KEATON EN LA METRO

EL CAMERAMAN. Título original: The Cameraman. Año: 1928. País: Estados Unidos. Dirección: Edward Sedgwick, Buster Keaton. Reparto: Buster Keaton (Buster), Marceline Day (Sally Richards), Harold Goodwin (Harold Stagg), Sidney Bracey (Edward J. Blake, el jefe), Harry Gribbon (Hennessey, el policía), Richard Alexander (El gran león marino), Edward Brophy (Hombre en una casa de baños), Ray Cooke (Trabajador de oficina), Vernon Dent (Hombre con traje de baño ajustado), Gertrude Ederle, William Irving (Fotógrafo), Harry Keaton (Nadador en la piscina), Louise Keaton (Nadadora en la piscina), Charles A. Lindbergh (Charles A. Lindbergh). Guion: Clyde Bruckman, Lew Lipton, Richard Schayer. Fotografía: Elgin Lessley, Reggie Lanning (B&W). Metro Goldwyn Mayer. Duración: 69 minutos.

En 1928 la carrera de Buster Keaton pasaba un mal momento. Tanto El maquinista de la General (1926) como El héroe del río (1928) funcionaron muy mal en taquilla y eran producciones muy caras que arruinaban a sus inversores por lo que el productor Joseph Schenck vendió el contrato de Keaton a la Metro Goldwyn Mayer donde el cómico de la Cara de Palo jamás se sintió a gusto. Dispersaron a todo su equipo y le impusieron un jefe de producción nefasto como Lawrence Weingarten (1897-1975).
Si en el cine musical la Metro brilló como nadie consiguiendo auténticas obras maestras, en la comedia fue un auténtico desastre salvando como excepción a los hermanos Marx. Sus principales cómicos como Jimmy Durante y Red Skelton eran infumables y hundieron gratuitamente la carrera del gran Buster Keaton. Pero aún así rodó un par de buenas películas como El cameraman, El comparsa (1929) y Reclutas (1930) ésta sonora. Los talkies estaban a la vuelta de la esquina y el cambio de gustos del público fue definitivo.

Al principio las expectativas de Keaton en la Metro eran muy altas. El cameraman fue un gran éxito. La película se rodó en Nueva York por lo que el estudio no podía controlarlos e hicieron lo que les vino en gana. Tiraron a la basura el guion de la Metro e improvisaron como en sus mejores tiempos. Por eso esa cinta aún conserva su frescura, parece que la rodaron ayer cuando pronto será una obra centenaria.
Keaton representa a un hombre tímido, poca cosa, fotógrafo en la calle que se enamora de una secretaria de una productora de noticiarios. Al principio nuestro héroe cometerá toda clase de torpezas pero luego triunfará por su pericia.
Una de las mejores secuencias, rodada con un plano fijo, Buster se cambia de ropa en un vestidos minúsculo con otro hombre, Edward Brophy, a quién veremos en varias películas de Keaton en la Metro.
Buster es un personaje muy romántico, no triunfa por habilidad sino por perseverancia. Es una persona constante, que no se rinde jamás. Es un personaje tierno y encantador. Siempre sale triunfante de todas las situaciones.
Su cine es la lucha del débil contra la prepotencia de los más fuertes. Cualquier persona puede triunfar si es constante en su cometido. Gran película es El cameraman.

Buster Keaton y Charlie Chaplin, la grandeza del cine cómico. 

LA GENIAL PAREJA

EN BANDEJA DE PLATA. Título original: The Fortune Cookie. Año: 1966. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Jack Lemmon (Harold «Harry» Hinkle), Walter Matthau (William H. «Whiplash Willie» Gingrich), Ron Rich (Luther «Boom Boom» Jackson), Judi West (Sandy Hinkle), Cliff Osmond (Chester Purkey), Lurene Tuttle (la madre de Harry Hinkle), Harry Holcombe (O’Brien), Les Tremayne (Thompson), Lauren Gilbert (Kincaid), Marge Redmond (Charlotte Gingrich), Noam Pitlik (Max), Keith Jackson (anunciador de fútbol), Harry Davis (el Dr. Krugman), Ann Shoemaker (la Hermana Veronica), Ned Glass (el Doctor Schindler), Sig Ruman (el Profesor Winterhalter). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Música: Andre Previn. Fotografía: Joseph LaShelle (B&W). United Artists. Duración: 125 minutos.

Para mi gusto personal Jack Lemmon (Newton, 8 de febrero de 1925-Los Ángeles, 27 de junio de 2001) y Walter Mathau (Lower East Side, Nueva York, 1 de octubre de 1920-Santa Mónica, California, 1 de julio de 2000) son la mejor pareja cómica desde Stan Laurel y Oliver Hardy. La pareja se formó en En bandeja de plata (The Fortune Cookie, 1966) de Billy Wilder con quién repetirían en Primera plana (The Front Page, 1974) y Aquí un amigo (Buddy Buddy, 1981).
Pero no se consolaron con esta genial trilogía, tenemos además La extraña pareja (The Odd Couple, 1968), basada en la obra de Neil Simon que en España triunfó en los escenarios con Paco Morán y Joan Pera. También rodaron su secuela, La extraña pareja II (The Odd Couple II, 1998), su última película juntos.
Al final de sus carreras triunfaron con Dos viejos gruñones (Grumpy Old Men, 1993) y su secuela Discordias a la carta (1995) junto a Ann-Margret y Por rumbas y a lo loco (Out to Sea, 1997). Además Mathau protagonizó la única película de Jack Lemmon como director, Kotch (1971), en la que Lemmon no aparece como actor y en JFK (1991) de Oliver Stone ambos aparecen en papeles que no coinciden en pantalla.
Walter Mathau consiguió el Oscar al mejor actor de reparto por En bandeja de plata saltando a la fama y convirtiéndose en una importante estrella de Hollywood.

Para mí Billy Wilder es el punto más alto de la comedia cinematográfica. Junto a Ernst Lubitsch crearon las obras más mordaces del género y En bandeja de plata es un buen ejemplo. Un accidente fortuito en un campo de béisbol lesiona a un cámara (Jack Lemmon) y su cuñado abogado (Walter Mathau) urde una trama para sacar dinero con toda clase de falsedades pero como dice el Profesor Winterhalter (Sig Ruman, villano cómico de las películas de los hermanos Marx y de Ernst Lubitsch) ¨ésto es un fraude¨.
Si el personaje de Lemmon es inocentón, el abogado de Mathau es un puro demonio experto en todas trampas legales para falsear informes y sacar dinero a sus víctimas. La película cuenta toda clase de sarcasmos del perverso abogado. Walter Mathau borda su personaje que le hizo ganar un Oscar y la fama.
Cada mirada, cada gesto, cada ironía es un prodigio de interpretación. Wilder satiriza la abogacía buitre, esos picapleitos con malas entrañas. Se ríe de la maldad del sistema. Por contra tenemos personajes nobles como Luther «Boom Boom» Jackson que destruye su carrera deportiva por remordimientos por un daño que no cometió. Está la mujer interesada que abandonó a su marido y vuelve a él cuando vé la oportunidad de hacerse rica. Wilder pone en la picota a compañías de seguros y a sus detectives que violan la intimidad espiando a los demandantes por si cometen alguna torpeza.  Ambas partes juegan sucio, unos para sacar dinero y otros para conservarlo. Finalmente gana la honestidad y el chiringuito se hunde estrepitosamente. Una auténtica lección de cine.

HOMENAJE AL SLAPSTICK

EL MUNDO ESTÁ LOCO, LOCO, LOCO, LOCO. Título original: It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World. Año: 1963. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Kramer. Reparto: Spencer Tracy (Capitán C. G. Culpepper, del Departamento de Policía de Santa Rosita), Milton Berle (J. Russell Finch, empresario), Sid Caesar (Melville Crump, dentista ), Edie Adams (Monica, esposa de Crump), Ethel Merman (Señora Marcus, la desagradable suegra de J. Russell Finch, y madre de Emmeline y Sylvester), Jonathan Winters (Lennie Pike, el enfurecido camionero), Mickey Rooney (Dingy Bell, escritor de comedias), Buddy Hackett (Benjy Benjamin, escritor de comedias), Phil Silvers (Otto Meyer, pianista), Dorothy Provine (Emmeline Marcus-Finch, esposa de J. Russell Finch), Dick Shawn (Sylvester Marcus, socorrista, hijo mimado de la señora Marcus y hermano de Emmeline), Barrie Chase (Esposa de Sylvester Marcus), Terry-Thomas – El flemático Teniente coronel británico J. Algernon Hawthorne), Jim Backus (Tyler Fitzgerald, propietario de aeroplano), William Demarest (Aloysius, Jefe del Departamento de Policía de Santa Rosita), Jimmy Durante («Smiler» Grogan el Narizotas), Peter Falk – Taxista), Eddie Anderson (Taxista), Paul Ford (Coronel Wilberforce), Edward Everett Horton (dueño de la ferretería), Buster Keaton (Jimmy), Jerry Lewis (conductor loco). Guion: William Rose, Tania Rose. Música: Ernest Gold. Fotografía: Ernest Laszlo. United Artists. Duración: 154 minutos.

Monumental superproducción que es un rendido homenaje al viejo slapstick por parte de uno de los realizadores más atípicos del cine de Hollywood. Me refiero a Stanley Kramer (29 de septiembre de 1913-19 de febrero de 2001) autor de películas polémicas como Orgullo y pasión (1957) sobre la Guerra de la Independencia española con Cary Grant y Frank Sinatra; La hora final (1959) con Gregory Peck, Ava Gardner y Fred Astaire sobre el fin del mundo; La herencia del viento (1960) con Spencer Tracy, Fredric March, Gene Kelly y Dick York; ¿Vencedores o vencidos? (1961) sobre el juicio de Núremberg contra los cabecillas nazis que perdieron la Segunda Guerra Mundial, con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark, Marlene Dietrich, Maximilian Schell, Judy Garland, Montgomery Clift y William Shatner; Adivina quién viene esta noche (1967) con Spencer Tracy otra vez, con Katherine Herpburn y Sidney Poitier, sobre un matrimonio interracial; El secreto de Santa Vittoria (1969) con Anthony Quinn, Anna Magnani y Virna Lisi; Más allá del amor (1979) con Dick Van Dyke.
La película que nos ocupa está dedicada a los cómicos del cine mudo. Desgraciadamente la colaboración de Buster Keaton desapareció en la sala de montaje, quedando sólo un breve fragmento, y Stan Laurel se negó a participar por su diabetes crónica. Hecha esta salvedad pasamos a comentar la película.

El mundo está loco, loco, loco, loco (1963) es una película colosal, desdemedida sobre la codicia y el amor desmesurado al dinero en el que caen todos los personajes principales. Como protagonista está Spencer Tracy que estuvo mejor en otras películas, incluidas las que hizo con Kramer, pero el Viejo Roble de Hollywood demuestra aún su gran calidad actoral aun en trabajos menores como el que nos ocupa.
La trama está repleta de gags al estilo del primer slapsitck, el de Mack Sennett y Roscoe Arbuckle que era de mucha brocha gorda. Lejos estamos de las sutilezas de Buster Keaton, Charlie Chaplin y Harold Lloyd en su Edad de Oro del cine cómico.
Todo son persecuciones, destrozos y caídas. Eso sí los actores están bien desde Dick Shawn hasta Ethel Merman que desata todo su histrionismo. El elenco se pasa la cinta gritando y abjurando. La comedia de Kramer es histérica y alocada. Nadie está cuerdo. Paralelamente nos cuentan la historia de un policía que por honrado acaba en la miseria.
Todo está contado con todo lujo de detalles. La producción es de gran envergadura. La acción no deja un momento de respiro. Como decía Alfred Hitchcock «el cine es una sala de butacas a rellenar«. Lo malo es que siempre triunfa lo vulgar y lo más ingenioso es maltratado.
La película de Kramer se ha convertido en un título de culto. Una especie de Capilla Sixtina del Gag. De tanto en tanto asoman viejas caras amigas como Edward Everett Horton, Joe Brown, Andy Devine, Zasu Pitts en apariciones brevísimas. Su aparición nos dio una gran alegría. Es algo así como un reencuentro de viejos amigos con el que hemos perdido el contacto hace años y que un día reaparecen para darnos una alegría.

EL REGRESO
DE UNA GRAN SAGA

STAR TREK. Título original: Star Trek (Star Trek XI). Año: 2009. País: Estados Unidos. Dirección: J.J. Abrams. Reparto: Chris Pine (Kirk), Zachary Quinto (Spock), Leonard Nimoy (Spock Prime), Eric Bana (Nero), Bruce Greenwood (Pike), Karl Urban (Bones), Zoe Saldaña (Uhura), Simon Pegg (Scotty), John Cho (Sulu), Anton Yelchin (Chekov), Ben Cross (Sarek), Winona Ryder (Amanda Grayson), Chris Hemsworth (George Kirk). Guion: Alex Kurtzman, Roberto Orci. Saga creada por: Gene Roddenberry. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Daniel Mindel. Bad Robot, Spyglass Entertainment, Paramount Pictures. Duración: 126 minutos.

Érase un miércoles, Día del Espectador, del año 2009. Cinema Reus Palace, sala 5. La sala repleta de público, la mayoría la de padres (varones todos) acompañados de sus hijos. Los antiguos trekkies que llevaron al cine a sus retoños para visionar el remake de una leyenda. Star Trek reunió miles de fans en todo el mundo. La franquicia comenzó con Star Trek: la serie original, que debutó en los Estados Unidos el 8 de septiembre de 1966 y se emitió durante tres temporadas en NBC. En España se estrenó en el Canal 2, UHF, que yo no tenía y por eso tardé en descubrirla. Se llamaba en España La Conquista del Espacio.
Al crear Star Trek, Gene Roddenberry se inspiró en la serie de novelas sobre Horatio Hornblower de C. S. Forester, la novela Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift de 1726, la película Planeta prohibido de 1956 y wésterns de televisión como Caravana con Ward Bond.
En 1977 George Lucas estrenó Star Wars, La Guerra de las Galaxias en España, que obtuvo un éxito arrollador lo que motivó que la Paramount, rodara para pantalla grande una serie de películas sobre Star Trek con los actores originales de la serie de 1966. Así se estrenó Star Trek: la película (1979) de Robert Wise que fue un éxito atronador y lanzó una serie para cine con una producción más lujosa. Aquí fue donde conocí la franquicia de la que hablamos y me convertí en un trekkie acérrimo.
Star Trek II: la ira de Khan (1982) de Nicholas Meyer (que ya había triunfado con Los pasajeros del tiempo en 1979) continuó la saga con la muerte repentina de Spock que disgustó a los trekkies. Pero la Paramount lo resucitó con Star Trek III: en busca de Spock (1984) dirigida nada más y nada menos por Leonardo Nimoy, el intérprete de Spock, obteniendo tal éxito que repitió realización en Star Trek IV. Misión: salvar la Tierra (1986) con un viaje por el tiempo a nuestro presente.
William Shatner, intérprete del capitán Kirk, sintió celos de Nimoy y exigió dirigir la próxima película,  Star Trek V: la última frontera (1989) con menor éxito. Star Trek VI: aquel país desconocido (1991) cerró la saga dirigidos por Nicholas Meyer. Era una entrega algo nostálgica. Los actores originales habían envejecido por lo que fue necesario un relevo, La nueva generación pero eso es otra historia.

Tras varias películas y series con otros personajes nos llega Star Trek (2009) con los personajes originales pero con otros intérpretes que rejuvenecían la producción. Volvemos a ver a los antiguos tripulantes pero con caras nuevas. Chris Pine como capitán Kirk, Zachary Quinto como su segundo Spock, el vulcano. Zoe Saldaña es Uhura, En el reparto tuvimos una grata sorpresa, la reaparición de Leonard Nimoy como un Spock envejecido proveniente de un mundo paralelo. En ciencia ficción podemos esperarnos cualquier cosa, nunca nos decepcionan.
Como director tenemos a J.J. Abrams, futuro creador de las secuelas de Star Wars, aunque yo prefiero su trabajo en la serie que nos ocupa. Su trabajo en este reinicio es mucho más sólido y bienvenido. Llega más a los fans que anhelaban este reinicio con pasión.
Los adversarios son romulanos dirigidos por Nero (Eric Bana) que pretenden vengarse de un hecho futuro que aún no ha acontecido. La realización tiene nervio. Esta nueva Star Trek tiene un ritmo endiablado, un lenguaje cotidiano a veces malsonante y una narración dinámica. Es el cine moderno cuya técnica está muy avanzada pero no nos hace olvidar los episodios clásicos de tan popular serie.
Los episodios clásicos eran más pobres de técnica pero eran más entrañables. Algo que se ha perdido en los modernos. Los tiempos cambian para bien y para mal.
Este film es un reencuentro de viejos amigos, la nueva cara para nuevas generaciones de trekkies. Es un cine con alma que te llena de entusismo.
Yo prefiero la serie de Star Trek a la de Star Wars, es más adulta y más creible. Dentro de la ilógica ha de haber una lógica. La película tiene magia y encanto. Un metraje agradable.

J. J. Abrams con la nueva tripulación del Enterprise.

EL LEJANO OESTE EN BROMA

ALIAS JESSE JAMES. Título original: Alias Jesse James. Año: 1959. País: Estados Unidos. Dirección: Norman Z. McLeod. Reparto: Bob Hope (Milford Farnsworth), Rhonda Fleming (Cora Lee Collins), Wendell Corey (Jesse James), Gloria Talbott (Princesa Irawanie), Jim Davis (Frank James), Will Wright (Titus Queasley), Mary Young (‘Ma’ James), Jack Lambert (Snake Brice), Mickey Finn, Bob Gunderson (bandolero), Fred Kohler, Jr. (bandolero), Ethan Laidlaw (bandolero), Glenn Strange (bandolero), Trigger (caballo) (Trigger), Gary Cooper(él mismo), Fess Parker (Davy Crockett), Gail Davis (Annie Oakley), Jay Silverheels (Tonto), Ward Bond (Mayor Seth Adam), Scatman Crothers (vendedor de billetes), Roy Rogers (él mismo), Bing Crosby (él mismo). Guion: William Bowers, Daniel B. Beauchamps. Historia: Robert St. Aubrey, Bert Lawrence. Música: Joseph J. Lilley. Fotografía: Lionel Lindon. Hope Enterprises. Distribuidora: United Artists. Duración: 92 minutos.

Jesse Woodson James (Kearney, Misuri; 5 de septiembre de 1847 – St. Joseph, Misuri; 3 de abril de 1882), más conocido como Jesse James, soldado de la vencida Confederación en la Guerra de Secesión estadounidense (el 12 de abril de 1861 al 26 de mayo de 1865), posteriormente convertido en asaltador de caminos y de trenes que murió asesinado por Robert Ford y en cuya tumba se lee la siguiente inscripción «En memoria de mi hijo amado, asesinado por un traidor y un cobarde cuyo nombre no merece figurar aquí«.
Según algunas fuentes Jesse James fue un justiciero vengador de las ofensas al derrotado Sur y otras dicen que fue todo un criminal.
James ha aparecido en varias películas del Oeste como Tierra de audaces (1939) de Henry King, interpretado por Tyrone Power, La venganza de Frank James (1940) de Fritz Lang, La verdadera historia de Jesse James (1957) de Nicholas Ray con Robert Wagner, Forajidos de leyenda (1980) de Walter Hill y muchas más.
Yo no suelo simpatizar con esa clase de leyendas y Bob Hope, actor y productor de la presente cinta, tampoco. Bob Hope (Eltham, Reino Unido; 29 de mayo de 1903-Toluca Lake, California; 27 de julio de 2003), nacido como Leslie Townes Hope, fue un popular cómico estadounidense, aunque nacido en Reino Unido, ganador de dos Oscar Honoríficos en 1945 y 1953. Fue un profundo patriota de su nuevo país triunfando en cine, teatro y televisión, sobretodo en su colaboración con Bing Crosby y Dorothy Lamour. Su humor es muy localista por lo que no es comprendido fuera de sus fronteras. Tiene ocurrencias mordaces y otras más vulgares. De todas formas no aburre con su cine.

Alias Jesse James es una de las películas más significativas en la carrera de Bob Hope como actor y como productor. Una cinta donde deja mal parado a Jesse James presentado como un bandolero un tanto ruin.
Por un lado tenemos la costumbre de Hope de añadir breves cameos en sus películas, aquí Gary Cooper, Fess Parker, Roy Rogers y otras figuras del cine y la televisión de entonces. Algunos de ellos están olvidados en la actualidad por lo que nos resultarán extraños.
Tenemos algunos gaga buenos pero otros terribles. Norman Z. McLeod cumple con su objetivo, entretener al público, hacerle reír. El personaje de Bob Hope es muy bobalicón, carece de ingenio. Pero te ríes de todos modos.
Bonitos colores, la presencia de Rhonda Fleming como cantante de Saloon, muy tópica pero efectiva. También está Gloria Talbott como nativa americana que nos resulta más simpática. Wendell Corey está perfecto como Jesse James y Jim Davis como su her,ano Frank.
No estamos ante ninguna obra maestra pero el metraje essimático y agradable. Se puede ver.

HAROLD, BEBE Y SNUB

Harold Lloyd y Bebe Daniels

EL CAPITÁN PIRATA. Título original: Captain Kidd’s Kids. Año: 1919. País: Estados Unidos de América. Director: Hal Roach. Reparto: Harold Lloyd (el chico), Bebe Daniels (la chica), Snub Pollard (el criado), Fred C. Newmeyer (el cocinero chino), Helen Gilmore (la madre de la chica), Noah Young (el pirata grande), Sammy Brooks (el pirata pequeño y el pasajero que come plátanos), Charles E. Stevenson (el mayordomo de Harold), Hal Roach (el primer ladrón), Gus Leonard (un pirata), Marie Mosquini (una chica pirata), Estelle Adair, Marie Benson, Floyce Brown, Hardy Gibson, Phoebe Hunt, Esther Jackson, Gladys Johnston, Mabel Kroman, Gertrude Lainson, Delia Loombley, Ruth Matos, Bonnie Mayles, Grace Northington, John M. O’Brien, Katheryne Penny, Chase Thorne, John Warnack, Bobbie West. Fotografía: Walter Lundin. Productor: Hal Roach. The Rolin Film Company production; distribuida por Pathé Exchange, Incorporated (Pathécomedy). Dos bobinas.

Hoy hablaremos de un cortometraje de Harold Clayton Lloyd (Burchard, Nebraska, 20 de abril de 1893-Beverly Hills, 8 de marzo de 1971), más conocido como Harold Lloyd, a quien apenas hemos tratado en este Diario de Cine y los lectores se preguntarán ¿quién diablos es ese Harold Lloyd del que estoy hablando? Pues fue el Santiago Segura de su tiempo. Un actor que llenaba salas de cine y que la crítica despotricaba contra él con ensañamiento. César Muñoz Arconada, un escritor del Partido Comunista, escribió «reid, burgueses, reid.  Harold Lloyd es vuestro género«.
Su visión optimista y alegre del mundo que le tocó vivir molestaba a esas plumas irascibles pero el público le amaba profundamente. Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Se le comparó con Buster Keaton y Charlie Chaplin. Juntos formaron la gran trilogía de la pantalla cómica.
La chica es Bebe Daniels (Dallas, Texas; 14 de enero de 1901 – Londres, Inglaterra; 16 de marzo de 1971). En el cine mudo toda una estrella aunque decayó con el sonoro. El público los conocía como Él y Ella. Una pareja alegre sin complejos. Los críticos los detestaban porque iban bien vestidos y los consideraban burgueses mezquinos pero sus películas desmienten tal acusación.
Las películas de Lloyd tienen buenos gags y están basados en los enredos y confusiones. En gags cien por cien visuales. Sus secuencias destilaban optimismo y buen humor. Toda una lección de cine.

El capitán Pirata es un corto basado en un sueño. Harold viaja con Snub en un barco rumbo a las islas Canarias cuando son arrojados por la borda y se encuentran con un fantástico barco pirata cuya tripulación es femenina completamente.
Toda la cinta son peripecias mil, caídas y enredos. Los piratas masculinos, prisioneros en la bodega, escapan y se amotinan. Harold se comporta como un héroe pero todo resulta ser un sueño.
Snub Pollard (Melbourne, Australia, 9 de noviembre de 1889 – Burbank, California, 19 de enero de 1962) era entonces compañero de fatigas de Lloyd. Posteriormente se independizó y protagonizó varios cortos mudos que eran realmente divertidos. Fue un cómico menor pero agradable.
Hal Roach fue el competidor de Mack Sennett en el arte de la risa. Cuando Lloyd fundó su propia compañía lanzó a Stan Laurel y Oliver Hardy, la pareja más famosa de la Historia del Cine.
Con el sonoro nuestro famoso trío se fue eclipsando. Lloyd aun rodó buenas películas, Bebe trabajó en televisión inglesa y Snub hizo varios cameos, los más conocidos fueron el pianista de Candilejas (1952) y el transeúnte a quien Gene Kelly le regala el paraguas en Cantando bajo la lluvia (1952).
El tiempo le dio la razón a Harold Lloyd, su cine optimista no es tan burgués como decían. Más adelante se reconocieron sus innumerables méritos y sus críticos cayeron en el olvido.

Snub Pollard toca el piano mientras Sir Charles Chaplin toca el violín en Candilejas.

Gene Kelly regala el paraguas a Snub Pollard en Cantando bajo la lluvia.

FRED Y GINGER EN LA METRO

VUELVE A MÍ. Título original: The Barkleys of Broadway. Año: 1949. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Walters. Reparto: Fred Astaire (Josh Barkley), Ginger Rogers (Dinah Barkley), Oscar Levant (Ezra Millar), Billie Burke (Mrs. Livingston Belney), Gale Robbins (Shirlene May), Jacques François (Jacques Pierre Barredout), George Zucco (El Juez), Clinton Sundberg (Bert Felsher), Inez Cooper (Pamela Driscoll), Carol Brewster (Gloria Amboy), Wilson Wood (Larry). Guion: Betty Comden, Adolph Green, Sidney Sheldon. Música: Harry Warren. Canciones: Ira Gershwin. Fotografía: Harry Stradling Sr. Productor: Arthur Freed. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 105 minutos.

Tras rodar La historia de Irene Castle (1939), la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers se separó y abandonaron la productora que les encumbró, la RKO. Fred siguió rodando musicales con otras parejas pero Ginger varió su registro. Fue la segunda Roxie Hart (1942) y ganó un Oscar a la mejor actriz protagonista por Espejismo de amor (1940) de Sam Wood.
Fred Astaire triunfó en la Metro sin esfuerzo compitiendo con Gene Kelly y desde entonces existe la polémica en quien es mejor de los dos, pero a mí me gustan ambos por lo que no voy a decidirme en un sentido o en otro.
Una de las mejores películas Metro de Fred fue Desfile de Pascua (1948) de Charles Walters (Molly Brown siempre a flote) con Judy Garland que obtuvo un impresionante éxito en taquilla por lo que la Metro quiso repetir pero la famosa cantante, protagonista de El Mago de Oz, enfermó y paralizó el rodaje. Desesperados la productora del León buscó sustituta y ¿quien estaba disponible? pues nada más y nada menos que Ginger Rogers por lo que volvió a reunirse con su habitual pareja una vez más, diez años después de su último encuentro en la RKO.

Vuelve a m í es un musical con un punto de nostalgia y un canto al optimismo y a la alegría de vivir. Aunque los protagonistas son Fred Astaire y Ginger Rogers esta producción Metro no tiene nada que ver con sus incursiones en la RKO. En primer lugar el equipo técnico y los actores secundarios son distintos al igual que su argumento y guión. La pareja aquí es más madura y no tienen edad para tontear durante la proyección.
Aquí Fred y Ginger llevan años felizmente casados y ya han triunfado en el musical de Broadway. Como contrapunto cómico tenemos a Oscar Levant, famoso secundario de la Metro y espectacular pianista que interpreta La Danza del Sable de Aram Jachaturián y Piano Concerto No. 1 de Tchaikovsky, a la par que canta con Fred y Ginger en el número Weekend in the Country de Harry Warren e Ira Gershwin.
Fred y Ginger no tienen Continentales ni Cariocas para bailar pero sí buenas canciones de los citados Harry Warren e Ira Gershwin como My One and Only Highland Fling (algo así como «Mi única aventura en las Tierras Altas«, las Tierras Altas son Escocia) con un paródico acento escocés exagerando las erres. (
El número de apertura es Swing Trot (Trote oscilante), muy prometedor y electrizante. Otras interpretaciones antológicas son Bouncin’ the Blues (Rebotando el blues), You’d Be Hard to Replace (Serías difícil de reemplazar) y otros en los que la pareja se luce con propiedad.
Fred en solitario interpreta Shoes with Wings On (Zapatos con alas), auténtifa fantasía con zapatos bailarines y mágicos. Ginger interpreta una escena dramática en el teatro, La Marsellesa, como Sarah Bernhardt. Realmente impresionante.
La película acaba con mucha alegría, la pareja vuelve a unirse y a construir sueños juntos pero por desgracia jamás volvieron a juntarse. Fue un adiós definitivo.

¡ESTO ES HOLLYWOOD!

LA ALEGRE DIVORCIADA. Título original: The Gay Divorcee. Año: 1934. País: Estados Unidos. Dirección: Mark Sandrich. Reparto: Fred Astaire (Guy Holden), Ginger Rogers (Mimi), Alice Brady (Hortense), Edward Everett Horton (Egbert), Erik Rhodes (Tonetti), Eric Blore (El Mesero), William Austin (Cyril Glossop), Betty Grable (la Cantante), Charles Coleman (El Valet). Guion: George Marion Jr., Dorothy Yost, Edward Kaufman. Libro: Dwight Taylor. Musical: Kenneth S. Webb, Samuel Hoffenstein. Diálogos: Robert Benchley, H.W. Hanemann, Stanley Rauh. Obra: J. Hartley Manners. Música: Max Steiner. Canción: Con Conrad, Herb MagidsonFotografía: David Abel (B&W). RKO Radio Pictures. Duración: 107 minutos.

Hubo una vez un lugar mágico llamado Hollywood donde fue considerada una fábrica de sueños. Su cine fue considerado el mejor del mundo. Eso no significa que en Europa, Asia, África, Oceanía y resto de América no se hiciera buen cine. Todo lo contrario. Buen cine se ha hecho en todo el planeta Tierra ahora y siempre. Pero la Era Dorada de Hollywood fue única.
Muchos críticos abominaban de estas películas míticas, decían que nos adormecían pero yo creo lo contrario. Avivan nuestra imaginación.
El Hollywood actual es un desastre. No es nostalgia, ni pensamos que cualquier tiempo pasado fue mejor. Es realismo. Cuando se sucumbe a falsos idealismos se pierde la identidad, se pierde la magia.
Los políticos y sus palmeros sólo nos han traído desgracias. Se han llenado las cuentas corrientes a costa de nuestra buena fe. No nos han dado nada bueno. Viva el Cine y la Fábrica de Sueños.

La alegre divorciada (1934) fue dirigida por Mark Rex Goldstein (Nueva York, 26 de octubre de 1900 – Hollywood, 4 de marzo de 1945), conocido como Mark Sandrich, un cineasta poco recordado en la actualidad pero fue creador de maravillas como las películas del tandem Fred Astaire y Ginger Rogers.Esta serie de cintas eran en realidad muy parecidas las unas a las otras pero todas tenían un estilo propio.
Fred trata de conquistar a Ginger y vencer todas sus dificultades. En medio tenemos al gran Edward Everett Horton  (18 de marzo de 1886 – 29 de septiembre de 1970) a quien conocimos en películas de Ernst Lubitsch como La viuda alegre  (1934).
Horton fue un secundario famoso, robaescenas, un actor de reparto que eclipsaba a los protagonistas. De hecho a muchos cinéfilos lo que más les gusta de la serie de películas de Astaire-Rogers es precisamente su presencia.
Aquí tiene un número musical con Betty Grable (San Luis, Misuri; 18 de diciembre de 1916 – Santa Mónica, California; 2 de julio de 1973) futura estrella de 20th Century Fox.
Aquí la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers alcanzaron el estrellato siendo protagonistas por primera vez. Su gran número musical es El Continental, una canción compuesta por Con Conrad en 1934, con letra de Herb Magidson, que recuerda La Carioca de su anterior cinta. Parte de la misma es cantada y bailada por el dúo protagonista y otra por Erik Rhodes, el pintoresco gigoló contratado para fingir una aventura sexual de Ginger y así conseguir el divorcio.
El argumento es una comedia de enredos y malentendidos que terminan por aclararse al final para obtener el final feliz. Fred Astaire y Ginger Rogers triunfan como actores pero como cantantes y sobretodo bailarines son toda una leyenda. Sus carreras despegaron como cohetes y los lanzaron al estrellato más absoluto.

Mark Sandrich