EL REGRESO
DE UNA GRAN SAGA

STAR TREK. Título original: Star Trek (Star Trek XI). Año: 2009. País: Estados Unidos. Dirección: J.J. Abrams. Reparto: Chris Pine (Kirk), Zachary Quinto (Spock), Leonard Nimoy (Spock Prime), Eric Bana (Nero), Bruce Greenwood (Pike), Karl Urban (Bones), Zoe Saldaña (Uhura), Simon Pegg (Scotty), John Cho (Sulu), Anton Yelchin (Chekov), Ben Cross (Sarek), Winona Ryder (Amanda Grayson), Chris Hemsworth (George Kirk). Guion: Alex Kurtzman, Roberto Orci. Saga creada por: Gene Roddenberry. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Daniel Mindel. Bad Robot, Spyglass Entertainment, Paramount Pictures. Duración: 126 minutos.

Érase un miércoles, Día del Espectador, del año 2009. Cinema Reus Palace, sala 5. La sala repleta de público, la mayoría la de padres (varones todos) acompañados de sus hijos. Los antiguos trekkies que llevaron al cine a sus retoños para visionar el remake de una leyenda. Star Trek reunió miles de fans en todo el mundo. La franquicia comenzó con Star Trek: la serie original, que debutó en los Estados Unidos el 8 de septiembre de 1966 y se emitió durante tres temporadas en NBC. En España se estrenó en el Canal 2, UHF, que yo no tenía y por eso tardé en descubrirla. Se llamaba en España La Conquista del Espacio.
Al crear Star Trek, Gene Roddenberry se inspiró en la serie de novelas sobre Horatio Hornblower de C. S. Forester, la novela Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift de 1726, la película Planeta prohibido de 1956 y wésterns de televisión como Caravana con Ward Bond.
En 1977 George Lucas estrenó Star Wars, La Guerra de las Galaxias en España, que obtuvo un éxito arrollador lo que motivó que la Paramount, rodara para pantalla grande una serie de películas sobre Star Trek con los actores originales de la serie de 1966. Así se estrenó Star Trek: la película (1979) de Robert Wise que fue un éxito atronador y lanzó una serie para cine con una producción más lujosa. Aquí fue donde conocí la franquicia de la que hablamos y me convertí en un trekkie acérrimo.
Star Trek II: la ira de Khan (1982) de Nicholas Meyer (que ya había triunfado con Los pasajeros del tiempo en 1979) continuó la saga con la muerte repentina de Spock que disgustó a los trekkies. Pero la Paramount lo resucitó con Star Trek III: en busca de Spock (1984) dirigida nada más y nada menos por Leonardo Nimoy, el intérprete de Spock, obteniendo tal éxito que repitió realización en Star Trek IV. Misión: salvar la Tierra (1986) con un viaje por el tiempo a nuestro presente.
William Shatner, intérprete del capitán Kirk, sintió celos de Nimoy y exigió dirigir la próxima película,  Star Trek V: la última frontera (1989) con menor éxito. Star Trek VI: aquel país desconocido (1991) cerró la saga dirigidos por Nicholas Meyer. Era una entrega algo nostálgica. Los actores originales habían envejecido por lo que fue necesario un relevo, La nueva generación pero eso es otra historia.

Tras varias películas y series con otros personajes nos llega Star Trek (2009) con los personajes originales pero con otros intérpretes que rejuvenecían la producción. Volvemos a ver a los antiguos tripulantes pero con caras nuevas. Chris Pine como capitán Kirk, Zachary Quinto como su segundo Spock, el vulcano. Zoe Saldaña es Uhura, En el reparto tuvimos una grata sorpresa, la reaparición de Leonard Nimoy como un Spock envejecido proveniente de un mundo paralelo. En ciencia ficción podemos esperarnos cualquier cosa, nunca nos decepcionan.
Como director tenemos a J.J. Abrams, futuro creador de las secuelas de Star Wars, aunque yo prefiero su trabajo en la serie que nos ocupa. Su trabajo en este reinicio es mucho más sólido y bienvenido. Llega más a los fans que anhelaban este reinicio con pasión.
Los adversarios son romulanos dirigidos por Nero (Eric Bana) que pretenden vengarse de un hecho futuro que aún no ha acontecido. La realización tiene nervio. Esta nueva Star Trek tiene un ritmo endiablado, un lenguaje cotidiano a veces malsonante y una narración dinámica. Es el cine moderno cuya técnica está muy avanzada pero no nos hace olvidar los episodios clásicos de tan popular serie.
Los episodios clásicos eran más pobres de técnica pero eran más entrañables. Algo que se ha perdido en los modernos. Los tiempos cambian para bien y para mal.
Este film es un reencuentro de viejos amigos, la nueva cara para nuevas generaciones de trekkies. Es un cine con alma que te llena de entusismo.
Yo prefiero la serie de Star Trek a la de Star Wars, es más adulta y más creible. Dentro de la ilógica ha de haber una lógica. La película tiene magia y encanto. Un metraje agradable.

J. J. Abrams con la nueva tripulación del Enterprise.

EL LEJANO OESTE EN BROMA

ALIAS JESSE JAMES. Título original: Alias Jesse James. Año: 1959. País: Estados Unidos. Dirección: Norman Z. McLeod. Reparto: Bob Hope (Milford Farnsworth), Rhonda Fleming (Cora Lee Collins), Wendell Corey (Jesse James), Gloria Talbott (Princesa Irawanie), Jim Davis (Frank James), Will Wright (Titus Queasley), Mary Young (‘Ma’ James), Jack Lambert (Snake Brice), Mickey Finn, Bob Gunderson (bandolero), Fred Kohler, Jr. (bandolero), Ethan Laidlaw (bandolero), Glenn Strange (bandolero), Trigger (caballo) (Trigger), Gary Cooper(él mismo), Fess Parker (Davy Crockett), Gail Davis (Annie Oakley), Jay Silverheels (Tonto), Ward Bond (Mayor Seth Adam), Scatman Crothers (vendedor de billetes), Roy Rogers (él mismo), Bing Crosby (él mismo). Guion: William Bowers, Daniel B. Beauchamps. Historia: Robert St. Aubrey, Bert Lawrence. Música: Joseph J. Lilley. Fotografía: Lionel Lindon. Hope Enterprises. Distribuidora: United Artists. Duración: 92 minutos.

Jesse Woodson James (Kearney, Misuri; 5 de septiembre de 1847 – St. Joseph, Misuri; 3 de abril de 1882), más conocido como Jesse James, soldado de la vencida Confederación en la Guerra de Secesión estadounidense (el 12 de abril de 1861 al 26 de mayo de 1865), posteriormente convertido en asaltador de caminos y de trenes que murió asesinado por Robert Ford y en cuya tumba se lee la siguiente inscripción «En memoria de mi hijo amado, asesinado por un traidor y un cobarde cuyo nombre no merece figurar aquí«.
Según algunas fuentes Jesse James fue un justiciero vengador de las ofensas al derrotado Sur y otras dicen que fue todo un criminal.
James ha aparecido en varias películas del Oeste como Tierra de audaces (1939) de Henry King, interpretado por Tyrone Power, La venganza de Frank James (1940) de Fritz Lang, La verdadera historia de Jesse James (1957) de Nicholas Ray con Robert Wagner, Forajidos de leyenda (1980) de Walter Hill y muchas más.
Yo no suelo simpatizar con esa clase de leyendas y Bob Hope, actor y productor de la presente cinta, tampoco. Bob Hope (Eltham, Reino Unido; 29 de mayo de 1903-Toluca Lake, California; 27 de julio de 2003), nacido como Leslie Townes Hope, fue un popular cómico estadounidense, aunque nacido en Reino Unido, ganador de dos Oscar Honoríficos en 1945 y 1953. Fue un profundo patriota de su nuevo país triunfando en cine, teatro y televisión, sobretodo en su colaboración con Bing Crosby y Dorothy Lamour. Su humor es muy localista por lo que no es comprendido fuera de sus fronteras. Tiene ocurrencias mordaces y otras más vulgares. De todas formas no aburre con su cine.

Alias Jesse James es una de las películas más significativas en la carrera de Bob Hope como actor y como productor. Una cinta donde deja mal parado a Jesse James presentado como un bandolero un tanto ruin.
Por un lado tenemos la costumbre de Hope de añadir breves cameos en sus películas, aquí Gary Cooper, Fess Parker, Roy Rogers y otras figuras del cine y la televisión de entonces. Algunos de ellos están olvidados en la actualidad por lo que nos resultarán extraños.
Tenemos algunos gaga buenos pero otros terribles. Norman Z. McLeod cumple con su objetivo, entretener al público, hacerle reír. El personaje de Bob Hope es muy bobalicón, carece de ingenio. Pero te ríes de todos modos.
Bonitos colores, la presencia de Rhonda Fleming como cantante de Saloon, muy tópica pero efectiva. También está Gloria Talbott como nativa americana que nos resulta más simpática. Wendell Corey está perfecto como Jesse James y Jim Davis como su her,ano Frank.
No estamos ante ninguna obra maestra pero el metraje essimático y agradable. Se puede ver.

HAROLD, BEBE Y SNUB

Harold Lloyd y Bebe Daniels

EL CAPITÁN PIRATA. Título original: Captain Kidd’s Kids. Año: 1919. País: Estados Unidos de América. Director: Hal Roach. Reparto: Harold Lloyd (el chico), Bebe Daniels (la chica), Snub Pollard (el criado), Fred C. Newmeyer (el cocinero chino), Helen Gilmore (la madre de la chica), Noah Young (el pirata grande), Sammy Brooks (el pirata pequeño y el pasajero que come plátanos), Charles E. Stevenson (el mayordomo de Harold), Hal Roach (el primer ladrón), Gus Leonard (un pirata), Marie Mosquini (una chica pirata), Estelle Adair, Marie Benson, Floyce Brown, Hardy Gibson, Phoebe Hunt, Esther Jackson, Gladys Johnston, Mabel Kroman, Gertrude Lainson, Delia Loombley, Ruth Matos, Bonnie Mayles, Grace Northington, John M. O’Brien, Katheryne Penny, Chase Thorne, John Warnack, Bobbie West. Fotografía: Walter Lundin. Productor: Hal Roach. The Rolin Film Company production; distribuida por Pathé Exchange, Incorporated (Pathécomedy). Dos bobinas.

Hoy hablaremos de un cortometraje de Harold Clayton Lloyd (Burchard, Nebraska, 20 de abril de 1893-Beverly Hills, 8 de marzo de 1971), más conocido como Harold Lloyd, a quien apenas hemos tratado en este Diario de Cine y los lectores se preguntarán ¿quién diablos es ese Harold Lloyd del que estoy hablando? Pues fue el Santiago Segura de su tiempo. Un actor que llenaba salas de cine y que la crítica despotricaba contra él con ensañamiento. César Muñoz Arconada, un escritor del Partido Comunista, escribió «reid, burgueses, reid.  Harold Lloyd es vuestro género«.
Su visión optimista y alegre del mundo que le tocó vivir molestaba a esas plumas irascibles pero el público le amaba profundamente. Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Se le comparó con Buster Keaton y Charlie Chaplin. Juntos formaron la gran trilogía de la pantalla cómica.
La chica es Bebe Daniels (Dallas, Texas; 14 de enero de 1901 – Londres, Inglaterra; 16 de marzo de 1971). En el cine mudo toda una estrella aunque decayó con el sonoro. El público los conocía como Él y Ella. Una pareja alegre sin complejos. Los críticos los detestaban porque iban bien vestidos y los consideraban burgueses mezquinos pero sus películas desmienten tal acusación.
Las películas de Lloyd tienen buenos gags y están basados en los enredos y confusiones. En gags cien por cien visuales. Sus secuencias destilaban optimismo y buen humor. Toda una lección de cine.

El capitán Pirata es un corto basado en un sueño. Harold viaja con Snub en un barco rumbo a las islas Canarias cuando son arrojados por la borda y se encuentran con un fantástico barco pirata cuya tripulación es femenina completamente.
Toda la cinta son peripecias mil, caídas y enredos. Los piratas masculinos, prisioneros en la bodega, escapan y se amotinan. Harold se comporta como un héroe pero todo resulta ser un sueño.
Snub Pollard (Melbourne, Australia, 9 de noviembre de 1889 – Burbank, California, 19 de enero de 1962) era entonces compañero de fatigas de Lloyd. Posteriormente se independizó y protagonizó varios cortos mudos que eran realmente divertidos. Fue un cómico menor pero agradable.
Hal Roach fue el competidor de Mack Sennett en el arte de la risa. Cuando Lloyd fundó su propia compañía lanzó a Stan Laurel y Oliver Hardy, la pareja más famosa de la Historia del Cine.
Con el sonoro nuestro famoso trío se fue eclipsando. Lloyd aun rodó buenas películas, Bebe trabajó en televisión inglesa y Snub hizo varios cameos, los más conocidos fueron el pianista de Candilejas (1952) y el transeúnte a quien Gene Kelly le regala el paraguas en Cantando bajo la lluvia (1952).
El tiempo le dio la razón a Harold Lloyd, su cine optimista no es tan burgués como decían. Más adelante se reconocieron sus innumerables méritos y sus críticos cayeron en el olvido.

Snub Pollard toca el piano mientras Sir Charles Chaplin toca el violín en Candilejas.

Gene Kelly regala el paraguas a Snub Pollard en Cantando bajo la lluvia.

FRED Y GINGER EN LA METRO

VUELVE A MÍ. Título original: The Barkleys of Broadway. Año: 1949. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Walters. Reparto: Fred Astaire (Josh Barkley), Ginger Rogers (Dinah Barkley), Oscar Levant (Ezra Millar), Billie Burke (Mrs. Livingston Belney), Gale Robbins (Shirlene May), Jacques François (Jacques Pierre Barredout), George Zucco (El Juez), Clinton Sundberg (Bert Felsher), Inez Cooper (Pamela Driscoll), Carol Brewster (Gloria Amboy), Wilson Wood (Larry). Guion: Betty Comden, Adolph Green, Sidney Sheldon. Música: Harry Warren. Canciones: Ira Gershwin. Fotografía: Harry Stradling Sr. Productor: Arthur Freed. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 105 minutos.

Tras rodar La historia de Irene Castle (1939), la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers se separó y abandonaron la productora que les encumbró, la RKO. Fred siguió rodando musicales con otras parejas pero Ginger varió su registro. Fue la segunda Roxie Hart (1942) y ganó un Oscar a la mejor actriz protagonista por Espejismo de amor (1940) de Sam Wood.
Fred Astaire triunfó en la Metro sin esfuerzo compitiendo con Gene Kelly y desde entonces existe la polémica en quien es mejor de los dos, pero a mí me gustan ambos por lo que no voy a decidirme en un sentido o en otro.
Una de las mejores películas Metro de Fred fue Desfile de Pascua (1948) de Charles Walters (Molly Brown siempre a flote) con Judy Garland que obtuvo un impresionante éxito en taquilla por lo que la Metro quiso repetir pero la famosa cantante, protagonista de El Mago de Oz, enfermó y paralizó el rodaje. Desesperados la productora del León buscó sustituta y ¿quien estaba disponible? pues nada más y nada menos que Ginger Rogers por lo que volvió a reunirse con su habitual pareja una vez más, diez años después de su último encuentro en la RKO.

Vuelve a m í es un musical con un punto de nostalgia y un canto al optimismo y a la alegría de vivir. Aunque los protagonistas son Fred Astaire y Ginger Rogers esta producción Metro no tiene nada que ver con sus incursiones en la RKO. En primer lugar el equipo técnico y los actores secundarios son distintos al igual que su argumento y guión. La pareja aquí es más madura y no tienen edad para tontear durante la proyección.
Aquí Fred y Ginger llevan años felizmente casados y ya han triunfado en el musical de Broadway. Como contrapunto cómico tenemos a Oscar Levant, famoso secundario de la Metro y espectacular pianista que interpreta La Danza del Sable de Aram Jachaturián y Piano Concerto No. 1 de Tchaikovsky, a la par que canta con Fred y Ginger en el número Weekend in the Country de Harry Warren e Ira Gershwin.
Fred y Ginger no tienen Continentales ni Cariocas para bailar pero sí buenas canciones de los citados Harry Warren e Ira Gershwin como My One and Only Highland Fling (algo así como «Mi única aventura en las Tierras Altas«, las Tierras Altas son Escocia) con un paródico acento escocés exagerando las erres. (
El número de apertura es Swing Trot (Trote oscilante), muy prometedor y electrizante. Otras interpretaciones antológicas son Bouncin’ the Blues (Rebotando el blues), You’d Be Hard to Replace (Serías difícil de reemplazar) y otros en los que la pareja se luce con propiedad.
Fred en solitario interpreta Shoes with Wings On (Zapatos con alas), auténtifa fantasía con zapatos bailarines y mágicos. Ginger interpreta una escena dramática en el teatro, La Marsellesa, como Sarah Bernhardt. Realmente impresionante.
La película acaba con mucha alegría, la pareja vuelve a unirse y a construir sueños juntos pero por desgracia jamás volvieron a juntarse. Fue un adiós definitivo.

¡ESTO ES HOLLYWOOD!

LA ALEGRE DIVORCIADA. Título original: The Gay Divorcee. Año: 1934. País: Estados Unidos. Dirección: Mark Sandrich. Reparto: Fred Astaire (Guy Holden), Ginger Rogers (Mimi), Alice Brady (Hortense), Edward Everett Horton (Egbert), Erik Rhodes (Tonetti), Eric Blore (El Mesero), William Austin (Cyril Glossop), Betty Grable (la Cantante), Charles Coleman (El Valet). Guion: George Marion Jr., Dorothy Yost, Edward Kaufman. Libro: Dwight Taylor. Musical: Kenneth S. Webb, Samuel Hoffenstein. Diálogos: Robert Benchley, H.W. Hanemann, Stanley Rauh. Obra: J. Hartley Manners. Música: Max Steiner. Canción: Con Conrad, Herb MagidsonFotografía: David Abel (B&W). RKO Radio Pictures. Duración: 107 minutos.

Hubo una vez un lugar mágico llamado Hollywood donde fue considerada una fábrica de sueños. Su cine fue considerado el mejor del mundo. Eso no significa que en Europa, Asia, África, Oceanía y resto de América no se hiciera buen cine. Todo lo contrario. Buen cine se ha hecho en todo el planeta Tierra ahora y siempre. Pero la Era Dorada de Hollywood fue única.
Muchos críticos abominaban de estas películas míticas, decían que nos adormecían pero yo creo lo contrario. Avivan nuestra imaginación.
El Hollywood actual es un desastre. No es nostalgia, ni pensamos que cualquier tiempo pasado fue mejor. Es realismo. Cuando se sucumbe a falsos idealismos se pierde la identidad, se pierde la magia.
Los políticos y sus palmeros sólo nos han traído desgracias. Se han llenado las cuentas corrientes a costa de nuestra buena fe. No nos han dado nada bueno. Viva el Cine y la Fábrica de Sueños.

La alegre divorciada (1934) fue dirigida por Mark Rex Goldstein (Nueva York, 26 de octubre de 1900 – Hollywood, 4 de marzo de 1945), conocido como Mark Sandrich, un cineasta poco recordado en la actualidad pero fue creador de maravillas como las películas del tandem Fred Astaire y Ginger Rogers.Esta serie de cintas eran en realidad muy parecidas las unas a las otras pero todas tenían un estilo propio.
Fred trata de conquistar a Ginger y vencer todas sus dificultades. En medio tenemos al gran Edward Everett Horton  (18 de marzo de 1886 – 29 de septiembre de 1970) a quien conocimos en películas de Ernst Lubitsch como La viuda alegre  (1934).
Horton fue un secundario famoso, robaescenas, un actor de reparto que eclipsaba a los protagonistas. De hecho a muchos cinéfilos lo que más les gusta de la serie de películas de Astaire-Rogers es precisamente su presencia.
Aquí tiene un número musical con Betty Grable (San Luis, Misuri; 18 de diciembre de 1916 – Santa Mónica, California; 2 de julio de 1973) futura estrella de 20th Century Fox.
Aquí la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers alcanzaron el estrellato siendo protagonistas por primera vez. Su gran número musical es El Continental, una canción compuesta por Con Conrad en 1934, con letra de Herb Magidson, que recuerda La Carioca de su anterior cinta. Parte de la misma es cantada y bailada por el dúo protagonista y otra por Erik Rhodes, el pintoresco gigoló contratado para fingir una aventura sexual de Ginger y así conseguir el divorcio.
El argumento es una comedia de enredos y malentendidos que terminan por aclararse al final para obtener el final feliz. Fred Astaire y Ginger Rogers triunfan como actores pero como cantantes y sobretodo bailarines son toda una leyenda. Sus carreras despegaron como cohetes y los lanzaron al estrellato más absoluto.

Mark Sandrich

BAILEMOS LA CARIOCA

VOLANDO A RIO. Título original: Flying Down to Rio. Año: 1933. País: Estados Unidos. Dirección: Thornton Freeland. Reparto: Dolores Del Río (Belinha De Rezende), Gene Raymond (Roger Bond), Raul Roulien (Julio Rubeiro), Ginger Rogers (Honey Hale), Fred Astaire (Fred Ayres), Blanche Friderici (Doña Elena De Rezende), Walter Walker (Señor De Rezende), Etta Moten (Cantante de color), Roy D’Arcy (Uno de los Tres Griegos), Maurice Black (Uno de los Tres Griegos), Armand Kaliz (Uno de los Tres Griegos), Maurice Black, Paul Porcasi (El Alcalde). Guion: Cyril Hume, H.W. Hanemann, Erwin S. Gelsey. Obra: Anne Caldwell. Historia: Lou Brock. Música: Vincent Youmans, Edward Eliscu, Gus Kahn. Fotografía: J. Roy Hunt (B&W). Radio Pictures. Distribuidora: RKO Radio Pictures. Duración: 89 minutos.

En Volando a Río se formó una de las parejas más carismáticas de la Historia del Cine, la de Fred Astaire (Omaha, Nebraska, 10 de mayo de 1899-Los Ángeles, California, 22 de junio de 1987) y la de Ginger Rogers (nacida Virginia Katherine McMath; Independence, Misuri; 16 de julio de 1911-Rancho Mirage, California; 25 de abril de 1995). Astaire era relativamente nuevo en el mundo del cine pero ya era una leyenda en Broadway. Rogers era ya conocida por sus papeles en películas de Busby Berkeley como La calle 42 y Vampiresas 1933.
Fred Astaire y Ginger Rogers rodaron juntos diez películas, Nueve para la RKO Pictures y la décima para la Metro Goldwyn Mayer. Posteriormente Ginger abandonó el musical y Fred tuvo otras parejas como Eleanor Powell, Rita Hayworth y Cyd Charise, todas ellas extraordinarias, y trabajó para la Metro en producciones de gran envergadura. Para la RKO rodaron Volando a Río (1933), La alegre divorciada (1934), Roberta (1935), Sombrero de Copa (1935), Sigamos la flota (1936), En alas de la danza (1936), Ritmo loco (1937), Amanda (1938) y La historia de Irene Castle (1938), que es diferente al resto de la serie por ser una biografía de dos bailarines famosos, y para la Metro Vuelve a mí (1949) en Technicolor.
En Volando a Río sus papeles son secundarios pero tienen un número musical, la Carioca, que triunfó y les convirtió en famosos de la noche a la mañana. Actualmente son una de las leyendas más amadas por los cinéfilos.

La protagonista y estrella de esta cinta es la mexicana Dolores del Río (Victoria de Durango, 3 de agosto de 1904-Newport Beach, California, 11 de abril de 1983), otra leyenda del cine pero de otros géneros brillando sobre todo en sus películas de la Edad de Oro del cine mexicano. Trabajó con Emilio Fernández, que hace de extra en la presente cinta, y nos ofreció muy buenos títulos como Flor Silvestre (1943), María Candelaria (1943) y Las abandonadas (1944). Su carrera es larga e importante que no podemos resumir en cuatro líneas.Aquí nos centramos en este famoso musical con dos números realmente espectaculares. Uno el del mencionado baile la Carioca que en su día se hizo muy famoso y lanzó la carrera de Fred Astaire y Ginger Rogers.
El segundo transcurre en los cielos (en realidad los estudios de la RKO) con unas bailarinas danzando sobre unas avionetas de la época. Un número que goza de gran fantasía y es un icono del cine musical.
Excelente película para los amantes del género.

HACE 50 AÑOS

En octubre de 1976, Terence Fisher fue invitado de honor el Festival de Cine Fantástico y de Terror de la Villa de Sitges. En su presencia, los afortunados aficionados asistentes, pudimos descubrir alguna parte de su filmografía que los distribuidores (o los censores) españoles nos habían escamoteado injustamente. Recuerdo con gran felicidad aquel día en que me citó en el hall del Hotel Calípolis de Sitges a primera hora de la mañana. Yo fui muy puntual, como es mi costumbre ya que detesto llegar tarde a las citas, y sorprendentemente, el realizador británico ya me estaba esperando mientras que por lo general, en otras ocasiones, los entrevistados me han hecho perder tiempo en una inútil espera.
Fisher era un hombre muy cordial, simpático, y menudo de talla. En aquella misma edición estuvo presente Freddie Francis, de quien por cierto no podemos decir lo mismo, ya que es un hombre de carácter áspero. Diez años después, en el mismo lugar, conocí a Christopher Lee que en un principio me dio una impresión desagradable por su pésimo talante aunque en un segundo encuentro me trató de una forma mucho más cordial.

Estos diez años de diferencia marcaban dos estilos diferentes de organizar el Festival de Sitges, el de Ráfales y el de Goas. El primero tenía mayor calor humano, los personajes invitados convivían con los amantes del género y todos nos hacíamos amigos. En cambio, la segunda etapa tenía mayor presupuesto económico. Si Ráfales organizaba el certamen con tres millones y medio, Goas acabó haciéndolo con presupuestos de ochenta millones. Sin embargo la diferencia económica nunca supuso ningún aumento de calidad porque el nuevo equipo nunca amó el género fantástico y eso se les notaba demasiado.
En la época Goas todos los personajes invitados eran inaccesibles al gran público, se había perdido aquel calor humano característico de la anterior etapa y el clima se fue deteriorando cada año hasta que el Festival de Sitges acabó convirtiéndose en una sombra de sí mismo. Desde mi punto de vista, la Generalitat han realizado una política cinematográfica equivocada desde el primer día de su restauración. Dicen que el Estado es mal empresario, pero es peor productor de cine. Su labor en el Festival de Sitges así lo demuestra.
En la época actual el Festival lo lleva Ángel Sala con quien tenemos muy buena relación. A pesar de ésto he decidido no volver a Sitges porque la gente que iba y que va me faltaba al respeto sin ningún motivo. Gente que iba a gorronear y a molestar constantemente creando una situación muy desagradable por lo que decidí ahorrarme disgustos. No volví al Festival de Sitges ni al Imagfic de Madrid por los mismos motivos.

Afortunadamente, en octubre de 1976, el Festival aún pertenecía al amigo Ráfales, y los amantes del Séptimo Arte podíamos convivir y codearnos con la créme de la créme del género. Gracias a este maravillosa circunstancia pude encontrarme con el realizador que marcó una época dorada en el cine fantástico internacional.

¿Cómo definiría sus films, mister Fisher?

– Como cuentos de hadas para adultos.

¿Conoce el cine fantástico español?

– Sí y no me gustan nada. Hay demasiada sexo y violencia. Ello ocurre no sólo en este país sino también en otros. La excesiva violencia parte de una cultura violenta pero también por motivos mercantiles, aunque la gente que las rueden crean en ella. No he visto muchas películas fantásticas españolas porque en Inglaterra se distribuyen muy poco. En España existe una censura muy fuerte ¿no? ¿Es difícil rodar películas aquí?
”Las películas españolas suelen tener doble versión. La extranjera tiene demasiados desnudos generalmente gratuitos, no tienen ninguna justificación y aparecen sin más ni más. Yo estoy por la libertad si se usa bien.

Pero en su cine había erotismo

– Yo saco el erotismo cuando la trama lo exige. Ahora se hace para sacar dinero.

En cierta clase de cine fantástico existe una misoginia galopante. Las mujeres son siempre las víctimas y se asustan demasiado fácilmente.

– ¡Lógico! eso forma parte de su psicología. Es natural que se sienta miedo ante el peligro ¿quién no?

¿Me puede hablar de los actores de cine fantástico?

– Christopher Lee es un soberbio Drácula. No creo que ningún actor haya trabajado este papel como él. Su porte y sus movimientos están muy cuidados. Lee tiene gran habilidad en dar emoción a sus escenas. Bela Lugosi no tenía sex apel, carecía del atractivo sexual de Lee. éste tenía en primer lugar un fuerte elemento de sexo, como con las dos jóvenes de la casa, Lucy y Mina. Es lógico poner sexo en estas situaciones. La actuación de ambos era muy distinta. Bela Lugosi era todo melodrama, Christopher Lee era pura realidad. El Diablo siempre tiene su atractivo.

“Peter Cushing era un soberbio Van Helsing, un actor muy agradable. El barón de Frankenstein quería ayudar a la humanidad, estaba obcecado con sus ideales. Creía que su monstruo era un hombre, quería hacer el hombre perfecto. El doctor era cada vez más cruel y llegaba hasta el asesinato. En La maldición de Frankenstein (Curse of Frankenstein, 1957) mataba a otro científico para construir a su hombre. Era muy cruel.

“Trabajó con Boris Karloff en unos telefilmes de la serie Colonel March of Scottland Yard. Era un hombre muy gentil. Su interpretación de monstruo de Frankenstein en la época de la Universal era muy buena. De situaciones muy simples él sacaba gran provecho.

¿Qué opina de los demás directores de la Hammer como, por ejemplo, Roy Ward Baker?

– Prefiero reservarme mi opinión sobre el particular porque no me gusta juzgar a mis compañeros. Sin embargo le dirá que ese señor a quién cita me parece muy buen director.

La escena más difícil.

– Mi primer Frankenstein porque existían otras versiones muy famosas y temí que mi película saliera malparada en la comparación. Estuve aterrorizado durante el rodaje. Le confesará una cosa ¿sabe que no vi esas series en blanco y negro hasta que hubiera rodado mis primeras películas de terror? No quería me influyeran su visión y por instinto las imitara. Después las vi y me gustaron mucho.

¿Cual película prefiere del periodo de los años treinta?

– La novia de Frankenstein (The bride of Frankenstein, 1935) de James Whale, sin duda.

¿Le interesa la SF?

– Sí, es un género que empieza ahora. Es algo más que los seres monstruosos del otro mundo. La SF me interesa, me gusta mucho 2001, una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968) de Stanley Kubrick.

En su serie de Frankenstein da más importancia al creador que a su monstruo, al reves que la Universal ¿por qué?

– Porque el doctor Frankenstein creí al monstruo, es un personaje que yo encontré más importante.

¿Cuales son sus películas favoritas entre las que usted ha dirigido?

– Drácula (Horror of Dracula, 1958) por ser una película muy compacta y Curse of the werewolf (1961) porque es una historia de amor.

Entrevista realizada por Salvador Sáinz en octubre de 1976.