Películas mexicanas 2

MARÍA CANDELARIA (1944)

MARIA CANDELARIA (XOCHIMILCO). Año: 1944. País: México. Dirección: Emilio Fernández. Reparto: Dolores del Rio (María Candelaria), Pedro Armendáriz (Lorenzo Rafael), Alberto Galán (El Pintor), Margarita Cortés (Lupe), Miguel Inclán (Don Damian), Beatriz Ramos (Periodista), Rafael Icardo (Cura), Julio Ahuet (Jose Alfonso), Lupe del Castillo (Huesera), Lupe Inclán (Cotilla), Salvador Quiroz (Juez), Nieves (Modelo), Elda Loza (Modelo), Lupe Garnica (Modelo). Guion: Emilio Fernández, Mauricio Magdaleno. Música: Francisco Domínguez, Rodolfo Halffter. Fotografía: Gabriel Figueroa (B&W). Films Mundiales. Duración: 102 minutos.
Ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes 1944.

La estrella  de Hollywood Dolores del  Río (Durango, México, 3 de agosto de 1905-Newport Beach, California, Estados Unidos, 11 de abril de 1983) había triunfado en los años 20 y 30 en la gran pantalla pero en 1943 la insdustria comenzaba a darle la espalda por lo que la actriz se trasladó a su México natal cuya cinematografía estaba viviendo su mejor momento.
El actor y director Emilio Fernández le quiso hacer un regalo para su 38 aniversario pero como siempre estaba sin blanco. Así que en un centro nocturno empezó a escribir un guión en servilletas de papel que terminó en una noche. Era el  guión de María Candelaria  que se llevó a la pantalla con numerosas dificultades. Presentada en el Festival de Cannes obtuvo la Palma de Oro a la mejor película, toda una hazaña para un film mexicano que empezó a labrar su prestigio internacional.
La cinta se filmó completamente en Xochimilco, en unos decorados construidos por Manolo Fontanals, y estuvo llena de numerosas contrariedades.

Estamos ante una película de culto. Una pareja de indígenas mexicanos se ve acosada por el cacique de Xochimilco que pretende a la mujer que le rechaza. María Candelaria es hija de una prostituta liinchada por su pueblo y marginan a la pobre muchacha.
La película es muy bella en imágenes pero da un retrato cruel de una sociedad encerrada en prejuicios ancestrales. Ese chismorreo de gentes que siempre indagan las vidas ajenas, que se erigen en jueces y verdugos.
El cine de Emilio Fernández es generalmente trágico. Sus finales son tristes y melodramáticos. El  destino se ensaña con sus personajes que viven en sociedades cerradas, que no evolucionan y viven apegadas a la religión. Una sociedad de curanderas y cotillas carentes de sentimientos. Personas obtusas que no son capaces de cuestionar su entorno ni su realidad.

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Películas mexicanas 1

LOS TRES HUÁSTECOS (1948)

LOS TRES HUASTECOS. Año: 1948. País: México. Dirección: Ismael Rodríguez. Reparto: Pedro Infante (Juan de Dios Andrade / Lorenzo Andrade / Víctor Andrade), Blanca Estela Pavón (Maritoña), María Eugenia Llamas (Tucita), Fernando Soto (Cuco), Alejandro Ciangherotti (Alejandro), Antonio R. Frausto (Don Damián), Guillermo Calles (El Bronco), Salvador Quiroz (Coronel), Julio Ahuet (Capitán), Roberto Corell (Obispo), Chel López (Soldado), Hernán Vera (Camarero). Guion: Ismael Rodríguez, Rogelio A. González. Música: Nacho García, Raúl Lavista. Fotografía: Jorge Stahl. Producciones Rodríguez Hermanos. Duración: 120 minutos.

La cultura huasteca es una cultura que se desarrolló en una vasta región de México conocida como la Huasteca, compartida por los actuales estados de Veracruz, San Luis Potosí, Hidalgo, Tamaulipas, Querétaro y Puebla.
La cinta que nos ocupa trata de unos trillizos nacidos en la Huasteca pero que, tras la muerte de sus padres, fueron repartidos entre tres familias. Al cabo de varios años, ya adultos, los trillizos vuelven a coincidir en un mismo pueblo provocando confusión porque los tres son exactamente iguales por fuera pero distintos por dentro.
Uno es de vida licensiosa,  otro es un sacerdote y un tercero es policía. Una serie de contrariedades amenizarán esta exitosa comedia que incluye varias canciones de la estrella Pedro Infante Cruz (Mazatlán, Sinaloa, 18 de noviembre de 1917-Mérida, Yucatán, 15 de abril de 1957), y de Blanca Estela Pavón (Minatitlán, Veracruz, México, 21 de febrero de 1926 – Popocatépetl, Puebla, México, 26 de septiembre de 1949) ,su pareja en la pantalla.
La  pareja triunfaba pero su éxito fue muy breve. Blanca Estela Pavón falleció a los 23 años en un accidente de avión, Pedro Infante sufrió la misma suerte ocho años después malograndose así sus respectivos talentos.
La comedia en su día  fue muy popular, las  canciones sonaban repetidas veces en la radio a todas horas,sobre todo la canción de la burrita que se hizo célebre en su día y que hasta ahora es conocida.  Se trata de una comedia que conserva su frescura pese a la tristeza que produce el trágico recuerdo de la pareja protagonista  fallecidos en la cresta de la fama.
En un papel secundario estaba el  amigo gracioso,  Fernando Soto (Puebla, México, 15 de abril de 1911-Ciudad de México, 11 de mayo de 1980), más conocido como “mantequilla”.  En México es costumbre que los actores cómicos tengan pseudónimo  y los galanes bigote. Además siempre se incluyen canciones rancheras o boleros para animar la cinta.
Aunque algunas películas se vean pobres de producción, el cine mexicano era una industria que se mantenía a si misma sin ser intervenida por el Estado como por desgracia ha pasado en España.
Por eso las cintas mexicanas siempre respiran una alegría que el cine español jamás ha tenido.

EL MODERNO BARBA AZUL (1946)

EL MODERNO BARBA AZUL. Año: 1946. País: México. Dirección: Jaime Salvador. Reparto: Buster Keaton, Ángel Garasa, Virginia Serret, Luis G. Barreiro, Guillermo Bravo Sosa, Fernando Soto, Pedro Elviro “Pitouto”, Ramón G. Larrea, Jorge Mondragón, José Elías Moreno, Ignacio Peón, Óscar Pulido, Enriqueta Reza. Guion: Jaime Salvador, Victor Trivas. Música: Leo Cardona, Georges Tzipine. Fotografía: Agustín Jiménez (B&W). Productora: Alsa Film (Alexander Salkind). Duración: 83 minutos.
Un soldado estadounidense en la Segunda Guerra Mundial naufraga y su bote llega a México creyendo que es Japón.
Lo confunden con un Barba  Azul y le ofrecen viajar a la Luna en un cohete fabricado por un sabio local.
Absurda comedia protagonizada por el genial Buster Keaton en horas bajas. Algunos momentos son divertidos pero en la mayoría notamos una cierta incomodidad por parte del gran cómico. Dirige Jaime Salvador (Barcelona, España; 4 de noviembre de 1901 – Ciudad de México, México; 18 de octubre de 1976), hermano de Julio Salvador (Barcelona, 1906 – 9 de mayo de 1974) que se quedó en España y dirigió la exitosa Apartado de correos 1001 (1950). Jaime fue el guionista oficial de Cantinflas y tuvo una larga carrera en los  estudios aztecas.
Produce Alexander Salkind, futuro autor de la saga Superman con Christopher Reeve. En aquel tiempo nadie creía en Buster Keaton por lo que no dudó en arriesgarse. Keaton no sabía español  y andaba algo despistado, pero su talento emerge siendo secundado por el madrileño Angel Garasa que emigró a México huyendo de la guerra civil y se quedó tras el fin de la contienda. Pedro Elviro “Pitouto” era un cómico español que emigró a México porque en España no le daban trabajo.
La película se ve muy pobre de producción y su guión es absurdo, no tiene ni pies ni cabeza por lo que fue machacada por la crítiica terminando de hundir a Keaton merecedor de mejor suerte.
En algunos lugares aseguran que el gran cara de palo actuó en El colmillo de Buda (1949) de Juan Bustillo Oro.He visto  la película comprobando que Keaton no sale en ningún instante.

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Alpha (2018)

INICIO DE UNA GRAN AMISTAD

ALPHA. Título original: Alpha. Año: 2018. País: Estados Unidos. Dirección: Albert Hughes. Reparto: Kodi Smit-McPhee (Keda), Morgan Freeman (Narrador), Natassia Malthe (Rho), Jóhannes Haukur Jóhannesson (Tau), Leonor Varela (Shaman), Mercedes de la Zerda (Nu), Jens Hultén (Xi), Spencer Bogaert (Kappa), Priya Rajaratnam (Cazadora). Guion: Dan Wiedenhaupt (Historia: Albert Hughes). Música: Joseph S. DeBeasi, Michael Stearns. Fotografía: Martin Gschlacht. Studio 8. Distribuida por Sony Pictures. Duración: 96 minutos.
Una aventura épica y una historia de supervivencia ambientada en la Europa de hace 20.000 años, durante la última glaciación. Un joven sale a cazar por  vez primera pero se  extravía siendo ayudado por una loba expulsada de su manada.

Las películas con animales siempre han tenido larga tradición en la Historia del Cine pero en este caso tenemos una cinta sobre la prehistoria que narra el principio de la relación del hombre con el perro, en este caso perra.
No estamos ante ninguna obra maestra pero no por ello este  film es desdeñable. Por un lado es una cinta simpática y agradable que no molesta a nadie. Técnicamente es impoluta. Nada hay que reprocharle. Ni siquiera es pretenciosa.
El relato es emocionante y pasas un buen rato viéndola. Hay secuencias vibrantes como la del río helado donde se hunde el protagonista y es salvado por la perra que está perfectamente realizada con su gran dosis de emoción.
Un trabajo muy profesional destinado a un público familiar sin ganas de complicarse la vida.

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Ferdinand, el toro

UN MORLACO MUY ESPECIAL

La película que vamos a tratar tiene dos precedentes, una novela y un famoso corto de Walt Disney prohibidos por la censura franquista y por regímenes autoritarios como la alemania Nazi. El Cuento de Ferdinando (1936) es la obra más conocida escrita por el autor estadounidense Munro Leaf e ilustrado por Robert Lawson. Es un libro para niños que cuenta la historia de un toro que prefiere oler las flores en lugar de luchar en las corridas de toros. Se sienta en el medio de la plaza de toros y no le presta atención ni le da importancia a cualquiera de las provocaciones del matador y los otros para luchar.

EL TORO FERDINANDO. Título original: Ferdinand the Bull. Año: 1938. País: Estados Unidos. Dirección: Dick Richard. Guion: Munro Leaf, Robert Lawson (Cuento: Munro Leaf). Música: Albert Hay Malotte. Walt Disney Productions / RKO Radio Pictures. Duración: 8 minutos.

La novela  de  Munro Leaf  se publicó nueve meses antes del estallido de la Guerra Civil española siendo inmediatamente prohibido en varios países. El líder de la India Mahatma Gandhi lo llamó su libro favorito.
El cuento interesó al propio Walt Disney que lo produjo en forma de corto en 1938 obteniendo el apreciado Oscar al mejor corto de animación que no le  libró de la implacable censura franquista.
Vista  actualmente el  cuento conserva toda su gracia aunque contiene errores de ambientación al sacar gente  con sombrero mexicano que en España no se usa salvo en carnavales. Un despiste muy típico del cine gringo que no sabe distingir entre ambas naciones.

Pero la  verdad es que el corto es genial con grandes golpes de efecto y se puede aceptar  fuera de su ideología política. Sus autores no tenían grandes pretensiones con sus creaciones pero  las circunstancias se impusieron y les arrastró en la polémica. No era época  para el  pacifismo cuando Europa y sobretodo España estaba siendo arrasada por el fascismo más cruel que en aquella época puso fin a la vida de millones de personas.

FERDINAND. Año: 2017. País: Estados Unidos. Dirección: Carlos Saldanha. Guion: Robert L. Baird, Tim Federle, Brad Copeland (Historia: Ron Burch, David Kidd, Don Rhymer. Cuento: Munro Leaf). Música: John Powell. Fotografía: Animation, Renato Falcão. Blue Sky Studios / 20th Century Fox Animation / Davis Entertainment. Distribuida por 20th Century-Fox Film Corporation. Duración: 106 minutos.

Han pasado los años y han cambiado las circunstancias. Ya no tenemos la sombra de crueles dictadores amenazándonos aunque el peligro de dictaduras no ha desaparecido ni mucho menos.
En la época del buenismo, el animalismo y el pacifismo el cuento de Ferdinando resucita y la Fox pone en marcha un largometraje  muy bien intencionado.

El estreno de esta cinta no está exento de polémica cuando está vigente el debate antitaurino. Antitaurino quiere decir contrario a las corridas de toros y los encierros. No se refieren contrariedad contra la especie animal. Las corridas en efecto son crueles y de pésimo gusto. Sin embargo hay que saber matizar. La desaparición de las corridas supondría la  muerte del toro de lidia porque desaparecerían las ganaderías que los crían. Es un punto en el que nadie piensa.
La película pretende ser simpática,  no ofender a nadie y busca divertir y emocionar al público. Todo está bien resuelto aunque su desarrollo no es excepcional. Le  falta la chispa que en su día supo insuflar el gran Walt Disney.
Por  eso es un film que se ve sin esfuerzo, que se disfruta y lo pasas bien aunque todo te suene a ya visto. Es una película para niños con muy poca lógica, sin ninguna coherencia argumental pero que no te molesta en absoluto.
Algunos críticos taurinos han estallado en cólera por este filme, pero creo que le dan demasiada importancia. Es un entretenimiento más o menos saludable que se ve sin esfuerzo y que te divierte. Nada más.

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Gorrión rojo (2018)

EL TELÓN DE ACERO

GORRIÓN ROJO. Título original: Red Sparrow. Año : 2018. País: Estados Unidos. Dirección: Francis Lawrence. Reparto: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O’Neill, Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds, Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge, Bill Camp, Sebastian Hülk, Ingeborga Dapkunaite, Sasha Frolova, Chris O’Hara, Judit Rezes, Hugh Quarshie, Karen Gagnon. Guion: Justin Haythe (Novela: Jason Matthews). Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Chernin Entertainment / Film Rites / Soundtrack New York. Distribuida por 20th Century Fox Film Corporation. Duración: 139 minutos.

El cine de espías siempre ha proporcionado un alto rendimiento en Hollywood y a la industria del cine en general.
La presente cinta tiene un cierto recuerdo de Atómica  con la gran Charlize Theron pero su desarrollo es lejano.No se recurre aquí a la abracadabrante acción ni a la violentas peleas para mantenerte en tensión sino a una trama muy bien elaborada.
Molesta tal vez el clasico chovinismo gringo mostrando la todopoderosa CIA como si fueran hermanitas de la caridad cuando todos sabemos que realmente no es así. La CIA ha sido muy dañina para el mundo y muchos problemas han sido creados por  los poco  valientes americanos pero Hollywood es gringo y sabemos que defiende sus intereses.
La trama central se recrea en una bailarina rusa que por accidente queda lesionada y pierde su empleo. Se vé obligada a cambiar de oficio convirtiéndose en una peligrosa agente.

Jennifer Lawrence está espléndida en el personaje central aunque deba exhibir su bella anatomía. Las espías carecen de escrúpulos ni tienen sentimientos. Son gente de corazón duro sin remordimientos algunos.
La trama está bien llevada. Muestra un mundo corrupto de dobles agentes y políticos corruptos. Un mundo donde todo lo manda el dinero y la ambición pecunaria. Gente de alma muerta, violenta y desagradable  capaces de cualquier villanía para conseguir sus fines.
La cinta es mejor de lo esperado y convence al público funcionando perfectamente en taquilla y creando un nuevo clásico del cine de espías.

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…y María Félix se fue a la Revolución

DOS FILMS MEXICANOS

LA ESCONDIDA. Año: 1956. País: México. Dirección: Roberto Gavaldón. Reparto: María Félix (Gabriela), Pedro Armendáriz (Felipe Rojano), Andrés Soler (General Nemesio Garza), Arturo Martínez (Don Cosme), Domingo Soler (Tata Agustino Rojano), Jorge Martínez de Hoyos (Máximo Tepal), Carlos Agostí (Coronel Octavio Montero), Sara Guasch (Hortensia), Miguel Manzano (Don Chente), Carlos Riquelme (Doctor Herrerías), Eduardo Alcaraz (Señor Ariza), Rafael Alcayde (Amo de hacienda). Guion: Roberto Gavaldón, Gunther Gerszo, Miguel N. Lira, José Revueltas. Música: Raúl Lavista, Cuco Sánchez. Fotografía: Gabriel Figueroa. Alfa Film. Duración: 100 minutos.

La Revolución Mexicana es un tema de lo  más recurrente de la cinematografía azteca porque forma parte de su historia en primer lugar. Es el western de México. Su épica. Su gloria. Es el acontecimiento que ha propiciado al país actual mostrado siempre de forma eufórica y dicharachera. Todo lo contrario de la Guerra Civil española que siempre  es mostrado de forma triste y desesperada.
Naturalmente los mexicanos ganaron su guerra y los españoles tuvimos un final adverso. Por eso ambas epopeyas presentan una visión distinta  en sus películas.
El título hace referencia a la condición del personaje de María Félix. La escondida significa, según la  terminología mexicana,  que es la amante de un hombre importante con quien no se ha casado pero que  lleva una vida marital oculta.
La protagonista es mantenida por un general del gobierno ya muy mayor pero ama al líder revolucionario. El melodrama está pues servido.
El guión no es ninguna maravilla. El desenlace es flojo y a la realización le falta fuerza. Los dos actores principales salvan la función sin esfuerzo. Eran dos divos imprescindibles en la época que sabían dominar la pantalla. Con un guión más  sólido hubieran conseguido mejores resultados.
La  época aquí tratada es la Revolución de  1910 cuando Francisco I. Madero inició la revuelta triunfante siendo elegido Presidente de Gobierno. Algo más de un año fue traicionado y asesinado como resultado del golpe de estado (la llamada Decena Trágica) dirigido por Victoriano Huerta.
Una época confusa en donde los personajes centrales dan bandazos viendose arrastrados por los acontecimientos.

LA CUCARACHA. Año: 1959. País: México. Director: Ismael Rodríguez. Reparto: María Félix (La cucaracha), Dolores del Rio (Isabel), Emilio Fernández (Coronel Antonio Zeta), Antonio Aguilar (Capitán Ventura), Flor Silvestre (Lola), Ignacio López Tarso (Trinidad), Cuco Sánchez (Soldado cantante), Irma Torres (Soldadera), Miguel Manzano (Don Gabriel Puente), Lupe Carriles (La trompeta), Humberto Almazán (Soldado), Alicia del Lago (Soldadera embarazada), Emma Roldán (Comadrona), Tito Novaro (Jacobo Méndez). Guion: José Bolaños, Ricardo Garibay, Ismael Rodríguez. Música: Raúl Lavista. Fotografía: Gabriel Figueroa. Películas Rodríguez. Duración: 97 minutos.

La cucaracha es una canción folclórica tradicional cuya tonada es de origen español, que posteriormente fue popularizada en México durante la revolución mexicana con letras autóctonas.

Esta película presenta como novedad un duelo interpretativo entre las dos grandes divas del cine mexicano. La gran Dolores del Río y María Félix gracias a una iniciativa de esta última.
Divas en el buen sentido de la palabra porque es una palabra muy desprestigiada por cierta clase de actores envanecidos que maltratan a los profesionales que trabajan con ellos.
María Félix tiene una larga leyenda negra al respecto y no vamos aquí aclarar nada. Nos interesa su trabajo como actriz y su personaje cinematográfico.
Pocas actrices han sido capaces de crear  esta imagen de mujer fuerte como María Félix que entonces estaba en su mejor momento tras su gira europea.
Dolores del Río era un personaje distinto. Una mujer más femenina y dulce aunque fuerte de carácter. En La cucaracha tiene tal vez el mejor papel  de la película. Isabel, la mujer de un maestro de escuela que es obligado a luchar por la revolución falleciendo y dejándola viuda.
Su personaje a lo largo de la cinta evoluciona. De una esposa convencional pasa a convertirse en una viuda asustada, desconsolada, que se hunde en la desesperación hasta acabar como una  enérgica soldadera que luchan al lado de su nuevo hombre. “Si la Revolución te ha quitado a tu hombre, la Revolución te dará otro.”
La Cucaracha es una mujer muy María Félix,  viste como hombre y es mal hablada con su voz ronca. De mujer fuerte se convierte en madre soltera que con su bebé sigue a los revolucionarios.
Además tenemos como protagonista a Emilio Fernández, el jefe revolucionario, muy poco simpático al principio pero que se va humanizando. Son los tiempos de Pancho Villa, de la lucha dura y de los grandes sacrificios.
La  épica revolucionaria se impone. Eran tiempos de grandes hombres y grandes mujeres. La Revolución fue dura, fue violenta, pero mejoró la vida de su pueblo. Los mexicanos al  menos lo intentaron.


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La Llorona (1959)

LA LEYENDA MÁS  MEXICANA

LA LLORONA. Año: 1960. País: México. Director: René Cardona. Reparto: María Elena Marqués (Luisa del Carmen / La Llorona / Carmen Asiul), Eduardo Fajardo (Don Nuño de Montes Claros), Luz María Aguilar (Margarita Montes), Carlos López Moctezuma (Don Gerardo Montes), Mauricio Garcés (Felipe Arnáiz), Marina Banquells (Jorgito), Juan José Martínez Casado (Tristán), Emma Roldán (María), Francisco Pando (Fraile), David Reynoso (Juez), Erna Martha Bauman (Doña Ana). Guion: Adolfo Torres Portillo (Obra: Carmen Toscano). Música: Luis Mendoza López. Fotografía: Jack Draper. Producciones Bueno. Duración: 75 minutos.

La Llorona es un espectro del folclore latinoamericano que, según la tradición oral, se presenta como el alma en pena de una mujer que asesinó o perdió a sus hijos, busca a estos en vano y asusta con su sobrecogedor llanto a quienes la ven u oyen.

Hay varias versiones de la Llorona en los estudios mexicanos. La Llorona (1933), La herencia de la Llorona (1947), La Llorona (1960), La maldición de la Llorona (1961),  La venganza de la Llorona (1974), Las Lloronas (2004), Kilómetro 31 (2005), Haunted from Within (2005), The Wailer (2006), su secuela The Wailer 2 (2007) y su precuela The Wailer 3 (2012), J-ok’el (2007), The Cry (2007), La leyenda de la Llorona (2011).
Generalmente son cintas modestas, como la presente, carentes de la  menor pretensión y que podríamos considerar simpáticas  porque están realizadas con profesionalidad y no resultan desagradables en ningún momento.
La acción se cuenta en dos épocas. La moderna y el pasado colonial español, en la época de la Nueva España en donde nos encontramos a un joven Eduardo Fajardo, uno de nuestros mejores actores, como un noble engreído que engaña a una humilde mestiza a la que convierte en su amante y a la que luego abandona al contraer matrimonio con otra noble española.
La  trama está perfectamente urdida aunque suene a serial radiofónico en algunas ocasiones. María Elena Marqués (Ciudad de México, 14 de diciembre de 1926-ibídem, 11 de noviembre del 2008) está sublime como  la Llorona, el personaje central. Actriz y cantante que actuó en Hollywood al lado de Clark Gable en Más allá del Missouri (1951) haciendo, cómo  no, de india.
Rodada en blanco y negro, las mejores secuencias nos trasladan al pasado colonial.  Esas callejuelas estrechas por la que deambula el personaje central, la secuencia del baile de  los indígenas a su alrededor y finalmente el misterio y el horror aunque en este sentido sea suave, muy poco por no decir nada sangrienta.
Una cinta que se ve con agrado. No molesta y en la lejanía del tiempo resulta agradecida.

María Elena Marqués arriba con Clark Gable en Más allá del Missouri (1951) y abajo con Pedro Armendáriz en La perla  (1947) de Emilio Fernández.

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Divinas palabras (1985)

EL GENIAL VALLE-INCLÁN

DIVINAS PALABRAS. Año: 1987. País: España. Dirección: José Luis García Sánchez. Reparto: Ana Belén (Mari Gaila), Francisco Rabal (Pedro Gailo), Imanol Arias (Séptimo Miau), Esperanza Roy (Rosa la Tatula), Aurora Bautista (Marica del Reino), Juan Echanove (Miguelín), Rebeca Tébar (
Simoniña ), Víctor Rubio. Guion: José Luis García Sánchez, Enrique Llovet (Obra: Ramón del Valle-Inclán). Música: Milladoiro Fotografía: Fernando Arribas. Lolafilms. Duración: 107 minutos.

Ramón José Simón Valle Peña (Villanueva de Arosa, 28 de octubre de 1866-Santiago de Compostela, 5 de enero de 1936), fue un dramaturgo, poeta y novelista español, que formó parte de la corriente literaria denominada modernismo en España y se encuentra próximo, en sus últimas obras, a la denominada generación del 98. Se le considera uno de los autores clave de la literatura española del siglo XX.

Divinas palabras es una de las obras teatrales más conocidas de Ramón María del Valle-Inclán publicada en 1919. Supone la culminación del ciclo mítico, con una estética muy cercana a los esperpentos.
En teatro la  obra fue llevada a las plateas gente como Ingmar Bergman en Estocolmo, la han representado actrices como Nuria Espert y Margarita Xirgu. En cine hay una versión de 1977 dirigida en México por Juan Ibáñez.
El texto de Valle-Inclán es muy rico con una prosa muy cuidada en la que describe la miseria de la sociedad española que le tocó vivir.
Su teatro es dificil de representar pero con buenos profesionales luce a la perfección. La crítica suele escribir  que sus obras son muy cinematográficas pero por desgracia sus adaptacionesal  cine no están muy bien  conseguidas. Les falta fuerza, energía, valor.

La película que nos ocupa está dirigida por José Luis García Sánchez (Salamanca, 22 de septiembre de 1941). En 1978 ganó el Oso de Oro por Las truchas. En 1985 triunfó con su versión de La Corte del Faraón. En 1993 repitió con Valle con su versión de Tirano Banderas.
He revisionado el presente film es un DVD editado por El País en una copia de muy mala calidad prueba del descuido y el desprecio con que se trata al cine en este país de pandereta. Eso provoca una cierta decepción por no poder disfrutar la proyección en condiciones.
García Sánchez realizó la película con cariño, consciente de la gran dificultad de la empresa al mostrar esta Galicia tétrica de gente iletrada que malvive en la mayor de la pobreza. Es la España del chisme y el marujeo. Mientras pasan hambre se preocupan de las intimidades de sus vecinos que no son de su incumbencia y no de quienes les mantienen en la pobreza.
La obra y la película son duras. La célebre Mari Gaila (Ana Belén) empujando un carretón con un deforme hidrocéfalo para poder sacar su familia adelante. Un marido que es sacristán, lleva sotana y pronuncia palabras en latín que nadie entiende. El amante Séptimo Miau, el clásico buscavidas que de todo pretende sacar beneficio y toda una pleyade de hipócritas charlatanes que se dedican al chismorreo más descerebrado.
Toda una fauna de gente inútil, víctimas y verdugos de una sociedad que les enfanga y dominados por la superstición y la mentira.

Ramón María del Valle-Inclán

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La regenta (1995)

LA FALSEDAD ESPAÑOLA

LA REGENTA. Año: 1995. País: España. Director: Fernando Méndez-Leite. Reparto: Aitana Sánchez-Gijón (Ana Ozores), Héctor Alterio ( Víctor Quintanar), Juan Luis Galiardo (Álvaro Mesía), Carmelo Gómez (Don Fermín de Pas), Amparo Rivelles (Doña Paula), Miguel Rellán (Frígilis), Fiorella Faltoyano (Visitación), Cristina Marcos (Petra), María Luisa Ponte (Petronila Rianzares), Manuel Alexandre (Santos Barinaga), Francisco Merino (Fojar), José María Caffarel, Juan José Otegui (Don Robustiano), Virginia Mataix (Doña Obdulia), Conrado Sanmartín (actor de teatro). Guion: Fernando Méndez-Leite (Novela: Leopoldo Alas ‘Clarín’). Música: Bingen Mendizábal. Fotografía: Rafael de Casenave. Televisión Española (TVE) Duración: 302 minutos (tres episodios).

La Regenta es la primera novela de Leopoldo Alas «Clarín», publicada en dos tomos en 1884 y 1885. Gran parte de la crítica la ha considerado la obra cumbre de Clarín y de la novela española del siglo XIX.
Esta ambientada en una ciudad imaginaria, Vetusta, una ciudad de provincias encerrada en sí misma y en  obsoletos prejuicios llegando a la difamación y la calumnia.
Ana Ozores es una mujer joven casada con un marido muy mayor, no hacen vida matrimonial y llevan escasa vida social.
La esposa, muy religiosa, acude a confesarse pero la larga confesión da lugar a maledicencias. La bola se va agrandando porque la gente ve lo que no hay.
La novela, la película y esta miniserie de RTVE muestran la hipocresía de una sociedad anclada en los chismes gratuitos e inútiles. Un antecedente de los programas televisivos de género rosa que se dedican a indagar las íntimidades de los famosos para promover el morbo y el descerebrado  marujeo.
Un  cotilleo que en el caso de la obra que nos ocupa destroza la vida de la protagonista y de su entormo.
Los marujas del siglo XIX siempre largando, inventándose situaciones absurdas que sólo están  en su escasa imaginación.

Aitana Sánchez-Gijón, una de nuestras mejores actrices, sabe encarnar con certeza al blanco de envidias y celos sin fundamento por parte de gente ociosa e improductiva.
Ana Ozores es víctima de una sociedad cerril, decadente, que ha perdido el norte. La España postcolonial y postimperial. Un país antaño vanguardia del mundo reducido a una nación tercermundista anclada en  el pasado, una sociedad que se niega a evolucionar, que va quedando atrás en el avance  de la historia y  que se convierte en una  caricatura de sí  misma.
Excelente trabajo de dirección de Fernando Méndez-Leite y perfecta reconstrucción de una  época todavía no superada.

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Cine e Historia 18: Mariana Pineda

PROCESO A
MARIANA PINEDA (2008)

PROCESO A MARIANA PINEDA. Año: 1984. País: España. Director: Rafael Moreno Alba. Reparto: Pepa Flores (Mariana Pineda), Germán Cobos (Juez Pedrosa), Juanjo Puigcorbé (Teniente Alba), Carlos Larrañaga (Capitán Álvarez de Sotomayor), Raúl Fraire (Oficial), Rafael Alonso (Funcionario), Tony Isbert (Ferrer), Manuel Galiana (Ilustrado), Antonio Iranzo (Matías), Valentín Paredes (Padre Saila), José María Caffarel (Juez Ceruelo), Conrado San Martín (Abogado Defensor), José Vivó (Confesor), Rosario Flores (Juanita), Enrique San Francisco (Federico), Manuel Torremocha, Mari Paz Ballesteros, Kiti Mánver (La Chispa), José María Tasso (padre de Federico). Guion: Carmen Icaza, Rafael Moreno Alba, Emilio Romero (Obra: Federico García Lorca). Música: Jaime Pérez. Fotografía: José García Galisteo. Divisa Home Video / Televisión Española (TVE). Cinco episodios, 300 minutos.

Miniserie de 5 capítulos centrada en la figura de Mariana de Pineda Muñoz o Mariana Pineda (Granada, 1 de septiembre de 1804-Granada, 26 de mayo de 1831) y ambientada en la Granada de 1831, en el octavo año del reinado absolutista de Fernando VII.
Se trata de un juicio sobre falsas pruebas en la que Mariana Pineda fue acusada de tener una bandera liberal en su domicilio por lo que fue encarcelada, juzgada y condenada. La serie refleja los pormenosres del juicio y retrata una época que en la actualidad nos suena extraña.
Había acabado la Guerra de la Independencia y se habían convocado las Cortes de Cádiz con una constitución liberal. Pero al regresar el monarca Fernando VII, alias El Deseado, la abolió con la ayuda del ejército francés.
Nos puede sorprender que se apliquen condenas tan duras por causas insignifiicantes pero la realidad del siglo XIX fue así. La serie cuenta con varios detalles anticuados como el uso arbitrario del zoom para alardear y mostrar planos para exhibir la ciudad donde se rodó la miniserie que es prociosa sin dudarlo pero resta dramatismo al conjunto de la historia.
Pepa Flores, la antigua Marisol, está espléndida y es lástima que su etapa adulta no funcionara como es debido tal vez por su exceso de estrellato.
El retrato de una época es perfecto. Sobran algunos detalles mesiánicos. Los liberales trataban de modernizar España, entonces anclada en el pasado caciquil y autoritario. Pero no iban muy lejos, en realidad no fueron gran cosa.
Un movimiento creado por gente adinerada, con posibles. No inspiran demasiado confianza pero forman parte de nuestra historia.
Caras muy conocidas en aquel tiempo en que se rodó la serie jalonan el contenido, le transfieren profesionalidad y convicción.
Una buena serie que merece ser recordada y no dejarla caer en el olvido como desgraciadamente ocurre con toda nuestra cultura.

Mariana Pineda

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