en 1963 por George Franjú: “Judex” (“Judex”), bella película en la cual se cita a Fantomas varias veces.
En “Rendez-Vous a Bray” (“Cita en Bray”), de André Delvaux (1971) aparecían unas escenas del “Fantomas” de Feuillade. Los tres títulos siguientes son muy difíciles de encontrar o visionar aunque René Predal en su libro “Le Cinema Fantastique” (1970) nos dice que no son precisamente obras de arte: “Fantômas” (“Fantomas”), serial americano de Edward Sedwick en 20 episodios (1921), “Fantômas” (“Fantomas”), de Paul Fejos (1932) y “Fantômes contre Fantômes” (“Fantomas contra Fantomas”), de Robert Vernay (1949). En pleno apogeo surrealista los seguidores de este movimiento artístico consideraron como suya la idea de Fantomas y en el “Cercle du Cinema de Bruxelles” presentaba, entre otros films surrealistas, una evocación del personaje con “Mr. Fantômas”, un corto mudo de unos 20 minutos (era el 12-octubre-1937) con acompañamiento de orquesta. El autor era el poeta abogado Erns Moerman, quien realizaba la tentativa de mostrarnos en forma de sueño onírico los amores de Fantomas y el porqué se dedicó a una vida criminal. En 1947 Juan Sacha nos dará otro “Fantômas” (“Fantomas”), también bastante desconocido.
Después de la trilogía humorística de André Hunebelle de los 60 (la que nos ocupa) habrá algún balbuceo más del personaje como la serie de cuatro episodios de la TV francesa, dos dirigidos por Claude Chabrol y dos por Juan Luis Buñuel (hijo de Luis Buñuel).
Pierre Souvestre (1874- 1914) era abogado, escritor, periodista, organizador de carreras de coches. Marcel Allain (1885- 1969) también estudió leyes y se convirtió en asistente de Souvestre. Ambos publicaron su primera novela en 1909: Le Rour aunque es recordado (junto con Souvestre) por sus entregas de “Fantomas”. Souvestre y Allain escribieron 32 libros del personaje; tras la muerte del primero Allain redactó en solitario 11 obras más sobre Fantomas, la última en 1963 (“Fantômas Mène le Bal”). Se enfadó al ver la diferencia entre su personaje y el de la trilogía cómica (a momentos) del director cinematográfico André Hunebelle pero al percibir los derechos de (co) autor y al ver el gran éxito en taquilla ya no protestó más (según declaraciones de Mylène Demongeot).

II- LA TRILOGÍA DE LA RISA…Y LA ACCIÓN

El realizador francés André Hunebelle (1896- 1985) fue un excelente artesano tanto en el cine como maestro vidriero. Antes había sido diseñador y decorador (tres profesiones que había tenido también su padre). Empezó en el cine pasados sus 50 años con “Metier du Fous” (1948) y su filmografía prácticamente consta de una película por año (si en algún año no rodó en otros lo hizo más de una vez hasta 1974). En 1978 realizó su última película, “Ça Fait Tilt”, hizo algún trabajo para TV, ocasionalmente fue guionista de alguna de sus películas (seis) y productor de varios de sus films y de alguno dirigido por otro. Conocía a la perfección su oficio. Fue uno de los realizadores cuyas películas triunfaron casi siempre en taquilla. Existía habilidad y funcionalidad en su planificación, de buen gusto, sencilla, no buscando complicaciones ni ángulos difíciles y casi siempre lograba la atención del espectador. Un artesano que ya hubiéramos deseado tener en nuestro cine español. Hizo varias películas de capa y espada, comedias, varias del agente secreto OSS-117, algún policíaco y de misterio. En general films de acción en donde demostró su versatilidad, sin pretensiones, y su competencia.

Jean Marais, actor ligado a la obra de Jean Cocteau (“El testamento de Orfeo”, “La bella y la bestia”), interpretó films de aventureros y espadachines (algunos con André Hunebelle) y realizó doble papel en la trilogía de “Fantomas”: el periodista Jérôme Fandor y el mismo Fantomas, negándose a ser doblado en las escenas de acción, algo encomiable y más recordando que en aquel momento Marais tenía 51 años. Louis de Funes es el comisario Juve, perseguidor incansable del delincuente. Si Jean Marais era un Fandor más simpático y activo que el periodista literario, Louis de Funes interpreta a un inspector Juve muy diferente del aparecido en las páginas. En Souvestre- Allain el policía era muy inteligente, prácticamente un socias de Sherlock Holmes pero Fantomas siempre iba un paso delante de él y, en las páginas finales se descubrirá que Fantomas y Juve son hermanos. Nada de esto en el Juve/de Funes, el policía es atolondrado, a veces obtuso, se enfada con Fandor, no atiende sus explicaciones, le acusa de ser cómplice del delincuente y al final tiene suerte de contar con él para salvar la situación y su propia vida: queda en el mar y es rescatado por el periodista (“Fantomas”), cae al vacío y es salvado otra vez por Fandor el cual se tira detrás de él, lo agarra y abre un paracaídas (“Fantomas vuelve”). De Funes (descendiente de sevillanos) realiza un recital de aspavimentos, gesticulaciones y muecas en las antípodas del Juve literario pero es altamente divertido. Comete muchas torpezas pero también en un par o tres de ocasiones salva la vida a todo grupo como en el baile de carnaval (va disfrazado de pirata), amenazados por sicarios de Fantomas, dispara mediante su pata de palo falsa, atados en el laboratorio dispara mediante sus cigarros- pistola. Nos recuerda al cómic de Tintín, los inseparables policías Dupond- Dupont (Hernández y Fernández en la versión española), profundos cazurros que, sin embargo, en una ocasión salvan la vida al reportero Tintín. Podríamos decir que Fandor/Marais es la parte de acción seria mientras que Juve /de Funes es la porción cómica. Completa el trío protagonista Mylène Demongeot como la fotógrafo Hélène Gurn, novia de Fandor, una belleza rubia francesa de los años 60 (aportaba la dulzura al lado de la acción y lo cómico) que, inevitablemente, nos hace pensar en Brigitte Bardot. A pesar de ello, Mylène Demongeot (en la actualidad con sus 80 años) era actriz bastante solvente y reconocida con varios premios en su haber. Recordemos que Marais, su prometido en la pantalla, le llevaba casi 22 años pero en realidad formaban un trío (añadiendo a de Funes) simpático y convincente. Dos personajes más completaban el reparto de los fijos en las tres cintas: el director del periódico (Robert Dalban), siempre dispuesto a apoyar a Fandor y a Hélène aunque a veces no estuviera de acuerdo con sus métodos (recordemos que aprueba el artículo de total invención de Fandor sobre Fantomas porqué el periodista en un principio no cree en la existencia del delincuente y recibe la explosión de una bomba en su despacho, compartiendo cuarto de hospital con Fandor, el comisario Juve y el policía Bertrand) y el inspector Michel Bertrand (Jacques Dynam), ayudante de Juve, complemento cómico, divertido, torpe y cerrado igual que su jefe pero sin su imaginación. En la primera de la trilogía, “Fantomas (1964), podríamos destacar la aparición de Lady Maud Beltham (Marie- Hélène Arnaud), presunta amante de Fantomas y viuda de una víctima de éste.

La fotografía, siempre clara y nítida, es de Marcel Grignon en el primer y tercer “Fantomas”, resaltando más oscuridad en los momentos ambientados dentro de un marco “gótico” como la guarida de Fantomas, entre cueva y castillo medieval pero equipado con modernos artilugios (“Fantomas”) o el castillo de Lord Edward MacRashley (Jean Roger Coussimon) con sus pasillos, puertas secretas, sótanos, etc. (“Fantomas contra Scotland Yard”). La fotografía de Raymond Pierre Lemoigne es más adecuada y brillante para los momentos de acción (“Fantomas vuelve”), recordando que la segunda entrega es la más activa en el campo de la vitalidad, de lo movido, de las persecuciones y de las sorpresas. La muy acertada música de Michael Magne cubre las tres películas: hay una melodía para los momentos de comicidad, otra para anticipar lo que va a venir (sentido dramático y de suspense) y otra en los momentos de “reposo”, completamente romántica y nostálgica. Los guiones de las tres películas son de Jean Halain (hijo de André Hunebelle) y Pierre Focaud (en verdad demuestran gran imaginación al fundir acción y comicidad) sobre los personajes creados por Souvestre y Allain. Ha de citarse también la voz grave y a veces cavernosa de Raymond Pellegrin colocada en el personaje de Fantomas/Marais (inolvidable la carcajada del misterioso enmascarado cuando las cosas le van bien).

La arma más frecuente y eficaz del Fantomas de Hunebelle son los disfraces, no ya de tipo carnavalesco o teatral del Fantomas literario y de las otras versiones cinematográficas sino caretas de piel humana y guantes también de piel con las huellas dactilares de la persona a la cual suplanta (recordemos los tremendos líos cuando se disfraza de Fandor o del mismo comisario Juve atracando un casino y el inspector va a parar a la cárcel en donde está Fandor, víctima de lo mismo), todo inventado por el mismo Fantomas, muy interesado por la ciencia y cuyo objetivo final no es acumular riquezas (el literario) sino apoderarse del mundo. En ocasiones dice estar harto de la humanidad y anuncia trasladarse a otro planeta mientras destruye la Tierra (“Fantomas”), en otras prepara un arma hipnótica para la dominación de toda persona y convertirse en amo del mundo (“Fantomas vuelve”) y en otras dice que destruir el planeta sería matar la gallina de los huevos de oro y por lo tanto la exprime como un limón para sacar impuestos (con amenazas) a las grandes fortunas y a quien lo desee (“Fantomas contra Scotland Yard”). Las características de vestimenta también son distintas: a la capucha oscura o el vestido de dandi con antifaz descritos por Souvestre- Allain aquí se convierten en una máscara azulada con orejas en punta, completamente calvo, que oculta su rostro y vestido completamente de negro (camisa, corbata, americana y pantalones) cuando está en una de sus guaridas (castillos, cuevas secretas). Normalmente se coloca la máscara igual al rostro del cual substituye encima de la azulada pero en una ocasión se la quita (“Fantomas”) y pensamos que veremos su verdadero rostro pero debajo ya llevaba el duplicado de la faz de Fandor para cometer tropelías y cargarle las culpas (robo de joyas en una exposición ubicada en la Terraza Martini de París). Acto seguido, encima de la máscara representando al periodista, se coloca la del comisario Juve y cambia los guantes de huellas dactilares, atraca un casino y esparce tarjetas de visita con el nombre de Fantomas. Así, entre muchos disfraces y su clásica careta azulada nunca sabremos quien es en realidad Fantomas.

No hay relación aquí paterno-filial Fantomas- Hélène (no hay referencias que sea su hija como tampoco las hay de ser el hermano del comisario Juve) aunque se enamora de ella y tiene un idilio disfrazado de Fandor (“Fantomas”), en otra ocasión le dice que tras la desaparición de Lady Beltham necesita compañía femenina y desea que Hélène la substituya y venga libremente a él (ella queda horrorizada) pero la huída de sus enemigos frustrará esta acción (“Fantomas vuelve”) pero en otra (Hélène le ha descubierto en el bosque) ordena a sus hombres que la persigan y la hagan desaparecer. Una vez más será salvada por su prometido (“Fantomas contra “Scotland Yard”).

Claramente la trilogía se inspira en el estilo de las películas sobre JAMES BOND. Dos años antes que “Fantomas” (1964) había triunfado “Agente 007 contra el Dr. No” (1962), allí se inspiró Hunebelle y sus guionistas con el añadido de lo cómico por parte del comisario Juve/Louis de Funes, especialmente en el segundo y tercer film. En el mismo 1964 se estrenó “James Bond contra Goldfinger”, la tercera y la que muchos consideran la mejor (personalmente prefiero la 2ª, “Desde Rusia con amor”, 1963), y aquí se ven claras las influencias en “Fantomas” y “Fantomas vuelve”. En cuanto a “Fantomas contra Scotland Yard”, sin abandonar la parte cómica (Juve y Bertrand con sábanas para aparentar ser fantasmas deambular por los pasillos, en otra ocasión vestidos con falda del típico traje escocés) y la parte jamesbondiana a cargo de Fandor/Marais se intenta acercarse más a las tenebrosas páginas de Souvestre- Allain (sucede en Escocia, mucha parte en un castillo).

En verdad el primer “Fantomas” fue un éxito apoteósico en taquilla y la película le salió mejor de lo esperado a la productora por lo cual a un año se preparaba la continuación, quizás la más redonda de las tres (haciendo realidad lo anunciado literalmente por el título francés “Fantômas se Déchaîne” = “Fantomas se desencadena”). Otro éxito. La tercera también fue éxito en taquilla pero no tanto como las otras dos. Siempre con final abierto se habló de una cuarta: Fantomas en Moscú“ (en donde se descubría finalmente que Fandor era hijo de Fantomas) pero el caché de Louis de Funes había subido y tampoco Jean Marais estaba disponible en aquel momento por lo cual jamás llegó a realizarse. Podríamos decir que en la primera el protagonista indiscutible es Fandor/Jean Marais junto con su novia Hélêne/Mylène Demongeot pero en la segunda y tercera nos centramos más en la actuación cómica del comisario Juve/de Funes. “Fantomas” es una coproducción Francia- Italia (P.A.C., S.N.E.G. y P.C.M. Films), “Fantomas vuelve” y “Fantomas contra Scotland Yard” son totalmente francesas (Gaumont).

Aparte de los sofisticados y futuristas (ingredientes de Ciencia- Ficción) aparatos, otra señal de referencia son los hombres de Fantomas completamente vestidos de negro como los componentes de la organización SPECTRA, enemiga natural de James Bond 007. Hay una escena de acción del primer film que nada ha de envidiar a las de James Bond, aquella en donde el periodista Fandor es raptado por haber publicado un artículo de invención en donde ridiculiza a Fantomas por no creer en él. Se despierta en la guarida del delincuente y suena música tenebrosa de órgano, aparece Fantomas saliendo de un ascensor. —”Bajo esta máscara jamás conocerás mi verdadero rostro; sí, no te equivocas, soy yo, Fantomas”. “Me has ridiculizado en tu artículo inventado haciéndome pasar por un espantajo, un loco amargado”— Aparecen dos sicarios que le sujetan, se deshace de ellos y se enzarzan a puñetazos, los esquiva, gira sobre si mismo en el suelo y los deja momentáneamente fuera de combate, se acerca a Fantomas en plano/contraplano (se hace así cuando un mismo actor interpreta dos personajes y estos se encuentran) y le propina dos tremendos puñetazos. Aquel ser misterioso ni se inmuta, como si no le afectaran los golpes. Los otros dos se levantan y le sujetan de nuevo. Fantomas prosigue: –”Me has ridiculizado ante el mundo pero me has hecho comprender que un gran hombre no es nadie sin la prensa. Vas ha escribir un nuevo artículo, ahora con el perfil que me complazca. Si no es así morirás entre horribles torturas. Tienes 48 horas para hacerlo, a partir de ahora no habrá ningún problema para ti a condición, claro, que me obedezcas” – Otras escenas destacables del film piloto es el coche sin frenos conducido por Fandor y en donde viaja también su novia (una mala y criminal jugada de Lady Beltham al descubrir que Fantomas, disfrazado de Fandor, seduce a Hélêne), finalmente logrará detenerlo en una granja, el robo de las joyas en la Terraza Martini en donde Juve irá a parar a un montón de arena y muy conseguida, también, la persecución final en donde Fantomas huye con un coche blindado que Fandor ha logrado hacer estrellar, luego con una moto, después conduciendo un tren tras dejar sin sentido a los maquinistas, salta al pasar cerca de una playa, sube a una lancha y llega, unas millas mar adentro, a su submarino de bolsillo. Un resumen en dibujos animados muy logrados sirven para recordar esta primera película al principio de la segunda.

En “Fantomas vuelve” el aparato más destacado/espectacular es el Citroen DS- Tiburón: perseguido por Fandor y Juve entra en un campo de aviación deportivo. El periodista y el policía le persiguen con un jeep y poseen un aparato (un tubo que emite un rayo hipnotizador pero de momento solo alcanza 14 m.) construido por científicos raptados y obligados a trabajar para “el monstruo” (como a veces se denomina al archicriminal). Fantomas acciona unas palancas y botones de su coche: aparecen alas a ambos lados y un reactor en la parte trasera y se va volando. ¡Asombroso, inaudito!”, exclama Juve. Otros artilugios destacados son los inventados por Juve y explicados a sus subalternos: “Estamos en la era de los agentes secretos, ¿que diría la gente si Fantomas fuera capturado por un 007 cualquiera? ¡Pues que son ustedes un hatajo de mangantes!”. 1) una gabardina que sirve para esconder un brazo izquierdo falso que sube y baja siguiendo al brazo derecho verdadero; si se es amenazado levanta las manos y a la altura del vientre aparece el brazo izquierdo verdadero con un revólver que realiza el disparo salvador (lo pondrá en práctica en Italia donde deja fuera de combate a un hombre de Fantomas que les apunta), 2) los cigarros pistola, regulados por la vitola disparan una bala entre 15 y 19 segundos y en caso de necesidad se muerde el puro y la bala sale inmediatamente (también lo pondrá en práctica invitando a dos hombres de Fantomas mientras él fuma otro, luego les dice que se miren pues están muy pálidos y se matan mutuamente, llega otro guardia y Juve muerde el extremo del puro). El guardia cae muerto y los científicos raptados liberan a los prisioneros, 3) la ya comentada “pata de palo” llevada por Juve disfrazado de pirata. Amenazados una vez más, ahora por cuatro sicarios, el inspector levanta su pierna falsa y los mata a todos.

En “Fantomas contra Scotland Yard” hay una especie de aparato de vídeo (no existente en aquel tiempo) que regala Fantomas para que una de sus víctimas, lord McRashley, se informe de los acontecimientos. Fantomas se disfraza de Giuseppe, jefe de unos bandidos, y les entrega un prospecto en donde hay las condiciones de pago del impuesto de vida (“En mi negocio meto a millonarios y ladrones en el mismo saco). Parece que huye en un cohete que es destruido por la aviación militar británica ante la alegría del comisario. A continuación se ve a la figura de lord MacRashley en bicicleta, un lujoso coche se coloca a su lado, tira la bicicleta a la cuneta, sube al automóvil que arranca, se quita la careta de MacRashley y aparece la máscara azulada. Y mientras aparece la palabra FIN se oye la cavernosa carcajada…

Narcís Ribot i Trafí

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