JUANA GALLO (1961)

A la izquierda María Félix, a la derecha la verdadera Juana Gallo

JUANA GALLO. Año: 1961. País: México. Director: Miguel Zacarías. Reparto: María Félix (Ángela Ramos – Juana Gallo) , Jorge Mistral (Capitán Guillermo Velarde), Luis Aguilar (Coronel Arturo Ceballos Rico ), Ignacio López Tarso (Pioquinto), Rita Macedo, René Cardona, Noé Murayama, Marina Camacho, José Alfredo Jiménez, Armando Sáenz, Antonio Raxel, Jesús Gómez, Alberto Marcos, Chel López, Ernesto Juárez, Antonio Brillas, Christiane  Martel. Guion: Miguel Zacarías. Música: Manuel Esperón. Fotografía: Gabriel Figueroa. Producciones Zacarías S.A. 120 minutos.

Una campesina de nombre Ángela, al enterarse del asesinato de su padre y su novio, se levanta en armas contra el gobierno federal. Ángela, quien empieza a ser conocida como “Juana Gallo”, consigue el apoyo de todo el pueblo; inclusive de algunos federales que pasan a defender su causa. Esta tensa situación se convertiría en la Batalla de Zacatecas

María Félix es una de las actrices más amadas u odiadas en su México natal, la vimos en La cucaracha, La Valentina y otras épicas como La Generala o Enamorada. Actuó en México pero también en otros países como Francia o España. En todas partes triunfó y en realidad como actriz no tenía desperdicio.
Aquí la tenemos como Juana Gallo. En algunas fuentes desmienten los acontecimientos de dicha cinta pero aquí no entramos en polémicas porque carecemos de documentación y de tiempo para investigar la historia. Señalamos la polémica nada más.
La película,  dirigida por un cineasta histórico  que vivió 101 años, Miguel Zacarías Nogaim (Ciudad de México, 19 de marzo de 1905 – Cuernavaca, Morelos, 20 de abril de 2006) tiene sus puntos de interés. Está bien tratada desde el punto de vista bélico, buenas interpretaciones de la propia María Félix y otro histórico como Ignacio López Tarso, así como el popular cantante Luis Aguilar y el español Jorge Mistral que tuvo repercusión en su época tanto en España como en México.

La presente cinta es en realidad cinematográficamente correcta. Una película de batallas bien rodada. Muy profesional. Le recuerda al mundo, en concreto al pueblo mexicano, qué hizo la famosa revolución que encumbró a Pancho Villa y Emiliano Zapata, una guerra que intentó equilibrar la historia. Reducir la pobreza de un pueblo asfixiado por sus caciques. Una guerra que se inició con el asesinato de Francisco Ignacio Madero y su sustitución por Victoriano Huerta.
Las tropas de Venustiano Carranza (Cuatro Ciénegas, Coahuila,​ 29 de diciembre de 1859​-Tlaxcalantongo, Puebla, 21 de mayo de 1920) rehicieron la situación. Las tropas de Huerta, al comienzo de la película asaltan la tierra de Juana Gallo asesinando  a su padre y a su novio. En las primeras escenas la vemos arrando con un par de mulas, su enérgico porte. Resulta extraño que una mujer así pueda tener su propio ejército en aquel tiempo tan machista como fue México y en realidad casi todos los países del mundo, lo que da lugar a  los esperados chistecitos falocráticos y respuestas encolerizadas de la doña Félix.
Una cinta que en la actualidad se ve con agrado, con simpatía porque tiene su gracia. Le falta la ironía de Luis Buñuel y la fuerza de Emilio Fernández, pero estamos ante una obra digna que se realizó honestamente.

AGUIRRE,
LA CÓLERA DE DIOS (1972)

AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS. T. O.: Aguirre der Zorn Gottes. Año: 1972. País: Alemania. Director: Werner Herzog. Reparto: Klaus Kinski (Don Lope de Aguirre), Helena Rojo (Inez), Del Negro (Hermano Gaspar de Carajal), Ruy Guerra (Don Pedro de Ursua) , Peter Berling (Don Fernando de Guzman), Cecilia Rivera (Flores), Dany Ades (Perucho), Armando Polanah (Armando). Guion: Werner Herzog. Música: Popol Vuh. Fotografía: Thomas Mauch. Rodada en Andes, Huayna Picchu, río Nanay, Cuzco y Machu Picchu, Peru. Werner Herzog Filmproduktion y Hessischer Rundfunk (HR). 94 minutos.
En 1560, poco después de la destrucción del imperio inca, una expedición española parte de las montañas de Perú rumbo a las selvas del Amazonas, en busca de la legendaria tierra de El Dorado. A través del diario del fraile Diego Gaspar de Carvajal iremos conociendo detalles y circunstancias de aquella peligrosa aventura…

Corre el año 1560, un grupo de españoles penetra por el Amazonas en busca de El Dorado, un legendario lugar que los indios se habían inventado y que los conquistadores de la época buscaban como oro en paño.
El oro era un metal muy apreciado en aquel tiempo y no menos en el presente. Siempre ha sido útil, suministrador de poder, riquezas, siervos y siervas. Lope de Aguirre quiso emular a Hernán Cortés cuyo éxito en México no tenía precedentes. De ser un don nadie se convirtió en el hombre de moda de la época. Aguirre se rebela, huye de Pizarro en el Cuzco y se embarca en una aventura hacia ninguna parte en busca de una ciudad mítica que no existe terminando en la nada.
Hay películas que vencen al tiempo y este Aguirre, la cólera de Dios es una de ellas. Técnicos, actores y extras se movían por decorados impoibles. Bellos lugares extrañamente  transitados e ignotos en busca de un ideal. Llegan a renegar  de su España y se declaran independientes, pretendiendo crear su propio imperio. La ambición les ciega y les lleva a un desastre del que nunca se repondrán.
Resulta sorprendente las imágenes de esta cinta, que en su día fue considerada barata, con una comparsa de actores y extras navegando por un inmenso río y atravesando escarpadas montañas. Luchando contra enemigos que vemos a los lejos, que apenas tienen detalle, y esa búsqueda de algo que no existe. Un paraíso que jamás ha tenido lugar en este planeta. Un lugar de riqueza inmensa que  le compense de tantas penurias y un grupo de actores entre los que sobresale Klaus Kinski y la mexicana Helena Rojo.
No hay una acción espectacular, ni C.G.I., ni cromas. La factura es muy modesta pero es mucho más inquietante. Todo son miradas, gestos. No hace falta nada más  salvo unparadisíaco lugar. Todo parece estar de sobra en este film del gran Herzog. Un  film austero pero de gran fuerza visual. No hay dinero, sólo talento.
El film de Herzog no es propagandístico en ningún sentido. Es una aguda reflexión  sobre la búsqueda de una aventura que no conduce a ninguna parte, a un río poblado con monos diminutos que Lope de Aguirre aparta despectivamente. Es  una búsqueda del  mayor tesoro de la historia que sólo conduce a la destrucción y a la nada.

EN SALAS EL 21 DE DICIEMBRE

El Regreso de Mary Poppins de Disney está protagonizada por Emily Blunt (La chica del tren, Into the Woods) que encarna a la niñera casi perfecta, con unas extraordinarias habilidades mágicas para convertir una tarea rutinaria en una aventura inolvidable y fantástica. Esta nueva secuela tiene una mirada moderna sin dejar de rendir homenaje al espíritu del clásico original. Mary Poppins vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida personal. La niñera viene acompañada de su amigo Jack, interpretado por Lin-Manuel Miranda (Hamilton, Vaiana), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.

El Regreso de Mary Poppins está dirigida por Rob Marshall (Into the Woods, Chicago) y producida por Rob Marshall, John DeLuca (Into the Woods) y Marc Platt (La ciudad de las estrellas [La La Land]). El guión es obra de David Magee (La vida de Pi) y la adaptación para la pantalla corre a cargo de Magee, Marshall & DeLuca. Está basado en Las Historias de Mary Poppins de la escritora PL Travers, con música de Marc Shaiman (Hairspray) y canciones de Shaiman y Scott Wittman (Hairspray).

En la serie Studio One, Temporada 2,  Episodio 15,  tuvo lugar la primera aparición de Mary Poppins en imagen real protagonizada por la actriz Mary Wickes. Paul Nickell  es el director y en el reparto E.G. Marshall fue George Banks, Valerie Cossart su esposa Winifred, Iris Mann fue Jane y Tommy Rettig encarnó a Michael. David Opatoshu fue Bert.
Mary Poppins (1949).

LA FORMA DEL AGUA (2017)

Guillermo del Toro dirige a Sally Hawkins y a Doug Jones 

LA FORMA DEL AGUA. Título original: The Shape of Water. Año: 2017. País: Estados Unidos. Director: Guillermo del Toro. Reparto: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill. Guion: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Dan Laustsen. Bull Productions / Fox Searchlight. Duración: 119 minutos. Fantástico. Drama. Romance. Thriller, Años 60.
Premios
2017: 4 Premios Oscar: Mejor película, director, música y diseño de prod. 13 nom.
2017: Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)

Este año, uno de los más flojos en lo que respecta a recepción del famoso espectáculo televisivo a nivel mundial, es sabido que los más importantes premios al mejor director y al mejor film han ido a manos de un director mexicano conocido como Guillermo del Toro con una historia de amor de una mujer muda muy poco agraciada (Sally Hawkins) y un extraño ser (Doug Jones), mitad humano mitad pez, que el Gobierno estadounidense tiene cautivo en un extraño lugar no se sabe porqué.
En fin. Una historia que nos puede recordar otros films no menos entrañables como La Mujer y el Mónstruo de Jack Arnold o 1, 2, 3… Splash. Alguien ha hecho comentarios malintencionados al respecto pero poco tienen que ver estos títulos tan encantadores entre sí.
La fuerza del agua nos muestra una bella historia de amor con toda justicia fotografiado y ambientado en los años sesenta para recordarnos quizá el mencionado título de Arnold que en su día pasó como un espectáculo infantil y en la actualidad es vista con mayor seriedad.

Una vista un tanto pícara a una historia de amor presentado a dos seres que la sociedad considera distintos. Por una parte la chica muda muy poco agraciada y por la otra un ser de procedencia desconocida. Una historia de amor que Guillermo del Toro nos presenta con mucho gusta y afición a los pequeños detalles.
Se trata de una de esas películas que se revalorizarán con el paso de los años, que se convertirá en un futuro clásico y que será objeto de culto por parte de su legión de fans.
Francamente me parece una excelente película aunque prefiera Coco de Pixar-Disney, dirigida por Lee Unkrich y Adrian Molina, porque visualmente es más rica e imaginativa. Visualmente es superior sin duda.
Pero las reglas son las reglas y esa cinta, La forma del agua, ha clavado el clavo con certeza, ha triunfado en Venecia y la Gala de los Oscars convirtiéndose pues en el título de moda en la actualidad.
Sally Hawkins y Michael Shannon, en  papeles antagonistas, triunfan en sus respectivas caracterizaciones aunque en el caso del villano no lo entendemos demasiado. Excelentes imágenes oníricas que parecen haber sido soñadas le dan mucha fuerza al presente film que dentro de unos años será de culto. Entonces habrá que volver al respecto.

EL ARTE DE AMAR (1965)

EL ARTE DE AMAR. Título original: The Art of Love. Año: 1965. País: Estados Unidos. Director: Norman Jewison. Reparto: Dick Van Dyke (Paul Sloane), Elke Sommer (Nikki Dunnay), James Garner (Casey Barnett), Angie Dickinson (Laurie Gibson), Ethel Merman (Madame Coco La Fontaine), Carl Reiner (Rodin), Pierre Olaf (Carnot), Miiko Taka (Chou Chou), Roger C. Carmel (Zorgus), Jay Novello (Janitor), Irving Jacobson (Mr. Fromkis), Naomi Stevens (Mrs. Sarah Fromkis), Renzo Cesana (Pepe de Winter), Leon Belasco (Prince), Louis Mercier (juez), Fifi D’Orsay (Fanny). Guión: Carl Reiner (Historia: Richard Alan Simmons & William Sackheim). Música: Cy Coleman. Fotografía: Russell Metty. Cherokee Productions, Ross Hunter Productions y Universal Pictures. 99 minutos. Comedia rodada en París y en Little Europe, Backlot, Universal Studios – 100 Universal City Plaza, Universal City, California, USA

Después de Mary Poppins, Dick Van Dyke rodó este filme con exteriores en París en donde daba una imagen muy distinta a la habitual en sus trabajos con Walt Disney y empresas similares.
El resultado es una comedia macabra que a ratos tiene un gusto algo dudoso pero en el fondo es una comedia más que divertida. Su director Norman Jewison era desconocido en aquel tiempo pero estaban a punto de llegar sus grandes éxitos comerciales como ¡Que vienen los rusos! o  El  violinista en el tejado.
La berlinesa Elke Sommer era una actriz de moda en aquel tiempo. La baronesa von Schletz fue la primera señora que apareció en bikini en un filme español. Elke fue además de actriz una mujer políglota que dominaba siete idiomas entre ellos el español.
La pareja era perfecta pero la película de Jewison no tuvo demasiado éxito comercial. En realidad ni lo esperaban. El arte de amar tenía pocas pretensiones, divertía. Parecía que los actores desearan cambiar aunque sólo sea por un título.
Toda la comedia está pues basada en el humor negro, en repeler la pena de muerte mostrada de forma absurda y ridícula pero también certera.  Asímismo la frivolidad, la maldad de la falsa amistad. El amigo que encarna James Gardner, el típico parásito caradura que desea ser escritor en inglés pero vive en París con un pintor estadounidense como él y tenemos a Ethel Merman que estaba en la parte final de su carrera.
Dick Van Dyke llena la película abiertamente y es lástima que este título no haya funcionado mejor, le faltaban medios o un Billy Wilder que sabía llegar al fondo del asunto. Jewison era un novato que pronto daría su do de pecho. Ahora se ve algo anticuada pero todavía divierte y tiene su gracia. Una buena comedia que podría haberse hecho mejor. En fín. Al menos te hará reír.

Elke Sommer, Dick Van Dyke y Norman Jewison en una pausa del rodaje

LA FORMA DEL AGUA
Y COCO, GANADORAS

Los Oscars 2018 ya tienen sus ganadores siendo un gran año para el cine mexicano que, como es sabido, México es un país vecino con los Estados Unidos de Norteamérica. La forma del agua y Coco han  arrasado y su triunfo es sencillamente oportuno.
La canción Remember Me o Recuérdame ha sido la ganadora con toda justicia tal como podemos vislumbrar en el enlace de arriba.

Lista completa de ganadores
Mejor Película: La forma del agua
Mejor Director: Guillermo del Toro por La forma del agua
Mejor Actor: Gary Oldman, por El instante más oscuro
Mejor Actriz: Frances McDormand, por Tres anuncios en las afueras
Mejor Actriz Secundaria: Allison Janney, por Yo, Tonya
Mejor Actor Secundario: Sam Rockwell, por Tres anuncios en las afueras
Mejor Guión Adaptado: Call Me By Your Name, de James Ivory
Mejor Guión Original: Déjame salir, de Jordan Peele
Mejor Película Extranjera: Una mujer fantástica (Chile)

Mejor Película de Animación: Coco, de Lee Unkrich y Darla K. Anderson
Mejor Banda Sonora: La forma del agua, de Alexandre Desplat
Mejor Canción: Remember Me, en Coco, de Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez
Mejor Diseño de Producción: La forma del agua, de Paul D. Austerberry, Jeffrey A. Melvi y Shane Vieau
Mejor Vestuario: El hilo invisible, de Mark Bridges
Mejor Montaje: Dunkerque, de Lee Smith
Mejor Fotografía: Blade Runner 2049, de Roger Deakins
Mejores Efectos especiales: Blade Runner 2049, de John Nelson, Paul Lambert, Richard R. Hoover y Gerd Nefzer
Mejor Maquillaje y peluquería: El instante más oscuro, de Kazuhiro Tsuji, David Malinowski y Lucy Sibbick.

Mejor Montaje de sonido: Dunkerque, de Alex Gibson y Richard King
Mejor Mezcla de sonido: Dunkerque, de Mark Weingarten, Gregg Landaker y Gary A. Rizzo
Mejor Documental: Icarus, de Bryan Fogel y Dan Cogan
Mejor Cortometraje Documental: Heaven is a Traffic Jam on the 405, de Frank Stiefel
Mejor Cortometraje de Ficción: The Silent Child, de Chris Overton y Rachel Shenton
Mejor Cortometraje Animado: Dear Basketball, de Glen Keane y Kobe Bryant
En la foto vemos a Gary Oldman, Frances McDormand,  Allison Janney y Sam Rockwell

CUENTOS DEL TÍO GILITO

TODO EL DINERO DEL MUNDO. Título original: All the Money in the World. Año: 2017. País: Estados Unidos. Director: Ridley Scott. Reparto: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Romain Duris, Charlie Plummer, Timothy Hutton, Charlie Shotwell, Andrea Piedimonte. Guionista: David Scarpa (Libro: John Pearson). Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Dariusz Wolski. Imperative Entertainment / Scott Free Films / TriStar Productions / RedRum Films. Duración: 132 minutos.
Film sobre el secuestro en Italia, en 1973, de John Paul Getty III, y los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr., considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate.

El secuestro del nieto de John Paul Getty Sr. llenó muchas páginas de los periódicos y aunque, al ver este film, recordé hasta el más mínimo de los detalles debo confesar que a lo largo de mi vida ni una sola milésima de segundo lo he dedicado a recordar tan macabro acontecimiento.
No tuvo acontecimientos que despertaran mi interés. El carácter ególatra  de John Paul Getty me distanciaba completamente del asunto. Era un ser que me producía rechazo entonces y ahora cuando sólo es un pésimo recuerdo.

Tarde o temprano el cine se iba a interesar por este sujeto que en su descripción nos recuerda al tío Gilito, ese super millonario de los comics de la Walt Disney  que en un estudio marxista calificaban enemigo del pueblo.  En realidad estaba basado en un personaje de Charles Dickens, pero tiene muchas similitudes con el personaje central de este drama policiaco.
Getty el super millonario, quien coleccionaba  obras de arte que valían una pasta inmensa y que no acostumbraba a dar obras de caridad a nadie. Su tacañería era legendaria. Ese personaje necesitaba un actor de verdad. Ridley Scott contrató a Kevin Spacey, pero cuando faltaba un mes para su estreno lo borró del largomentraje y lo substituyó con Christopher Plummer que a sus 88 años nos ha dado toda una lección de interpretación cuando su carrera parecía estar muerta definitivamente. Un actor lo es hasta el fin de sus días y lo acaba de demostrar con creces.

A su lado Michelle Williams y Mark Wahlberg, que llevan el peso de la película, apenas se distinguen. En fín, otra vez será.  Ridley Scott ya tiene 80 años y no para de trabajar, no como otros cineastas que con edades  inferiores se vieron desplazados de sus menesteres. Todo se ve minucioso, muy bien cuidado y meticuloso. Es la labor de un cineasta que conoce suoficio hasta la perfección.

MUSICAL PRE-CODE

Mi debilidad es musical hollywoodense pre-Code de 1933 dirigida por David Butler y protagonizada por Lilian Harvey, Lew Ayres, Charles Butterworth y Harry Langdon.  Era la segunda de las cuatro películas rodadas por la políglota actriz Harvey en la ciudad de los sueños, que había emergido como la estrella principal durante la Alemania de Weimar.
Para la anécdota este film fue el primer de Hollywood que utilizó la palabra «gay» como un descriptor de la homosexualidad. En una escena, Charles Butterworth y Sid Silvers se compadecen de su miserable y desesperado amor compartido por Lilian Harvey, hasta que a Butterworth le sorprende una solución: «¡Seamos homosexuales!« Sin embargo, los censores del Comité de Relaciones del Estudio decretó que la línea tuvo que ser amortiguada.

Precódigo o pre-code Hollywood es como se define a la breve era en la industria cinematográfica estadounidense entre la adopción generalizada de sonido en imágenes en 1929 y la aplicación de las pautas de censura del Código de producción de películas, popularmente conocido como el «Código Hays», a mediados de 1934, promovido por las ligas moralistas y puritanas estadounidenses. Fue una época de relativa permisividad sin los nefastos estereotipos de una moralidad extrema que arrasó con todo, eliminó a Betty Boop de la pantalla y alargó las prendas de Maureen O’Sullivan en la serie de Tarzán para la Metro.
En el reparto tenemos a Lilian Harvey (Looloo Blake),  Lew Ayres (Ronnie Gregory), Charles Butterworth (Gerald Gregory) y Harry Langdon (Dan Cupid).
Langdon fue considerado uno de los mejores cómicos de la Historia del Cine en la época muda pero al llegar el sonoro quedó relegado a contos de poco presupuesto y a papeles secundarios como el de este film que comentamos.
Existen pocas referencias de este filme. En la página de TCM leemos:
El título de trabajo de esta película fue That’s My Weakness. En algunas escenas, los personajes conversan en rima. En una secuencia, los animales de juguete están hechos para parecer estar cantando la canción You Can Be Had; las fotografías de cuatro estrellas de Fox, Will Rogers, Clara Bow, Warner Baxter y Janet Gaynor, se muestran luego en una revista de admiradores, y se escuchan voces de cualquiera de estas estrellas o personas que las imitan cantando la canción; Además, una estatua del Pensador de Rodin canta parte de la canción. En la escena que termina cuando el personaje «Gerald» le dice al personaje «Maxie», «Seamos homosexuales«, el sonido de la letra impresa se reducía drásticamente a medida que se pronunciaban esas palabras.
Esta fue la primera película estadounidense lanzada por la estrella musical europea Lilian Harvey. De acuerdo con las reseñas de Mis labios engañan, también producida por Fox en 1933, esa película fue filmada primero, pero se retrasó hasta después del lanzamiento de Mi debilidad porque este último fue considerado como el vehículo más fuerte para su lanzamiento mundial.
Los cuatro films hollywoodenses de Lilian Harvey (famosa por sus éxitos en la UFA alemana) son Mis labios engañan (1933), Mi debilidad (1933), Yo soy Susana (1933), la única que yo he visto de momento, y The Only Girl (1934). La Fox no acertó con sus musicales. Lilian abandonó Maniquíes neoyorkinos (1934) y marchó hacia la Gran Bretaña para continuar su carrera. De retorno a su Alemania le esperaba mucha hiel, perseguida por los nazis se refugió en Francia donde rodó sus últimas películas.
Ninguna de sus películas hollywoodenses están disponiblesni en DVD ni en Blu-ray, por lo que aquí llamamos la atención sobre el particular.

EL CONGRESO SE DIVIERTE

El Congreso se divierte cuenta con tres versiones rodadas hacia 1931 por Erik Charell con Lilian Hardy. La primera en alemán, la versión original, que es considerada la versión habitual del largometraje. Después la francesa Le congrès s’amuse (1931), codirigida con Jean Boyer y finalmente la inglesa The Congress Dances (1932). En España sólo conocemos la primera en una versión penosa en DVD.
En 1955 se estrenó una nueva versión a todo color, de nuevo conocida en España como El Congreso se divierte, título que fue atribuido también a la versión de 1966 en scope con Curd Jurgens.
Las nuevas versiones están muy lejos de la original que fue prohibida por el régimen de Hitler cuando llegó al poder.

«COCO» DE PIXAR

COCO.Título original: Coco. Año: 2017. País: Estados Unidos. Directores: Lee Unkrich, Adrián Molina. Guión: Adrián Molina, Matthew Aldrich (Historia original: Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich, Adrián Molina). Música: Michael Giacchino. Duración: 109 minutos. Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures

Las películas de 2017 generalmente, salvo excepciones, me han decepcionado. Esa moda de rehacer las películas que en tiempos de Sam Peckinpah hubiera provocado una revolución en la actualidad se responde con mansedumbre. ¿Dónde están los grandes directores de antaño?  Sí,aquellos en que reconocías su estilo sólo con ver una simple secuencia.

Afortunadamente, Coco es una de esas excepciones. Una película que no me ha decepcionado, que me ha gustado y me ha encantado. Curiosamente es una película que quien suscribe tiene la sensación de haberla vivido. El enfrentamiento del chamaco Miguel con su familia por sus sueños artísticos ¿a qué me suenan? Yo lo he vivido.
La traición y la mentira del falso ídolo (me recuerda a UP de la misma Pixar) también forma parte de mis recuerdos del pasado y del cambio de actitud de la familia ante tal desgraciado acontecimiento.

Las mentiras siempre salen a la luz y la verdad resplandece. El cine de Pixar y Disney suele ser acusado de blando, de edulcorado. Pero cuando vivía Walt Disney era todo un referente porque el gran Mago de Burbank tenía gran intuición aunque a veces se equivocara.
Coco defiende a la familia, una institución que ha durado siglos y siglos pese a las pasajeras modas de los snob de turno que la han puesto en cuestión. El ideal de la tribu queda como una moda ridícula que sólo provoca hilaridad.

La cinta es un emocionado homenaje a México, país maltratado por su colosal vecino del norte. Se recrean las antiguas y entrañables películas de mariachis con Jorge Negrete y Pedro Infante. Añoramos a Tin Tan y Cantinflas. Aquel cine rodado en los Estudios Churubusco adornado con rancheras que a veces no venían a cuento, su personal acento español con sus giros locales y su gracia particular.

Se trata de un cine que sabía llegar al corazón del público, que toca la fibra sensible. Elementos que parecen perdidos en los últimos años con el imperio de los «rehechos» y la CGI en los que una película como Los últimos Jedi o Liga de la Justicia parecen monstruos de Frankenstein construidos a base de cadáveres.
Aquí vemos la tradición mexicana de honrar a los muertos el Día de Todos los Santos.Una persona muere realmente el día en que es olvidada. Los mexicanos siempre honran a sus antepasados con una fiesta lejana a Halloween y que en España está semiolvidada.
La recreación del reino de los muertos es genial y la trama está muy bien llevada, la parte musical es agradable y divertida. En definitivas cuentas Coco nos ha resarcido de tanto fiasco generalizado de los últimos años poco buenos para la cinefilia.