EL CANTO DEL CISNE DE DONEN

LÍO EN RÍO. Título original: Blame It on Rio. Año: 1984. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Michael Caine (Matthew Hollis), Joseph Bologna (Victor Lyons), Valerie Harper (Karen Hollis), Michelle Johnson (Jennifer Lyons), Demi Moore (Nicole Hollis), José Lewgoy (Eduardo Marques), Lupe Gigliotti (Señora Botega), Michael Menaugh (Peter), Tessy Callado (Helaine), Ana Lucía Lima (Mujer Macumba), Maria Helena Velasco (Mujer Macumba), Zeni Pereira (Madre de la novia), Eduardo Conde (Cantante en el Dance Club), Jane Duboc (Cantante del café). Guion: Charlie Peters, Larry Gelbart. Música: Kenneth Wannberg. Fotografía: Reynaldo Villalobos. Sherwood Productions. Distribuidora: 20th Century Fox. Duración: 100 minutos.

En 1977 se estrenó Un momento d´egarrement (se podría traducir como un momento de locura), una comedia francesa de Claude Berri que obtuvo un impresionante éxito comercial. Trataba de dos amigos que viajan de vacaciones a la costa con sus respectivas hijas. Una de ellas se enamora del padre de la otra y se le echa encima provocando el mosqueo de su propio padre.
Una película de amor y sexo entre un adulto y una menor ya había sido llevado al cine por Stanley Kubrick en 1962 en Lolita con Sue Lyon que estaba basada en la novela homónima de Vladimir Nabokov cosechando un fuerte escándalo.
La película de Berri tuvo dos remakes, uno francés, con el mismo título en 2015 dirigida por Jean-François Richet, y otro estadounidense dirigido por Stanley Donen. Me refiero a Lío en Río (1984) del que hablamos en el presente escrito.
Fue el último largometraje de ese gran cineasta, autor de Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siete novias para siete hermanos (1954), de la que ya hemos comentado. Fue un cineasta con mucha potencia creativa y se supone que dirigió esta película para sobrevivir.
Lío en Río (1984) no tiene la mordacidad de  Un momento d´egarrement (1977), ya se sabe que los cineastas europeos somos menos desinhibidos que sus colegas de Hollywood, y que no nos asustamos con tanta facilidad. Pero en los Estados Unidos dicha película fue un sonado escándalo y la actriz, que era menor cuando rodó esta cinta, Michelle Johnson, necesitó permiso de un juez para rodar escenas íntimas y fue nominada injustamente a los premios Razzie que suelen otorgar a lo peor del cine en aquel año.
Para mí no hay para tanto y la polémica es muy exagerada. Ahora se ve la película con mayor simpatía pese no estar a la altura de las mejores obras de Stanley Donen. Es un film menor pero con gracia.

Desde luego Lío en Río no tiene la fuerza visual de Siete novias para siete hermanos, en los años de gloria de la apagada Metro Goldwyn Mayer, Pretende ser una película moderna, fotografía muy oscura, desnudos, un decorado real, Río de Janeiro presentado como un lugar paradisíaco. Pero Stanley Donen conserva su elegancia estilística. En ningún momento resulta desagradable.
Michael Caine está contenido, no se deja llevar por aspavientos ni muecas exageradas. Es un sobrio actor inglés con fina ironía. Siempre interpretaba papeles dramáticos por lo que su paso por la comedia fue insólito y bienvenido. Michelle Johnson está bien, se la ve entusiasmada con ganas de descubrir un mundo nuevo.
En cambio Joseph Bologna está estridente, representa un padre inmaduro repleto de obsesiones con ansias de controlar a su hija sin disimulo. A veces sobreactúa y resulta ridículo.
Las localizaciones en Río de Janeiro son excelentes, esta ciudad es un bello telón de fondo para esta producción oportuna.

Los protagonistas de Un momento d´egarrement (1977). Arriba su póster y el de su remake estrenada en España como Una semana en Córcega.

CENTENARIO DE
UNA OBRA MAESTRA

Se celebran 100 años del estreno de una de las grandes Obras Maestras del Séptimo Arte. Me refiero a El maquinista de la General  (1926) del genial Buster Keaton.
La película está basada en un hecho real sucedido en 1862 durante la Guerra Civil, la llamada gran persecución en locomotora y adaptada del libro de William Pittenger, Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), publicado en 1863. Coon el mismo argumento Walt Disney produjo Héroes de Hierro (1956)  con Fess Parker, una cinta ya olvidada que mostraba el punto de vista de la Unión que secuestra un tren de la Confederación y sabotea sus redes ferroviarias.
La película de Buster Keaton mostraba lo contrario, el punto de vista de la Confederación, generalmente olvidado en varias producciones hollywoodenses.

En su día fue un sonado fracaso comercial y la crítica se ensañó con ella. Keaton perdió su independencia creativa y pasó a las filas de la Metro que destruyó su gloriosa carrera. En la actualidad está considerada una de las mejores películas de la Historia del Cine una vez extenuados los prejuicios que la condenaron. Tal vez la mejor cinta sobre la Guerra Civil de Estados Unidos con gran diferencia de calidad. Una película con la que Keaton se engrandeció.
100 años ya de su glorioso estreno. Se adelantó a su tiempo y en la actualidad es una de las obras más aclamadas.

En septiembre de 1965 Buster Keaton rodó en Madrid Golfus de Roma, su último largometraje. Después rodó en Canadá un corto, The Scribe que cierra su filmografía.

Salvador Sáinz y su libro sobre Buster Keaton.

LA MAGIA DE LA METRO

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS. Título original: Seven Brides for Seven Brothers. Año: 1954. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Howard Keel (Adam), Jane Powell (Milly), Jeff Richards (Benjamin), Julie Newmar (Dorcas), Matt Mattox (Caleb), Ruta Lee (Ruth), Marc Platt (Daniel), Norma Doggett (Martha), Jacques d’Amboise (Ephraim), Virginia Gibson (Liza), Tommy Rall (Flor (Florindo)), Betty Carr (Sarah), Russ Tamblyn (Gideon), Nancy Kilgas (Alice). Guion: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley. Libro The Sobbin’ Women, de Stephen Vincent Benét. Música: Adolph Deutsch, Saul Chaplin. Coreografía: Michael Kidd. Fotografía: George J. Folsey. Metro-Goldwyn-Mayer, Loew’s. Distribuidora: MGM. Duración: 103 minutos.

Alguna vez he comentado que la Metro Goldwyn Mayer, la productora del león que ruge, fue un desastre para la comedia cómica pero brilló con esplendor en el terreno del musical. En 1953 se rodaban en sus estudios Brigadoon y Siete novias para siete hermanos, la Metro confiaba en el gran éxito de la primera y la segunda la menospreció al considerarla un film menor de entretenimiento. Por eso la película de Stanley Donen (Columbia, Carolina del Sur; 13 de abril de 1924-Manhattan, Nueva York; 21 de febrero de 2019) sufrió toda clase de recortes presupuestarios en beneficio de la primera, de la leyenda escocesa sobre un pueblo que aparece un día cada cien años.
Pues cuando ambas producciones se estrenaron la fábula de las tierras altas pinchó, pero la comedia sobre siete hermanos montañeses y sus románticas novias fue todo un bombazo.
En el reparto tenemos al impresionante barítono Howard Keel (Gillespie, Illinois; 13 de abril de 1919 – Palm Desert, California; 7 de noviembre de 2004) como Adam, el hermano mayor que se casa al principio de la película, excelente cantante pero un actor discreto que cumple con su papel. En esta cinta es donde estuvo mejor, siempre en musicales de la Metro, pocas apariciones aparte, aunque goza de un buen soporte secundario. La chica es la soprano Jane Powell (Portland, Oregón, 1 de abril de 1929-Wilton, Connecticut, 16 de septiembre de 2021), una actriz más completa y con un papel de más enjundia. Entre los secundarios destaca nuestro querido Russ Tamblyn de quién ya hemos hablado en otro escrito. Excelente bailarín y simpático carácter.
Stanley Donen está asociado a Gene Kelly en varios musicales de gran calidad como Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siempre hace buen tiempo (1955). Fuera de la Metro dirigió tres comedias no musicales: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).  Fue productor y director de películas independientes, recuerdo  Movie Movie (1978), dos cortometrajes con los mismos actores, recuerdo de los viejos cines de bario con programas dobles. Una de sus últimas películas fue Lío en Río (1984), los amores de una jovencita con un galán maduro, padre de su mejor amiga. Un buen título que merecería ser recordado.

Esta obra maestra del cine musical suele gustar mucho a las chicas y a los cinéfilos amantes del género. Sus canciones son muy bonitas, sin ninguna duda. La primera, Bless Yore Beautiful Hide (Bendita sea tu hermosa piel), es toda una declaración de príncipios. Un granjero leñador (Howard Keel) se acerca a un poblado de Oregón en busca de provisiones y de una esposa. Vive en un solitario rancho con seis hermanos asilvestrados, sucios y toscos. No sabían siquiera que existían las chicas. Nunca habían visto ninguna.
La aparición de una cuñada joven es para ellos una revolución. Sienten nuevos sentimientos, valga la redundancia. Esta película ha sido tratada de machista pero yo creo que es discutible esta aseveración. Los hermanos son toscos, paletos, ignorantes. La cuñada les hace evolucionar como personas. De unos energúmenos los va convirtiendo en caballeros responsables.
Es espectacular la danza en la que los hermanos compiten por las chicas con los mozos del pueblo. Es toda una sensación, uno de los mejores ballets jamás vistos en cine. Por deficiencias de la época casi toda la película se rodó en estudio, los decorados son muy artificiales. Pero es la época en que se rodó cuando la técnica estaba muy atrasada y el presupuesto de la película menguaba cada día más.
Los directivos de la Metro no creían en el proyecto pero se equivocaron completamente. Siete novias para siete hermanos arrasó en taquilla y en sucesivas reposiciones. Tenían un gran director al frente y a una gran estrella, Jane Powell, que llenaba la pantalla pese a su figura chiquita.
El guion es inteligente. Los chicos creen haber conquistado a las chicas, pero éstas los civilizan. Sin ellas siempre hubieran seguido en su atraso silvestre.
Las novias tienen dignidad. No son alienadas de ningún modo. Los hermanos las secuestran pero las respetan.
Cuando les preguntan quién es la madre del niño que han oído llorar los padres de las chicas, ellas responden «¡mío!«, Un antecedente del «yo soy Espartaco» de Kubrick. Es una declaración revolucionaria para quedarse con los hermanos y evitar que los ahorquen.
No es políticamente correcta ni woke, pero no tan machista como le han acusado. Comprendo a las feministas que se sienten ofendidas pero un análisis más exhaustivo puede defender esta cinta de acusaciones de machismo y patriarcado.
Es una película muy colorista, muy alegre que entusiasma al público. Sobretodo al público femenino pese a la opinión negativa de las radicales feministas. Estos hermanos viven en un mundo muy difícil, el salvaje oeste. Un lugar donde puedes morir por naderías.
Vista en la actualidad la película conserva su vitalidad, sus ganas de vivir. Su optimismo desenfrenado. Una película clásica que nunca muere.

Gene Kelly y Van Johnson rodaban Brigadoon cuando Howard Keel protagonizaba Siete novias para siete hermanos.

VACACIONES EN DELOS

ALMAS DE METAL. Título original: Westworld. Año: 1973. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Crichton. Reparto: Yul Brynner (Pistolero), Richard Benjamin (Peter Martin), James Brolin (John Blane), Norman Bartold (caballero medieval), Alan Oppenheimer (Supervisor jefe), Victoria Shaw (Reina medieval), Dick Van Patten (Banquero), Linda Gaye Scott (Arlette), Steve Franken (Técnico), Michael T. Mikler (Caballero negro). Guion: Michael Crichton. Novela: Michael Crichton. Música: Fred Karlin. Fotografía: Gene Polito. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 88 minutos.

Michael Crichton  (Chicago, 23 de octubre de 1942-Los Ángeles, 4 de noviembre de 2008) fue un escritor, director de cine, productor y médico estadounidense. Su especialidad era la ciencia ficción. En 1969 publicó La amenaza de Andrómeda, llevada al cine por Robert Wise en 1971. En 1990 publicó Parque Jurásico que fue adaptada por Steven Spielberg en 1993 creando una saga cinematográfica.
En 1973 escribió y dirigió Almas de metal, la película que nos ocupa, titulada Westworld en inglés, que  tuvo una secuela, Mundo futuro (1976) y una serie de televisión Westworld (2016) compuesta por cuatro temporadas de diez capítulos las dos primeras y de ocho las siguientes.
Crichton tuvo mucho éxito comercial aunque su obra no es extraordinaria. Sus novelas se leen con agrado y sus películas caen bien. Una de sus temáticas favoritas es la alteración genética resucitando dinosaurios ya desaparecidos para un parque temático. La realidad no va tan descaminada ya que en la actualidad algunos científicos planean resucitar a los mamuts desaparecidos hace muchos siglos. Pero las alteraciones genéticas tienen siempre un mal final, los dinosaurios atacan a las personas.
En Almas de metal y secuelas pasa lo mismo pero en otro ámbito, esta vez fabrican robots que se rebelan contra la humanidad que los creó. ¿Discurso reaccionario o realista? Cada cual tendrá su opinión personal.

La película comienza con un documental donde se presenta a Delos, un parque temático que recrea el lejano Oeste, la Edad Media y la Roma de los césares. Los visitantes se aprovechan para divertirse y desahogarse de sus problemas cotidianos. En la Roma imperial se celebran orgías, en el Medievo combates a espada y torneos con lanzas.
La película se centra en el Lejano Oeste con asaltos a los bancos, peleas en el Saloon, prostíbulos con mujeres de cara triste siempre solicitas al sexo. Hay duelos por naderías. Los visitantes son gente de alto nivel adquisitivo. Pueden matar a quien quieran porque luego arreglan los robots para volverlos a utilizar.
Aparece un robot de un pistolero, es Yul Brynner vestido como en Los siete magníficos, a quiénes matan en un desafío en un bar pero luego vuelve aparecer pero con balas de verdad.
Almas de metal es la historia de una rebelión de las máquinas, la inteligencia artificial. Son una clase explotada que se vuelve contra quienes les oprimen y les explotan. La realización es muy primaria pero tuvo mucho éxito y reverdeció los laureles de Yul Brynner en sus últimos años.
La película es simpática, agradable. No es ninguna obra maestra pero no aburre ni un segundo.

Westworld (2016), serie de televisión.

EL VALLE DE LAS SIETE COLINAS

RÓMULO Y REMO. Título original: Romolo e Remo. Año: 1961. País: Italia. Dirección: Sergio Corbucci. Reparto: Steve Reeves (Rómulo), Gordon Scott (Remo), Virna Lisi (Julia), Jacques Sernas (Curzio), Franco Volpi (Amulio), Laura Solari (Rea Silvia), Piero Lulli (Sulpicio), José Greci (Estia). Guion: Luciano Martino, Franco Rossetti, Duccio Tessari y Sergio Leone, basado en una historia de Luciano Martino, Sergio Corbucci y Sergio Leone. Música: Piero Piccioni. Fotografía: Enzo Barboni, Dario Di Palma.Titanus, Ajace Produzioni Cinematografiche,Societe Nouvelle Pathe Cinema, Societe Generale de Cinematographie. Distribución: Paramount Pictures. Duración: 108 minutos.

Cuando Odiseo (Ulises) entró en Troya con la treta del caballo de madera se organizó una matanza inusitada. Los héroes griegos se comportaron como auténticos carniceros, pero muchos troyanos escaparon de la muerte gracias a la pericia de Eneas, tal como se cuenta en La Eneida de Virgilio. Un relato que necesita una buena producción como la de Christopher Nolan. En 1971 la Radiotelevisione Italiana (RAI) produjo una miniserie de siete capítulos dirigidos por Franco Rosi, autor de  Las aventuras de Ulises (1968) basada en La Odisea de Homero.
Si Ulises desea volver a Itaca, Eneas lucha para encontrar una nueva patria realizando un viaje por lugares imaginarios. Finalmente llega al Lacio, en la península itálica, su hijo Ascanio/Iulo funda Alba Longa. Siglos después su descendiente Numitor tiene una hija llamada Rea Silvia, una virgen vestal seducida por el dios Marte, quién engendró a dos gemelos, Rómulo y Remo. El rey Amulio, temeroso de que los gemelos pudieron arrebatarle el trono ordenó su muerte pero la madre los escondió en una canasta que arrojó al Tiber donde fueron descubiertos por una loba llamada Luperca que los amamantó. Recogidos por un pastor, al llegar a adultos fundaron la ciudad de Roma en el Valle de las Siete Colinas.
Rómulo fue el primer rey de Roma, pero la monarquía duró poco y se convirtió en República llegando a conquistar la Grecia que les había expulsado de Troya.
Eso es la leyenda, evidentemente no creo en ellas pero tal como me la contaron la cuento aquí.

Romulo y Remo pertenece al género del peplum, en España conocidas como películas de romanos. Películas odiadas por la crítica y amadas por los públicos domingueros. En cabeza de cartel tenemos a los dos más famosos musculosos del género, Steve Reeves (Glasgow, Montana, 21 de enero de 1926-Escondido, California, 1 de mayo de 2000)  que había triunfado con Hércules (1958) y se convirtió en la estrella principal de las películas de romanos rodadas en Italia, y Gordon Scott (Portland, Oregón, 3 de agosto de 1926-Baltimore, Maryland, 30 de abril de 2007) que protagonizó muchas películas de Tarzán en color. Junto a ellos tenemos a la bella Virna Lisi (Jesi, Ancona, región de Marcas, Italia, 8 de noviembre de 1936-Roma, 18 de diciembre de 2014), actriz italiana que llegó a trabajar en Hollywood con Jack Lemmon en Cómo matar a la propia esposa (1965), cuya imagen saliendo dentro de un pastel gigante me acompañó toda mi vida.
Como villano tenemos a Jacques Serna, el Paris de Helena de Troya (1956) y como director al gran Sergio Corbucci que brilló más con sus westerns europeos. El gran silencio (1968) es uno de los mejores títulos de su larga filmografía. Gracias a Corbucci la película que nos ocupa es soportable. La mayoría de los peplums de serie B, o cinema bis como dicen en Francia, tienen muy poca calidad y en la actualidad provocan sopor.
Rómulo y Remo no es una obra maestra pero sí una película digna, muy profesional que se puede ver sin enojo.
Su trama describe la búsqueda de un lugar para crear una ciudad, llamada Roma en honor a Rómulo. Remo tenía mucha envidia de su hermano y acabaron en una lucha fratricida. Conocemos cómo los gemelos recien nacidos son perseguidos y su madre los deposita en una cesta que abandona en el Tíber como ocurrió con Moises en Egipto.
Los gemelos son amamantados por una loba y después adoptados por un pastor. El argumento gira en su búsqueda de su nueva patria, su ciudad que posteriormente dominó el mundo.
Algunos actores secundarios poco expresivos, una fotografía pálida desmerecen del conjunto pero la pericia de Corbucci salva el resultado final.

El rapto de las sabinas (1961) se estrenó el mismo año que Rómulo y Remo y estaba protagonizada por Rómulo tras construir Roma. Interpretada por Roger Moore, Mylène Demongeot, Jean Marais y Rosanna Schiaffino trataba del problema de los primeros romanos que tenían pocas mujeres y estaban solteros por lo que decidieron raptar a las mujeres de los sabinos para poblar la ciudad.
Un año después se estrenó una versión mexicana con el mismo título.

PERVERSO CUENTO INFANTIL

LA NOCHE DEL CAZADOR. Título original: The Night of the Hunter. Año: 1955. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Laughton. Reparto: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell), Shelley Winters (Willa Harper), Lillian Gish (Rachel Cooper), Billy Chapin (John Harper), Sally Jane Bruce (Pearl Harper), James Gleason (Tío «Birdie» Steptoe), Evelyn Varden (Icey Spoon), Don Beddoe (Walt Spoon), Peter Graves (Ben Harper), Gloria Castillo (Ruby), Michael Chapin (amigo de Ruby), Paul Bryar (Bart el Colgado). Guion: James Agee. Novela: Davis Grubb. Música: Walter Schumann. Fotografía: Stanley Cortez (B&W). United Artists. Duración: 93 minutos.

La noche del cazador es una de las grandes obras maestras de la Historia del Cine pero en su día fue machacada por la crítica y por el púbico que no fue a verla por lo que su director no insistió nunca más. ¿Qué falló en su tiempo? Tal vez porque no era una película que se pareciera a otra. No es un producto en serie y su realización es insólita.
Su director fue Charles Laughton (Scarborough, Inglaterra, 1 de julio de 1899-Los Ángeles, 15 de diciembre de 1962), un gran actor británico que no obstante su gran calidad era detestado por algunos directores y muchos actores que rehusaban trabajar con él, fue un Nerón afeminado en El signo de la cruz (1932) de Cecil B. DeMille, el mordaz Graco de Espartaco (1960) de Stanley Kubrick, trabajó con Alfred Hitchcock en Posada Jamaica (1939) y fue el esposo de Elsa Lanchester (La novia de Frankenstein y la niñera que se marcha en Mary Poppins). Excelente actor, muy exigente y de ahí su impopularidad.
Cabeza de cartel tenemos a Robert Mitchum en su mejor papel. Un actor de gran solera del que hablaremos otro día. En el reparto tenemos a la heroína de David Wark Griffith, me refiero a la genial Lillian Gish (Springfield, Ohio; 14 de octubre de 1893-Nueva York; 27 de febrero de 1993), protagonista de El nacimiento de una nación (1915), Intolerancia (1916)  y Las dos huerfanas (1921). Actriz siempre impagable para cualquier cinéfilo.

Un delincuente roba una cantidad de dinero para dar de comer a su familia, esposa y dos hijos. Esconde el dinero pero es detenido y ahorcado. Su compañero de celda, un falso predicador se entera de su situación y una vez indultado busca a la viuda y sus dos hijos para apropiarse del dinero.
La noche del cazador es una película muy dura contada como un perverso cuento de hadas. Robert Mitchum compone un personaje diabólico disfrazado de predicador que dice hablar en nombre de Dios. Es un demonio disfrazado de ángel que seduce a la gente hasta que descubren su maldad.
Charles Laughton compone un cuento de hadas perverso y cruel. La bondad está personificado en el papel de una anciana que adopta huérfanos, una especie de Juana de Arco de la Tercera Edad bordado por Lillian Gish, heroína del cine mudo reconvertida en una bondadosa dama caritativa.
La película está adornada por bellos efectos de cámara de Stanley Cortez. Ese riachuelo, esa barcaza en la que escapan los niños perseguidos por el hipócrita criminal. Son testigos conejos, ranas, tortugas que van apareciendo mientras en la lejanía se recorta la figura siniestra del Mal.
Laughton describe una sociedad enloquecida que primero adora al hipócrita predicador y después exige su linchamiento con ferocidad.
La noche del cazador es una película isla, ninguna otra se le parece. El fracaso comercial abortó la carrera de Laughton como director, hubiera sido más grande si la suerte hubiera sido más favorable. Pero la miopía fue más fuerte y su carrera se truncó.
Esa canción que canturrea el malvado predicador es amenazante y perversa hasta el fin. Nos encontramos ante una obra maestra incomprendida en su día pero posteriormente revalorizada.

En 1968 Robert Mitchum repite un personaje similar de predicador asesino en El póker de la muerte de Henry Hathaway.

OBRA MAESTRA DE WILDER

EL APARTAMENTO. Título original: The Apartment. Año: 1960. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Jack Lemmon (Calvin Clifford), Shirley MacLaine (Fran Kubelik), Fred MacMurray (Jeff D. Sheldrake), Ray Walston (Joe Dobisch), Jack Kruschen (Dr. Dreyfuss, vecino de Baxter), David Lewis (Al Kirkeby), Edie Adams (Srta. Olsen), Hope Holiday (Sra. Margie MacDougall), Joan Shawlee (Sylvia), Naomi Stevens (Sra. Mildred Dreyfuss). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Música: Adolph Deutsch. Fotografía: Joseph LaShelle (B&W). United Artists, The Mirisch Corporation. Distribuidora: United Artists. Duración: 125 minutos.

Ya hemos hablado de Billy Wilder (Sucha, Imperio austrohúngaro, hoy Polonia, 22 de junio de 1906-Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002), en otras crónicas de este Diario de Cine. Es uno de nuestros cineastas predilectos autor de grandes comedias y grandes dramas de una calidad insuperable. Comenzó a trabajar de guionista en la  Universum Film AG (UFA) en Berlin. Cuando Hitler subió al poder huyó de Alemania y se afincó en los Estados Unidos.
En Hollywood trabajó con Ernst Lubitsch, otra figura muy amada en este blog, que falleció prematuramente pero Wilder continuó trabajando y accedió a la dirección. Le ofrecieron una película de Stan Laurel y Oliver Hardy pero la rechazó. Su proyecto Un día en la ONU con los hermanos Marx se canceló por la muerte de Chico. Pero siguió adelante con una carrera repleta de éxitos.

Nuestro antihéroe (Jack Lemmon) trabaja como contable en una empresa de seguros, en una inmensa oficina con centenares de empleados pero vive en un apartamento minúsculo. En cierto modo es un esclavo moderno que debe humillarse ante sus vanidosos y usureros jefes a los que presta su hogar para que corran sus juergas con sus amiguitas. Mientras tanto debe pasear por las frías calles para regresar y descansar de la jornada laboral.
Este empleado se humilla cadaver más sufriendo toda clase de desprecios no sólo de sus jefes sino de las mismas mujeres. Un día se enamora de una ascensorista. Una mujer joven y bella pero de escasas luces. En realidad las «amiguitas» suelen ser cortas de intelecto. El guion es algo misógino en ese sentido. Las mujeres se engañan a si mismas y se enamoran de quien las manipula y desdeñan a quienes las aman de verdad. El poder las fascina.
La película se centra en un debate ético. ¿Vale la pena dejarse humillar para ascender en la empresa? Nos muestra el calvario de un hombre honrado en un mundo de corrupción siendo difamado sin remedio.
Jack Lemmon y Shirley McLaine bordan sus personajes. Billy Wilder los volvió a llamar tras años después con Irma la dulce, otra obra maestra. Wilder es muy mordaz con la explotación humana y la crueldad de nuestro sistema económico. Es crítico pero no renuncia al humor negro conque cuenta sus historias. El Apartmento fue propuesta como candidata a 10 premios Óscar y ganó cinco, incluyendo el de mejor película, mejor director y mejor guion original. Jack Lemmon y Shirley McLaine ganaron dos globos de oro por la gran calidad de sus trabajos en esta cinta.
Gran éxito de crítica y de público, actualmente está considerada roda una leyenda y un clásico del cine.

Jack Lemmon y Shirley McLaine repitieron pareja en Irma la dulce tres años después,

LA TROYA CLÁSICA

HELENA DE TROYA. Título original: Helen of Troy. Año: 1956. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Wise. Reparto: Rossana Podestà (Helena de Troya), Jacques Sernas (Paris), Sir Cedric Hardwicke (Priamo), Stanley Baker (Aquiles), Niall MacGinnis (Menelao), Robert Douglas (Agamemon), Nora Swinburne (Hécuba), Torin Thatcher (Ulises), Harry Andrews (Héctor), Ronald Lewis (Eneas), Brigitte Bardot (Andraste). Marc Lawrence (Diomedes, gobernante de Etolia), Maxwell Reed (Ajax, Príncipe de Salamina), Robert Brown (Polydorus), Barbara Cavan (Cora), Patricia Marmont (Andrómeda), Guido Notari (Néstor), Tonio Selwart (Alephous), George Zoritch (Cantante), Esmond Knight (Gran Sacerdote), Terence Longdon (Patroclo), Janette Scott (Casandra). Director segunda unidad: Sergio Leone. Guion: Hugh Gray, John Twist. Poemas: Homero. Música: Max Steiner. Fotografía: Harry Stradling Sr. Warner Bros. Duración: 118 minutos.

Odiseo (Ulises), Troya, Menelao están de moda por la película de Cristopher Nolan pero siempre hemos tenido a estos héroes y antihéroes en la pantalla grande y chica. Son personajes ya familiares para los cinéfilos de todo el mundo. La vida privada de Helena de Troya (1927) de Alexander Korda ya nos presentó a la bella esposa de Menelao raptada por París. Giovanni Pastrone y Luigi Romano Borgnetto habían rodado un mediometraje, La caida de Troya en 1911. En 1961 se estrenó La guerra de Troya con Steve Reeves en el papel de Eneas, papel que repitió en La leyenda de Eneas (1962) basadas en La Eneida de Virgilio.
En la película de  1961, Paris y Helena eran los villanos. Una pareja adúltera y traicionera. Cuatro años después se estrena la cinta que aquí comentamos bajo la batuta de Robert Wise, el futuro director de Sonrisas y lágrimas, con Sergio Leone como director de la segunda unidad. Aquí Paris y Helena son los héroes, una pareja romántica con final desafortunado.
En un papel secundario tenemos a la futura estrella Brigitte Bardot, pero encabeza el reparto Rossana Podestá, cuyo nombre real era Carla Dora Podestà (Trípoli, 20 de junio de 1934-Roma, 10 de diciembre de 2013), más cerca de Helena que las actrices que la encarnaron en los últimos años.
Dos años antes, Rossana fue Nausica en Ulises (1954) con Kirk Douglas. Era un rostro habitual en aquella época. Pero su fama se opaco enseguida y actualmente pocos la recuerdan, pero su presencia era muy grata. No fue una gran diva, pero cumplía con su labor.

La película de Wise fue realizada con amplitud de medios en los estudios italianos de Cinecitta. La anterior versión de Steve Reeves también tenía multitud de extras pero su realización era muy deficiente con actores inexpresivos con un resultado deplorable. En cambio esta adaptación, no siempre fiel, contaba con excelentes composiciones de los héroes griegos y troyanos.
Torin Thatcher compone un Ulises-Odiseo plausible. Lo vimos como villano en Simbad y la princesa (1958) de Ray Harryhausen, asimismo en varias películas de piratas y de fantasía. Stanley Baker fue un Aquiles con solera. Y además sale Brigitte Bardot en sus inicios. Jacques Sernas es un París algo exhibicionista. En cuanto a Rossana Podestá es una Helena más creíble que las recientes que nos ha dado el cine.
Wise compone buenos encuadres con un perfecto Cinemascope. El guion no omite a Casandra (Janette Scott) la visionaria en la que nadie cree. Acabó como esclava de Agamenón y fue asesinada con él por Clitemnestra, la hermana gemela de Helena.
La tragedia de Troya fue la codicia de Esparta y demás griegos que anhelaban sus tesoros y su destrucción por estar situada en un terreno privilegiado. Cerraba el Estrecho de los Dardanelos y exigian peajes a los barcos que pasaban por el mismo.
Las escenas de batallas están muy bien conseguidas aunque yo prefiero la bacanal de los Troyanos cuando entran al caballo de madera en su ciudad. En aquella época se rodaba bacanales gloriosas en los peplums de calidad. Un buen espectáculo realizado con buen pulso por Wise y su ayudante Sergio Leone.

La vida privada de Helena de Troya (1927) de Alexander Korda

La caida de Troya (1911)