FRED Y ELEANOR

LA NUEVA MELODÍA DE BROADWAY. Título original: Broadway Melody Of 1940. Año: 1940. País: Estados Unidos. Dirección: Norman Taurog. Reparto: Fred Astaire (Johnny Brett), Eleanor Powell (Clare Bennett), George Murphy (King Shaw), Frank Morgan (Bob Casey), Ian Hunter (Bert C. Matthews), Florence Rice (Amy Blake), Lynne Carver (Emmy Lou Lee), Ann Morriss (Pearl), Trixie Firschke (Juggler). Guion: Leon Gordon, George Oppenheimer, Preston Sturges… Canciones: Cole Porter. Fotografía: Oliver T. Marsh, Joseph Ruttenberg (B&W). Metro Goldwyn Mayer. Duración: 102 minutos.

En 1929 triunfó una película musical de la Metro titulada Melodías de Broadway, de Harry Beaumont, con canciones de Arthur Freed (futuro productor de la casa especialista en cine musical) y Nacio Herb Brown. El enorme éxito de este espectáculo fue tal que se rodaron tres secuelas que nada tienen que ver entre sí, La melodía de Broadway de 1936 (1936), La melodía de Broadway Melody de 1938 (1938) y La nueva melodía de Broadway (1940), protagonizadas por Eleanor Powell, excelente bailarina, que triunfaba en la Metro mientras Fred Astaire arrasaba en la RKO. En 1942 se anunció otro jalón de la franquicia en Technicolor con Eleanor Powell y Gene Kelly pero el proyecto se canceló en el último minuto.
Fred Astaire abandonó la RKO en 1939 y posibilitó su emparejamiento con Eleanor Powell en el film que ahora nos ocupa. La película Melodías de Broadway (1953) con Fred Astaire no tiene nada que ver con la saga.

La nueva melodía de Broadway es sin duda la única oportunidad que tuvo Fred Astaire de encontrar a una pareja de baile a su misma altura. Los dos reyes del tap frente a frente. Las escenas de comedia, como en la mayoría de los musicales de la época, estaban realizadas con corrección por el eficiente Norman Taurog (Chicago, Estados Unidos, 23 de febrero de 1899 – Rancho Mirage, California, Estados Unidos, 7 de abril de 1981), autor de películas dirigidas a públicos juveniles y comedias de Jerry Lewis con Dean Martin. Cumplía con su labor aunque nunca fue un genio que brillara a gran altura.Cumplía y no molestaba a nadie. En el reparto nos encontramos a Frank Morgan, el famoso mago de Oz, y George Murphy, pareja habitual de la Powell que luego abandonó el cine para dedicarse a la política.
Las canciones de Cole Porter (Peru, Indiana, 9 de junio de 1891-Santa Mónica, California, 15 de octubre de 1964)  y los números musicales de Fred Astaire y de Eleanor Powell, juntos o por separado, son sin duda lo mejor de esta alegre cinta.
La secuencia estrella es el baile en pareja con música de Beguin the Beguine, la famosa canción e Cole Porter, y un número antológico que incluso es recordado en la actualidad. La pantalla vibra con cada paso de baile y es lástima que no repitieran ya que la estrella de la bailaina se apagó y en la Edad de Oro del musical ya era demasiado mayor para brillar.
Nunca se ha visto nada semejante a través de los tiempos y conviene revisarlo mil veces porque vale la pena.
La nueva melodía de Broadway es un documento de una época que desapareció demasiado pronto. Los musicales Metro de Gene Kelly y compañía los opacaron.

Cole Porter

LA ÉPICA FORDIANA

MISIÓN DE AUDACES. Título original: The Horse Soldiers. Año: 1959. País: Estados Unidos. Dirección: John Ford. Reparto: John Wayne (Coronel John Marlowe), William Holden (Mayor Henry ‘Hank’ Kendall), Constance Towers (Srta. Hannah Hunter de Greenbriar), Althea Gibson (Lukey, doncella de la srta. Hunter), Judson Pratt (Sargento mayor Kirby), Hoot Gibson (Sargento Brown), Ken Curtis (Cabo Wilkie), Willis Bouchey (Coronel Phil Secord), Bing Russell (Dunker, soldado yanqui amputado), O. Z. Whitehead (Otis ‘Hoppy’ Hopkins), Hank Worden (Deacon Clump). Guion: John Lee Mahin, Martin Rackin. Novela: Harold Sinclair. Música: David Buttolph. Fotografía: William H. Clothier. The Mirisch Corporation, Martin Rackin, United Artists. Duración: 119 minutos.

La guerra de Secesión fue una guerra civil en Estados Unidos desde el 12 de abril de 1861 al 26 de mayo de 1865 entre la Unión («el Norte») y la Confederación («el Sur»), que se formó en 1861 por estados que se habían separado de la Unión. La Guerra Civil estadounidense ha creado una amplia filmografía. Sin embargo no se cae en el maniqueísmo fácil de otras contiendas similares como la española.
En abril de 1863, el coronel Benjamin Grierson condujo a 1700 soldados desde La Grange (Tennessee) hasta Baton Rouge (Luisiana), atravesando más de 600 millas (cerca de mil kilómetros) por territorio enemigo, destruyendo la línea ferroviaria confederada y las vías de abastecimiento entre Newton’s Station y Vicksburg, ambos en el estado de Misisipi. John Ford rodó una película basada en estos hechos, versión muy libre de The Horse Soldiers, A Novel of the Civil War, novela escrita por Harold Sinclair en 1956.
Naturalmente la fidelidad histórica brilla por su ausencia pero no quita que ésta sea una buena película. Las películas de caballería de Ford tienen un gran prestigio, que no discuto, entre la cinefília pero particularmente hay otros títulos de su filmografía que me gustan más: El caballo de hierro (1924), El delator (1935), La diligencia (1939), Las uvas de la ira (1939), !Qué verde era mi valle¡ (1941), Pasión de los fuertes (1946), El hombre tranquilo (1952), El hombre que mató a Liberty Valance (1962)… ya se sabe que para gustos los propios. Son personales y cada cual tienen los suyos.

Misión de audaces, con sus libertades, es una narración llena de vigor y talento. Los personajes se muestran con todas sus contradicciones. Alegres, optimistas, borrachos. Los sudistas son tratados con respeto. Algunos fueron a la misma academia militar de nuestros protagonistas.
El eje central de la película es una historia de amor entre un coronel nordista y una mujer sureña que no se dió en la vida real. Aquí no tenemos pieles rojas salvajes sino caballeros del sur como antagonistas que incluso despiertan más simpatías.
Mención aparte tenemos el episodio de una escuela de cadetes sudista, compuesta por niños de muy corta edad, que se enfrentan sin titubear al invasor nordiasta. El público los adora. John Ford en realidad no toma partido con ningún bando. Tiene un tono de reconciliación y respeto.
Ford sabe componer personajes. Muy suyos. Los personajes secundarios son excelentes con un gran plantel de actores. Para mí los mejores westerns son los de John Ford (y Sam Peckinpah), son los que tienen mayor calidad y mayor vida.
Aunque sea una obra menor nos encontramos ante una obra de arte magistral. Ford hizo mejores películas que ésta, pero aún así sigue siendo un Ford de gran calidad.

John Ford

EL GRAN BURT LANCASTER

EL HOMBRE DE KENTUCKY. Título original: The Kentuckian. Año: 1955. País: Estados Unidos. Dirección: Burt Lancaster. Reparto: Burt Lancaster (Big Eli Wakefield), Dianne Foster (Hannah Bolen), Diana Lynn (Susie Spann), Walter Matthau (Stan Bodine), John McIntire (Zack Wakefield), Una Merkel (Sophie Wakefield), John Carradine (Ziby Fletcher), John Litel (Pleasant Tuesday Babson), Rhys Williams (Constable), Edward Norris (Roulette Dealer). Guion: A.B. Guthrie Jr.. Novela: Felix Holt. Música: Bernard Herrmann. Fotografía: Ernest Laszlo. Hecht-Lancaster Productions. Duración: 104 minutos.

El hombre de Kentucky es un western atípico. Los protagonistas son un padre y su hijo que sueñan con ir a Texas en busca de una nueva vida. Texas en aquella época pertenecía a Nueva España, hablaban español, y se han rodado muy pocas películas sobre el tema. Es más, los anglosajones «olvidan» esta parte de la historia de los actuales Estados Unidos, según nos cuentan parece ser que los indígenas no conocían al hombre blanco cuando llegaron a estas codiciadas tierras cuando en realidad habían vivido trescientos años en la llamada Nueva España.
El cine parece ignorar que los apaches, comanches, sioux y demás indígenas fueron en su día compatriotas nuestros, eran católicos, hablaban español y conservaban sus ancestrales tierras. Todo cambió cuando llegaron los anglosajones que lo arrasaron todo a sangre y fuego. Pero esta historia no es el eje central de este escrito, sólo un apunte para situarnos en aquella época cuando los fusiles eran de una sola bala y debían cargarse con pólvora para poder disparar. Era la época de los pioneros.

Burt Lancaster como director no era un John Ford, pero sí un cineasta honesto. Como honesta fue su carrera como actor. Burton Stephen Lancaster (Nueva York, 2 de noviembre de 1913-Los Ángeles, 20 de octubre de 1994), conocido como Burt Lancaster, fue un actor estadounidense, perteneciente al cine clásico de ese país. Recibió en 1960 el Óscar al mejor actor principal, por su papel en Elmer Gantry (El fuego y la palabra), por el que también fue galardonado con un Globo de Oro y el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.
Burt empezó como acróbata trabajando en el mundo del circo con Nick Cravat (Nueva York, 11 de enero de 1912 – Woodland Hills, 29 de enero de 1994) que posteriormente trabajó como actor haciendo de mudo porque su acento era de Brooklyn (un barrio de Nueva York) y sonaba mal en pantalla.
Lancaster en su primera etapa como actor rodaba cine negro y películas de aventuras, posteriormente al hacerse mayor rodó papeles más maduros con Luchino Visconti, Bernardo Bertolucci o Louis Malle.
También fue productor y director siendo coherente con su gloriosa filmografía. No se le ha hecho mucha justicia, pero en realidad es uno de los más grandes personajes de la Historia del Cine.
El hombre de Kentucky es una película honesta y agradable. En su reparto nos encontraros al entrañable John Carradine y al novel Walter Matthau que iniciaba aquí su carrera cinematográfica en un rol de villano (que luego se vuelve bueno sin más). Años más tarde brilló como actor de comedia con Jack Lemmon y Billy Wilder.
La trama gira alrededor de una pareja padre/hijo que buscan su mejor vida en un sueño llamado Texas. Están de tránsito en un poblado donde son víctimas de un robo y se quedan sin dinero para subirse a un barco fluvial que les llevará a buen destino.
Ambos deberían sobrevivir en un entorno hostil y desdichado.
La película está rodada con pulcritud y colores brillantes. Es simpática de ver y tiene su cierta gracia. Vale la pena su visionado.

EPOPEYA GRISÁCEA

ANIBAL. Título original: Annibale. Año: 1959. País: Italia. Dirección: Carlo Ludovico Bragaglia, Edgar G. Ulmer. Reparto: Victor Mature (Aníbal), Gabriele Ferzetti (Quinto Fabio Máximo), Rita Gam (Silvia), Milly Vitale (Danila), Rik Battaglia (Asdrúbal), Franco Silva (Maharbal), Terence Hill (Quintilio), Bud Spencer (Rutario), Mirko Ellis (Mago), Andrea Aureli (Cayo Terencio Varrón), Andrea Fantasia (el cónsul Lucio Emilio Paulo), Renzo Cesana), Mario Pisu), Enzo Fiermonte). Guion: Mortimer Braus, Sandro Continenza, Ottavio Poggi, Edgar G. Ulmer. Música: Carlo Rustichelli. Fotografía: Raffaele Masciocchi. Liber Film. Duración: 100 minutos.

Anibal Barca (247-183 a. C.) fue considerado en su día un genio militar. Tanto por los cartagineses como por los romanos, sus acérrimos enemigos. Cartago estaba situada en la actual Túnez y Roma la destruyo porque era su imperio rival del que no dejaron piedra sobre piedra. Anibal fue vencido por Publio Cornelio Escipión El Africano en la batalla de Zama (202 a. de C.), tres años antes la población de Sagunto se suicidó en masa antes de caer en sus garras. Pero la fama de Anibal se debe a que atacó a Roma por el Norte cruzando los Pirineos y los Alpes con un ejército con elefantes que morían por el frío.
Anibal fue un perdedor sin duda pero su fama llega a nuestros días. Sin embargo las películas escasas que le dedicaron tienen poca calidad.

En 1959 se estrenó esta producción pobre de recursos a cargo de dos directores mediocres. Tiene una cierta simpatía pero no logra convencer a nadie. La banda sonora es de archivos y suena como La conquista del Oeste de 1962. Misterio. Tal vez la banda original desapareció y fue sustituida por esta tan pobre.
En el reparto nos encontramos a Terence Hill y Bud Spencer, entonces actores desconocidos, en sus primeros trabajos. Victor Mature era una figura importante dentro del género pero estaba en horas bajas. En 1966 Mature se autoparodió en Tras la pista del zorro con Peter Sellers y Britt Ekland. Fue lo mejor que hizo en sus últimos años. Nunca fue considerado un buen actor pero cumplió con sus funciones de héroe musculoso. En Sansón y Dalila (1949) tenía a Cecil B. DeMille que le hizo aparecer un buen intérprete.
La película que comentamos es la versión seria de La amada de Júpiter, con final trágico y terrible. El tiempo la ha convertido es una obra obsoleta con muy poco ingenio.

Busto de Anibal Barca

LA CAMPAÑA DE
ANIBAL HACIA ROMA

LA AMADA DE JÚPITER. Título original: Jupiter’s Darling. Año: 1955. País: Estados Unidos. Dirección: George Sídney. Reparto: Howard Keel (Aníbal), Esther Williams (Amytis, prometida de Quinto Fabio), Jo Ann Greer (Am ytis,canciones), George Sanders (Quinto Fabio, dictador romano), Gower Champion (Vario, prisionero cartaginés, esclavo de Amytis), Marge Champion (Meta, esclava de Amytis), Richard Haydn (Horacio, cronista), Norma Varden (Fabia, madre de Fabio), William Demarest (Magón, oficial de Aníbal), Douglass Dumbrille (Escipión), John Olszewski (una estatua submarina), Henry Corden (Cartalón, oficial de Aníbal), Michael Ansara (Maharbal), Martha Wentworth (viuda de Tito). Guion: Dorothy Kingsley. Canciones: Burton Lane, Harold Adamson. Fotografía: Paul Vogel, Charles Rosher. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 96 minutos.

Antes que nada he de lamentar la pésima edición en dvd de este film musical de la Metro. Es una auténtica vergüenza esa falta de respeto hacia el público y hacia los profesionales que aparecen en la misma. asi como al equipo técnico y músicos. Hecha la queja paso a comentar la película sobre las hazañas del general Anibal Barca  (247-183 a. C.), un aguerrido cartaginés que hizo temblar al mismísimo Imperio Romano.
Su director  es George Sidney (Long Island, Nueva York, 4 de octubre de 1916-Las Vegas, Nevada, 5 de mayo de 2002), figura señora de la Metro Goldwyn Mayer, autor de filmes como Levando anclas, Los tres mosqueteros, Scaramouche, Desfile de estrellas, Magnolia y, posteriormente, Un beso para Birdie y La mitad de seis peniques. Fue una de las figuras más señeras de la Metro, director versátil y esmerado que hacía de todo.
Aquí tenemos como aliciente la prodigiosa voz de Howard Keel (Gillespie, Illinois; 13 de abril de 1919 – Palm Desert, California; 7 de noviembre de 2004), y su agradable voz de barítono, la pareja Marge y Gower Champion, y la impresionante Esther Williams (Inglewood, California; 8 de agosto de 1921 – Beverly Hills, California; 6 de junio de 2013) con sus números acuáticos que la hicieron famosa.
El conjunto es explosivo pero La amada de Júpiter no es de sus mejores trabajos, han hecho otros mejores pero si duda, aunque menor, este título tiene no pocos atractivos.

Si en el terreno de la comedia la Metro era un desastre (salvando a los hermanos Marx), en el musical brilló a gran altura y en el uso del technicolor. Claro está que hablo de las grandes películas, sus más brillantes musicales, y no de esta obra menor donde las escenas de comedia tienen muy poca gracia pero sus números son atractivos, así como las secuencias con elefantes que son agradables.
Históricamente nula, como casi todo el cine estadounidense que se inventa la historia a su modo de forma irresponsable. Demasiada frivolidad con un tema importante.
La trama condena las guerras, de lo que me alegro mucho. El belicismo ha sido nefasto en nuestra historia y en nuestra actualidad,
Por eso esta cinta en el fondo es simpática, aboga por el pacifismo aunque su lectura es muy superficial. Además tenemos la parodia de los cronistas de la época, encarnados en Richard Haydn, que todo lo manipula a su antojo y sume en el error a generaciones posteriores.
Esperemos que algún día remastericen esta obrita para que la podamos disfrutar en condiciones.

George Sidney con Ann-Margret y Elvis Presley en el rodaje de Cita en las Vegas.

FAMOSO MUSICAL DE BROADWAY

EL VIOLINISTA EN EL TEJADO. Título original Fiddler on the Roof. Año: 1971. País: Estados Unidos. Dirección: Norman Jewison. Reparto: Chaim Topol (Τevye), Norma Crane (Golde, su esposa), Rosalind Harris (Tzeitel, la hija mayor), Michele Marsh (Hodel, la hija mediana), Neva Small (Chava, la hija menor), Molly Picon (Yente, la casamentera), Paul Mann (Lazar Wolf, el carnicero), Leonard Frey (Motel Kamzoil, el sastre), Paul Michael Glaser (Perchik), Barry Dennen (Mendel), Aharon Ipalé (Shefte), Roger Lloyd-Pack (Sexton), Vernon Dobtcheff (oficial ruso). Guion: Joseph Stein. Argumento: Sholem Aleichem. Música: John Williams. Canciones: Jerry Bock, Sheldon Harnick. Fotografía: Oswald Morris. United Artists, The Mirisch Corporation. Duración: 181 minutos.

Basada en una serie de cuentos de Sholem Aleichem, concretamente en Teyve y sus hijas, el padre fundador de la literatura yiddish, el shtetl ficticio de Anatevka y sus habitantes ofrecen un relato históricamente preciso de la vida judía en Europa del Este antes de la primera y la segunda guerra mundial. Estos relatos se transformaron en una obra teatral con música de Jerry Bock, letra de Sheldon Harnick, y libreto de Joseph Stein, ambientado en la zona de asentamiento de la Rusia imperial alrededor de 1905.
En 1964 se estrenó en Broadway `protagonizada por el fenomenal Zero Mostel (Golfus de Roma). En 1967 en Londres con Chaim Topol y en 1969 en Madrid con el gran Antonio Garisa interpretando al lechero Teyve.
La persecución al pueblo judío goza de amplia filmografía porque los principales productores de cine pertenecen a dicha religión. Naturalmente defenderán con ahínco su causa.
Tras la diáspora en tiempos de Adriano, en el 12 d.c., los judíos se dispersaron por el mundo: los judíos asquenazíes del Norte y Este de Europa, y los judíos sefardíes de Iberia (España y Portugal), el norte de África y Oriente Medio. Es una historia muy larga de contar y excede de las pretensiones de este blog dedicado al Séptimo Arte.
Sólo puedo añadir que el pueblo judío ha sido muy maltratado a lo largo de la historia, se les ha acusado de ser los asesinos de Jesucristo y de  ser usureros.  De tener mucho dinero oprimiendo a otros pueblos y de un sin fin de atrocidades.

El violinista en el tejado muestra una sociedad rusa, Anatevka, el argumento se centra en un lechero pobre, Teyve, y sus cinco hijas con su amargada esposa siempre de malhumor. La obra critica la persecución del pueblo judío pero también lo critica, siempre encerrado en sí mismo y en sus viejas tradiciones. Un pueblo inmutable a lo largo de los siglos, que no prospera. Se mantiene en su pobreza natural. Su director Norman Jewison ((Toronto, 21 de julio de 1926-Los Ángeles, 20 de enero de 2024), pese a su apellido no es judío, es cristiano por lo cierto. Nació en Canadá. Dirigió El Arte de Amar (1965) con Dick Van Dyke, El rey del juego (1965), Que vienen los rusos (1966), En el calor de la noche (1967), Rollerball (1975), entre otras. Fue muy criticado por no darle el papel de Teyve a Zero Mostel, un monstruo en los escenarios, y en su lugar darle el papel Topol que tuvo una carrera cinematografica muy escasa y que no gustó demasiado al público. Sin embargo en el papel de Teyve está genial. Sus diálogos con Dios son sensacionales.
Teyve asiste a la evolución de los tiempos escandalizado. Las hijas no quieren casarse con ancianos adinerados y prefieren hombres pobres pero más agradables. Su perplejidad no deja de superarle.
El violinista en el tejado es una película entrañable, agradable de ver.  Admite muchas lecturas. Ese pueblo que se desentiende de las adversidades de sus congéneres hasta que no les afecta a ellos directamente. El judío medio está muy bien retratado. Inmovilista, ciego ante la historia que les ha tocado vivir.
En Ragtime (1983) de Milos Forman conocemos el destino de los judíos expulsados de Rusia en los Estados Unidos de América. Crearon la industria del cine, Hollywood.

AQUELARRE DE HUMOR

EL CUERVO. Título original: The Raven. Año: 1963. País: Estados Unidos. Dirección: Roger Corman. Reparto: Vincent Price (Dr. Erasmus Craven), Peter Lorre (Dr. Adolphus Bedlo), Boris Karloff (Dr. Scarabus), Hazel Court (Lenore Craven), Olive Sturgess (Estelle Craven), Jack Nicholson (Rexford Bedlo), Connie Wallace (La sirvienta), William Baskin (Grimes), Aaron Saxon (Gort). Guion: Richard Matheson. Argumento: Edgar Allan Poe, Les Baxter. Fotografía: Floyd Crosby. American International Productions. Duración: 86 minutos.

En esta versión cómica de El cuervo, basado en un relato de Edgar Allan Poe  (Boston, 19 de enero de 1809-Baltimore, 7 de octubre de 1849) nos encontramos con una importante suma de talentos jamás igualados. En primer lugar los entrañables Peter Lorre (László Löwenstein, Rózsahegy, del Imperio austrohúngaro, 26 de junio de 1904​ – Hollywood, 23 de marzo de 1964), protagonista de M, el vampiro de Düsseldorf (1931), el gran Boris Karloff (Londres, 23 de noviembre de 1887 – Midhurst, Inglaterra, 2 de febrero de 1969), El doctor Frankenstein (1931), La novia de Frankenstein (1935) y el episodio Los Wurdalak  de Las tres caras del miedo (1963) y el imprescindible Vincent Price (San Luis, Misuri, 27 de mayo de 1911 – Los Ángeles, 25 de octubre de 1993), protagonista de muchas adaptaciones de Poe por Roger Corman (Detroit, Míchigan, Estados Unidos; 5 de abril de 1926 – Santa Mónica, California, Estados Unidos; 9 de mayo de 2024).
Además tenemos al principiante Jack Nicholson y al guionista Richard Matheson (Allendale, Nueva Jersey, 20 de febrero de 1926 – Calabasas, California, 23 de junio de 2013), autor de la novela Yo soy leyenda y de varios guiones entre los que se encuentra el episodio de Dimensión Desconocida protagonizado por Buster Keaton, Érase una vez (1961).
Tanto talento junto no podía fallar a pesar de ser una película de muy bajo presupuesto y rodaje rápido propio de Corman.

Esta versión libre de El cuervo no podía decepcionar pese al tono jocoso de sus secuencias. Nos encontramos con la típica producción de Roger Corman ambientada en castillos desvencijados sobre un acantilado de noche con las olas de mar chocando contra la oscura playa. Planos que el director, sin ningún recato, repetía una y otra vez en cada cinta.
Corman sabía trabajar en producciones de escaso presupuesto, ahorrando cada metro de cinta, con técnicos recien salidos de las escuelas de cine. Lo que podríamos denominar cine zeta pero hecho con talento.
Nos encontramos ante un maestro del cine que sabía utilizar efectos especiales obsoletos pero efectivos. Interpretaciones improvisadas dondelos actores demostraron su gran talento. cada mirada, cada gesto enriquecen la película y no caen en el ridículo. Más o menos parecen reírse de sí mismos.
La pelea de magos es genial, Boris Karloff reverdece sus laureles en la última etapa de su carrera. Una película sin desperdicio.

LA GLORIA DEL JAZZ

NACE UNA CANCIÓN. Título original: A Song is Born. Año: 1948. País: Estados Unidos. Dirección: Howard Hawks. Reparto: Danny Kaye (Profesor Hobart Frisbee), Virginia Mayo (Honey Swanson), Benny Goodman (Profesor Magenbruch), Tommy Dorsey (Él mismo), Louis Armstrong (Él mismo), Charlie Barnet (Él mismo), Lionel Hampton (Él mismo), Mel Powell (Él mismo), Louis Bellson (Él mismo), Buck Washington (Buck), John William Sublett (Bubbles), The Page Cavanaugh Trio (Ellos mismos), The Golden Gate Quartet (Ellos mismos), Russo and the Samba Kings (Ellos mismos), Hugh Herbert (Profesor Twingle), Steve Cochran (Tony Crow), J. Edward Bromberg (Dr. Elfini), Felix Bressart (Profesor Gerkikoff), Ludwig Stossel (Profesor Traumer), O.Z. Whitehead (Profesor Oddly), Esther Dale (Señorita Bragg), Mary Field (Señorita Totten), Howland Chamberlin (Sr. Setter), Paul Langton (Joe), Sidney Blackmer (Adams), Ben Welden (Monte), Ben Chasen (Ben), Peter Virgo (Louis). Guion: Harry Tugend. Argumento: Billy Wilder, Thomas Monroe. Música: Hugo Friedhofer, Emil Newman. Canciones: Don Raye, Gene de Paul. Fotografía: Gregg Toland. Samuel Goldwyn Company. Duración: 113 minutos.

En 1941 el gran Howard Hawks estrenó una de sus mejores comedias, Bola de fuego con Gary Cooper y Barbara Stanwyck, guion del ácido Billy Wilder y Charles Brackett. Es una auténtica obra maestra. Siete años después el propio Hawks estrenó su remake en Technicolor con Danny Kaye y Virginia Mayo. Buena película pero muy inferior a la original.
A Hawks no le gustaban los nuevos protagonistas impuestos por la productora Samuel Goldwyn. Pero este film tiene como aliciente indudable la aparición de grandes figuras del jazz entonces en la cresta de la ola. Sólo por ellos vale la pena ver este título afortunado e interesante.

Louis Armstrong

Nace una canción muestra una de las constantes de las películas de Howard Hawks, un hombre lleva una vida solitaria y aburrida hasta que una mujer se cruza en su destino y le hace evolucionar como persona.
El tímido profesor de música, un ratón de biblioteca, ve en su interior un gran cambio. Se enamora de una mujer muy distante de su mundo. Una vulgar cabaretera. También se da cuenta de que su sabiduría no sirve para nada porque el mundo exterior ha evolucionado y les ha dejado obsoletos.
Los actores cumplen con su cometido con brillantez pero son opacados por las grandes figuras del jazz y de la música de los años cuarenta. Tommy Dorsey, Benny Goodman y su prodigioso clarinete, el gran Louis Armstrong entre otros. Son un auténtico regalo para el cinéfilo que disfruta con sus melodías.

Imagen de la película original con Gary Cooper y la sensual Barbara Stanwyck.

UN CLÁSICO INMORTAL

PIGMALION. Título original: Pygmalion. Año: 1938. País: Reino Unido. Dirección: Anthony Asquith, Leslie Howard. Reparto: Leslie Howard (Profesor Henry Higgins), Wendy Hiller (Eliza Doolittle), Wilfrid Lawson (Alfred Doolittle), Marie Lohr (Mrs. Higgins), Scott Sunderland (Coronel Pickering), Jean Cadell (Mrs. Pearce), David Tree (Freddy Eynsford Hill), Everley Gregg (Mrs. Eynsford Hill). Guion: W.P. Lipscomb, Cecil Lewis, Ian Dalrymple, Anatole de Grunwald. Diálogos: Kay Walsh. Obra: George Bernard Shaw. Música: William Axt, Arthur Honegger. Fotografía: Harry Stradling Sr. (B&W). Pascal Film Productions. Duración: 95 minutos.

George Bernard Shaw (Dublín, 26 de julio de 1856-Ayot St. Lawrence, Hertfordshire, 2 de noviembre de 1950), conocido a petición del propio autor como Bernard Shaw, fue un dramaturgo, crítico y polemista irlandés de gran prestigio internacional. Entre su numerosa producción literaria tenemos la obra Pigmalión que más tarde se convirtió en un famoso musical, My Fair Lady que fue llevada al cine en 1964 por la Warner dirigida por George Cukor, con Rex Harrison y Audrey Herpburn como protagonistas.
Curiosamente Bernard Shaw triunfó escribiendo en inglés, el idioma de sus «opresores británicos».  Al principio de su obra, el profesor Higgins se lamenta de la pésima utilización de dicho idioma por parte de sus coetáneos. «Qué horror el irlandés y el escocés» clama. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1925 y en 1938 compartió el Óscar al mejor guion adaptado por la versión cinematográfica de Pigmalión, convirtiéndose en la primera persona en recibir el Premio Nobel y un Premio Óscar.
Entre 1968 y 1969 el actor Narciso Ibáñez Menta encarnó a Bernard Shaw en la serie El Premio, dirigida por su hijo Narciso Ibáñez Serrador. En dicho episodio el celebre escritor definía al reputado premio como «un salvavidas que te entregan cuando ya estás a flote«.

Instintivamente mucha gente, entre la que me incluyo, compara la versión musical de George Cukor con esta dirigida por el propio Leslie Howard (Forest Hill, Londres, 3 de abril de 1893-costa de Cedeira, La Coruña, 1 de junio de 1943) y Anthony Asquith. Howard esmás conocido por ser el Ashley Wilkes de Lo que el viento se llevó (1939) y La Pimpinela Escarlata (1934).
Leslie Howard murió el 1 de junio de 1943 cuando el avión en que regresaba desde Lisboa a Inglaterra, un Douglas DC-3 conocido como Ibis, en el vuelo 777 de la BOAC (British Overseas Airways Corporation), procedente de Madrid, fue supuestamente abatido por cinco aparatos alemanes a doscientas millas frente a la costa española de Cedeira, en La Coruña.
En Pigmalion trabaja también como codirector, en una producción británica más modesta que la superproducción de la Warner pero más rigurosa y creíble. El emparejamiento entre Higgins y Eliza Doolittle es más creíble por ejemplo. No hay tanta diferencia de edad.
Higgins apuesta con el coronel Pickering en hacer pasar por noble a una vulgar florista de Covent Garden que habla un horroroso cockney que hiere los oídos. Pero por el trato personal ocurre lo inesperado, se enamoran aunque no lo admiten hasta el final.
El profesor es un hombre adinerado pero no tanto como el de Hollywood donde todo brilla a lo grande.
¿Cual de llas dos versiones es mejor? Para gustos colores. Ambas tienen gran calidad cinematográfica. Los actores son excelentes, cosa normal en producciones británicas donde el nivel actor brilla a gran altura.
Años después en una producción de RTVE (Televisión Española), el 21 de febrero de 1979 emitió una honesta versión de Pigmalion con José María Rodero como Henry Higgins y la argentina Marilina Ross como la florista Eliza Doolittle.
Es una obra que siempre ha despertado el interés de los grandes actores británicos, españoles y de cualquier otra nacionalidad.

Narciso Ibáñez Menta como George Bernard Shaw

George Bernard Shaw