Sombra (2018)

LA SOMBRA DE UN GUERRERO

SOMBRA. Título original: Ying. Año: 2018. País: República Popular de China. Dirección: Zhang Yimou. Reparto: Chao Deng (Jing / Comandante), Li Sun (Madam, Esposa del Comandante Yu), Ryan Zheng (El Rey de Pei), Qianyuan Wang (Capitán Tian), Jingchun Wang (Ministro Lu), Jun Hu (General Yang), Xiaotong Guan (La Princesa, La hermana del Rey), Lei Wu (Ping (El hijo del General Yang). Guion: Zhang Yimou, Wei Li. Música: Lao Zai. Fotografía: Zhao Xiaoding. Duración: 116 minutos. Village Roadshow Pictures Asia, LeVision Pictures, Perfect Village Entertainment, Tencent Pictures, Bona Film Group, Tencent Pictures, Tianjin Maoyan Weying Media, Bodi Media Company.

Los más grandes poetas visuales del cine oriental son, para mi gusto, el japonés Akira Kurosawa (Shinagawa, Tokio, 23 de marzo de 1910-Setagaya, Tokio, 6 de septiembre de 1998)  y el chino Zhang Yimou (Xi’an, 14 de noviembre de 1951). Hay otros genios cinematográficos en Oriente pero éstos son mis favoritos, son mis gustos personales e intransferibles.
Yimou pertenece a la llamada Quinta Generación del cine chino, nacida tras la Revolución Cultural que es muy crítica con la política de su país. El comunismo chino, mitificado en Occidente, es una cruel dictadura que le niega la libertad a su pueblo.
El cineasta de Xi’an debutó con Sorgo Rojo (1987) junto a la entonces novata Gong Li, su musa y compañera. En el 2002 estrenó Hero en donde dio un giro radical a su cine con producciones de Artes Marciales que le dieron popularidad pero que yo considero inferiores artísticamente.
Desde entonces su carrera se ha vuelto irregular, con grandes películas como Las flores de la guerra (2011), Happy Times, La búsqueda, Amor bajo el espino blancoRegreso a casa, La joya de Shanghai y mediocridades como  Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos o la horrenda La Gran Muralla.

Sombra pertenece a la rama de la filmografía de Yimou dedicada a las Artes Marciales, populares en taquilla pero escasamente atractiva. Eso sí hay secuencias que son una borrachera visual que llevan el sello del autor de Vivir.
Lo mejor de su filmografía son por una parte los efectos fotográficos y por otro las mujeres con carácter que luchan contra un mundo que las oprime. Aquí una princesa tomada como modelo de cambio que se rebela contra su destino.
No es de las mejores cintas de Yimou pero tampoco de las peores. Su autor tiene un listón demasiado alto y es complejo alcanzarlo en cada película en donde la inspiración es menor.
La parte humana del argumento interesa menos, los personajes inspiran poca simpatía. Eso sí, su nivel sigue siendo alto. La película posterior del cineasta chino es más controvertida, Un segundo, ambientada en la sobrevalorada Revolución Cultural que ha tenido problemas con la Inquisición comunista. Estrenada en el festival de San Sebastián supone la definitiva recuperación de su autor.
Sombra tiene muy buenos momentos. Esa épica batalla bajo la lluvia, esos soldados armados con un paraguas de cuchillas rodando por las calles. Imágenes impactantes dignas de un sueño. A ratos vemos al mejor Yimou, al de su mejor época. Su genio brilla en la oscuridad. Un cineasta que no tiene parangón en la actualidad.

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París – Tombuctú (1999)

EL IMPERIO ASTROHÚNGARO

PARÍS – TOMBUCTÚ. Título original: París – Tombuctú. Año: 1999. País: España. Dirección: Luis García Berlanga. Reparto: Michel Piccoli (Michel des Assantes), Concha Velasco (Trini), Amparo Soler Leal (Encarna), Juan Diego (Boronat), Eusebio Lázaro (Vicente), Javier Gurruchaga (Gaby), Santiago Segura (El Cura), Fedra Lorente (Benilde), Antonio Resines (Ciclista), Guillermo Montesinos (Planas), Sophie Evans (Chica Nudista), Pilar Punzano (Zou Zou). Guion: Luis García Berlanga, Jorge Berlanga, Antonio Gómez Rufo, Javier G. Amezúa. Música: Bernardo Fuster, Luis Mendo. Fotografía: Hans Burmann. Duración: 107 minutos. Anola Films, Calabuch Films, Freedonia.

Luis García-Berlanga Martí (Valencia, 12 de junio de 1921-Pozuelo de Alarcón, Madrid, 13 de noviembre de 2010) es sin duda el adalid del cine español. Su cine a veces es incomprendido fuera de nuestras fronteras porque cada imagen están impregnadas de españolidad. Sus películas rodadas en suelo extranjero como La boutique (1967) y Tamaño natural (1973) se ven desubicadas y extrañas frente a obras como La vaquilla o El verdugo que rezuman esa alma salvaje y celtíbera de vividores corruptos, catetos que buscan sobrevivir a toda costa.
Debutó con Esa pareja feliz (1951) siguiendo grandes éxitos como La escopeta nacional  (1978) y se despidió del cine con París – Tombuctú (1999). El Generalísimo Franco comentó una vez que Berlanga era un gran director pero un mal español. Un cineasta que denuncia los vicios de nuestro pueblo con películas entrañables, llenas de vida. Toda una lección de cine y de cultura.

París – Tombuctú es el canto del cisne de un gran realizador. No tiene la fuerza de sus grandes películas que le dieron fama y prestigio. Michel Piccoli es un médico parisino que huye de su realidad. Viajando en bicicleta pasa por Calabuch (el pueblo de la película de 1956, en realidad Peñíscola), teniendo un accidente descansa unos días conociendo una gente extraña y pintoresca.
Es el país esperpéntico, extraño y escasamente civilizado lleno de paletos ignorantes. No es una obra maestra, lejos estamos del Calabuch original que tenía más fuerza, más vida. Pero es ciertamente un auténtico Berlanga con sus sabrosas anécdotas.
Es una película nostálgica y algo triste. Muy melancólica a veces. Pero tiene amor por el cine y por la vida. La España de pandereta vista por un francés estupefacto. Asombrado por tanto dislate junto.
Es el fin de un milenio y de su siglo, el desastroso siglo XX que da pie al calamitoso XXI que aún es peor.
Una película bonita, menor pero agradable. Estupendo plantel de actores que dan lo mejor de sí, como siempre.

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Urubú (2019)

LA SAGA IBÁÑEZ CONTINÚA

La productora Pepa Ibáñez y el director Alejandro Ibáñez con su ilustre abuelo, Narciso Ibáñez Menta.

Narciso Ibáñez Serrador y su hijo Alejandro Ibáñez

URUBÚ. Título original: Urubú. Año: 2019. País: España. Dirección: Alejandro Ibáñez. Reparto: Carlos Urrutia (Tomás), Clarice Alves (Eva), Jullie D’Arrigo (Andrea), José Carabias (Profesor Diaz), Alejandro Ibáñez (Capitán Nauta), Ángela Villar (Mujer Selva), Francisco Lima da Costa (Ceará), Fátima Satágata (Vieja del Bosque). Guion: Carlos Bianchi, Alejandra Heredia, Alejandro Ibáñez. Música: Arturo Díez Boscovich. Fotografía: Diego Barrero, Daniel Úbeda. Duración: 90 minutos. Prointel. Productora: Pepa Ibáñez.

 

Alejandro Ibáñez Nauta y su hermana Pepa Ibáñez son hijos de Narciso Ibáñez Serrador y nietos del gran Narciso Ibáñez Menta y la malograda actriz Pepita Serrador. Pertenecen a una prestigiosa saga artística en diversos medios que por fin prueban fortuna en el difícil mundo del cine.
Su primera producción comercial es precisamente Urubú, rodada en el río Amazonas en Brasil. La película es un claro homenaje a su padre, sobretodo a su famosa película ¿Quién puede matar a un niño? que dio la vuelta al mundo y que desgraciadamente tuvo una carrera muy corta en la gran pantalla.

Tomás y su familia viajan a la selva amazónica en busca de un urubú, un pájaro albino poco visto en libertad. El viaje promete emoción pero termina como una pesadilla horrible que no voy a contar en estas líneas.
Alejandro Ibáñez aparece también como actor. La película no anda sobrada de presupuesto por lo que su imagen es muy sencilla. Pero es una opera prima realizada con amor y cariño. La sombra de sus progenitores les habrán echado una mano desde el más allá. Se les nota ilusión y entrega saliendo airosos del trance. Esperemos que haya más películas y mejores, con mayor experiencia y fuerza en su contenido. Enhorabuena pues por los resultados.

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Dreamland (2019)

EL SUEÑO DE MARGOT

DREAMLAND. Título original: Dreamland. Año: 2019. País: Estados Unidos. Dirección: Miles Joris-Peyrafitte. Reparto: Finn Cole (Eugene Evans), Margot Robbie (Allison Wells), Travis Fimmel (George Evans), Kerry Condon (Olivia Evans), Darby Camp (Phoebe Evans), Lola Kirke (Narradora, voz), Stephen Dinh (Joe Garza). Guion: Nicolaas Zwart. Música: Patrick Higgins. Fotografía: Lyle Vincent. Duración: 98 minutos. Automatik Entertainment, LuckyChap Entertainment, Romulus Entertainment. Productor: Margot Robbie.

 

Margot Elise Robbie (Dalby, Queensland; Australia, 2 de julio de 1990) es una actriz, modelo y productora de cine australiana. Criada en una granja, Robbie debió trabajar desde temprana edad para ayudar a sustentar a su familia luego del abandono de su padre.
El argumento del presente film recuerda mucho la biografía de Margo aunque cambiando la ubicación y el sexo del personaje central.
Dreamland trata de los sueños de gloria, de buscar un futuro más satisfactorio aunque el protagonista se hunde en la desesperación más absoluta.
Caras conocidas en el reparto: Travis Fimmel, el aclamado Ragnar de Vikingos, y Kerry Condon, la Octavia de la serie Roma encabezan el reparto junto a la propia Margot Robbie en el papel de una fugitiva de la justicia,

La película no se ha podido estrenar en los cines por su ajustada calidad. Al guión le falta fuerza, gancho y atractivo. Al actor protagonista Finn Cole le falta experiencia. Al lado de Margot apenas se le ve.
Dreamland es lo que podríamos denominar un film alimenticio para que los actores ganen dinero para pagar sus facturas. Nada más.
Margot debe espabilar mucho para escoger sus vehículos, su trilogía de Harley Quinn ha pinchado en taquilla. Películas demasiado bizarras y además Aves de presa es un panfleto feminista. La gente no va al cine para que los adoctrinen sino a relajarse, para que les enriquezcan la mente.
Es una actriz luchadora y emprendedora, le falta mejor gusto.

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Black Narcissus (Miniserie de TV. 2020)

EL CONVENTO ARDIENTE

BLACK NARCISSUS. Título original: Black Narcissus. Año: 2020. País: Reino Unido. Dirección: Charlotte Bruus Christensen. Reparto: Gemma Arterton (Hermana Clodagh), Aisling Franciosi (Hermana Ruth), Nila Aalia (Angu Ayah), Patsy Ferran (Hermana Blanche), Rosie Cavaliero (Hermana Briony), Gianni Gonsalves (Srimati Rai), Soumil Malla (Joseph Anthony), Alessandro Nivola (Mr Dean), Wayne Llewellyn (Sannyasi), Dipika Kunwar (Kanchi), Chaneil Kular (Dilip Rai), Karen Bryson (Hermana Philippa), Jim Broadbent (Padre Roberts), Diana Rigg (Madrer Dorothea). Guion: Amanda Coe. Novela: Rumer Godden. DNA Films, FX Productions. Emitida por: BBC One

En 1947 Michael Powell y Emeric Pressburger estrenaron Narciso Negro basada en una novela de la escritora católica Rumer Godden. Actualmente está considerada un clásico de la Historia del Cine por su sensual atmósfera y su cuidada fotografía así como las interpretaciones de Deborah Kerr, Jean Simmons y Sabú.
La trama gira alrededor de unas monjas anglicanas .enviadas a crear una misión en un palacio del Himalaya, precisamente en un antiguo serrallo, un gineceo o harén en donde residían las concubinas .de un general acomodado y caciquil.
En esta misión hospital las hermanas dan clases a las que se apunta un elemento discordante, el hijo del general que ya es adulto y se presenta con un aparatoso perfume, Narcise Noir (Narciso Negro), que trastorna la convivencia del convento.

Gemma Christina Arterton​ (Gravesend, Kent; 2 de febrero de 1986), conocida como Gemma Arterton, es una actriz inglesa de cine, teatro y televisión que hasta la fecha ha sobresalido más por su bello cuerpo que por sus aptitudes artísticas. La nueva adaptación para televisión de Narciso Negro es un caramelo muy goloso al que necesitaba hincar el diente para dar un giro de 180º a su carrera artística.
El resultado ha sido más que satisfactorio. Gemma Arterton tiene madera de actriz  y se desenvuelve perfectamente con su atormentado papel. Nos demuestra su aptitud para proyectos más ambiciosos artísticamente. Esperemos que fluyan y nos ofrezca títulos más enjundiosos a partir de ahora.

La serie tiene mucha calidad. La ambientación es soberbia. Ese convento llevado por monjas del Imperio Británico en una India ocupada militarmente que las trata con suma hostilidad.
Ese ambiente religioso en un antiguo harén, un espacio para que el cacique de turno satisfazga  sus apetitos sexuales; el abismo cultural existente entre las ingenuas religiosos y el pueblo sometido; el cacique clasista y despótico muy poco de fiar. Las obsesiones ocultas de unas mujeres obligadas a una vida de represión sexual, despersonalizadas y llenas de envidias y recelos.
La tentación perenne de la carne, los recuerdos de un pasado insatisfecho protagonizarán sus ocultos pensamientos.
Nos encontramos ante una miniserie de atmósfera, llena de miradas y deseos. Gente que quiere salir para adelante y buscar un futuro mejor. Una miniserie interesante y hermosa muy digna de la película original, auténtica obra maestra y clásico indiscutible de la Historia del Cine.

 

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La diligencia (1939)

LA BIBLIA DEL WESTERN

LA DILIGENCIA. Título original: Stagecoach. Año: 1939. País: Estados Unidos. Dirección: John Ford. Reparto: Claire Trevor (Dallas), John Wayne (Ringo Kid), Andy Devine (Buck), John Carradine (Hatfield), Thomas Mitchell (Doc Josiah Boone), Louise Platt (Mrs. Lucy Mallory), George Bancroft (Marshal Curley Wilcox), Donald Meek (Samuel Peacock), Elvira Ríos (Yakima). Guion: Dudley Nichols. Historia: Ernest Haycox. Música: Gerard Carbonara. Fotografía: Bert Glennon (B&W). Duración: 99 minutos. United Artists.

Premios
1939: 2 Oscars: Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell), bso (adaptada). 7 nominaciones
1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor directorAntes que entrar hablar de la película he de añadir una información al respecto. Según estudios recientes, el indio Gerónimo era católico y hablaba español o castellano porque el Oeste estadounidense fue durante trescientos años provincias españolas, el virreinato de Nueva España, y no es cierto que cuando llegaban los nuevos colonos anglosajones jamás hubieran visto gente blanca porque llevaban tres siglos conviviendo sin problemas.
Los nativos americanos, los apaches, los comanches y demás tribus fueron súbditos de la Corona Española y por ende compatriotas nuestros. En 1821 pasaron al México independiente y entre 1846 hasta 1953 a los nuevos Estados Unidos de América.
El caudillo apache Gerónimo (Arizpe, Sonora; 16 de junio de 1829 – Fort Sill, Oklahoma; 17 de febrero de 1909), entre 1858 y 1886 se sublevó contra las tropas mexicanas primero y estadounidenses después porque en el año 1880 las tropas del gobernador militar de Sonora asesinaron a su esposa, a sus tres hijos y a su madre.
En el mismo año está ubicada la narración de La diligencia, motivada por los ataques de Gerónimo y los apaches a la gente blanca en general. Yo no juzgo a nadie pero los hechos son los hechos. La realidad es lo que fue y no podemos alterarla.

El filme empieza con la alarma de que el apache Gerónimo ha escapado de la reserva para rebelarse contra el hombre blanco, al que le ha declarado guerra sin cuartel. Mientras tanto en un pueblecito del Salvaje Oeste conocemos a una serie de personajes típicos del género.
Una prostituta llamada Dallas (Claire Trevor) expulsada por la legión de mujeres «decentes», entre la que se encuentra la esposa del banquero Ellsworth Gatewood (Berton Churchill) que realiza un desfalco; el alcohólico Doc Boone (Thomas Mitchell), un doctor siempre embriagado; el pusilánime viajante de bebidas Samuel Peacock. (Donald Meek); un tahúr llamado Hatfield. (John Carradine); la embarazada esposa de un militar, Lucy Mallory (Louise Platt) que viaja para reunirse con su marido. Y
En la diligencia nos encontramos además con su conductor  Buck (Andy Devine) y su escolta, el sheriff Curly Wilcox (George Bancroft), quien recibe la noticia de que Ringo Kidd (John Wayne) ha espado de la cárcel y se dirige a Lordsburg, Nuevo México, para vengar la muerte de sus familiares. Ringo aparecerá por el camino y llegan a una posada con un cantinero mexicano, Chris (Chris-Pin Martin) y su esposa apache Yakima (Elvira Ríos).

En la trama nos encontramos varias constantes del autor de El hombre tranquilo. John Wayne, que debutó en esta cinta con Ford, una figura habitual en su filmografía, el paisaje de Monument Valley (Arizona), la crítica a la hipocresía moral. Stella es una mujer maltratada por los prejuicios sociales, es utilizada por los maridos de las mujeres que la persiguen y marginan.
La diligencia es además una película sobre la redención. Ringo se redime de ser un pistolero, Stella una prostituta, Doc de ser un borracho y Hatfield de ser un tahúr. A Lucy Mallory se le ensancha la mente y entierra sus prejucios respecto a Stella. Todos los personajes crecen durante el viaje por las aventuras vividas, por conocer el rostro de la muerte y finalmente superarán su situación que les oprime.
Nos encontramos ante un film bello con las ráfagas de viento azotando los rostros. En donde aparecen las constantes del western, de la épica estadounidense. El lirismo de sus imágenes es inigualable. Una de las mejores películas filmadas desde que se inventó el cine hasta la actualidad. En técnica se ha avanzado mucho pero no en poesía que sólo saben dar cineastas como John Ford.

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El rey del rodeo (1972)

EL DECLIVE DEL RODEO

EL REY DEL RODEO. Título original: Junior Bonner. Año: 1972. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Peckinpah. Reparto: Steve McQueen (Junior ‘JR’ Bonner), Robert Preston (Ace Bonner), Ida Lupino (Elvira Bonner), Ben Johnson (Buck Roan), Joe Don Baker (Curly Bonner), Barbara Leigh (Charmagne), Mary Murphy (Ruth Bonner), Bill McKinney (Red Terwiliger), Dub Taylor (Del), Sandra Deel (Enfermera Arlis), Don ‘Red’ Barry (Homer Rutledge), Charles H. Gray (Burt), Matthew Peckinpah (Tim Bonner), Sundown Spencer (Nick Bonner), Rita Garrison (Flashie). Guion: Jeb Rosebrook. Música: Jerry Fielding. Fotografía: Lucien Ballard. Duración: 103 minutos. American Broadcasting Company (ABC), Solar Productions

Sam Peckinpah (Fresno, California; 21 de febrero de 1925 – Inglewood, California; 28 de diciembre de 1984) tenía fama de director violento por sus anteriores trabajos (Grupo Salvaje, Perros de paja, ). Se le apodaba Bloody Sam (Sam el sanguinario) por la brutalidad de sus escenas y en 1971, hace ya cincuenta años, nos sorprende con este film crepuscular, cine de perdedores para los que el paso del tiempo ha ido dejando atrás.

Nos encontramos con un espectáculo de rodeo, doma de caballos y toros, que en su época ya estaba en declive y en la actualidad es considerado maltrato animal por lo que su desaparición está al caer. La marcha de la historia es implacable dejando por el camino una larga estela de juguetes rotos. Es el progreso cruel y despiadado.
Peckinpah sabe retratar ese mundo de gente desplazada, sin futuro ni beneficio y que vive con sus sueños que los alejan de la realidad.

A pesar de todo siguen adelante aunque el progreso los pisotea y los margina. Junior Bonner es una crónica sentida de ese mundo que se acaba, que no tiene lugar en la actualidad. A pesar de su medio siglo la película no ha envejecido, se mantiene fresca y entrañable. Los personajes están llenos de vida. Esa pareja que ya no está junta pero que todavía se ama. Ese padre que persigue un sueño en el que nadie cree mientras el vaquero sigue su camino de pueblo en pueblo.
Aquí monta un caballo salvaje, aquí un peligroso toro que nadie es capaz de domar. Todo ello con escenas en cámara lenta y pantalla partida. Nostalgia de un mundo que no volverá.
Un filme bellísimo, como todo Peckinpah. Un cineasta maltratado por una industria en la que no encajaba. Un cineasta que no busca la complacencia, sincero y verdadero. Un autor que se nos fue demasiado pronto aunque Hollywood le había dado la espalda hace tiemplo.

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Zhao Wei baneada

CAZA DE BRUJAS EN CHINA

lLa actriz y cantante china Zhao Wei o Vicky Zhao (Wuhu, Anhui, China; 12 de marzo de 1976-) ha sido baneada de Tencent Video e iQiyi, administradas por el Partido Comunista Chino, acusada de evasión de impuestos y otros conceptos de los que no nos toca hablar.
La censura china ha borrado su nombre de las películas y series en las que ha trabajado de las que sobresalen El acantilado rojo (dos partes), Painted Skin (dos partes) y Hua Mulan (2009), tal vez su mejor película.

Actualmente es propietaria de Chateau Monlot, una importante bodega de vinos sita en Burdeos (Francia). No sabemos cómo acabará ese conflicto pero consideramos muy exageradas las medidas del gobierno chino. Esperemos que todo tenga buena solución.

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El gran silencio (1968)

UN WESTERN REALISTA

EL GRAN SILENCIO. Título original: Il grande silenzio. Año: 1968. País: Italia. Dirección: Sergio Corbucci. Reparto: Jean-Louis Trintignant (Silencio), Klaus Kinski (Loco), Frank Wolff (Sheriff Burnett), Luigi Pistilli (Pollicut), Vonetta McGee (Pauline), Mario Brega (Martin), Carlo D’Angelo (Gobernador). Guion: Sergio Corbucci, Vittoriano Petrilli, Mario Amendola, Bruno Corbucci. Ennio Morricone. Fotografía: Silvano Ippoliti. Duración: 102 minutos. Coproducción Italia-Francia

El western europeo es objeto de profunda admiración por parte de un público muy especializado y de rechazo por las plateas internacionales por considerarlo un género casposo de imitación.

Es verdad que la mayoría de westerns espaguetis son pura caspa carentes de originalidad pero las películas de los tres Sergios (Leone, Sollima y Corbucci) escapan de la fatídica regla.
El cine es arte pero también un negocio del que ha vivido mucha gente. Durante largo tiempo esos filmes eran habituales en nuestras salas. Sergio Corbucci (Roma, Italia, 6 de diciembre de 1927-Roma, Italia, 1 de diciembre de 1990)  debutó en un peplum famoso, Rómulo y Remo (1961), con Steve Reeves y Gordon Scott, y en 1966 estrenó su famoso Django que arrasó en taquillas de todo el mundo y lanzó a Franco Nero como estrella cinematográfica.
El gran silencio (1968) se topó con la censura y fue prohibida en muchos países, entre ellos España, y no lo conocimos hasta la democracia y la aparición del vídeo doméstico.

Los filmes de Sergio Corbucci beben del western tradicional, aunque rompa con su narrativa, y también del neorrealismo italiano. Estéticamente se aleja del mitificado y mitificante cine de Hollywood.Los bandoleros de El gran silencio no son seres terribles, son lo que podríamos denominar indigentes que huyen del hambre. Son seres desafortunados.
Los cazarecompensas son seres despiadados, cínicos, obsesionados con el dinero aunque para ello deban quitar vidas a gente indefensa. Los paisajes son helados, montañas repletas de nieve en la que los personajes destacan sobre fondos blancos.
La pareja protagonista son de razas diferentes. Jean-Louis Trintignant es blanco, actor de Un hombre y una mujer de Claude Lelouch, y Vonetta McGee es negra, musa del llamado black exploitation, películas rodadas por gente afroamericana que tuvieron gran éxito en los años setenta. Klaus Kinski es el malo, un actor de gran temperamento y carácter difícil.
Corbucci no muestra el heroicismo ni la belleza del Oeste, sino su fealdad y su miseria. Un mundillo de gente injusta que vive toda una pesadilla. El ambiente es dantesco, terrible, cruel.
Actualmente El gran silencio es película de culto pero su público es minoritario. Cine de serie B considerado menor pero merecedor de entusiastas seguidores. Una pequeña obra maestra.

Sergio Corbucci

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Cruella (2021)

LA OTRA CARA DEL MAL

CRUELLA. Título original: Cruella. Año: 2021. País: Estados Unidos. Dirección: Craig Gillespie. Reparto: Emma Stone (Estella / Cruella), Emma Thompson (La Baronesa), Joel Fry (Gaspar), Paul Walter Hauser (Horacio), John McCrea (Artie), Emily Beecham (Catherine / Doncella), Mark Strong (John, el asistente), Kayvan Novak (Roger), Kirby Howell-Baptiste (Anita Darling), Jamie Demetriou (Gerald). Guion: Dana Fox, Tony McNamara. Historia: Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel, Steve Zissis. Novela: Dodie Smith. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Nicolas Karakatsanis. Duración: 134 minutos. Walt Disney Pictures, Gunn Films, Marc Platt Productions, TSG Entertainment. Distribuidora: Disney+

Cruella De Vil era la villana de 101 dálmatas, primero una novela de Dodie Smith y posteriormente un famosísimo film de Walt Disney que triunfó alrededor del mundo. Se trata de una mujer mezquina y malvadas que desea asesinar a los perritos protagonistas para hacerse con su piel un espectacular abrigo con que lucir su escaso atractivo cuerpo de vampiresa decadente.
Ese personaje, tan caricaturizado obtuvo un gran éxito por su maldad refinada y a la vez tan humana. Todos hemos conocido mujeres tan malvadas y amargadas como Cruella, las tenemos incluso en nuestras familias. Mujeres obsesionadas con lucir una belleza de la que carecen. Seres egocéntricos y desagradables. Aunque posean una gran fortuna nadie las quiere. Son seres solitarios y ruines.
Por eso Cruella De Vil está considerada la mejor villana de la Historia del Cine. Un ser sin sentimientos, con el corazón podrido. Un ser odioso y mezquino.

Era necesario contarnos el porqué de su maldad que vimos en el film de Disney y en sus remakes de imagen real en 1996 con Glenn Close  que borda el personaje y que repitió en su segunda parte en el 2000. Dos películas que jugaron la carta de la nostalgia, la cinta animada es actualmente película de culto y quienes la vimos en su estreno la recordamos con mucho cariño.
Conocemos su infancia desarraigada, Emma Stone borda su papel. Su maldad tiene su lógica, hay que ver la película porque aquí no vamos hacer spoilers. Nada es gratuito a excepción de algunos detalles políticamente correctos totalmente prescindibles. No voy a quejarme al respecto porque ya está demasiado caldeado el ambiente.
La película actual está muy bien llevada. Emma Thompson y Mark Strong están geniales. Yo no esperaba nada de este título y me llevé una gran sorpresa. Una realización moderna, ágil y sin puntos muertos. Los personajes secundarios están muy bien logrados, Gaspar y Horacio, sus maltratados sicarios tienen su dignidad. Cruella merece verse y revisionarse varias veces. No está a la altura del clásico de Disney, pero poco le falta.

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