ERAN OTROS TIEMPOS

SUEÑOS DE CIRCO. Título original: Feuerwerk. Año: 1954.País: Alemania del Oeste (RFA). Dirección: Kurt Hoffmann. Reparto: Lilli Palmer (Iduna Obolsky), Karl Schönböck (Alexander Oberholzer / Sascha Obolski), Romy Schneider (Anna Oberholzer), Claus Biederstaedt (jardinero Robert Busch), Werner Hinz (Albert Oberholzer), Rudolf Vogel (tío Gustav), Margarete Haagen (prima Kathie), Ernst Waldow (tío Wilhelm), Käthe Haack (Karoline Oberholzer), Lina Carstens (tía Paula), Liesl Karlstadt (tía Berta), Michl Lang (tío Fritz), Charlotte Witthauer (tía Alwine), Tatjana Sais (Madame Sperling), Willy Reichert (jefe de estación), Peter Rühmann (hermano de Anna). Guion: Erik Charell, Felix Lützkendorf, Günter Neumann, Herbert Witt. Obra: Jürg Amstein. Música: Paul Burkhardt. Fotografía: Günther Anders. Duración: 97 minutos. Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Suiza; N.D.F. Produktion

Sueños de circo es una de mis películas en mi ya remota infancia. Lilli Palmer (24 de mayo de 1914, Poznań-27 de enero de 1986, Westwood) era su protagonista. Era una mujer hermosa en aquel tiempo y lejana a la imagen que dio posteriormente en La residencia de Narciso Ibáñez Serrador.
Sin embargo en España la película que nos ocupa tardó algunos años en estrenarse y si se produjo dicho feliz acontecimiento fue debido al enorme éxito que Romy Schneider (nacida como Rosemarie Magdalena Albach; Viena, 23 de septiembre de 1938 – París, 29 de mayo de 1982) obtuvo con Sissi un año después, lo que produjo que sus otras películas se estrenaran de inmediato como Los jóvenes años de una reina, La panadera y el emperador, las dos continuaciones de Sissi.
El impacto de esa joven fue espectacular, extraordinario. A los críticos no les gustaban sus películas porque eran muy rosas, pero las chicas de la época la imitaban sin cesar.
Actualmente un modelo equiparable en popularidad lo protagoniza Miley Cyrus con su Hannah Montana, salvando las distancias, lo que apunto para dar a entender el éxito de que disfrutó Romy en su día. Sin embargo la actriz era muy inteligente y no se durmió en los laureles. Acabada su buena racha se dedicó a rodar películas de gran calidad en Francia, Reino Unido, Hollywood. En Corrupción en el internado (1958), de Geza von Radvanyi, volvió a coincidir con Lilli Palmer y se dieron un buen morreo lésbico que levantó ampollas. Fue su ruptura con SissI, la emperatriz de Austria, que merecería una película más rigurosa históricamente porque revolucionó la vida de este país en su tiempo.

Sueños de circo actualmente es una película agradable, simpática, colorista. Un buen ejemplo de cine musical alemán, con buenos números musicales y la canción Oh, Mein Papa que en su época hizo furor. Resulta curioso, cuando se estrenó esta obra sin pretensiones, yo debía ser un niño que no había hecho siquiera la primera comunión y al visionarla ayer resultó que me la sabía de memoria a pesar de haber transcurrido más de 53 años. En cambio no recuerdo películas vistas hace dos días.
Eso es debido al paso del tiempo, a la edad, pero también a que unas películas dejan huella y otras no. Nuestra memoria es selectiva y borra lo que no nos interesa.
Verla actualmente ha sido una experiencia agradable, una película sobre el mundo del circo o el paso del circo por una ciudad, provocaba grandes carcajadas y, al menos, no nos aburrían con el recuerdo de tiempos mezquinos como suele ocurrir en nuestro cine, véase Pájaros de papel, estropeada por la amarga memoria del franquismo añadiendo una trama política gratuita que no aporta nada al tema.
En cambio el título que nos ocupa destaca por su brillantez, sus ganas de vivir, su elegancia y su inocencia. El cine musical alemán ha sido olvidado de nuestras dvdtecas y es hora ya de recuperarlo.

Romy Schneider ya adulta

En Corrupción en el internado (1958), de Geza von Radvanyi, volvió a coincidir con Lilli Palmer y se dieron un buen morreo lésbico que levantó ampollas.

LOS OSCARS DEL MAL GUSTO

Hace años que no veo la ceremonia de entrega de los premios Oscar de Hollywood. Premian  películas insufribles, aburridas, que no gustan a nadie o a poca gente. La última entrega fue un completo desastre. Unos pretendidos cómicos de quinta división pretendiendo ser graciosos insultando a los invitados a tan terrible evento.
Amy Schumer burlándose de la actriz Kirsten Dunst, aunque formara  parte de un guion, no tenía ninguna gracia. No me hacía reír aunque me hicieran cosquillas en los pies. Nunca he visto una cómica tan desdichada.
Lo de Will Smith y su esposa Jada Pinkett no tiene nombre. Chris Rock es muy mal cómico pero en fin no voy a discutir la cachetada sino la caza de brujas desatada contra el mencionado actor. Merecía recibir una buena lluvia de tomates por malo.
La cachetada nada tengo que decir. Pensando con el corazón lo entiendo, pensando con la cabeza no. Ha sido un suicidio profesional y un torpedo bajo la linea de flotación de Smith que ha tirado su carrera por la borda.

Qué horror de velada. A Smith se le fue la olla, una tremada metedura de pata. El mundo del cine se ceba con los personajes conflictivos, les hunde, les machaca. Huyen de él. Finalmente Smith ha recibido puñalada trapera de su esposa mientras ha sido internado en una clínica de reposo.
Su carrera se hunde sin remedio pese a que cierta actriz declaró en los  Oscar: «todas las mujeres sentimos envidia de Jada Pinkett, porque tiene un marido que se atreve a defenderla en público» aunque las feministas manipulan el acto violento para hundir al antiguo Príncipe de Bel Air.
No voy justificar ese acto violento pero sí atacar ese acoso a Smith, similar al de Roscoe Arbuckle en el pasado al que acusaron de una muerte aunque en el juicio fue declarado inocente.

Hollywood está de capa caída. Vulgaridad en los Oscar premiando una copia como CODA: Los sonidos del silencio, copia de La familia Bélier (2014) que hubiera necesitado mayor reconocimiento.
Jada Pinkett en 2016 ya tuvo un incidente con el golpeado presentador «Cuando Chris fue anfitrión de los Oscar 2016, Jada boicoteó la ceremonia por aquella campaña de ‘Los Oscar son muy blancos’. En su monólogo de presentación, Chris Rock se mofó de ella al decir que no era posible boicotear algo a lo que ni siquiera era invitada. Aquel comentario nunca se le olvidó a Will y su enemistad hacia Chris Rock no tiene nada de actuada», declaró una supuesta fuente cercana al actor que alcanzó la fama por la serie .El Príncipe de Bel-Air
En fin, con su pan se lo coman.

EL GLAMOUR DE COLOMBIA

ENCANTO. Título original: Encanto. Año: 2021. País: Estados Unidos. Dirección: Jared Bush, Byron Howard, Charise Castro Smith. Voces españolas: Olga Lucía Vives (Mirabel Madrigal), María Cecilia Botero (Alma ‘abuela’ Madrigal), Isabel Garcés (Isabela Madrigal), Sugey Torres (Luisa Madrigal), Alejandro Riaño (Bruno Madrigal), Lorenzo Gael (Antonio Madrigal), Angie Cepeda (Julieta Madrigal), Diego Ruíz (Agustín Madrigal), Carolina Gaitán (Pepa Madrigal), Mauro Castillo (Félix Madrigal), Daniela Sierra (Dolores Madrigal), Juanse Diez (Camilo Madrigal), Maluma (Mariano Guzmán). Guion: Jared Bush, Charise Castro Smith. Historia: Jared Bush, Charise Castro Smith, Byron Howard, Lin-Manuel Miranda, Jason Hand, Nancy Kruse. Música: Germaine Franco. Canciones: Lin-Manuel Miranda. Fotografía: Animación, Alessandro Jacomini, Daniel Rice, Nathan Warner. Duración: 99 minutos. Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures, Disney+

Estamos en una Colombia dicharachera. Todo es alegría y afabilidad. Conocemos a la familia Madrigal, todos con poderes mágicos a excepción de Miirabel, acomplejada por su falta de magia. Todos la consideran una gafe pero ella trata de encontrar su destino.

Encanto no es tan redonda como Coco o Up, algo confusa en su narración, desarrollo muy atropellado,  pero como su título indica tiene su encanto. Es decir su gracia. Las canciones de Lin-Manuel Miranda.ayudan a ello.
Los personajes se pasan la película cantando y bailando. Todos son felices. La narración es afable, los villanos apenas son sombras.
La película no es fácil de seguir, le falta fuerza y vigor. Pero los personaje son muy agradables y la proyección se deja ver con placidez.
Todo es un espectáculo lleno de color y armonía. Al argumento le falta dramatismo, consistencia. Por eso es para mí una obra menor no exenta de interés aunque no llegue al nivel de los títulos arriba citados.
No es mala película pero tampoco es genial. El quehacer de la Disney lo salva todo. Pasas un rato agradable y eso es mucho en la actualidad.

BUSTER KEATON
ESTÁ DE VUELTA

BUSTER KEATON ESTÁ DE VUELTA. Título original: Buster Keaton Rides Again. Año: 1965. País: Canadá. Dirección: John Spotton. Reparto: Documental, intervenciones de: Michael Kane, Buster Keaton, Eleanor Keaton, Gerald Potterton. Guion: Donald Brittain. Música: Malca Gillson. Fotografía: John Spotton (B&W). Duración: 55 minutos. National Film Board of Canada (NFB)

Desde su despido de la Metro Goldwym Mayer, en los años 30, la carrera cinematográfica del genial Buster Keaton se estancó, reducido pequeñas apariciones, algún que otro corto de bajo presupuesto (las series Educational y Columbia son una honrosa excepción) y más adelante su triunfo en televisión de lo que hablaremos en otro lugar.
Fue hacia los sesenta que su .carrera estrictamente cinematográfica renació inesperadamente. En El mundo está loco, loco, loco, empero su papel fue masacrado en la sala de montaje quedando reducido a su mínima expresión. Después tuvo papeles secundarios en las películas playeras de American International Productions y en una comedia italiana de Franco Franchi y Ciccio Ingrasia. Guerra a la italiana fue mal recibida pero actualmente está rehabilitada aunque lejos del cine de sus mejores tiempos.
Lo más curioso es que Keaton rodó sus últimas películas lejos de su país, los Estados Unidos, y lo más destacable lo rodó en Canadá.

Buster Keaton está de vuelta (1965) es un documental del rodaje de El ferroviario, un cortometraje a todo color rodado en tierras canadienses del que hablaremos  más adelante.
Conocemos su forma de trabajar y también el cariño que recibía a su paso por parte del público y las instituciones de las poblaciones que visitó. Fue recibido por una banda de gaiteros escoceses por unos niños que le pedían autógrafos.
Keaton derrochaba simpatía por doquier. Daba instrucciones a unos extras italianos, inmigrantes en Canadá, con ciudadanos que hablan francés o inglés.
Conocemos a su mujer Eleanor Keaton, antigua bailarina que compartió su vida con él pese a la diferencia de edad.
Recordamos su legendaria filmografía y sus legendarios títulos, al realizador londinense Gerald Potterton, entonces un joven novato en la industria del cine. La película rodada para televisión tiene ese calor humano, esa familiaridad afable y cariñosa de un cineasta que amó el cine y fue fiel a su personaje hasta la muerte.
El equipo celebra  su cumpleaños, cazan un pato silvestre para honrarle. El ambiente es amable y distendido. Nada de egos desmedidos.
Este documental  está lleno de vida, es un documento imprescindible para los amantes del cine de Buster Keaton, junto a Charlie Chaplin, Harold Lloyd y Stan Laurel lo más granado del cine cómico de todos los tiempos.

EL FERROVIARIO

EL FERROVIARIO (1965). Título original: The Railrodder. Año: 1965. País: Canadá. Dirección: Gerald Potterton, Buster Keaton, John Spotton. Reparto: Buster Keaton. Guion: Gerald Potterton, Buster Keaton. Música: Eldon Rathburn (Película muda). Fotografía: Robert Humble. Duración: 25 minutos. National Film Board of Canada (NFB)

Este agradable corto a todo color supone el regreso de Buster Keaton al protagonismo de un proyecto cinematográfico. Le sucedió un rodaje en Italia (Guerra a la Italiana), un homenaje en Venecia y otro rodaje esta vez en España.
Grabó una parodia en Salute to Stan Laurel (1965) con Lucille Ball, homenaje a su gran amigo fallecido meses antes. Stan Laurel fue otro de los genios del Séptimo Arte que traen gratos recuerdos al autor de estas líneas.

El ferroviario o The Railrodder es un corto atípico dentro de la filmografía del gran Buster. Es lo que podríamos llamar un film itinerante porque su acción transcurre durante un viaje.
Todo filmado con brillantes colores y una excelente banda sonora musical. Aunque el crédito del director es de Gerald Potterton, parte del metraje fue dirigido por el propio Keaton.
Este corto fue un verdadero regalo para Buster, un corto relajante y simpático. Un londinense ve anuncios de Canadá, se sube a un puente y se tira al Támesis, apareciendo en la costa atlántica de este inmenso país. Subido a una plataforma recorre todo el Canadá de punta a punta.
Vemos imágenes bucólicas de bellos paisajes mientras Keaton improvisa números cómicos. Todo tiene un aire nostálgico, añoranza de otros tiempos.Keaton se siente a gusto pese a trabajar en una película de pequeño presupuesto pero realizada con brillantez e imaginación.

EL ESCRIBA

EL ESCRIBA. Título original: The Scribe. Año: 1966. País: Canadá. Dirección: John Sebert. Reparto: Buster Keaton, Jack Creley, Cec Linder. Guion: Paul Sutherland, Clifford Braggins. Duración: 30 minutos. Construction Safety Association of Ontario, Film-Tele Productions

Tras rodar Golfus de Roma en  España, visiblemente enfermo, Buster Keaton volvió a Canadá para rodar su última película, un corto rodado en 16 mm y con muy pocos medios.
El 1 de febrero de 1966, el gran cómico falleció de cáncer. Tenía 70 años, era mayor pero no demasiado. Podría haber vivido quince años más. Fue una gran perdida para el mundo del cine aunque fuera un cineasta marginado por la industria.

The Scribe fue rodada en 16 mm. Eso provoca imágenes algo oscuras y granulentas. Es un film con propósitos didácticos, la seguridad en el trabajo pero aún así Keaton lucha bravamente para crear sus gags y hacer reír.
Nos encontramos ante un digno canto de cisne. Durante el rodaje Keaton se moría pero no por ello renunciaba a crear un corto coherente. Su profesionalidad estaba por encima de todo.
Keaton se fue del cine con la cara muy  alta. Nos dio a todos una gran lección. Hacer reír hasta el último aliento.

CINE NEGRO ITALIANO

ALMAS SIN CONCIENCIA. Título original: Il bidone. Año: 1955. País: Italia. Dirección: Federico Fellini. Reparto: Broderick Crawford (Augusto Rocco), Giulietta Masina (Iris), Richard Basehart (Carlo), Franco Fabrizi (Roberto Giorgio), Sue Ellen Blake (Susanna), Irene Cefaro (Marisa), Alberto De Amicis (Rinaldo), Lorella De Luca (Patrizia), Giacomo Gabrielli (El Barón Vargas), Riccardo Garrone (Riccardo). Guion: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli. Música: Nino Rota. Fotografía: Otello Martelli (B&W). Duración: 95 minutos. Coproducción francoitaliana: Titanus y Société Générale de Cinématographie (S.G.C.)

Antes de su famoso Ocho y medio (1963), Federico Fellini (Rímini, Emilia-Romaña, 20 de enero de 1920-Roma, 31 de octubre de 1993) rodó películas más convencionales como este Almas sin conciencia protagonizada por un astro de la televisión, Broderick Crawford (Filadelfia, Pensilvania, 9 de diciembre de 1911-Rancho Mirage, California, 26 de abril de 1986), que en aquel tiempo era famoso por la serie policíaca Patrulla de tráfico (1955-1959),  ya olvidada, una de las primeras series que contrató RTVE al inaugurarse en España.
A ese versátil actor le hemos visto de villano en multitud de películas internacionales y que aquí es protagonista central.
Richard Basehart (n. 31 de agosto de 1914 – f. 17 de septiembre de 1984) tres cuartos de lo mismo. En 1964 protagonizó Viaje al fondo del mar, una serie de ciencia ficción que le convirtió en un actor famoso.
Giulietta Masina (San Giorgio di Piano, Emilia-Romaña; 22 de febrero de 1921-Roma, 23 de marzo de 1994) era la esposa y principal musa del director Federico Fellini. Su carrera está ligada a la de su marido con quién trabajó en La strada, Las noches de Cabiria, Giulietta de los espíritus y Ginger y Fred. Excelente actriz aunque su filmografía sea escasa.

Almas sin conciencia nos cuenta las malandanzas de tres bribones, de tres estafadores profesionales sin escrúpulos que desvalijan a gente vulnerable. Campesinos ancianos a los que arrebatan todos sus ahorros sin el menor remordimiento. Para ello cuentan historias inverosímiles que las ingenuas víctimas se tragan por su falta de formación, pagando su buena fe con la ruina y la miseria.
Es la etapa neorrealista del gran cineasta italiano aunque yo prefiero a Luchino Visconti. Fellini a veces es desmedido y fatiga. Pero ya se sabe sobre gustos no hay nada escrito.
Los actores hollywoodenses suelen brillar en películas europeas. Es una oportunidad de variar su registro. Los malos tienen siempre su lado humano. Tienen corazón ante todo. No son seres de una pieza. Nuestros protagonistas son unos canallas, pero también seres humanos. Fellini sabe retratarlos con su (escasa) grandeza y su (inmensa) miseria. Gente que va por la vida pisoteando a todo el mundo. Gente egocéntrica y malvada. Mezquina y ruin.
Son personajes más creíbles que los del cine de Hollywood a menos de que sean dirigidos por sus grandes autores. Broderick Crawford se siente a gusto con la película a pesar de que su personaje es siniestro y mezquino. Impresionante los planos finales que rompen el alma. Una obra maestra del cine negro italiano, digno de figurar en todas las antologías del género.

En 1955 Broderick Crawford triunfaba en la televisión con la serie Patrulla de tráfico (1955-1959) actualmente olvidada.