EL GRAN ORSON WELLES

CIUDADANO KANE. Título original: Citizen Kane. Año: 1941. País: Estados Unidos. Dirección: Orson Welles. Reparto: Orson Welles (Charles Foster Kane), Joseph Cotten (Jedediah Leland), Dorothy Comingore (Susan Alexander Kane), Agnes Moorehead (Mary Kane), Ruth Warrick (Emily Monroe Norton Kane), Ray Collins (James W. Gettys), Erskine Sanford (Herbert Carter), Everett Sloane (Mr. Bernstein), William Alland (Jerry Thompson), Paul Stewart (Raymond), George Coulouris (Walter Parks Thatcher), Fortunio Bonanova (el profesor Matiste). Guion: Herman J. Mankiewicz, Orson Welles. Música: Bernard Herrmann. Fotografía: Gregg Toland (B&W). RKO Radio Pictures, Mercury Theatre Productions. Duración: 119 minutos.

Muchos críticos consideran que Ciudadano Kane es la mejor película de la Historia del Cine en competencia por tal título con El Acorazado Potemkin (1925) de Serguéi Mijáilovich Eisenstein y El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola. Tres películas muy amadas por el autor de este blog, Diario de Cine, como a sus autores pero en realidad hay otros cineastas que me gustan mucho más como John Ford, Alfred Hitchcock, Buster Keaton, Charles Chaplin, Billy Wilder, Ernst Lubitsch y un largo etcétera. Los gustos siempre son personales, claro.
George Orson Welles, conocido como Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, 6 de mayo de 1915-Los Ángeles, 10 de octubre de 1985), está considerado como uno de los grandes genios del cine. Si bien ha rodado películas a las que yo tengo mucha estima como Sed de mal (1958), La dama de Shanghai  (1947) y Campanadas a medianoche (1965), fue actor en El tercer hombre (1948) pero otras me han parecido terribles como El extraño (1946) y otras que son mejor olvidar.
Fue un cineasta irregular con mucha leyenda negra. Se marchó de Hollywood porque decían que era comunista, algo que yo no veo demasiado claro. Mucha gente simpatiza con ese movimiento político pero mucha más lo denigra porque lo sufrió en sus carnes.

Tras su paso por el teatro, Orson Welles y su compañía del Mercury Theatre triunfaron en la radio con la obra de H.G.Wells La guerra de los mundos. Dicha obra provocó un sonado escándalo porque los estadounidenses lo tomaron por real y se creyeron que los marcianos invadían la Tierra. La productora RKO Pictures le ofreció un contrato para rodar dos películas. Tras varios intentos fallidos, Welles rodó la película de la que actualmente nos ocupamos, Ciudadano Kane.
El argumento gira sobre la vida de un excéntrico millonario, Charles Foster Kane, que está basado en la figura de William Randolph Hearst, un famoso propietario de periódicos especializado en lo que se llama prensa amarilla. Una prensa basada en el sensacionalismo y la mentira para vender periódicos. Dicho personaje encendió los ánimos contra España para promover la Guerra de Cuba. Echó vitriolo contra Roscoe Arbuckle por el caso de la muerte de Virginia Rappe aunque en el juicio fue declarado inocente y luego enfangó la memoria sobre Buster Keaton por ser amigo del mentado actor.
Kane al morir pronuncia una palabra, Rosebud. Nadie sabe qué significa y un reportero buscará en vano la realidad. No descubre que Rosebud es un trineo con el que Kane jugaba cuando era niño. La única época de su vida en la que fue feliz. Las grandes fortunas que acumuló no le endulzaron la existencia, más bien se la amargó.
Ciudadano Kane es una reflexión sobre la vida. No todo se compra con dinero. Es incapaz de conseguir que su esposa triunfe como cantante de ópera porque no está dotada para el bel canto. Ni puede triunfar en política porque el pueblo no lo quiere.
Quiere hacer una revolución desde arriba que es un completo fracaso. Los amigos se distancian de él, no lo soportan.
Ciudadano Kane es un cuento moralista que nos dice que el dinero, ni el triunfo económico proporcionan la felicidad. Welles subraya la grandilocuencia y la megalomanía del personaje aunque el propio realizador es tan megalómano como su personaje.
La película nos habla de la felicidad perdida, de los sueños truncados, de la frustración pese a una apariencia triunfal. Es una de las grandes obras de arte de la Historia del Cine y se merece su admiración. Una gran película.

En Ciudadano Kane aparece un actor español. Se llamaba Fortunio Bonanova (Palma de Mallorca, islas Baleares, 13 de enero de 1895-Woodland Hills, Los Ángeles, California, 2 de abril de 1969), de verdadero nombre Josep Lluís Moll Esteva. Debutó en cine con el mediometraje Don Juan Tenorio (1922) de Ricardo de Baños.
Marchó a Estados Unidos que recorrió durante tres años con una compañía de zarzuela y después se dedicó al teatro y al cine trabajando con John Ford, Sam Wood, Henry King, Otto Preminger y Billy Wilder. Sin embargo las nuevas generaciones le han olvidado. Lástima.

LA BELLA Y LA BESTIA

KING KONG. Título original: King Kong. Año: 1933. País: Estados Unidos. Dirección: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack. Reparto: Fay Wray (Ann Darrow), Robert Armstrong (Carl Denham), Bruce Cabot (Jack Driscoll), Frank Reicher (Capitán Englehorn), Sam Hardy (Charles Weston), Noble Johnson (el jefe de la tribu), Steve Clemente (Rey brujo), James Flavin (Segundo Oficial Briggs), Victor Wong (Charlie, el cocinero chino), Merian C. Cooper (Aviador 1 que matan a King Kong), Ernest B. Schoedsack (Aviador 2 que matan a King Kong). Guion: James Ashmore Creelman, Ruth Rose. Idea: Edgar Wallace. Música: Max Steiner. Fotografía: Eddie Linde, Vernon L. Walker, J.O. Taylor (B&W). Personal técnico: Marcel Delgado. Técnico jefe: Willis H. O’Brien. RKO Radio Pictures. Duración: 100 minutos.

Este es para mí uno de mis filma predilectos de toda la Historia del Cine. Cuando se estrenó recibió jarabe de palo, decían que se parecía a El mundo perdido (1925) de Harry O. Hoyt y que las dimensiones del gorila eran distintas en cada plano, pero a mí todo me da igual. Es una de las películas más bellas que jamás se han producido, no las igualan sus  remake  ni de lejos. Uno lo rodó John Guillermin en 1976, encima rodó una secuela en 1986, King Kong 2, otro lo firma mi admirado Peter Jackson en 2005, pero carecen de la magia del film original. Otras como Queen Kong (1976) de Frank Agrama no se merecen una visión. Destaquemos King of Kong Island (1968) con Esmeralda Barrios, El grandioso hombre de Pekín (1977) con una tarzana, Evelyne Kraft, Konga ((1961), Kong: La Isla Calavera (2017) de Jordan Vogt-Roberts, Proyecto Rampage (2018), decentilla, y las películas japonesas de Ishiro Honda, King Kong contra Godzilla (1962) y King Kong escapa (1967) que no son de mi gusto pero a otros aficionados les encantan. Godzilla vs. Kong (2021) de Adam Wingard es terrible.
Más distendidas son Mi gran amigo Joe (1998) en tono amable con la espléndida Charlize Theron y apariciones de Terry Moore y Ray Harryhausen. Bud Abbott y Lou Costello como era de prever se encontraron un gorila gigante en Las minas del rey Salmonete (1949).
El mismo Ernest B. Schoedsack rodó dos secuelas muy simpáticas y atractivas, El hijo de Kong (1933) que sigue la trama del film original, y El gran gorila (1949), ya en plan de cine familiar. Pero las secuelas están lejos de la película de la que estamos hablando en este escrito.
King Kong cuenta con los efectos especiales de Willy O´Brien todo un verdadero mago del cine fantástico. Para mayor información tenemos estos dos escritos dedicados a esta leyenda. La primera y la segunda en estos enlaces escritos por mi buen amigo y cinéfilo Narcís Ribot desgraciadamente desaparecido.

Estamos en los años de la Gran Depresión en Estados Unidos. La Gran Depresión fue la crisis financiera global más grave y duradera del siglo XX, iniciada con el colapso bursátil de octubre de 1929 en Estados Unidos y extendida durante toda la década de 1930. La crisis comenzó el 24 de octubre de 1929, conocido como el Jueves Negro. El valor de las acciones en la bolsa de Nueva York cayó de forma drástica por ventas masivas. Los inversores perdieron su dinero en pocas horas y no pudieron pagar sus deudas.
En un Nueva York depauperado comienza esta película. Aparece un Barco del Cine,  algo insólito que un barco pertenezca a una productora cinematográfica que viaja por el mundo para rodar documentales de animales salvajes y mostrarlos al público. Carl Denham es su director y productor, un ser egocéntrico y despótico que decide rodar un largometraje y para ello debe reclutar a una actriz. La elegida será Ann Darrow, una infeliz que es sorprendida intentando robar una manzana para comer. Algo muy habitual en aquella época.
Para huir del hambre, Ann se enrola en el barco del cine para ir en busca de aventuras hacia lo desconocido. Denham había comprado un mapa donde aparece la Isla de la Calavera que no figura en ningún otro plano. Había oído hablar de un extraño muro y de unos nativos que adoran a un dios llamado King Kong.
Las escenas de la Isla de la Calavera son puro onirismo, parece que las hemos soñado. Semejan daguerrotipos de un lugar tenebroso repletos de bruma y animales prehistóricos. La aparición de la fiesta con danzas en la tribu para entregar una novia a Kong es una pesadilla. Aparece un pteranodon, un saurio volador. Un estegosaurio, un tyrannosaurus rex, serpientes y arañas gigantes. Todos son vencidos por el gran Kong que se queda prendado de la mujer rubia que le entregan los nativos tras haberla raptado.
Es una historia de amor incomprendida y bastante absurda. Un simio gigante no puede tener relaciones con una mujer humana por cuestión de tamaño y por ser de otra especie animal.
Denham decide secuestrar a Kong para llevarlo a Nueva York y exhibirlo en un teatro provocando un verdadero desastre. Las secuencias en la Gran Manzana son auténtico pánico. Broadway con su emperifollado público que la película satiriza de repente son agredidos por un animal salvaje que se encuentra fuera de su hábitat. El lirismo se transforma en horror. Kong escala el Empire State Building, el edificio más alto de la época. Su destino es previsible. En la versión de 1976 Kong escala las Torres Gemelas cuyo destino es bien conocido en 2001.
La película vista ahora se ve algo machista y racista, no es nada woke. Pero por eso es más real dentro de lo fantástico.
King Kong es algo parecido a un mal sueño, a una pesadilla de terror. Es una de esas películas que vemos decenas de veces y que acabas sabiendo de memoria. Es un clásico super clásico. Una película única fruto de una época en concreto. Por eso las versiones más modernas se ven desubicadas. Una película de las de siempre y que es muy amada por la cinefilia en general.

LAS CHICAS SON GUERRERAS

SUPERGIRL. Título original: Supergirl. Año: 2026. País: Estados Unidos. Dirección: Craig Gillespie. Reparto: Milly Alcock (Kara Zor-El / Supergirl), Matthias Schoenaerts (Krem de las Colinas Amarillas), Eve Ridley (Ruthye Marye Knoll), David Krumholtz (Zor-El), Emily Beecham (Alura In-Ze), David Corenswet (Kal-El / Clark Kent / Superman), Jason Momoa (Lobo). Guion: Ana Nogueira. Cómic: Tom King. Personajes: DC Comics. Basado en el comic Supergirl, mujer del mañana de Bilquis Evely, Tom King. Música: Claudia Sarne. Fotografía: Rob Hardy. DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros, DC Studios, The Safran Company, Troll Court Entertainment. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 107 minutos.

Esta película ha sido masacrada por la crítica y por una parte del público así como un batacazo en taquilla impresionante. Cuando he podido visionarla no esperaba nada de ella pero tampoco suelo hacer caso de los críticos y de las opiniones ajenas por muy respetables que sean. En internet hay muchos haters, gentes repletas de odio sin saber porqué que todo lo revientan con ensañamiento. Eso no es mi estilo porque no suelo tener tan nefastos sentimientos con el prójimo aunque cuando algo no me gusta suelo ser sincero.
El fracaso de la película creo que es debido a su concepción. No aparece la Supergirl vivaz que todos conocemos. Es una chica que aparece sin el icónico traje hasta el final, Mal maquillada, despeinada, mugrienta y mal vestida. Siempre borracha y maldiciendo sin cesar. A su público eso le ha decepcionado y le ha vuelto la espalda.
Supergirl es la prima de Superman, llamada Kara Zor-El, que sobrevivió junto al perro Kripto de la destrucción del planeta Kriptón. Fue creada por Otto Binder y diseñada por Al Plastino y apareció por primera vez en la historia La Supergirl de Krypton en Action Comics #252 (mayo de 1959).
En cine debutó en 1984 en Supergirl, Helen Slater fue su intérprete. la chica estuvo muy bien pero la película fue todo un fracaso por culpa de un pésimo guion y de una mala realización. Otro tanto fue Sasha Calle, que bordó el personaje en Flash (2023)  pero la película que prometía mucho fue una auténtica catástrofe. Más suerte tuvo en los dibujos animados Superman/Batman: Apocalipsis (2010) y Superman sin límites (2013) pero son cintas muy modestas que se rodaron para televisión y mercado doméstico.
Hablando de televisión recordemos a Laura Vandervoort  de Smalville (2001/2011), aunque la gran triunfadora con este personaje fue la sinpar Melissa Benoist   (Houston, 4 de octubre de 1988) que rodó 124 episodios de la serie Supergirl (2015/2021) que triunfó en televisión y es de lamentar que no le hayan dado ninguna oportunidad en la pantalla grande, se la merecía.

Comentaba que esta película ha sido un sonado fracaso comercial y lo comprendo. El personaje de Supergirl, Kara Zor El es muy amado por su público que se ha sentido decepcionado por el tratamiento derrotista de este film. Kara no aparece con su icónico traje hasta el final de la misma para dar una buena paliza a sus enemigos machistas y desgraciados.
Todo el metraje aparece demacrada, desgarbada y despeinada diciendo toda clase de sandeces. No me parece una mala película sino una película equivocada. No le da al público lo que este quiere ver. Si se hubiera seguido la línea de la batalla final tal vez su suerte hubiera sido otra.
Milly Alcock está perfecta en el papel. El fracaso de la película es debido a los errores de la guionista Ana Nogueira y a la nefasta política de Peter Safran y James Gunn. Vemos dos niñatas vengadoras persiguiendo a los villanos de este espectáculo. Ambas chicas están bien, actúan con entusiasmo. Intentan hacerse valer aunque cuenten con un material dañado.
Vista sin prejuicios la película puede resultar simpática pero de todos modos podemos esperar mejores trabajos de Milly Alcock, una actriz con una gran fuerza interpretativa.

EDICIÓN RESTAURADA

Se acaba de anunciar que en el próximo mes de octubre se reestrenará Drácula (1958), la obra maestra de Terence Fisher, genio indiscutible del cine fantástico autor de una brillante filmografía en la que el famoso vampiro de Bram Stoker era encarnado por el gran Christopher Lee a quién conocí personalmente en Sitges, octubre de 1986.
Esta edición trae una grata sorpresa incluye tres minutos de metraje inédito que llevaban más de 60 años perdidos u ocultos por los censores de la época.
Estos tres minutos sólo se vieron en su estreno en Japón porque la censura británica y la estadounidense ordenó cortar tres minutos que hicieron desaparecer y que acaban de ser descubiertos en los archivos de la Warner Bros.
Ha sido restaurada por Hammer Films y Silver Salt Restoration. Su reestreno y su edición en físico coincidirá con la fiesta de Halloween el 1 de noviembre, aquí en España conocida por Todos los Santos.

El día en que los españoles acudíamos al teatro para ver Don Juan Tenorio de José Zorrilla nos reencontraremos con el seductor de ultratumba conde Drácula que lanzó al estrellato a Christopher Lee. Excelente noticia para los aficionados al fantástico. Podremos ver mejores motivaciones del profesor Van Helsing encarnado por Peter Cushing y un mejor desarrollo de la secuencia final con la muerte de Drácula. Secuencias que la censura de la época consideró excesivas como la sexualización del vampiro en algunos planos que ahora descubriremos.

EL CANTO DEL CISNE DE DONEN

LÍO EN RÍO. Título original: Blame It on Rio. Año: 1984. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Michael Caine (Matthew Hollis), Joseph Bologna (Victor Lyons), Valerie Harper (Karen Hollis), Michelle Johnson (Jennifer Lyons), Demi Moore (Nicole Hollis), José Lewgoy (Eduardo Marques), Lupe Gigliotti (Señora Botega), Michael Menaugh (Peter), Tessy Callado (Helaine), Ana Lucía Lima (Mujer Macumba), Maria Helena Velasco (Mujer Macumba), Zeni Pereira (Madre de la novia), Eduardo Conde (Cantante en el Dance Club), Jane Duboc (Cantante del café). Guion: Charlie Peters, Larry Gelbart. Música: Kenneth Wannberg. Fotografía: Reynaldo Villalobos. Sherwood Productions. Distribuidora: 20th Century Fox. Duración: 100 minutos.

En 1977 se estrenó Un momento d´egarrement (se podría traducir como un momento de locura), una comedia francesa de Claude Berri que obtuvo un impresionante éxito comercial. Trataba de dos amigos que viajan de vacaciones a la costa con sus respectivas hijas. Una de ellas se enamora del padre de la otra y se le echa encima provocando el mosqueo de su propio padre.
Una película de amor y sexo entre un adulto y una menor ya había sido llevado al cine por Stanley Kubrick en 1962 en Lolita con Sue Lyon que estaba basada en la novela homónima de Vladimir Nabokov cosechando un fuerte escándalo.
La película de Berri tuvo dos remakes, uno francés, con el mismo título en 2015 dirigida por Jean-François Richet, y otro estadounidense dirigido por Stanley Donen. Me refiero a Lío en Río (1984) del que hablamos en el presente escrito.
Fue el último largometraje de ese gran cineasta, autor de Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siete novias para siete hermanos (1954), de la que ya hemos comentado. Fue un cineasta con mucha potencia creativa y se supone que dirigió esta película para sobrevivir.
Lío en Río (1984) no tiene la mordacidad de  Un momento d´egarrement (1977), ya se sabe que los cineastas europeos somos menos desinhibidos que sus colegas de Hollywood, y que no nos asustamos con tanta facilidad. Pero en los Estados Unidos dicha película fue un sonado escándalo y la actriz, que era menor cuando rodó esta cinta, Michelle Johnson, necesitó permiso de un juez para rodar escenas íntimas y fue nominada injustamente a los premios Razzie que suelen otorgar a lo peor del cine en aquel año.
Para mí no hay para tanto y la polémica es muy exagerada. Ahora se ve la película con mayor simpatía pese no estar a la altura de las mejores obras de Stanley Donen. Es un film menor pero con gracia.

Desde luego Lío en Río no tiene la fuerza visual de Siete novias para siete hermanos, en los años de gloria de la apagada Metro Goldwyn Mayer, Pretende ser una película moderna, fotografía muy oscura, desnudos, un decorado real, Río de Janeiro presentado como un lugar paradisíaco. Pero Stanley Donen conserva su elegancia estilística. En ningún momento resulta desagradable.
Michael Caine está contenido, no se deja llevar por aspavientos ni muecas exageradas. Es un sobrio actor inglés con fina ironía. Siempre interpretaba papeles dramáticos por lo que su paso por la comedia fue insólito y bienvenido. Michelle Johnson está bien, se la ve entusiasmada con ganas de descubrir un mundo nuevo.
En cambio Joseph Bologna está estridente, representa un padre inmaduro repleto de obsesiones con ansias de controlar a su hija sin disimulo. A veces sobreactúa y resulta ridículo.
Las localizaciones en Río de Janeiro son excelentes, esta ciudad es un bello telón de fondo para esta producción oportuna.

Los protagonistas de Un momento d´egarrement (1977). Arriba su póster y el de su remake estrenada en España como Una semana en Córcega.

CENTENARIO DE
UNA OBRA MAESTRA

Se celebran 100 años del estreno de una de las grandes Obras Maestras del Séptimo Arte. Me refiero a El maquinista de la General  (1926) del genial Buster Keaton.
La película está basada en un hecho real sucedido en 1862 durante la Guerra Civil, la llamada gran persecución en locomotora y adaptada del libro de William Pittenger, Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), publicado en 1863. Coon el mismo argumento Walt Disney produjo Héroes de Hierro (1956)  con Fess Parker, una cinta ya olvidada que mostraba el punto de vista de la Unión que secuestra un tren de la Confederación y sabotea sus redes ferroviarias.
La película de Buster Keaton mostraba lo contrario, el punto de vista de la Confederación, generalmente olvidado en varias producciones hollywoodenses.

En su día fue un sonado fracaso comercial y la crítica se ensañó con ella. Keaton perdió su independencia creativa y pasó a las filas de la Metro que destruyó su gloriosa carrera. En la actualidad está considerada una de las mejores películas de la Historia del Cine una vez extenuados los prejuicios que la condenaron. Tal vez la mejor cinta sobre la Guerra Civil de Estados Unidos con gran diferencia de calidad. Una película con la que Keaton se engrandeció.
100 años ya de su glorioso estreno. Se adelantó a su tiempo y en la actualidad es una de las obras más aclamadas.

En septiembre de 1965 Buster Keaton rodó en Madrid Golfus de Roma, su último largometraje. Después rodó en Canadá un corto, The Scribe que cierra su filmografía.

Salvador Sáinz y su libro sobre Buster Keaton.

LA MAGIA DE LA METRO

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS. Título original: Seven Brides for Seven Brothers. Año: 1954. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Howard Keel (Adam), Jane Powell (Milly), Jeff Richards (Benjamin), Julie Newmar (Dorcas), Matt Mattox (Caleb), Ruta Lee (Ruth), Marc Platt (Daniel), Norma Doggett (Martha), Jacques d’Amboise (Ephraim), Virginia Gibson (Liza), Tommy Rall (Flor (Florindo)), Betty Carr (Sarah), Russ Tamblyn (Gideon), Nancy Kilgas (Alice). Guion: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley. Libro The Sobbin’ Women, de Stephen Vincent Benét. Música: Adolph Deutsch, Saul Chaplin. Coreografía: Michael Kidd. Fotografía: George J. Folsey. Metro-Goldwyn-Mayer, Loew’s. Distribuidora: MGM. Duración: 103 minutos.

Alguna vez he comentado que la Metro Goldwyn Mayer, la productora del león que ruge, fue un desastre para la comedia cómica pero brilló con esplendor en el terreno del musical. En 1953 se rodaban en sus estudios Brigadoon y Siete novias para siete hermanos, la Metro confiaba en el gran éxito de la primera y la segunda la menospreció al considerarla un film menor de entretenimiento. Por eso la película de Stanley Donen (Columbia, Carolina del Sur; 13 de abril de 1924-Manhattan, Nueva York; 21 de febrero de 2019) sufrió toda clase de recortes presupuestarios en beneficio de la primera, de la leyenda escocesa sobre un pueblo que aparece un día cada cien años.
Pues cuando ambas producciones se estrenaron la fábula de las tierras altas pinchó, pero la comedia sobre siete hermanos montañeses y sus románticas novias fue todo un bombazo.
En el reparto tenemos al impresionante barítono Howard Keel (Gillespie, Illinois; 13 de abril de 1919 – Palm Desert, California; 7 de noviembre de 2004) como Adam, el hermano mayor que se casa al principio de la película, excelente cantante pero un actor discreto que cumple con su papel. En esta cinta es donde estuvo mejor, siempre en musicales de la Metro, pocas apariciones aparte, aunque goza de un buen soporte secundario. La chica es la soprano Jane Powell (Portland, Oregón, 1 de abril de 1929-Wilton, Connecticut, 16 de septiembre de 2021), una actriz más completa y con un papel de más enjundia. Entre los secundarios destaca nuestro querido Russ Tamblyn de quién ya hemos hablado en otro escrito. Excelente bailarín y simpático carácter.
Stanley Donen está asociado a Gene Kelly en varios musicales de gran calidad como Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siempre hace buen tiempo (1955). Fuera de la Metro dirigió tres comedias no musicales: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).  Fue productor y director de películas independientes, recuerdo  Movie Movie (1978), dos cortometrajes con los mismos actores, recuerdo de los viejos cines de bario con programas dobles. Una de sus últimas películas fue Lío en Río (1984), los amores de una jovencita con un galán maduro, padre de su mejor amiga. Un buen título que merecería ser recordado.

Esta obra maestra del cine musical suele gustar mucho a las chicas y a los cinéfilos amantes del género. Sus canciones son muy bonitas, sin ninguna duda. La primera, Bless Yore Beautiful Hide (Bendita sea tu hermosa piel), es toda una declaración de príncipios. Un granjero leñador (Howard Keel) se acerca a un poblado de Oregón en busca de provisiones y de una esposa. Vive en un solitario rancho con seis hermanos asilvestrados, sucios y toscos. No sabían siquiera que existían las chicas. Nunca habían visto ninguna.
La aparición de una cuñada joven es para ellos una revolución. Sienten nuevos sentimientos, valga la redundancia. Esta película ha sido tratada de machista pero yo creo que es discutible esta aseveración. Los hermanos son toscos, paletos, ignorantes. La cuñada les hace evolucionar como personas. De unos energúmenos los va convirtiendo en caballeros responsables.
Es espectacular la danza en la que los hermanos compiten por las chicas con los mozos del pueblo. Es toda una sensación, uno de los mejores ballets jamás vistos en cine. Por deficiencias de la época casi toda la película se rodó en estudio, los decorados son muy artificiales. Pero es la época en que se rodó cuando la técnica estaba muy atrasada y el presupuesto de la película menguaba cada día más.
Los directivos de la Metro no creían en el proyecto pero se equivocaron completamente. Siete novias para siete hermanos arrasó en taquilla y en sucesivas reposiciones. Tenían un gran director al frente y a una gran estrella, Jane Powell, que llenaba la pantalla pese a su figura chiquita.
El guion es inteligente. Los chicos creen haber conquistado a las chicas, pero éstas los civilizan. Sin ellas siempre hubieran seguido en su atraso silvestre.
Las novias tienen dignidad. No son alienadas de ningún modo. Los hermanos las secuestran pero las respetan.
Cuando les preguntan quién es la madre del niño que han oído llorar los padres de las chicas, ellas responden «¡mío!«, Un antecedente del «yo soy Espartaco» de Kubrick. Es una declaración revolucionaria para quedarse con los hermanos y evitar que los ahorquen.
No es políticamente correcta ni woke, pero no tan machista como le han acusado. Comprendo a las feministas que se sienten ofendidas pero un análisis más exhaustivo puede defender esta cinta de acusaciones de machismo y patriarcado.
Es una película muy colorista, muy alegre que entusiasma al público. Sobretodo al público femenino pese a la opinión negativa de las radicales feministas. Estos hermanos viven en un mundo muy difícil, el salvaje oeste. Un lugar donde puedes morir por naderías.
Vista en la actualidad la película conserva su vitalidad, sus ganas de vivir. Su optimismo desenfrenado. Una película clásica que nunca muere.

Gene Kelly y Van Johnson rodaban Brigadoon cuando Howard Keel protagonizaba Siete novias para siete hermanos.