DOBLE VERSIÓN

¿Qué serían Laurel y Hardy sin su eterno rival James Finlayson?

DE BOTE EN BOTE. Título original: Pardon Us. Año: 1931. País: Estados Unidos. Dirección: James Parrott. Reparto: Stan Laurel (Stan), Oliver Hardy (Ollie), Wilfred Lucas (Alcaide), June Marlowe (hija del alcaide), James Finlayson (maestro de escuela), Walter Long (El Tigre), Tiny Sandford (Shields, Prisión Guarda), Otto Fries (Dentista), Charlie Hall (Ayudante del dentista), Harry Bernard (funcionario de la prisión), Bob Kortman y Leo Willis (gangsters del Tigre). Guion: H.M. Walker. Música: Leroy Shield. Fotografía: Jack Stevens (B&W). Hal Roach Studios, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Productor: Hal Roach. Duración: 61 minutos.

DE BOTE EN BOTE. Título original: Los presidiarios. Año: 1931. País: Estados Unidos. Dirección: James Parrott. Reparto: Stan Laurel (Stanley ‘Stan’ Laurel), Oliver Hardy (Oliver ‘Ollie’ Hardy), Enrique Acosta (Alcaide), Walter Long (El Tigre), June Marlowe (hija del alcaide), Bobby Burns (paciente del dentista), Otto Hoffman (preso), Bob Kortman (preso), Alfonso Pedroza (Dentista), Tiny Sandford (Gutiérrez, guardia de la prisión). Guion: H.M. Walker. Hal Roach Studios. Duración: 61 minutos. Versión española de la anterior.

La pareja cómica Stan Laurel y Oliver Hardy aparecieron en los últimos años del cine mudo donde rodaron unos cortos sensacionales. Al llegar el sonoro no tuvieron problemas de adaptación al nuevo medio y continuaron rodando cortos geniales. Pero como otros cómicos como Buster Keaton y Charlie Chaplin se pasaron a los largometrajes con gran éxito, la pareja hizo lo mismo pero los resultados no fueron tan brillantes. No son malas películas pero sí obras menores. Nunca llegaron al nivel de El maquinista de la General o de La quimera del oro, ni de lejos. Eso sí son agradables de ver y respiran simpatía.
Otro problema adyacente fue que las películas se adaptaban a un sólo idioma, el inglés, por lo que perdían los públicos del extranjero. Así que Hollywood decidió volver a rodar sus películas en réplicas en otras lenguas. Stan Laurel y Oliver Hardy, como Buster Keaton, repitieron sus papeles en cintas multilingües tal vez porque eran irreemplazables y esos títulos con otros actores carecerían de sentido.
De bote en bote es el debut de Laurel y Hardy en el largometraje y fue rodada en varios idiomas pero aquí comentaremos  únicamente las versiones inglesa y española comentando sus diferencias.

De bote en bote es una comedia ambientada en las prisiones estadounidenses. Stan y Ollie destilan cerveza, entonces prohibida en aquel país, por lo que son enviados a una prisión con gente peligrosa como un gánster apodado El Tigre (Walter Long, el mejor villano de las cintas de esta pareja) que siempre intenta fugarse.
Walter Long fue un actor secundario de la época, famoso por ser el negro malo de El nacimiento de una nación. Oliver Hardy, con la cara tiznada de negro, canta Lazy Moon, canción compuesta por J. Rosamond Johnson (música) y Bob Cole (letra). Hardy era muy buen cantante y es lástima que utlizaron muy poco sus cualidades cantoras en sus películas.
La película en s í tiene un guión poco consistente, alguna escena divetida gracias al ingenio de Stan Laurel alma mater de la pareja. Visionadas las versiones inglesa y española una tras la otra podemos comprobar que tiene algunas diferencias. Parece ser que al rodar la versión hispana se intentó mejorar la obra original cambiando varias secuencias.
Por ejemplo se elimina la secuencia de la clase de James Finlayson que a mi gusto es muy mediocre, infantil y poco graciosa.
Por contra se añade un final distinto. En la versión inglesa Laurel y Hardy son indultados porque abortan un motin de los presos, quedando como traidores a sus compañeros. En la española salvan la vida de la hija del alcaide (June Marlowe) de un incendio accidental quedando como héroes. Añaden además una secuencia en la que ambos rompen con su pasado carcelario.
Aparte de oír hablando castellano a nuestros amados cómicos, la versión hispana es mucho más redonda que la inglesa,

Walter Huntley Long (5 de marzo de 1879-4 de julio de 1952) fue un actor cinematográfico de carácter de nacionalidad estadounidense. Nacido en Nashua (Nuevo Hampshire), se inició en el cine en la década de 1910. A lo largo de su carrera actuó en muchas películas de D. W. Griffith, destacando entre ellas El nacimiento de una nación (1915), en la que encarnaba a Gus, un afroestadounidense, con la cara maquillada de negro, e Intolerancia (1916).

BILLY WILDER EN ESTADO PURO

!QUÉ OCURRIÓ ENTRE TU PADRE Y MI MADRE¡ Título original: Avanti! Año: 1972. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Jack Lemmon (Wendell Armbruster, Jr.), Juliet Mills (Pamela Piggott), Clive Revill (Carlo Carlucci, el director del hotel), Edward Andrews (J. J. Blodgett, el diplomático estadounidense), Gianfranco Barra (Bruno, del personal de servicio del hotel), Pippo Franco (Matarazzo), Janet Agren (una de las enfermeras del barón). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Autor Teatro: Samuel Taylor. Música: Carlo Rustichelli. Fotografía: Luigi Kuveiller. Estados Unidos-Italia; Jalem Productions, The Mirisch Corporation, Phalanx Productions, Produzioni Europee Associati (PEA). Duración: 144 minutos.

Samuel Wilder, conocido como Billy Wilder (Sucha, Imperio austrohúngaro, 22 de junio de 1906-Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002), fue un director de cine, guionista y productor austriaco, seis veces ganador del Premio Óscar (uno como productor, dos como mejor director y tres como mejor guionista).  Junto con Ernst Lubitsch fue lo más granado de la comedia cinematográfica.
Nacido en el berlanguiano Imperio Astrohúngaro, de familia judía, se trasladaron a Berlín en donde comenzó trabajar en prensa y posteriormente en el cine como guionista. Trabajó con Lilian Harvey en el guion de El favorito de la guardia (1931) y Sueño dorado (1932), rodada en francés y alemán. La subida de Adolf Hitler al poder motivó su exilio primero en Francia y posteriormente a los Estados Unidos.
Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París, donde hizo su debut como director con Curvas peligrosas (1934), en Hollywood huyó junto al actor Peter Lorre, futuro villano de multitud de películas. Su primer éxito como guionista fue precisamente al escribir el guion de la obra de Ernst Lubitsch Ninotchka de 1939. En 1947 fallece este director dejando un incierto vacío en Hollywood.
Wilder debutó en la Ciudad de los Sueños como director en El mayor y la menor (1942), su leyenda acababa de nacer.

El título original de esta cinta es Avanti, quiere decir adelante en italiano. Esta romántica y delirante comedia está ambientada en una isla turística italiana. Un rico empresario (fabuloso Jack Lemmon) recibe la noticia de que su padre acaba de perecer en un accidente de coche. Naturalmente se desplaza a Italia para recoger el cadáver y llevarlo a su país cuando se lleva más de una sorpresa.
El fenecido patriarca tenía una amante inglesa que también falleció durante el accidente y su hija (estupenda Juliet Mills) coincide en el hotel para repatriar los restos de la madre. En medio está el metiche del director del hotel (genial Clive Revill) que roba la película llenando la pantalla con su aplomo y cortesía.
La historia de amor de los padres se repite con los hijos que acabarán repitiendo el romance de sus progenitores. Wilder desmitifica el puritanismo presbiteriano de los estadounidenses, arrogantes y orgullosos que van por la vida despreciando los demás pueblos del mundo.
La comedia es muy compacta, tiene un ritmo vrtiginoso y los personajes están bien trazados. El humor de Wilder está en su salsa, en su estado puro. Diálogos mordaces, réplicas sarcásticas. La cultura fría de los Estados Unidos es opacada por el calor sensual de la Medierránea. El personaje central de Jack Lemmon, muy antipático al principio, evoluciona y se vuelve humano. Juliet Mills respira atractivo a pesar de su complejo de mujer rechoncha.
Avanti es un canto a la vida, a las ganas de vivir y de gozar de los sentidos. Una de las muchas obras del autor de El apartamento y de Irma, la dulce.

Biilly Wilder y Jack Lemmon, su actor fetiche

LA CAÍDA DE NINIVE

7 RAYOS SOBRE BABILONIA. Título original: Le sette folgori di Assur. Año: 1962. País: Italia. Dirección: Silvio Amadio. Reparto: Howard Duff (Sardanápalo), Jocelyn Lane (Mirra), Stelio Candelli (Hammurabi), Luciano Marin (Shammash), Giancarlo Sbragia (Arbace), Arnoldo Foà (Zoroastro), José Greci (Crisia), Luigi Borghese (Belas), Nico Pepe (Namtar), Calisto Calisti (Adad). Guion: Gino De Santis, Diego Fabbri, Sergio Spina. Música: Angelo Francesco Lavagnino, Mario Nascimbene, Carlo Savina. Fotografía: Tino Santoni. Apo Film, Globe Film International. Duración: 88 minutos.

Hammurabi (1810 a.C./1750a.C.) fue el sexto rey de Babilonia (situada en el actual Irak), es famoso en la historia por haber  creado el Código de Hammurabi, un conjunto de leyes en las que fue pionero. Autor del ojo por ojo y diente por diente. La Ley del Talión. Para hacer acusaciones ante los tribunales había que presentar pruebas, si no se presentaban el acusador era castigado. Las leyes estaban esculpidas en un cilindro de piedra y en todas las poblaciones. Escritas en piedra han sobrevivido al paso del tiempo y se conservan en el Museo del Louvre de París (Francia).

Desde luego Hammurabi se merecía una mejor película que ésta donde tiene un papel muy secundario. 7 rayos sobre Babilonia (1962) es un peplum modesto encaminado a divertir al público un domingo o sábado por la tarde. Rigor histórico cero. Su público son los cines de barrio en donde va un público obrero que en aquel tiempo no tenía acceso a la cultura.
En el título original citan a Assur, otra ciudad de la época en el actual Irak, pero aquí lo cambian por Babilonia que nos suena más. El reparto y el director me son des babilonios, onocidos. Es una película hecha para divertir al público amante de las pipas de girasol y de beber cerveza durante la proyección.
Con todo, a pesar de su inexpresivo reparto, los malos, la ciudad de Ninive, opresora de los babilonios, sucumbe devorada por el fuego con todos sus habitantes que perecen alegremente en una orgía típica del peplum. Nada original, se deja ver sin enojo tal vez por su falta de pretensiones.

Hammurabi

Hammurabi y su famoso Código

LOS AÑOS DE LA LIBERTAD SEXUAL

BOB, CAROL, TED Y ALICE. Título original: Bob & Carol & Ted & Alice. Año: 1969. País: Estados Unidos. Dirección: Paul Mazursky. Reparto: Natalie Wood (Carol Sanders), Robert Culp (Bob Sanders), Elliott Gould (Ted Henderson), Dyan Cannon (Alice Henderson), Horst Ebersberg (Horst), Lee Bergere (Emilio), Donald F. Muhich (siquiatra), Noble Lee Holderread Jr. (Sean Sanders), K.T. Stevens (Phyllis), Celeste Yarnall (Susan), Lynn Borden (Cutter), Linda Burton (Stewardess), Greg Mullavy (Líder del grupo). Guion: Paul Mazursky, Larry Tucker. Música: Quincy Jones. Fotografía: Charles Lang. Coriander Productions, Francovich Productions. Duración: 104 minutos.

Los años sesenta y setenta fueron los años de la llamada liberación sexual. 1968 fue crucial, el Mayo francés y sus eslogans Prohibido prohibir fueron machacados por la gente que se consideraba progresista en aquel tiempo. En el cine se puso de moda el nudismo y los temas sexuales, mientras que en la actualidad sufrimos una terrible censura en las redes y le ponen pantalones largos a Lara Croft para evitar que sus fans tengan pensamientos concupiscenses.
Fue una explosión que pronto se apagó hasta llegar a una nueva época de prohibiciones y represión.
Pero en realidad ¿había tanta libertad? Yo lo dudo. Lo que sí había era mucho esnobismo, presumir de lo que no se es para ser lo contrario en su interior.
De Mayo del 68 quedaron el vago recuerdo de unos eslogans felices pero su espiritu está muerto. Si hasta me recriminan que escriba (y hable) en castellano por haber nacido accidentalmente en Cataluña.

Los personajes de Bob, Carol, Ted y Alice son como el Don Lope de Tristana de Luis Buñuel, un viejo hidalgo que presume de liberal y acaba tomando chocolate con los curas de su ciudad. Gente que quiere ser la más avanzada pero en realidad es profundamente conservadora. Gente que se engaña a sí misma.
El intercambio de parejas no lo inventó Mayo del 68 ni el movimiento hippie, existe desde el principio de los tiempos y existió durante el franquismo. No es ninguna novedad.
La libertad no es un regalo que te otorgan, es lo que tú te tomas porque te interesa y te conviene.
Paul Mazursky (Brooklyn, Nueva York, 25 de abril de 1930-Los Ángeles, California; 30 de junio de 2014) refleja las contradicciones de una burguesía presuntamente liberal. Carol (la maravillosa Natalie Wood, de quién me enamoré en mi adolescencia) presume de que su marido Bob (Robert Culp, actor de televisión) le ponga los cuernos ante la irritación de su pareja amiga. Al final Alice propone un intercambio de parejas pero finalmente se echan para atrás. Queda para la posterioridad la famosa foto del cuarteto en la cama.
Son gente vacía, aburrida. Gente que no sirve para nada y la libertad sexual queda como agua en borrajas.

Paul Mazursky

GRANDEZA Y MISERIA DE LA MGM

MARIDO POR ACCIDENTE. Título original: I Dood It. Año: 1943. País: Estados Unidos. Dirección: Vincente Minnelli. Reparto: Eleanor Powell (Constance Shaw), Red Skelton (Joseph Rivington Renolds), Lena Horne (Lena Horne), Richard Ainley (Larry West), Patricia Dane (Suretta Brenton), Sam Levene (Ed Jackson), Jimmy Dorsey (Jimmy Dorsey), Thurston Hall (Kenneth Lawlor), Hazel Scott (Hazel Scott), John Hodiak (Roy Hartwood), Butterfly McQueen (Annette), Charles Judels (Stage Manager), Lionel Braham (Mr. Gillingham), Tommy Dorsey (Tommy Dorsey). Guion: Sig Herzig, Fred Saidy. Música: Daniele Amfitheatrof, George Bassman, David Raksin, George Stoll. Fotografía: Ray June, Charles Rosher (B&W). Loew’s, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).Duración: 102 minutos.

Remake de El comparsa (1929) de Buster Keaton. La comparación entre ambas películas es odiosa. Keaton era un genio, Red Skelton no tenía ni la más mínima gracia. Se pasa toda la película realizando toda clase de tonterías, el pobrecito daba pena. Que un cómico tan mediocre haya disfrutado el grado de estrella en la Metro es todo un misterio. Desde luego la sección de comedia cómica de la marca del león debería ser declarada zona catastrófica. Menudos muermos nos endosaron. Menos mal que los hermanos Marx salvaron el honor con sus delirantes películas.

I Dood it es una obra menor en la filmografía del gran Vincente Minnelli que ha dado verdaderas joyas al cine musical:  Un americano en París, El pirata, Cita en San Luis, Brigadoon, Gigi, Melodías de Broadway 1955. Desgraciadamente aquí está al servicio de las presuntas gracias de Red Skelton que estropea todo el material que en su día bordó el gran Keaton.
Afortunadamente en el otro lado de la balanza tenemos a la legendaria Eleanor Powell y a la afroamericana Lena Horne con su voz prodigiosa. Tanto Lena como Eleanor se lucen en sus respectivos cometidos. Esta tiene al principio un número impresionante como cowgirl lanzando lazos de cuerda a un poste y tiene un final impresionante.
Eleanor Powell es todo un animal cinematográfico y salva la película del tedio. Su presencia llena la pantalla. Es por ella que vale la pena ver esta cinta porque las escenas musicales elevan la película al Olimpo cinematográfico.