EL FANTÁSTICO ESPAÑOL

LA RESIDENCIA. Título original: La residencia. Año: 1969. País: España. Dirección: Narciso Ibáñez Serrador. Reparto: Lili Palmer (Madame Fourneau), Cristina Galbó (Teresa), John Moulder-Brown (Luis), Maribel Martín (Isabel), Mary Maude (Irene), Cándida Losada (Mademoiselle Desprez), Tomás Blanco (Pedro Baldie), Víctor Israel (Brechard), Teresa Hurtado (Andrea), María José Valero (Elena), Conchita Paredes (Susana), Ana María Mol (Claudia), María del Carmen Duque (Julia), Paloma Pagés (Cecilia), María Elena Arpón (Alumna). Guion: Narciso Ibáñez Serrador. Historia: Juan Tébar. Música: Waldo de los Ríos. Fotografía: Manuel Berenguer. Anabel Films. Duración: 98 minutos.

Ya hemos hablado de Narciso Ibáñez Serrador en Diario de Cine. La residencia fue su primer largometraje como director para cine, pero antes en Argentina había rodado películas como actor y guionista,  Obras maestras del terror (1960), basada en una serie de terror para la televisión del país de los gauchos, protagonizada por su padre, el glorioso maestro Narciso Ibáñez Menta,  y Todo el año es Navidad (1960) junto a su madre Pepita Serrador.
Emigró a España y volvió rodar series de televisión y concursos. Hizo muy pocas películas. Historias de la frivolidad (1967) y El televisor (1974). A lo publicado anteriormente nos remitimos.
En el reparto está en papel secundario el gran Víctor Israel (Josep Maria Soler Vilanova) (Puigreig, Barcelona, 13 de junio de 1929 – Barcelona, 19 de septiembre de 2009). Tenemos a Cristina Galbó (Madrid, 17 de enero de 1950) a la que no vemos hace mucho tiempo en las pantallas y como protagonista a la polifacética Lilli Palmer (Poznań, 24 de mayo de 1914 – Westwood, 27 de enero de 1986), una actriz que ha hecho de todo en cine.
Exteriores rodados en el Palacio de Sobrellano de Comillas (Cantabria) e interiores en el plató contiguo de Carola de día, Carola de noche (1969) en donde Narciso Ibáñez Serrador hace un pequeño cameo.

La residencia, una película perjudicada por la censura franquista de la época,  gira alrededor de una residencia de chicas un tanto difíciles. La residencia es un lugar siniestro como todas las residencias sean de muchachas, de muchachos o de ancianos Un lugar similar a la cárcel doce la libertad está restringida. La acción está ubicada en Francia, en una época antigua, finales del siglo XIX más o menos. Las chicas no pueden salir con chicos, pero tienen escarceos fugaces con un leñador que suministra leña a ese siniestro lugar.
La directora trata a las chicas con mano dura, las hace sufrir mucho. La película está muy bien dirigida. Basada en un relato de Juan Tébar (Ceremonia sangrienta, La saga de los Drácula), especialista en temas fantásticos y terroríficos. Nos encontramos con una cinta gótica con caserón siniestro y rígidos modales. Teresa, la chica protagonista, es hija de una cabaretera y por eso es humillada por parte de otras chicas residentes.
Ibáñez Serrador más que mostrar brutalidad la sugiere. Los efectos están muy bien calculados. Todo al milímetro como en los filmes de su maestro Alfred Hitchcock. Es un relato realizado con rigor y eficiencia.
La censura por ejemplo no permitió que las chicas se ducharan desnudas, se duchan con un absurdo camisón. Recuerdan los viejos internados franquistas y los colegios de curas y monjas de castidad forzada.
Lilli Palmer protagoniza la cinta con total autoridad, Cristina Galbó cumple con entusiasmo en su papel de chica desorientada. El guion trae varias sorpresas desagradables en el buen sentido. La residencia es un clásico del cine de terror español. Un suspenso bien calculado y adulto. Una película española que interesa en todo el mundo.

En 1981 Narciso Ibáñez Serrador y Narciso Ibáñez Menta fueron jurados de la segunda edición  de Imagfic en el cine Princesa. Nos conocimos en este lugar, meses después debuté como asesor cinematográfico en Mis terrores favoritos. 

EL NEGOCIO DEL CRIMEN

SIN CONCIENCIA. Título original: The Enforcer (Murder, Inc.). Año: 1951. País: Estados Unidos. Dirección: Bretaigne Windust, Raoul Walsh. Reparto: Humphrey Bogart (Martin Ferguson), Zero Mostel (Big Babe Lazick), Ted de Corsia (Joseph Rico), Everett Sloane (Albert Mendoza), Roy Roberts (Capt. Frank Nelson), Michael Tolan (Duke Malloy), King Donovan (Sgt. Whitlow), Bob Steele (Herman), Adelaide Klein (Olga Kirshen), Don Beddoe (Thomas O’Hara), Tito Vuolo (Tony Vetto), John Kellogg (Vince), Jack Lambert (Philadelphia Tom Zaca). Guion: Martin Rackin. Música: David Buttolph. Fotografía: Robert Burks (B&W). United States Pictures. Warner Bros. Duración: 87 minutos.

Nos encontramos ante una película de cine negro muy poco conocida pero no carente de interés protagonizada por el gran Humphrey Bogart (Nueva York, 25 de diciembre de 1899-Los Ángeles, 14 de enero de 1957), una de las más sólidas leyendas del cine mundial.  El protagonista de El halcón maltés (1941), Casablanca (1942), Pasaje para Marsella (1944), Tener y no tener (1944), La senda tenebrosa (1947), El tesoro de Sierra Madre (1948), Cabo Largo (1948), La reina de África (1951), El cuarto poder (1952), El motín del Caine (1954), Sabrina (1954), La condesa descalza (1954), La mano izquierda de Dios (1955), Horas desesperadas (1955), Más dura será la caída (1956)… Curiosamente es la primera vez que aparece en este blog cinéfilo, aunque sí salió en la web Diario de Cine. Error imperdonable.
Como secundario tenemos a Zero Mostel  (28 de febrero de 1915 – 8 de septiembre de 1977) a quien conocemos por Golfus de Roma (1966),  Los productores (1968) y El testaferro (1976),  En esta última se relata la persecución de ciertos cineastas por parte del senador Joseph Raymond McCarthy que combatió el comunismo apartando a los profesionales de dicha ideología.
La película la firma el poco conocido Bretaigne Windust, director de telefilmes, pero en realidad el verdadero director fue Raoul Walsh (Albert Edward Walsh, Nueva York, 11 de marzo de 1887-Simi Valley, de California, 31 de diciembre de 1980), uno de los grandes de Hollywood.  Empezó en el cine mudo, fue ayudante de dirección de David Wark Griffith en El nacimiento de una nación (1915), interpretando además a John Wilkes Booth, el asesino de Abraham Lincoln. Tras debutar con un corto y un documental sobre Pancho Villa rodó El ladrón de Bagdad (1924) con Douglas Fairbanks. En Diario de Cine tenemos un escrito a él dedicado, buscadlo aquí. 

Sin conciencia pese a ser una película poco conocida es una obra maestra del cine negro con una gran actuación de Humphrey Bogart. Su argumento gira alrededor de una organización de asesinos a sueldo. Si se comete un asesinato, la policía enseguida sospecha de la gente de su entorno como familiares, amigos, trabajadores. Gente a quienes les interesa la desaparición del sujeto asesinado. Por eso el teniente Colombo (Peter Falk) siempre triunfa en su serie de televisión. El personaje más cercano suele ser el criminal, quien se beneficia de su muerte.
Pero si el asesino es un extraño al que nadie conoce es mucho más difícil probar la autoría del crimen aunque en caso de descubrirse quien ha pagado es también inculpado por el crimen.
La película de Raoul Walsh gira alrededor de una investigación de un fiscal del distrito. Se produce un crimen y por los indicios van descubriendo los culpables y los cómplices. Para llevar al jefe de una organización criminal a la silla eléctrica necesitan pruebas, testigos, pero éstos desaparecen asesinados también. Es muy difícil aclarar tan macabro asunto.
Naturalmente el fiscal se saldrá con la suya.El Código Hays no permitiría que un criminal se salga con la suya.
Esta cinta conserva su suspenso hasta el último fotograma. Algunos giros de guion son oportunos. Crímenes forzados, traiciones, maldad absoluta. La organización paga abogados, policías corruptos, a las esposas en caso de que un criminal sea detenido o muerto. Funciona como una mafia.
El argumento está basado en hechos reales, no inventados por el guionista ni el autor de la novela que lo inspiró. Es pura realidad. Cine negro en estado puro.

MI MADELEINE

FALSA SEDUCCIÓN. Título original: Unlawful Entry. Año: 1992. País: Estados Unidos. Dirección: Jonathan Kaplan. Reparto: Madeleine Stowe (Karen Carr), Kurt Russell (Michael Carr), Ray Liotta (Oficial Pete Davis), Roger E. Mosley (Oficial Roy Cole), Ken Lerner (Roger Graham), Deborah Offner (Penny, amiga de Karen), Carmen Argenzian (Jerome Lurie), Andy Romano (Capitán Russell Hayes). Guion: Lewis Colick. Música: James Horner. Fotografía: Jamie Anderson. 20th Century Fox. Duración: 111 minutos.

Todos tenemos nuestras musas o nuestros musos. La carne es (afortunadamente) débil. Una de mis debilidades es Madeleine Stowe, qué le vamos hacer. Madeleine ya tiene una entrada para ella sola y a ella me remito.
Jonathan Kaplan (París, 25 de noviembre de 1947 – Los Ángeles, California, 1 de agosto de 2025) tuvo una carrera correcta. Sus películas se pueden ver. No es un genio del cine ni mucho menos pero tampoco un bodriero que los hay y en demasía. Su cine es normal, no molesta.
Tenemos además dos buenos actores al frente del reparto, Kurt Russell (Springfield, Massachusetts, 17 de marzo de 1951) y Ray Liotta (Newark, Nueva Jersey, 18 de diciembre de 1954 – Santo Domingo, 26 de mayo de 2022), muy eficaces los dos. Son dos profesionales estadounidenses que cumplieron siempre con sus papeles. La película de la que hablamos es entretenida y cumple con llenar una hora y media. No es una obra maestra pero tampoco un bodrio.

Falsa seducción es un thriller de suspenso. Muy previsible y con escaso relieve. Jonathan Kaplan no es Alfred Hitchcock, ni Roger Corman, ni Brian DePalma, directores de gran personalidad. La película cumple con su cometido de entretener pero nada más. Es muy discreta.
Madeleine Stowe está espléndida, como siempre. Es una gozada verla en el papel de una mujer acosada por un amante no deseado. Los dos compañeros están perfectos en sus respectivos papeles, el marido acosado y el policía acosador. Ray Liotta es un perfecto villano.
La película avanza de forma muy tradicional. Una casa muy lujosa como ocurre en el cine estadounidense. Típico producto de la fábrica de sueños. La producción quiere dar buena imagen. Los actores muy bien vestidos y las escenas de sexo son elegantes. Los críticos llaman a esas películas «películas macarena» porque siempre repiten las mismas estrofas. Siempre es lo mismo. Clichés repetidos hasta la saciedad. Nada te sorprende. Es un cine hecho para públicos domingueros que van al cine los domingos para pasar el rato y divertirse. A mí me parece bien, vivimos cuatro días… no vale la pena amargarse la vida con problemas innecesarios.

POE Y CORMAN

EL PÉNDULO DE LA MUERTE. Título original: The Pit and the Pendulum. Año: 1961. País: Estados Unidos. Dirección: Roger Corman. Reparto: Vincent Price (Nicholas Medina), John Kerr (Francis Barnard), Barbara Steele (Elisabeth Barnard Medina), Luana Anders (Catherine Medina), Antony Carbone (Dr. Charles León), Patrick Westwood (Maximilian), Lynn Bernay (Maria), Larry Turner (Nicholas de niño), Mary Menzies (Isabella), Charles Victor (Bartolmé). Guion: Richard Matheson. Historia: Edgar Allan Poe. Música: Les Baxter. Fotografía: Floyd Crosby. Alta Vista Productions. Distribuidora: American International Productions. Duración: 85 minutos.

Roger Corman (Detroit, Míchigan, Estados Unidos; 5 de abril de 1926 – Santa Mónica, California, Estados Unidos; 9 de mayo de 2024), rey de la serie B, rodó una serie de películas inspiradas en Edgar Allan Poe (Boston, 19 de enero de 1809-Baltimore, 7 de octubre de 1849). Presupuestos muy bajos, rodajes rápidos, repetición de escenas en varias películas pero sobretodo mucho talento.
Estas películas son: La caída de la casa Usher (1960), basada en el cuento homónimo, adaptada por Richard Matheson. El péndulo de la muerte (1961), inspirada en El pozo y el péndulo. La obsesión (1962), centrada en el terror a ser sepultado en vida. Historias de terror (1962), antología que adapta tres relatos: Morella, El gato negro (combinado con El barril de amontillado) y El caso del señor Valdemar. El cuervo (1963), una versión más libre y con toques de comedia y fantasía junto a Peter Lorre y Boris Karloff. El palacio de los espíritus (1963), adaptación de El caso de Charles Dexter Ward de H.P. Lovecraft. La máscara de la muerte roja (1964) incorpora elementos de Hop-Frog. La tumba de Ligeia (1964). la última película del ciclo, filmada en exteriores reales en Inglaterra.
Generalmente el protagonista es Vincent Price. Un actor todoterreno. Aparte de sus películas de terror fue el cardenal Richelieu en Los tres mosqueteros (1948), versión de George Sidney con Gene Kelly, y el malvado capataz de Los diez mandamientos (1956) de Cecil B. DeMille.

El péndulo de la muerte demuestra que con poco dinero se puede hacer una película. Un castillo sobre un acantilado de noche, olas que chocan contra las rocas, decorados decadentes, colores chillones y el desmesurado Vincent Price al frente. Como pareja la inigualable musa Barbara Steele, tras rodar La máscara del demonio, película que la convirtió en mito del fantástico.
La película está ambientada en la España medieval, en un castillo solitario y desvencijado donde acaba de fallecer (se supone) la mujer del noble castellano. Nicholas Media (Vincent Price) llora la muerte de su amada a la que echa mucho de menos. Un hermano de la finada (John Kerr), inglés, visita el castillo para averiguar las circunstancias de la muerte de su hermana. El castillo tiene numerosos misterios. El propietario era hijo de un terrible inquisidor con numerosos instrumentos de tortura en su vivienda.
La atmósfera es malsana. El propietario está completamente desquiciado, un papel que le sienta como un guante a Price. Pero el argumento da algunas vueltas y nada es como se pensaba.
El guion del novelista Richard Mathenson es delirante, morboso y fatídico. La atmósfera terrorífica está muy bien lograda. Roger Corman es un maestro de la atmósfera y del delirio visual. Es de la raza de excelentes artesanos del cine que dio alternativas a futuros genios del cine. Excelente director, excelente productor.
La decoración es rigurosa, así como su puesta en escena. Barbara Steele es genial como villana, una mujer que respira maldad por los cuatro costados. El amor traicionero del atormentado (falso) viudo.
La escena que da título a la película, un péndulo que desciende del techo con un hacha afilado como badajo es angustiante. Ya no hay cineastas así, como Corman o como Mario Bava, Juan Piquer, Narciso Ibáñez Serrador, Narciso Ibáñez Menta. Los echamos mucho de menos.

Vincent Price repitió la secuencia del péndulo mortífero en Doctor G. y su máquina de bikinis (1965) de Norman Taurog, con Frankie Avalon para la misma productora, American International Productions.

LOS HORRORES DE LA GUERRA

TODOS A CASA. Título original: Tutti a casa. Año: 1960. País: Italia. Dirección: Luigi Comencini. Reparto: Alberto Sordi (Alberto Innocenzi), Eduardo De Filippo (Señor Innocenzi), Serge Reggiani (Asunto Ceccarelli), Martín Balsam (Quintino Fornaciari), Nino Castelnuovo (Codegato), Carla Gravina (Silvia Moderna), Didi Perego (Caterina Brisigoni). Guion: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luigi Comencini, Marcello Fondato. Música: Angelo Francesco Lavagnino. Fotografía: Carlo Carlini (B&W). Dino de Laurentiis Cinematographica. Duración: 105 minutos.

Luigi Comencini (Saló, 8 de junio de 1916 – Roma, 6 de abril de 2007) es uno de los padres de la comedia italiana que llenaron los cines en los años cincuenta y sesenta.  Alcanzó la fama con Pan, amor y fantasía de 1953, interpretado por Vittorio De Sica y Gina Lollobrigida; pues obtuvo el Oso de Plata del Festival de cine de Berlín de 1954. Se trata de una comedia rural de costumbres que tuvo sus secuelas en Pan, amor y celos (1954), también dirigida por Comencini, y Pan, amor y… (1955) y Pan, amor y Andalucía (1958) con Carmen Sevilla. En su larga filmografía nos encontramos con El camarada Don Camilo (1965) con Fernandel, El incomprendido (1966), Las aventuras de Pinocho (1972) (Miniserie TV), acabando con el remake de Marcellino pane e vino (1992). Era un todo terreno con una habilidad extraordinaria.
Alberto Sordi (Roma, 15 de junio de 1920 – Roma, 24 de febrero de 2003) fue un peso pesado del cine italiano, actor, director y guionista. Uno de los más famosos comediantes que llenaba las salas y hacía gala de un gran sentido del humor. Fue la voz italiana de Oliver Hardy hasta 1951. Tras trabajar de extra y actor secundario, Sordi entre 1952 y 1955 alcanza el estrellato dentro del mundo del cine, con dos películas de Federico Fellini: El jeque blanco (1952) y Los inútiles (1953). Luego seguirán otras tres películas dirigidas por Steno: Un día en el juzgado (1953), Un americano en Roma (1954) y Piccola posta (1955), su carrera prosigue con La Gran Guerra (1959) con Vittorio Gassman y Silvana Mangano, El alcalde, el guardia y la jirafita (1960), El juicio universal (1961) de Vittorio de Sica, Aquellos chalados en sus locos cacharros (1965) de Ken Annakin, Los complejos (1965) de Dino Risi, uno de sus mejores papeles, El médico de la mutua (1968). Luego se puso a dirigir. Se convirtió en uno de los rostros más célebres del cine italiano en todo el mundo.

El 8 de septiembre de 1943, Italia se rinde y firma un armisticio con los Aliados. Entre el 27 y el 28 de abril de 1945 Benito Mussolini y su amante Clara Petacci fueron arrestados y ejecutados siendo colgados boca abajo en la Plaza Loreto de Milán. El pueblo que un día les siguió les dio la espalda cambiando de bando.
Entre las filas italianas los soldados comenzaron a desertar y a volver a sus hogares. Fue toda una desbandada, un caos. Todos a casa nos habla de dicho caos con humor y con tragedia.
Las guerras son siempre malas y en ellas todos pierden. En la película de Comencini se defiende el pacifismo. Me parece loable. Tal vez haría una salvedad, las tropas alemanas también deseaban volver a sus casas porque no hicieron la guerra por gusto sino porque les obligaron.
Comencini nos cuenta una odisea de unos soldados que desean regresar a sus casas viviendo mil peligros. Pero es difícil escapar de una guerra. En la Segunda Guerra Mundial en Italia estaban los fascistas y también los antifascistas. Había esclavitud, reclutamiento forzoso, trabajos forzados y mucha miseria, mucha hambre y terror.
Los protagonistas son antihéroes. No héroes como los que sacan en el cine de Hollywood, seres deseosos de luchar, de matar y de morir en una contienda. En esta cinta los personajes sólo desean vivir su vida en paz y en tranquilidad pero las circunstancias se lo impiden. Se encuentran con fanáticos y emboscados que sólo traen la muerte. La paz es imposible. Al final el protagonista abandona su postura y se enfrenta con la realidad. No le queda ninguna alternativa.
Un buen reparto con actores magistrales. Alberto Sordi se luce en un papel con todas sus contradicciones. Es un hombre noble que vive malas circunstancias.
Todos a casa es una tragicomedia dura con momentos felices y otros más duros. El cine italiano no tiene el glamour de Hollywood pero es mucho más real. Por eso conectaba con el público obteniendo importantes éxitos como la presente obra.

LA CAZA DEL HOMBRE

EL MALVADO ZAROFF. Título original: The Most Dangerous Game. Año: 1932. País: Estados Unidos. Dirección: Irving Pichel, Ernest B. Schoedsack. Reparto: Joel McCrea (Robert «Bob» Rainsford), Fay Wray (Eve Trowbridge), Leslie Banks (Conde Zaroff), Robert Armstrong (Martin Trowbridge), Noble Johnson (Ivan), Steve Clemente (Tártaro), Dutch Hendrian (Mayordomo), William B. Davidson (Capitán). Guion: James Ashmore Creelman. Historia: Richard Connell. Música: Max Steiner. Fotografía: Henry Gerrard (B&W). RKO Radio Pictures. Duración: 63 minutos.

El malvado Zaroff está realizada y producida por el mismo equipo que un año después crearía su obra maestra, King Kong (1933), no es tan popular si cabe pero no por ello menos interesante. Nos cuenta una historia macabra de un ser perverso, loco, demente, que se dedica a cazar seres humanos como si fueran presas. Vive en una isla muy parecida a la del film con el gorila gigante y es mucho más inquietante.
El galán es Joel McCrea (5 de noviembre de 1905 – 20 de octubre de 1990) que adquirió fama en sus westerns aunque también protagonizó la excelente Los viajes de Sullivan (1941), de Preston Sturges que ya comenté y tal vez su mejor western sea Duelo en la alta sierra (1962) del gran Sam Peckinpah. También trabajó con Cecil B. DeMille y Alfred Hitchcock, directores muy amados por este Diario de Cine.
La chica es Fay Wray  (Alberta, 15 de septiembre de 1907 – Nueva York, 8 de agosto de 2004) que un año después triunfaría en King Kong con el pelo teñido de rubio.
El villano es Leslie Banks (9 de junio de 1890 – 21 de abril de 1952) que triunfó más en el teatro aunque realizó incursiones cinematográficas en Reino Unido y Estados Unidos.

El malvado Zaroff tiene el mismo estilo que King Kong, esa selva espesa de vegetación con una atmósfera cargada de niebla, incluyendo ese arbol derruido sobre dos acantilados formando un puente que luego reapareció en su posterior producción.
En esta isla misteriosa del Pacífico aparece un caserón gótico con decoración anticuada y criados extraños, tan extraños como su anfitrión huido de la Revolución Bolchevique y refugiado en su solitario y tenebroso hogar.
Un hogar donde no hay leyes de ningún país porque no pertenecen a ninguno. Sólo la dictadura del malvado aristócrata que se dedica a cazar a los náufragos que desembarcan en sus costas.
Está la música de Max Steiner que añade lirismo desatado a una sinfonía de imágenes misteriosas e inquietantes. Leslie Banks es un sólido actor de teatro que borda su perverso personaje. El héroe le pone trampas pero nunca cae en ellas.
En 1945 se realizó un remake dirigido por Robert Wise, Game of Death

LA PRIMERA MARILYN

NIEBLA EN EL ALMA. Título original: Don’t Bother to Knock. Año: 1952. País: Estados Unidos. Dirección: Roy Ward Baker. Reparto: Marilyn Monroe (Nell Forbes), Richard Widmark (Jed Towers), Anne Bancroft (Lyn Lesley), Donna Corcoran (Bunny Jones), Jeanne Cagney (Rochelle), Lurene Tuttle (Ruth Jones), Elisha Cook Jr. (Eddie Forbes), Jim Backus (Peter Jones), Verna Felton (Mrs. Ballew), Willis Bouchey (Joe – el barman), Don Beddoe (Mr. Ballew). Guión: Daniel Taradash. Novela: Charlotte Armstrong. Música: Lionel Newman. Fotografía: Lucien Ballard (B&W). 20th Century Fox. Duración: 73 minutos.

En 1952 Marilyn Monroe (nacida como Norma Jeane Mortenson; Los Ángeles, 1 de junio de 1926-Los Ángeles, 4 de agosto de 1962) no era el sex symbol por todos conocida sino una actriz aspirante a estrella y todavía no estaba encasillada en sus papeles de rubia ingenua pero pícara que le hicieron famosa.
Dirigida por Roy Ward Baker, futuro director de La última noche del Titanic (1958), Las amantes del vampiro (1970) y Doctor Jekyll y su hermana Hyde (1971), que en el futuro fue autor de una filmografía muy interesante, con el gran Richard Widmark (Richard Weedt Widmark; Sunrise, Minnesota; 26 de diciembre de 1914-Roxbury, Connecticut; 24 de marzo de 2008) como compañero de cartel junto a la futura eminente Anne Bancroft (Nueva York, 17 de septiembre de 1931-Nueva York, 6 de junio de 2005) futura ganadora del Oscar de Interpretación por El milagro de Ana Sullivan (1962) que aquí debutó en el cine. Además tenemos a dos secundarios de lujo, Elisha Cook Jr. , especialista en cine negro, y  Jim Backus, especialista en comedias.
Todo junto, pese a la modestia de su producción, forman un conjunto verdaderamente interesante.

Niebla en el alma es un film que podríamos denominar atípico. Marilyn Monroe no hace su papel habitual, sino una psicópata que asusta al espectador de la época. Su siguiente película, Niágara (1952) de Henry Hathaway la lanzó al estrellato. Es una bomba a punto de estallar. Aquí hace el papel de una mujer desquiciada por un amor que falleció y cuya muerte se obstina en negar. Una mujer que ha perdido el Norte con ansias de afecto que la convierten en un ser peligroso, sobretodo para la niña que debe cuidar.
Una de las mejores actuaciones de Marilyn aunque el film esté algo olvidado y no tiene la fama de otros títulos más populares.
Richard Widmark brilla como en sus mejores tiempos con un papel algo ambiguo, una persona que busca su rendención. Pasar de un ser egoísta a otro más generoso. Anne Bancroft será su catalizador.
Roy Ward Baker dirige con total solvencia. Es un director siempre eficaz capaz de lidiar con todo el material que cae en sus manos. Es una película que no ha pasado a la historia del cine pero se ve con interés.