UN CLÁSICO NMORTAL

PIGMALION. Título original: Pygmalion. Año: 1938. País: Reino Unido. Dirección: Anthony Asquith, Leslie Howard. Reparto: Leslie Howard (Profesor Henry Higgins), Wendy Hiller (Eliza Doolittle), Wilfrid Lawson (Alfred Doolittle), Marie Lohr (Mrs. Higgins), Scott Sunderland (Coronel Pickering), Jean Cadell (Mrs. Pearce), David Tree (Freddy Eynsford Hill), Everley Gregg (Mrs. Eynsford Hill). Guion: W.P. Lipscomb, Cecil Lewis, Ian Dalrymple, Anatole de Grunwald. Diálogos: Kay Walsh. Obra: George Bernard Shaw. Música: William Axt, Arthur Honegger. Fotografía: Harry Stradling Sr. (B&W). Pascal Film Productions. Duración: 95 minutos.

George Bernard Shaw (Dublín, 26 de julio de 1856-Ayot St. Lawrence, Hertfordshire, 2 de noviembre de 1950), conocido a petición del propio autor como Bernard Shaw, fue un dramaturgo, crítico y polemista irlandés de gran prestigio internacional. Entre su numerosa producción literaria tenemos la obra Pigmalión que más tarde se convirtió en un famoso musical, My Fair Lady que fue llevada al cine en 1964 por la Warner dirigida por George Cukor, con Rex Harrison y Audrey Herpburn como protagonistas.
Curiosamente Bernard Shaw triunfó escribiendo en inglés, el idioma de sus «opresores británicos».  Al principio de su obra, el profesor Higgins se lamenta de la pésima utilización de dicho idioma por parte de sus coetáneos. «Qué horror el irlandés y el escocés» clama. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1925 y en 1938 compartió el Óscar al mejor guion adaptado por la versión cinematográfica de Pigmalión, convirtiéndose en la primera persona en recibir el Premio Nobel y un Premio Óscar.
Entre 1968 y 1969 el actor Narciso Ibáñez Menta encarnó a Bernard Shaw en la serie El Premio, dirigida por su hijo Narciso Ibáñez Serrador. En dicho episodio el celebre escritor definía al reputado premio como «un salvavidas que te entregan cuando ya estás a flote«.

Instintivamente mucha gente, entre la que me incluyo, compara la versión musical de George Cukor con esta dirigida por el propio Leslie Howard (Forest Hill, Londres, 3 de abril de 1893-costa de Cedeira, La Coruña, 1 de junio de 1943) y Anthony Asquith. Howard esmás conocido por ser el Ashley Wilkes de Lo que el viento se llevó (1939) y La Pimpinela Escarlata (1934).
Leslie Howard murió el 1 de junio de 1943 cuando el avión en que regresaba desde Lisboa a Inglaterra, un Douglas DC-3 conocido como Ibis, en el vuelo 777 de la BOAC (British Overseas Airways Corporation), procedente de Madrid, fue supuestamente abatido por cinco aparatos alemanes a doscientas millas frente a la costa española de Cedeira, en La Coruña.
En Pigmalion trabaja también como codirector, en una producción británica más modesta que la superproducción de la Warner pero más rigurosa y creíble. El emparejamiento entre Higgins y Eliza Doolittle es más creíble por ejemplo. No hay tanta diferencia de edad.
Higgins apuesta con el coronel Pickering en hacer pasar por noble a una vulgar florista de Covent Garden que habla un horroroso cockney que hiere los oídos. Pero por el trato personal ocurre lo inesperado, se enamoran aunque no lo admiten hasta el final.
El profesor es un hombre adinerado pero no tanto como el de Hollywood donde todo brilla a lo grande.
¿Cual de llas dos versiones es mejor? Para gustos colores. Ambas tienen gran calidad cinematográfica. Los actores son excelentes, cosa normal en producciones británicas donde el nivel actor brilla a gran altura.
Años después en una producción de RTVE (Televisión Española), el 21 de febrero de 1979 emitió una honesta versión de Pigmalion con José María Rodero como Henry Higgins y la argentina Marilina Ross como la florista Eliza Doolittle.
Es una obra que siempre ha despertado el interés de los grandes actores británicos, españoles y de cualquier otra nacionalidad.

Narciso Ibáñez Menta como George Bernard Shaw

George Bernard Shaw

LA SONRISA DE VERA-ELLEN

AMOR EN CONSERVA. Título original: Love Happy. Año: 1949. País: Estados Unidos. Dirección: David Miller. Reparto: Harpo Marx (Harpo), Groucho Marx (Detective Sam Grunion), Chico Marx (Faustino el Grande), Vera-Ellen (Maggie Phillips), Ilona Massey (Madame Egelichi), Paul Valentine (Mike Johnson), Marion Hutton (Bunny Dolan), Leon Belasco (Mr. Lyons), Melville Cooper (Lefty Throckmorton), Raymond Burr (Alphonse Zoto), Bruce Gordon (Hannibal Zoto), Eric Blore (Mackinaw), Marilyn Monroe (cliente de Grunion), Otto Waldis (Ivan). Guion: Frank Tashlin, Mac Benoff. Argumento: Harpo Marx. Música: Ann Ronell. Fotografía: William C. Mellor (B&W). United Artists. Duración: 92 minutos.

En 1949 la carrera de los legendarios hermanos Marx estaban llegando a su fin por cuestiones de edad, cambio de gusto del público, y porque ya no trabajaban ni para la Metro Goldwyn Mayer ni para la Paramount que los encumbró. Groucho Marx debutó en solitario con Copacabana (1947) y Harpo Marx el falso mudo quiso hacer lo mismo y escribió el argumento de la película que nos ocupa.
Los productores impusieron la presencia de sus dos hermanos, Chico y Groucho, en cometidos menores. Fue la última vez que trabajaron juntos para el cine.  En su siguiente trabajo, Historia de la humanidad (1957),  no coincidían en pantalla, fue su único film en color.  The Incredible Jewel Robbery (1959) se rodó para televisión y contiene la última aparición de los hermanos en una película cerrando así su carrera.
Harpo intentó desprenderse de su personaje que le dio fama en Androcles y el león (1953) pero Howard Hugues, el nefasto productor, le expulsó al cabo de un par de semanas y lo sustituyó por el olvidado Alan Young, el protagonista de la serie Mister Ed, un caballo parlanchin.
Silent Panic (1960) nos presentó a Harpo en un papel distinto, un drama de un mimo sordomudo que presencia un asesinato y es perseguido por los criminales.
En Amor en conserva nos encontramos a actores que después se hicieron famosos,  Raymon Burr, futuro Perry Masone Ironside, y Bruce Gordon, Frank Nitty en la serie Los intocables. Y si para los Marx fue su final, para Vera-Ellen fue su principio.  Vera-Ellen (Norwood, Ohio, 16 de febrero de 1921 – Los Ángeles, California, 30 de agosto de 1981), registrada al nacer como Vera Ellen Westmeier Rohe, fue una actriz y bailarina estadounidense, conocida principalmente por sus colaboración cinematográfica en números de danza interpretados junto a Fred Astaire, Gene Kelly, Danny Kaye y Donald O’Connor.
En 1949, junto al film que comentamos, estrenó Un día en Nueva York (1949), la película que le lanzó a la fama. Otro rostro feliz en Amor en conserva es el de una auténtica leyenda, Marilyn Monroe, en sus inicios como actriz de cine. Entonces una desconocida. Vera-Ellen era bien agraciada pero anoréxica. Marilyn era hermosísima. Ambas fallecieron demasiado pronto. La primera por un cáncer de ovarios y la segunda por un misterioso suicidio, tan misterioso que levanta sospechas.

Amor en conserva es uno de los títulos menos agradecidos de los hermanos Marx pero es una película que se ve con mucho cariño por lo que estos cómicos representaron. Aquí quien lleva la voz cantante, aunque muda, es Harpo. Toda la trama gira a su alrededor. El paso del tiempo arrugó su alegre rostro pero conserva todo su encanto y su comicidad.
Chico tiene un papel más secundario y Groucho narra la trama y hace una pequeña aparición. Como en Copacabana aparece con un bigote postizo, no pintado. Posteriormente rodó un par de películas en solitario pero el éxito no era el mismo. Le faltaba fuerza e ingenio, tal vez entusiasmo por el cine.
Estamos lejos de Una noche en la Ópera y Sopa de ganso, pero es una orbita menor y entrañable. Lamentamos que se frustrara el proyecto de Billy Wilder que hubiera sido genial. Pero algo queda de los legendarios hermanos Marx en esta cinta. Para sus fans la vemos con simpatía y respeto. Es algo de agtadecer.

La gran Vera-Ellen a punto de triunfar con Un día en Nueva York con Gene Kelly.

DOBLE VERSIÓN

¿Qué serían Laurel y Hardy sin su eterno rival James Finlayson?

DE BOTE EN BOTE. Título original: Pardon Us. Año: 1931. País: Estados Unidos. Dirección: James Parrott. Reparto: Stan Laurel (Stan), Oliver Hardy (Ollie), Wilfred Lucas (Alcaide), June Marlowe (hija del alcaide), James Finlayson (maestro de escuela), Walter Long (El Tigre), Tiny Sandford (Shields, Prisión Guarda), Otto Fries (Dentista), Charlie Hall (Ayudante del dentista), Harry Bernard (funcionario de la prisión), Bob Kortman y Leo Willis (gangsters del Tigre). Guion: H.M. Walker. Música: Leroy Shield. Fotografía: Jack Stevens (B&W). Hal Roach Studios, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Productor: Hal Roach. Duración: 61 minutos.

DE BOTE EN BOTE. Título original: Los presidiarios. Año: 1931. País: Estados Unidos. Dirección: James Parrott. Reparto: Stan Laurel (Stanley ‘Stan’ Laurel), Oliver Hardy (Oliver ‘Ollie’ Hardy), Enrique Acosta (Alcaide), Walter Long (El Tigre), June Marlowe (hija del alcaide), Bobby Burns (paciente del dentista), Otto Hoffman (preso), Bob Kortman (preso), Alfonso Pedroza (Dentista), Tiny Sandford (Gutiérrez, guardia de la prisión). Guion: H.M. Walker. Hal Roach Studios. Duración: 61 minutos. Versión española de la anterior.

La pareja cómica Stan Laurel y Oliver Hardy aparecieron en los últimos años del cine mudo donde rodaron unos cortos sensacionales. Al llegar el sonoro no tuvieron problemas de adaptación al nuevo medio y continuaron rodando cortos geniales. Pero como otros cómicos como Buster Keaton y Charlie Chaplin se pasaron a los largometrajes con gran éxito, la pareja hizo lo mismo pero los resultados no fueron tan brillantes. No son malas películas pero sí obras menores. Nunca llegaron al nivel de El maquinista de la General o de La quimera del oro, ni de lejos. Eso sí son agradables de ver y respiran simpatía.
Otro problema adyacente fue que las películas se adaptaban a un sólo idioma, el inglés, por lo que perdían los públicos del extranjero. Así que Hollywood decidió volver a rodar sus películas en réplicas en otras lenguas. Stan Laurel y Oliver Hardy, como Buster Keaton, repitieron sus papeles en cintas multilingües tal vez porque eran irreemplazables y esos títulos con otros actores carecerían de sentido.
De bote en bote es el debut de Laurel y Hardy en el largometraje y fue rodada en varios idiomas pero aquí comentaremos  únicamente las versiones inglesa y española comentando sus diferencias.

De bote en bote es una comedia ambientada en las prisiones estadounidenses. Stan y Ollie destilan cerveza, entonces prohibida en aquel país, por lo que son enviados a una prisión con gente peligrosa como un gánster apodado El Tigre (Walter Long, el mejor villano de las cintas de esta pareja) que siempre intenta fugarse.
Walter Long fue un actor secundario de la época, famoso por ser el negro malo de El nacimiento de una nación. Oliver Hardy, con la cara tiznada de negro, canta Lazy Moon, canción compuesta por J. Rosamond Johnson (música) y Bob Cole (letra). Hardy era muy buen cantante y es lástima que utlizaron muy poco sus cualidades cantoras en sus películas.
La película en s í tiene un guión poco consistente, alguna escena divetida gracias al ingenio de Stan Laurel alma mater de la pareja. Visionadas las versiones inglesa y española una tras la otra podemos comprobar que tiene algunas diferencias. Parece ser que al rodar la versión hispana se intentó mejorar la obra original cambiando varias secuencias.
Por ejemplo se elimina la secuencia de la clase de James Finlayson que a mi gusto es muy mediocre, infantil y poco graciosa.
Por contra se añade un final distinto. En la versión inglesa Laurel y Hardy son indultados porque abortan un motin de los presos, quedando como traidores a sus compañeros. En la española salvan la vida de la hija del alcaide (June Marlowe) de un incendio accidental quedando como héroes. Añaden además una secuencia en la que ambos rompen con su pasado carcelario.
Aparte de oír hablando castellano a nuestros amados cómicos, la versión hispana es mucho más redonda que la inglesa,

Walter Huntley Long (5 de marzo de 1879-4 de julio de 1952) fue un actor cinematográfico de carácter de nacionalidad estadounidense. Nacido en Nashua (Nuevo Hampshire), se inició en el cine en la década de 1910. A lo largo de su carrera actuó en muchas películas de D. W. Griffith, destacando entre ellas El nacimiento de una nación (1915), en la que encarnaba a Gus, un afroestadounidense, con la cara maquillada de negro, e Intolerancia (1916).

Erskine Johnson’s Hollywood Reel (1952) un documental en color fue la última aparición de Stan Laurel en una película actualmente olvidada.

BILLY WILDER EN ESTADO PURO

!QUÉ OCURRIÓ ENTRE TU PADRE Y MI MADRE¡ Título original: Avanti! Año: 1972. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Jack Lemmon (Wendell Armbruster, Jr.), Juliet Mills (Pamela Piggott), Clive Revill (Carlo Carlucci, el director del hotel), Edward Andrews (J. J. Blodgett, el diplomático estadounidense), Gianfranco Barra (Bruno, del personal de servicio del hotel), Pippo Franco (Matarazzo), Janet Agren (una de las enfermeras del barón). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Autor Teatro: Samuel Taylor. Música: Carlo Rustichelli. Fotografía: Luigi Kuveiller. Estados Unidos-Italia; Jalem Productions, The Mirisch Corporation, Phalanx Productions, Produzioni Europee Associati (PEA). Duración: 144 minutos.

Samuel Wilder, conocido como Billy Wilder (Sucha, Imperio austrohúngaro, 22 de junio de 1906-Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002), fue un director de cine, guionista y productor austriaco, seis veces ganador del Premio Óscar (uno como productor, dos como mejor director y tres como mejor guionista).  Junto con Ernst Lubitsch fue lo más granado de la comedia cinematográfica.
Nacido en el berlanguiano Imperio Astrohúngaro, de familia judía, se trasladaron a Berlín en donde comenzó trabajar en prensa y posteriormente en el cine como guionista. Trabajó con Lilian Harvey en el guion de El favorito de la guardia (1931) y Sueño dorado (1932), rodada en francés y alemán. La subida de Adolf Hitler al poder motivó su exilio primero en Francia y posteriormente a los Estados Unidos.
Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París, donde hizo su debut como director con Curvas peligrosas (1934), en Hollywood huyó junto al actor Peter Lorre, futuro villano de multitud de películas. Su primer éxito como guionista fue precisamente al escribir el guion de la obra de Ernst Lubitsch Ninotchka de 1939. En 1947 fallece este director dejando un incierto vacío en Hollywood.
Wilder debutó en la Ciudad de los Sueños como director en El mayor y la menor (1942), su leyenda acababa de nacer.

El título original de esta cinta es Avanti, quiere decir adelante en italiano. Esta romántica y delirante comedia está ambientada en una isla turística italiana. Un rico empresario (fabuloso Jack Lemmon) recibe la noticia de que su padre acaba de perecer en un accidente de coche. Naturalmente se desplaza a Italia para recoger el cadáver y llevarlo a su país cuando se lleva más de una sorpresa.
El fenecido patriarca tenía una amante inglesa que también falleció durante el accidente y su hija (estupenda Juliet Mills) coincide en el hotel para repatriar los restos de la madre. En medio está el metiche del director del hotel (genial Clive Revill) que roba la película llenando la pantalla con su aplomo y cortesía.
La historia de amor de los padres se repite con los hijos que acabarán repitiendo el romance de sus progenitores. Wilder desmitifica el puritanismo presbiteriano de los estadounidenses, arrogantes y orgullosos que van por la vida despreciando los demás pueblos del mundo.
La comedia es muy compacta, tiene un ritmo vrtiginoso y los personajes están bien trazados. El humor de Wilder está en su salsa, en su estado puro. Diálogos mordaces, réplicas sarcásticas. La cultura fría de los Estados Unidos es opacada por el calor sensual de la Medierránea. El personaje central de Jack Lemmon, muy antipático al principio, evoluciona y se vuelve humano. Juliet Mills respira atractivo a pesar de su complejo de mujer rechoncha.
Avanti es un canto a la vida, a las ganas de vivir y de gozar de los sentidos. Una de las muchas obras del autor de El apartamento y de Irma, la dulce.

Biilly Wilder y Jack Lemmon, su actor fetiche

LA CAÍDA DE NINIVE

7 RAYOS SOBRE BABILONIA. Título original: Le sette folgori di Assur. Año: 1962. País: Italia. Dirección: Silvio Amadio. Reparto: Howard Duff (Sardanápalo), Jocelyn Lane (Mirra), Stelio Candelli (Hammurabi), Luciano Marin (Shammash), Giancarlo Sbragia (Arbace), Arnoldo Foà (Zoroastro), José Greci (Crisia), Luigi Borghese (Belas), Nico Pepe (Namtar), Calisto Calisti (Adad). Guion: Gino De Santis, Diego Fabbri, Sergio Spina. Música: Angelo Francesco Lavagnino, Mario Nascimbene, Carlo Savina. Fotografía: Tino Santoni. Apo Film, Globe Film International. Duración: 88 minutos.

Hammurabi (1810 a.C./1750a.C.) fue el sexto rey de Babilonia (situada en el actual Irak), es famoso en la historia por haber  creado el Código de Hammurabi, un conjunto de leyes en las que fue pionero. Autor del ojo por ojo y diente por diente. La Ley del Talión. Para hacer acusaciones ante los tribunales había que presentar pruebas, si no se presentaban el acusador era castigado. Las leyes estaban esculpidas en un cilindro de piedra y en todas las poblaciones. Escritas en piedra han sobrevivido al paso del tiempo y se conservan en el Museo del Louvre de París (Francia).

Desde luego Hammurabi se merecía una mejor película que ésta donde tiene un papel muy secundario. 7 rayos sobre Babilonia (1962) es un peplum modesto encaminado a divertir al público un domingo o sábado por la tarde. Rigor histórico cero. Su público son los cines de barrio en donde va un público obrero que en aquel tiempo no tenía acceso a la cultura.
En el título original citan a Assur, otra ciudad de la época en el actual Irak, pero aquí lo cambian por Babilonia que nos suena más. El reparto y el director me son des babilonios, onocidos. Es una película hecha para divertir al público amante de las pipas de girasol y de beber cerveza durante la proyección.
Con todo, a pesar de su inexpresivo reparto, los malos, la ciudad de Ninive, opresora de los babilonios, sucumbe devorada por el fuego con todos sus habitantes que perecen alegremente en una orgía típica del peplum. Nada original, se deja ver sin enojo tal vez por su falta de pretensiones.

Hammurabi

Hammurabi y su famoso Código