NACIMIENTO DE UNA LEYENDA

EL NUEVO CASO DEL INSPECTOR CLOUSEAU. Título original: A Shot in the Dark. Año: 1964. País: Estados Unidos. Dirección y Producción: Blake Edwards. Reparto: Peter Sellers (Jacques Clouseau), Elke Sommer (Maria Gambrelli), George Sanders (Benjamin Ballon), Herbert Lom (Charles Dreyfus), Tracy Reed (Dominique Ballon), Graham Stark (Hercules LaJoy), Moira Redmond (Simone), Vanda Godsell (Madame LaFarge), Burt Kwouk (Kato), Reginald Beckwith (Recepcionista del campo nudista), Douglas Wilmer (Henri LaFarge), Bryan Forbes (Asistente de campamento), Tutte Lemkow (Bailarín ruso), Hurtado de Córdoba (bailaor de flamenco), Tahitian Dance Group. Guion: William Peter Blatty, Blake Edwards, Peter Sellers. Obra: Harry Kurnitz, La idiota de Marcel Achard. Música: Henry Mancini. Fotografía: Christopher Challis. United Artists, Duración: 101 minutos.

En 1963 se estrenó La pantera rosa, una sofisticada comedia de Blake Edwards en la que David Niven interpretaba a un ladrón de guante blanco, Sir Charles Litton, que era perseguido por un inepto inspector de policía, Jacques Clouseau, que opacó al protagonista de la película y lanzó al estrellato a su intérprete, Peter Sellers. Richard Henry Sellers, más conocido como Peter Sellers (Southsea, Hampshire, 8 de septiembre de 1925-Londres, 24 de julio de 1980), era un secundó hasta entonces. Pero la mentada película lo convirtió en un actor famoso.
Esta vez, en su segunda película, El nuevo caso del Inspector Clouseau, encuentra pareja ya que está divorciado de su primera esposa que aparecía en el film anterior. Esta pareja es tan corta de inteligencia como él, María Gambrelli, interpretada por la actriz alemana Elke Sommer (nacida como Elke von Schletz; Spandau, Berlín, Alemania; 5 de noviembre de 1940). Ambos forman una excelente pareja. Tal para cual.
Peter Sellers fue capaz de lo mejor como El Guateque (1968) como de lo peor. Recordemos su terrible y olvidarle El magnífico Bobo (1957). Elke Sommer no paraba de rodar: El arte de amar (1965) con Dick Van Dyke, El Premio con Paul Newman, Las Vegas 500 millones (1968) de nuestro querido Antonio Isasi Isasmendi, Los horrores del Castillo de Norimberga (1972)  de Mario Bava, Intriga en Venecia (1967) con Robert Vaughn y Boris Karloff. Sellers y Sommer volvieron a coincidir en El estrafalario Prisionero de Zenda (1979) de Richard Quine. Es una lástima que el personaje de María Gambrelli no apareciera en las siguientes películas de la saga excepto en El hijo de la Pantera Rosa (1993) interpretado por otra actriz, Claudia Cardinale.
La serie sobre el inspector Clouseau conta de los siguientes títulos: La Pantera Rosa (1963), El nuevo caso del inspector Clouseau (1964), El regreso de la Pantera Rosa (1974), La Pantera Rosa ataca de nuevo (1976), La venganza de la Pantera Rosa (1978) .  Tras el fallecimiento de Peter Sellers se estrenó Tras la pista de la Pantera Rosa (1982)  montada con retales sobrantes de las anteriores incursiones. La maldición de la Pantera Rosa (1983)  contaba con otro protagonista, Ted Wass, pero el inspector Clouseau reaparece interpretado por Roger Moore tras una operacion de cirurgía estética. Finalmente tenemos la mentada El hijo de la Pantera Rosa (1993) de Blake Edwards (1993) prrotagonizada por Ruberto Benigni como hijo del inspector Clouseau y de María Gambrelli.
Fuera de la serie tenemos Inspector Clouseau, el rey del peligro (1968) de Bud Yorkin con Alan Arkin y dos secuelas con Steve Martin que no tuvieron el éxito de las originales. La Pantera Rosa (2006) de Shawn Levy y La Pantera Rosa 2 (2009) de Harald Zwart.  La magia de las primeras películas con Sellers no se repitió nunca más.

El nuevo caso del Inspector Clouseau vivió una curiosa anécdota. Cuando se estrenó en España, la Junta de Clasificación moral de la Iglesia Católica la calificó con un 4 que quiere decir moralmente muy peligrosa. Igual le pasó a El Gendarme de Saint Tropez (1974) que hizo famoso a Louis de Funes. en ambas cintas aparecían playas o clubs nudistas lo que en aquella época era motivo de escándalo. Cuando llegó la democracia se reestrenaron como películas aptas para todos los públicos ya que el nudismo no escandalizaba a nadie.
El origen de la película que nos ocupa es muy crioso. Está basado en una obra de teatro llamada La Idiota escrita por Marcel Achard que nada tiene que ver c en la oscuridad, tal como on el tema de Clouseau. Cuando se quiso adaptar al cine los estudios se les ocurrió la idea de reciclar la trama como una continuación de La Pantera Rosa y así nació este proyecto.

La película empieza con un gran plano secuencia. En una mansión de noche sus habitantes vaan de habitación en habitación en busca de un buen revolcón. Entonces suena un disparo en la oscuridad tal como dice el título en inglés y aparecen los créditos de la película. Iniciada la trama aparece el comisario Charles Dreyfus (sublime Herbert Lom) que nos cuenta que tiene una esposa y una amante con la que se cita. Entonces viene la catástrofe, el caso del homicidio en la mansión se lo han asignado al incompetente de Clouseau (Peter Sellers).
Clouseau llega a la mansión y… No cuento más. Para mi gusto lo más acertado de esta serie es el personaje de Dreyfus, todavía más loco que Clouseau. Herbert Lom borda el papel. Es un actor versátil que ha rodado de todo. Incluso ha publicado dos novelas: Enter a Spy: The Double Life of Christopher Marlowe (Adéntrate en el mundo del espionaje: La doble vida de Christopher Marlowe, 1971) – Una novela sobre la vida y las hazañas del dramaturgo isabelino Christopher Marlowe. Y Dr. Guillotin: The Eccentric Exploits of an Early Scientist (El Dr. Guillotin: Las excéntricas hazañas de un científico de los inicios de la ciencia, 1993) – Una novela sobre Joseph-Ignace Guillotin, el inventor de la guillotina.
Por contra tenemos el personaje de Kato (Burt Kwouk), el sirviente de Clouseau, que se pasa la pelícuka peleandose con su patrón. El personaje aparece en el resto de la serie y es lo que menos me gusta de la misma.
Oscuros intereses provocan que el inepto Clouseau investigue el crimen, siendo sospechosa María Gambrelli (Elke Sommer) de quien el inspector atolondrado se enamora perdidamente. A pesar de que todos los indicios la condenan creerá en su inocencia.
Una  excelente comedia negra de amor y crímenes. La mejor de toda la saga con gran diferencia. Superior a la película que le precedió.
Es una de esas películas que te hace reír a carcajada limpia.  Los actores están todos sobresalientes. Geniales el trío protagonista y un referente indiscutible al cine de humor. Un recuerdo del viejo slapstick. Toda una obra maestra del buen cine cómico.

Elke Sommer y Peter Sellers de buevo juntos en El estrafalario Prisionero de Zenda (1979).

Peter Sellers y Blake Edwards

EL MAESTRO BAVA

LA MÁSCARA DEL DEMONIO. Título original: La maschera del demonio. Año: 1960. País: Italia. Dirección: Mario Bava. Reparto: Barbara Steele (Katia Vajda/la princesa Asa Vajda), John Richardson (el Dr. Andre Gorobec), Andrea Checchi (el Dr. Thomas Kruvajan), Ivo Garrani (el príncipe Vajda), Arturo Dominici (Igor Javuto), Enrico Olivieri (el príncipe Constantine Vajda), Antonio Pierfederici (el párroco), Tino Bianchi (Ivan), Clara Bindi (el posadero), Mario Passante (el cochero), Renato Terra (Boris), Germana Dominici (Sonya (hija del posadero). Guion: Mario Bava, Ennio De Concini, Mario Serandrei. Historia: Nikolái Gógol. Música: Roberto Nicolosi, Les Baxter. Fotografía: Mario Bava (B&W). Galatea Film, Jolly Film. Duración: 84 minutos.

El cine italiano ha dado muy buenos cineastas de todos los géneros con actores muy importantes y directores geniales como Luchino Visconti, Federico Fellini, y en comedias gente como Luigi Comencini, Dino Risi, Pietro Germi, Mario Monicelli, el creador de la extraordinaria Rufufú, muchos más, los tres Sergios (Leone, Sollima, Corbucci). En cine de género Mario Bava, Riccardo Freda, Antonio Margheriti, Vittorio Cottafavi, Dario Argento, etc. etc. En los estudios de Cinecitta ha habido una gran habilidad que no hemos tenido, por desgracia, en España donde todo, o casi todo, es grisáceo.
Mario Bava (San Remo, 31 de julio de 1914 – Roma, 27 de abril de 1980) tras varios cortos, algunas escenas de Ulises (1954), que no era woke por supuesto, debutó como director de largometrajes precisamente con La máscara del demonio, aquí reseñada. Cinta que lanzó a la actriz Barbara Steele (Birkenhead de Cheshire, 29 de diciembre de 1937) , para muchos la Divina del género fantástico aunque posteriormente renegó de su filmografía.
Apareció en Amantes de ultratumba (1965), La danza macabra (1965),  La maldición del Altar Rojo (1968),  El péndulo de la muerte (1961). Vinieron de dentro de… (1975), La cárcel caliente (1974), Piraña (1978), hasta el 8½ (1963) de Federico Fellini y muchas más.
Se emparejó una temporada con Martine Beswick y ambas fueron indiscutiblemente las reinas del terror gótico. Pero para nosotros, una Diosa.

Mario Bava contaba con presupuestos modestos para rodar sus películas pero su imaginación rebosaba de ingenio. Si la Hammer contaba con un color agresivo, Bava se contentó con un contrastado blanco y negro para su primera obra maestra. Posteriormente Las tres caras del miedo (1963) y Bahía de sangre (1971) ya fueron en color.
Destaca la utilización de la imagen. Bava ha sido director de fotografía en 78 ocasiones y antes pintor. En La máscara del demonio recupera la atmósfera de las mejores películas de la Universal. Estos castillos polvorientos, desvencijados, repletos de telarañas. Esos castillos por donde deambulan seres diabólicos.
Barbara Steel (o Steele como firma a veces) representa dos papeles: la bruja Katia Vajda y su descendiente la princesa Asa Vajda. Es la «buena» y la «mala» de la película. Ambas con la misma cara, la misma voz. Barbara destaca en ambos papeles. La mujer diabólica sedienta de venganza y la ingenua doncella que aparece en lo alto de un cerro en la noche acompañada de dos mastines.
Su interpretación llena la pantalla. A su lado está John Richardson (Worthing, 19 de enero de 1934 – Londres, 5 de enero de 2021), el famoso Tumak de Hace un millón de años (1966) de la Hammer, futuro marido de Martine Beswick que posteriormente fue pareja de nuestra Barbara Steel, dos mujeres muy queridas en este Diario de Cine.
Mario Bava no cae en las estridencias de producciones posteriores. Todo su clima está basado en el misterio, un peligro cuya existencia se desconoce. Se tiene terror a lo desconocido. Lo que no conocemos nos da temor y sobresaltos.
Con escasos medios Mario Bava rodó una obra maestra. Un film genial por los cuatro poros. Una producción única e irrepetible.

CAPÍTULO FINAL

LA TRAMA. Título original: Family Plot. Año: 1976.País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Karen Black (Fran), Bruce Dern (George Lumley), Barbara Harris (Blanche Tyler), William Devane (Arthur Adamson / Edward Shoebridge), Cathleen Nesbitt (Julia Rainbird), Ed Lauter (Joseph P. Maloney), Katherine Helmond (Mrs. Maloney), Nicholas Colasanto (Constantine), Edith Atwater (Mrs. Clay).  Guion: Ernest Lehman. Música: John Williams. Fotografía: Leonard South. Universal Pictures. Duración: 120 minutos.

A todos nos llega el fin. Esta es la última película del maestro del suspenso, Sir Alfred Hitchcock. Fue nombrado caballero (Knight Commander) por la reina Isabel II a finales de 1979, lo que le otorgó el título de Sir poco antes de su fallecimiento en 1980. En sus últimos años recibió toda clase de homenajes en reconocimiento a su carrera bien merecidos los tenía.
La trama es una película modesta pero más que digna. No tiene grandes estrellas al frente pero los actores son muy buenos profesionales. Bruce Dern ya trabajó con el maestro en Marnie, la ladrona, ya comentada. Bruce MacLeish Dern (Chicago, Illinois, 4 de junio de 1936) ha sido dos veces nominado al Premio Óscar y es padre de la también actriz Laura Dern.
Fue protagonista de Naves misteriosas (1972) de Douglas Trumbull, excelente película de ciencia ficción ecologista.
Karen Blanche Ziegler (Park Ridge, 1 de julio de 1939-Santa Mónica, 8 de agosto de 2013), conocida artísticamente como Karen Black fue actriz, guionista y cantante. Fue protagonista de  Easy Rider (1969) de Dennis Hopper, cineasta independiente, y actor secundario en películas de Hollywood.
Barbara Densmoor Harris (Evanston, Illinois; 25 de julio de 1935-Scottsdale, Arizona; 21 de agosto de 2018), más conocida como Barbara Harris, es más actriz de teatro que de cine pero la vimos en Guerra entre hombres y mujeres (1972) de Melville Shavelson con Jack Lemmon y Jason Robards.
En cuanto a William Devane (Albany, Nueva York; 5 de septiembre de 1939) hizo de John F. Kennedy en Los misiles de Octubre (1974) para televisión.  El reparto de La trama no es muy popular pero son actores eficaces que siempre cumplen con su cometido y no tienen los tics de las famosas estrellas. Son más naturales y espontáneos.

La trama es una película muy sencilla pero digna gracias a la cual Sir Alfred Hitchcock tiene una despedida respetable del mundo del cine. El guion cuenta con dos tramas paralelas. Una es una pareja de delincuentes que secuestran personas, las tienen cautivas y exigen un fuerte rescate de dinero. La otra es otra pareja pero ésta de muy poca monta. La mujer es espiritista, monta una farsa fingiendo tener poderes paranormales que no tiene y su marido hace de detective, investiga las vidas de los clientes para dar respuestas fidedignas.
En determinado momento sus vidas se cruzarán. El suspenso está bien servido. La película no es tan espectacular, no es un obra maestra pero sigue siendo un Hitchcock. La mano del maestro se deja ver en cada plano aunque estuviera débil y enfermo.
Los actores están perfectos, cumplen con su cometido. Les faltó promoción para convertirse en estrellas pero carecen de los enojosos tics de éstas. Son actores más naturales, más creíbles.
El resto del equipo es perfecto, muy profesional y cumple su cometido con brillantez.

Sir Alfred Hitchcock, el maestro del suspenso.

UN HITCHCOCK MENOR

MARNIE LA LADRONA. Título original: Marnie. Año: 1964. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Tippi Hedren (Margaret «Marnie» Edgar), Sean Connery (Mark Rutland), Diane Baker (Lil Mainwaring, excuñada de Mark), Martin Gabel (Sidney Strutt, exjefe de Marnie), Louise Latham (Bernice Edgar, madre de Marnie), Bob Sweeney (Bob, primo de Mark), Alan Napier (Sr. Rutland, padre de Mark), Mariette Hartley (Susan Clabon, compañera de trabajo de Marnie), Kimberly Beck (Jessica Cotton), Melody Thomas Scott (la joven Marnie), Bruce Dern (el marinero de la infancia de Marnie). Guion: Jay Presson Allen. Novela: Winston Graham. Música: Bernard Herrmann. Fotografía: Robert Burks. Universal Pictures. Duración: 129 minutos.

Marnie, la ladrona fue uno de los mayores fracasos de Alfred Hitchcock tanto de taquilla como de crítica.  Actualmente la película está muy bien valorada pero de todos modos es inferior a otros trabajos del realizador inglés. No siempre se puede tener el mismo nivel ya que todos tenemos altibajos.
Volvemos a encontrarnos con Tippi Hedren, la protagonista de Los pájaros, aquí emparejada con Sean Connery que en aquella época triunfaba con la serie de James Bond que  le hizo famoso.
Sean Connery (Edimburgo, 25 de agosto de 1930-Nasáu, 31 de octubre de 2020) tuvo una excelente carrera cinematográfica.  Con todo hay que reconocer que sus películas sobre el personaje de Ian Fleming fueron las más exitosas y las que más dinero dieron en taquilla y es para muchos cinéfilos el mejor Bond de la historia. Trabajó con Walt Disney en Darby O’Gill y el rey de los duendes (1959), atrayendo la atención de los productores de la Eon que le contrataron para interpretar al agente inglés en 007 contra el Doctor No (1962) iniciando la famosa serie. Estaba afiliado al Partido Nacional Escocés («Scottish National Party»), un partido político que hace campañas por la independencia de Escocia, y ha apoyado al partido financieramente y a través de apariciones personales. Sin embargo la reina Isabel II le nombró sir (caballero) el 5 de julio de 2000. La ceremonia de investidura tuvo lugar en el Palacio de Holyrood, en Edimburgo, donde el protagonista de James Bond lució el tradicional traje de gala escocés.
En 1988, Connery ganó el premio Óscar al mejor actor de reparto por su papel de reparto en Los Intocables de Elios Ness. Entre otras películas interpretó  Robin y Marian (1975), La Liga de los Hombres Extraordinarios (2003), Indiana Jones y la última cruzada (1989), La caza del Octubre Rojo (1990), El hombre que pudo reinar (1975), El nombre de la Rosa (1986), Asesinato en el Orient Express (1974), Zardoz (1974), El viento y el león (1975), Atmósfera cero (1981), etc. Una carrera muy variada e interesante. Sus opiniones políticas no nos interesan, pero su carrera cinematográfica es ejemplar.
En un papel secundario tenemos a Diane Baker. Diane Carol Baker (Hollywood, California; 25 de febrero de 1938). La hemos visto en diferentes películas de todos los géneros. El Diario de Ana Frank (1959), El Premio (1963), El León de Esparta (1962), El Silencio de los corderos (1991), Viaje al Centro de la Tierra (1959), Series como El fugitivo (1963), Los invasores (1967), Bonanza (1959-19739), contaron con su agradable presencia.  No triunfó como actriz pero nunca desentonó.
También están Alan Napier, futuro mayordomo de Batman, y Bruce Dern en una breve aparición, futuro protagonista de La trama (1976), la película que cierra la gloriosa filmografía de Alfred Hitchcock.

Para mí Marnie, la ladrona es un Hitchcock menor. Tal vez porque el cineasta británico no se quiso repetir e intentó algo distinto, pero navegaba en aguas desconocidas y había perdido el Norte. Toda la trama gira hacia problemas psíquicos y conyugales de Connery y Hedren, viviendo ésta desorientada.
El guion es reiterativo y algo pesado. La trama a veces fatiga. Eso no quiere decir que sea una película nula, nada de ésto. El maestro Hitchcock sabe mucho de cine y lo demuestra en cada plano.
Tiene muchas buenas secuencias pero otras tienen poca fuerza y desentonan. Molesta tanto problema psíquico que induce a Marnie a convertirse en una desagradable ladrona. Además su papel tiene poca empatía. El público no se identifica con ella.
El personaje de Connery es irreal, demasiado bondadoso y si supera la situación es por su desahogada situación económica.
Lejos estamos de Vértigo y de Psicosis. El maestro no acertó esta vez pero queda su oficio que salva la película del desastre. En fin.

OTRO ÉXITO DE HITCHCOCK

LOS PÁJAROS. Título original: Alfred Hitchcock’s The Birds. Año: 1963. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Tippi Hedren (Melanie Daniels), Rod Taylor (Mitch Brenner), Jessica Tandy (Lydia Brenner), Suzanne Pleshette (Annie Hayworth), Veronica Cartwright (Cathy Brenner), Ethel Griffies (Señora Bundy, ornitóloga), Elizabeth Wilson (Helen Carter), Doreen Lang (Madre histérica en el restaurante), Joe Mantell (Viajante en el restaurante), Doodles Weaver (Pescador ayudando con el bote de alquiler). Guion: Evan Hunter. Relato: Daphne Du Maurier. Fotografía: Robert Burks. Música: Bernard Herrmann. Universal Pictures. Productor: Alfred Hitchcock. Duración: 115 minutos.

Los pájaros fue sin ninguna duda uno de los filmes de Hitchcock más exitosos y taquilleros. Una rara incursión en el cine de terror horror. Fue el debut cinematográfico de Tippi Hedren. Nathalie Kay Hedren nació el 30 de enero de 1930 en New Ulm, Minnesota, siendo hija de Bernard Carl y Dorothea Henrietta Hedren. Trabajó en ochenta películas y series de televisión. Es madre de Melanie Griffith y abuela de Dakota Johnson. Hedren es la típica rubia Hitchcock por las que el cineasta británico sentía enorme pasión.
El protagonista masculino es Rod Taylor. Rodney Sturt Taylor (Sídney, 11 de enero de 1930-Los Ángeles, California, 7 de enero de 2015). En aquella época era muy popular por haber protagonizado la serie Hong Kong (1960-1961)  en la que interpretaba a un periodista siempre metido en líos. En el mismo año protagonizó La máquina del tiempo (1960) de George Pal, todo un clásico de la ciencia ficción. Su último trabajo fue en Malditos bastardos (2009) de Quentin Tarantino interpretando a Wiston Churchil.
En papeles secundarios tenemos a Suzanne Pleshette  (Nueva York, 31 de enero de 1937-Los Ángeles, California; 19 de enero de 2008), una actriz habitual en la época en papeles secundarios y algún protagonista. Era una morenaza de mucho estilo. Veronica Cartwright (Bristol, Inglaterra, 20 de abril de 1949)  futura víctima de Alien (1979) y hermana mayor de Angela Cartwright, una de las hijas de la familia Trapp en  Sonrisas y lágrimas (1965). A veces los cinéfilos las confunden creyendo que son la misma persona cuando son dos.

Los pájaros es para muchos cinéfilos la mejor película de Alfred Hitchcock, aunque yo prefiero Psicosis y Vértigo, aquí reseñadas. Para gustos colores como vulgarmente se dice. Eso sí, es una película redonda donde nada falla aunque como siempre es un poco tramposilla.
La película empieza con una historia banal, una mujer en pos de un hombre por el que se toma muchas molestias. Es el eje central de la primera parte de la cinta, pero a la media hora esta trama queda en el olvido para centrarnos en las desventuras de los personajes atacados, sin razón aparente, por todos los pájaros del condado viviendo situaciones de auténtica angustia.
A partir de aquí Hitchcock no te da ni un minuto de respiro. Las situaciones angustiosas se suceden. El caos, el desorden se turnan en crearnos un clima de angustia. Hitchcock vuelve a demostrarnos que es un maestro del cine.
Algunos críticos, cuyo nombre no cito por compasión, utilizaron esta película de Hitchcock para atacar o denigrar otras películas como ¿Quién puede matar a un niño? (1976) de Narciso Ibáñez Serrador y Vinieron de dentro de… (1975) de David Cronemberg diciendo que son plagio de la película que comentamos cuando nada tienen que ver. Un argumento muy débil para justificar odios personales que a nadie interesan.
Los pájaros es una obra irrepetible. El estilo de Hitchcock es muy personal y es imposible de copiar. Intentar copiar a Hitchcock es un suicidio insensato. Su obra es única. Toda una maravilla que ha llenado la vida de millones de cinéfilos.

LA OBRA MAESTRA
DE HITCHCOCK

VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS). Título original: Vertigo. Año: 1958. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: James Stewart (John «Scottie» Ferguson), Kim Novak (Madeleine Elster / Judy Barton), Tom Helmore (Gavin Elster), Barbara Bel Geddes (Marjorie «Midge» Wood), Henry Jones (Juez de instrucción), Raymond Bailey (Médico de Scottie), Ellen Corby (Encargado del Hotel McKittrick). Guion: Alec Coppel, Samuel Taylor, Maxwell Anderson. Novela: Pierre Boileau, Thomas Narcejac. Música: Bernard Herrmann. Fotografía: Robert Burks. Paramount Pictures, Alfred J. Hitchcock Productions. Duración: 120 minutos.

Vértigo es sin duda una de las grandes obras maestras del maestro Alfred Hitchcock. Mi preferida junto a Psicosis, la más compleja, la más elaborada. Una obra que presenta un profundo análisis de la obsesión y del psicoanálisis.
Al frente del reparto tenemos a James Stewart, un acto todo terreno, capaz de rodar dramas o comedia sin inmutarse, y la sensual Kim Novak, uno de los rostros más bellos que no dio Hollywood. Ambos hicieron la mejor interpretación de su vida en Vértigo. Una película que no gustó en su estreno pero con el paso del tiempo se ha ido revalorando hasta convertirse en obra de culto por numerosos cinéfilos.
La restauración digital de la obra de este gran cineasta inglés es muy meritoria, incluso se vé mejor que en su época de estreno. La Vistavisión impresionaba mucho en las salas de antaño. Hoy con la revolución digital ha aumentado mucho su valor.

La película arranca con una persecución en los tejados de San Francisco, una ciudad famosa por sus empinadas calles y el Golden Gate Bridge, un puente metálico que los lleva a Oakland. En la persecución, un policía de paisano resbala y se cae quedando colgado de una cornisa. Un policía de uniforme trata de ayudarle pero cae al vacío encontrando la muerte.
John «Scottie» Ferguson, el policía de paisano, queda traumatizado por este accidente y deja el servio acabando por convertirse en detective privado. Del argumento no cuento más para no hacer la pascua a los futuros espectadores de esta obra maestra.
Hitchcock sabe como nadie crear una atmósfera de misterio. Nos va suministrando información con cuenta gotas y nos interesa con una trama repleta de misterio e incógnitas con algún giro de guion inesperado.
La película está muy bien estructurada, nada queda al azar. Un guion de hierro, la música de Bernard Herrmann subraya la acción con precisión. La trama gira alrededor de problemas psíquicos, como el vértigo y el complejo de culpa. Todo es una encerrona del gran Hitchcock que nos lleva por donde quiere.
N sobra ni un segundo de película, no hay puntos muertos donde la acción se estanque. Todo avanza con precisión. Los actores son atractivos. Un maduro James Stewart y una joven Kim Novak, la actriz más misteriosa de Hollywood, y una obsesión del cineasta inglés por las mujeres rubias.
Hitchcock alcanzó el cenit de su carrera y vivía su mejor época creativa. Por eso es el rey del suspenso, tal como se le conoce en la actualidad.

¡HIT, HIT, HITCHCOCK!

PSICOSIS. Título original: Psycho. Año: 1960. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Anthony Perkins (Norman Bates), Vera Miles (Lila Crane), John Gavin (Sam Loomis), Janet Leigh (Marion Crane), Martin Balsam (Detective Milton Arbogast), John McIntire (Sheriff Al Chambers), Simon Oakland (Dr. Fred Richmond), Vaughn Taylor (George Lowery, jefe de Marion), Frank Albertson (Tom Cassidy, cliente de la inmobiliaria), Lurene Tuttle (Eliza Chambers, esposa del sheriff), John Anderson (California Charlie, vendedor de automóviles), Patricia Hitchcock (Caroline, compañera de trabajo de Marion), Mort Mills (Policía de carretera). Guion: Joseph Stefano. Novela: Robert Bloch. Música: Bernard Herrmann. Fotografía: John L. Russell (B&W). Paramount Pictures. Duración: 109 minutos.

Psicosis fue todo un terremoto en la industria del cine. Una película en la que nadie creía pero que recaudó una buena fortuna. Lanzó al estrellato a su protagonista, Anthony Perkins (Nueva York, 4 de abril de 1932-Los Ángeles, 12 de septiembre de 1992) , entonces un actor completamente desconocido y a quién conocí en el Festival de Sitges de 1986 cuando vino para presentar una película que dirigió. Su Norman Bates fue antológico, papel que repitió en Psicosis II (1983), dirigida por Richard Franklin, Psicosis III (1986), dirigida por el propio Anthony Perkins y un telefilme, Psicosis IV: El Comienzo (1990) de Mick Garris donde se nos cuenta la infancia de Norman y su presente alejado de su vida criminal.
Era un actor que gustaba mucho al sexo femenino aunque algunos biógrafos aseguran de que era homosexual. Esa ambigüedad le convertía en un hombre atractivo en su época.
En el mismo reparto teníamos a Janet Leigh (Merced, California, 6 de julio de 1927-Beverly Hills, 3 de octubre de 2004)  muy famosa en aquella época. Era una actriz muy versátil capaz de interpretar comedia, drama y cine de acción. Su filmografía se compone de películas muy distintas como Un beso para Birdie (1963), Sed de mal (1957), Los Vikingos (1958), Mi hermana Elena (1955), Mujercitas (1949), La niebla (1980)…
La película de Hitchcock tuvo un remake en Psicosis (1998), dirigida por Gus Van Sant, con Anne Heche, copiada plano a plano en color. No tuvo mucho éxito al igual que las series de televisión, Bates Motel (1987) y la versión posterior (2013-2017).Y es que Alfred Hitchcock fue único y nadie pudo equiparase a él. 

Psicosis fue una película que nadie quería producir por lo que el genio inglés  esa historia le interesaba la financió de su propio bolsillo para poder rodarla. En aquella época era un rey de Hollywood que rodaba películas caras en Technicolor, entonces muy costoso, por lo que rodar en blanco y negro era para él una humillación.
Sin embargo a esta historia, tan morbosa, le convenía el blanco y negro que acentuaba la oscuridad de la trama. Al principio es un robo banal de dinero y una ladrona que huye por la carretera. De repente la trama da un giro inesperado y el público queda desconcertado.
Actualmente este argumento ya es demasiado popular, todos los cinéfilos conocen su desarrollo y nadie se sorprende pero en su día fue un completo impacto que dejaba perpleja a toda la sala.
Hitchcock era un mago, un mago del suspenso. Sabía atraer al público por donde quería e innovaba en cada título ofreciendo situaciones muy originales. Sus películas son auténticas obras de arte. Un cine sin parangón, únicas e inimitables. Aunque algunos directores como Brian de Palma o Curtis Hanson quisieron seguir su senda jamás alcanzaron su nivel a pesar de ser realizadores estimables pero no geniales.
Alfred Hitchcock fue un cineasta único. Nadie se puede comparar con él. Otros cineastas fueron tan geniales pero en otros géneros. John Ford en el cine del Oeste, Vincente Minnelli en el musical, Terence Fisher en el del fantástico, Buster Keaton en la comedia cómica, Billy Wilder en la comedia sarcástica. El Orson Welles de Sed de mal (1957) era cine negro puro.
Hitchcock no se podía copiar, era su hacer lo que le hizo triunfar. Sus películas a veces eran tramposas, una encerrona en el que el público cae porque su maestría es tal que te hace creer cualquier cosa. Como en Psicosis, una auténtica obra maestra del psicokiller. Su visión es imprescindible.

UN AUDAZ EXPERIMENTO

LA SOGA. Título original: Rope. Año: 1948. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: James Stewart (Rupert Cadell), John Dall (Brandon), Farley Granger (Phillip), Edith Evanson (Mrs. Wilson), Douglas Dick (Kenneth), Joan Chandler (Janet), Sir Cedric Hardwicke (Mr. Kentley), Dick Hogan (David Kentley), Constance Collier (Mrs. Atwater). Guion: Arthur Laurents, Hume Cronyn. Obra: Patrick Hamilton. Música: David Buttolph. Fotografía: Joseph A. Valentine, William V. Skall. Warner Bros., Transatlantic Pictures. Duración: 80 minutos.

La Soga fue un experimento muy arriesgado de Alfred Hitchcock. Rodar toda la película en un sólo plano. De hecho no es así, hay varios cortes a lo largo de este retraje disimulado con planos en que un cuerpo se cruza ante la cámara. Entonces el maestro británico aprovecha para realizar un corte que se disimula con el cuerpo del actor correspondiente.
El guion está basado en una obra de teatro de Patrick Hamilton, adaptado al cine por el actor Hume Cronyn que en La sombra de una duda interpreta al vecino morboso de la familia protagonista.
En el reparto nos encontramos a John Dall, el desdichado general romano Publio Marco Glabro al que Espartaco vence y humilla en la película de 1960. No es un actor muy conocido al igual que Farley Granger, conocido por Senso (1954) de Luchino Visonti. Aquí son una pareja homosexual aunque no citan su condición en el transcurso de su metraje.
Hitchcock siempre fue un director audaz, en aquella época la homosexualidad estaba prohibida en el cine por lo que el cineasta británico se jugó el cuello por ello.

La audacia de esta cinta radica en que el tiempo real y el tiempo fílmico es el mismo. Igual que en una obra de teatro y no aburren a nadie. Hitchcock decía que el cine es un patio de butacas a rellenar lo que motivó que algunos críticos le acusaran de rodar productos mercantiles con ansias de ganar dinero como si eso fuera un crimen.
Lejos de esa acusación, el cine de Hitchcock rebosa de cualidades artísticas por los cuatro costados.
La trama de La Soga se inicia con un asesinato. Dos homosexuales estrangulan a un compañero de estudios y lo encierran en un arcón y posteriormente celebran un guateque. Lejos de arrepentirse presumen de que el crimen es una bella arte porque elimina a los «seres inferiores» (sic) pero en el transcurso del guateque incurrirán en contradicciones y levantarán sospechas.
James Stewart realiza otra de sus más geniales interpretaciones y Hitchcock lleva un ritmo muy contenido. Los actores tienen mucha calidad y se lucen en sus respectivos papeles. No es un Hitchcock mayor pero es un Hitchcock. El rodaje con las enormes cámaras de televisión fue una pesadilla pero un experimento único.

HITCHCOCK Y LAUGHTON

POSADA JAMAICA. Título original: Jamaica Inn. Año: 1939. Duración: 99 minutos. País: Reino Unido. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Charles Laughton (Sir Humphrey Pengallan), Maureen O’Hara (Mary), Leslie Banks (Joss Merlyn), Emlyn Williams (Harry), Robert Newton (James Trehearne ), Marie Ney (Patience Merlyn), Wylie Watson (Salvation Watkins), Edwin Greenwood (Dandy). Guion: Sidney Gilliat, Joan Harrison. Novela (Daphne Du Maurier. Música: Eric Fenby. Fotografía: Harry Stradling Sr., Bernard Knowles (B&W). Productores: Charles Laughton y Eric Pommer. Mayflower Pictures Corporation. Duración: 99 minutos.

Alfred Hitchcock tenía un dicho muy popular: «Nunca ruedes una película con perros, niños ni con Charles Laughton«. Charles Laughton (Scarborough, Inglaterra, 1 de julio de 1899-Los Ángeles, 15 de diciembre de 1962) tenía algo de mala prensa porque era un actor excelente pero muy difícil de tratar, Tuvo problemas con Hitchcock y con Josef Von Sternberg, con quién rodó el inconcluso Yo Claudio (1937). Muchos actores y directores se negaban a trabajar con él por su carácter pero otros le defendieron como Ernst Lubitsch, Jean Renoir, James Whale, Leo McCarey, Robert Siodmak, Billy Wilder y Otto Preminger.
Laughtton también fue productor, la firma Mayflower, asociado con Eric Pommer. Mayflower (en español se traduciría como Flor de mayo) es el nombre del barco que en 1620 transportó a los llamados Peregrinos desde el reino de Inglaterra (hoy Inglaterra en el Reino Unido) hasta un punto de la costa este de América del Norte, hoy ubicado en los Estados Unidos de América. Pero los negocios no era lo suyo y la aventura tuvo mal final.
También dirigió La noche del cazador (1954) con Robert Mitchum, una obra maestra que fracasó en taquilla por lo que no reincidió más.
Fue intérprete de El signo de la cruz (1932) de Cecil B.DeMille, como el malvado emperador Nerón,  La isla de las almas perdidas (1933),  La vida privada de Enrique VIII ((1933), de Alexander Korda, donde interpretó al mezquino monarca inglés, ganando un Oscar por su trabajo, repitiendo papel en La reina virgen (953) de George Sídney. También actuó en Testigo de cargo (1957) de Billy Wilder y Espartaco (1960) de Stanley Kubrick.  Tanto hablar mal de Laughton pero Hitchcock repitió en El proceso Paradine (1947).
Actualmente se le recuerda como lo que es, un actor genial, y sus manías han quedado en el olvido.
En Posada Jamaica debutó como actriz de cine Maureen O´Hara, futura musa de John Ford. Maureen FitzSimons, conocida como Maureen O’Hara (Dublín, 17 de agosto de 1920-Boise, Idaho, 24 de octubre de 2015), fue una actriz irlandesa, nacionalizada estadounidense.  Su siguiente película El jorobado de Notre Dame (1939), fue Esmeralda la zíngara, actuando de nuevo con su mentor Charles Laughton en el papel de Quasimodo. En sus películas en Technicolor se ve que su cabellera es rojiza que le da un aspecto inconfundible.

Charles Laughton llena la pantalla en Posada Jamaica, a pesar de las quejas de Hitchcock hay que reconocer que fue un gran actor.  Basada en una novela de Daphne du Maurier (Londres, 13 de mayo de 1907-Fowey, Cornualles, Inglaterra, 19 de abril de 1989) una escritora británica autora de Rebeca (1938) y Mi prima Raquel (1951), la primera de ellas fue la primera película de Hitchcock en Hollywood. Los pájaros, del mismo Alfred Hitchcock, también se basó en relatos suyos.
La película está centrada en una serie de falsos accidentes en las costas de Cornualles. Unos fasscinerosos hacen naufragar los barcos, asesinan a la tripulación y se apropian de su cargamento. Al frente de esta banda criminal está un terrateniente, Sir Humphrey Pengallan, un hombre de dos caras porque pretende hacer justicia en su condado pero en él comete toda clase de crímenes.
Su segundo en el crimen es Joss Merlyn (de nuevo Leslie Banks en un papel de villano), un delincuente zafio y desagradable que contrasta con los refinados modales de su jefe. Dueño de la Posada Jamaica donde se reúne lo peor del condado. Mezquinos maleantes mal hablados, En esta Posada llega la sobrina de su mujer, nuestra Maureen O´Hara, muy joven y bella irlandesa que quiere ver mundo y salir de su terruño.
La intriga está servida. La película tiene varios giros de guion algo predecibles pero bien logrados. La atmósfera es malsana y opresiva. Un mundo del que se quiere escapar. Los delincuentes siempre están borrachos y dicen toda clase de disparates. Por su boca sale azufre.
Posada Jamaica fue la última película inglesa de Alfred Hitchcock, la siguiente, Rebeca, la rodaría en Hollywood. Hasta Frenesí (1972) no volvería a rodar en su Inglaterra natal. Respecto a El hombre que sabía demasiado (1934) su técnica ha mejorado y se ha convertido en un cineasta muy profesional.  Aun con pocos medios obtiene excelentes resultados. Ese clima malsano de gente ruin está muy bien logrado. Hitchcock ya era el cineasta que todos conocemos.

Maureen O´Hara