HACE 50 AÑOS

En octubre de 1976, Terence Fisher fue invitado de honor el Festival de Cine Fantástico y de Terror de la Villa de Sitges. En su presencia, los afortunados aficionados asistentes, pudimos descubrir alguna parte de su filmografía que los distribuidores (o los censores) españoles nos habían escamoteado injustamente. Recuerdo con gran felicidad aquel día en que me citó en el hall del Hotel Calípolis de Sitges a primera hora de la mañana. Yo fui muy puntual, como es mi costumbre ya que detesto llegar tarde a las citas, y sorprendentemente, el realizador británico ya me estaba esperando mientras que por lo general, en otras ocasiones, los entrevistados me han hecho perder tiempo en una inútil espera.
Fisher era un hombre muy cordial, simpático, y menudo de talla. En aquella misma edición estuvo presente Freddie Francis, de quien por cierto no podemos decir lo mismo, ya que es un hombre de carácter áspero. Diez años después, en el mismo lugar, conocí a Christopher Lee que en un principio me dio una impresión desagradable por su pésimo talante aunque en un segundo encuentro me trató de una forma mucho más cordial.

Estos diez años de diferencia marcaban dos estilos diferentes de organizar el Festival de Sitges, el de Ráfales y el de Goas. El primero tenía mayor calor humano, los personajes invitados convivían con los amantes del género y todos nos hacíamos amigos. En cambio, la segunda etapa tenía mayor presupuesto económico. Si Ráfales organizaba el certamen con tres millones y medio, Goas acabó haciéndolo con presupuestos de ochenta millones. Sin embargo la diferencia económica nunca supuso ningún aumento de calidad porque el nuevo equipo nunca amó el género fantástico y eso se les notaba demasiado.
En la época Goas todos los personajes invitados eran inaccesibles al gran público, se había perdido aquel calor humano característico de la anterior etapa y el clima se fue deteriorando cada año hasta que el Festival de Sitges acabó convirtiéndose en una sombra de sí mismo. Desde mi punto de vista, la Generalitat han realizado una política cinematográfica equivocada desde el primer día de su restauración. Dicen que el Estado es mal empresario, pero es peor productor de cine. Su labor en el Festival de Sitges así lo demuestra.
En la época actual el Festival lo lleva Ángel Sala con quien tenemos muy buena relación. A pesar de ésto he decidido no volver a Sitges porque la gente que iba y que va me faltaba al respeto sin ningún motivo. Gente que iba a gorronear y a molestar constantemente creando una situación muy desagradable por lo que decidí ahorrarme disgustos. No volví al Festival de Sitges ni al Imagfic de Madrid por los mismos motivos.

Afortunadamente, en octubre de 1976, el Festival aún pertenecía al amigo Ráfales, y los amantes del Séptimo Arte podíamos convivir y codearnos con la créme de la créme del género. Gracias a este maravillosa circunstancia pude encontrarme con el realizador que marcó una época dorada en el cine fantástico internacional.

¿Cómo definiría sus films, mister Fisher?

– Como cuentos de hadas para adultos.

¿Conoce el cine fantástico español?

– Sí y no me gustan nada. Hay demasiada sexo y violencia. Ello ocurre no sólo en este país sino también en otros. La excesiva violencia parte de una cultura violenta pero también por motivos mercantiles, aunque la gente que las rueden crean en ella. No he visto muchas películas fantásticas españolas porque en Inglaterra se distribuyen muy poco. En España existe una censura muy fuerte ¿no? ¿Es difícil rodar películas aquí?
”Las películas españolas suelen tener doble versión. La extranjera tiene demasiados desnudos generalmente gratuitos, no tienen ninguna justificación y aparecen sin más ni más. Yo estoy por la libertad si se usa bien.

Pero en su cine había erotismo

– Yo saco el erotismo cuando la trama lo exige. Ahora se hace para sacar dinero.

En cierta clase de cine fantástico existe una misoginia galopante. Las mujeres son siempre las víctimas y se asustan demasiado fácilmente.

– ¡Lógico! eso forma parte de su psicología. Es natural que se sienta miedo ante el peligro ¿quién no?

¿Me puede hablar de los actores de cine fantástico?

– Christopher Lee es un soberbio Drácula. No creo que ningún actor haya trabajado este papel como él. Su porte y sus movimientos están muy cuidados. Lee tiene gran habilidad en dar emoción a sus escenas. Bela Lugosi no tenía sex apel, carecía del atractivo sexual de Lee. éste tenía en primer lugar un fuerte elemento de sexo, como con las dos jóvenes de la casa, Lucy y Mina. Es lógico poner sexo en estas situaciones. La actuación de ambos era muy distinta. Bela Lugosi era todo melodrama, Christopher Lee era pura realidad. El Diablo siempre tiene su atractivo.

“Peter Cushing era un soberbio Van Helsing, un actor muy agradable. El barón de Frankenstein quería ayudar a la humanidad, estaba obcecado con sus ideales. Creía que su monstruo era un hombre, quería hacer el hombre perfecto. El doctor era cada vez más cruel y llegaba hasta el asesinato. En La maldición de Frankenstein (Curse of Frankenstein, 1957) mataba a otro científico para construir a su hombre. Era muy cruel.

“Trabajó con Boris Karloff en unos telefilmes de la serie Colonel March of Scottland Yard. Era un hombre muy gentil. Su interpretación de monstruo de Frankenstein en la época de la Universal era muy buena. De situaciones muy simples él sacaba gran provecho.

¿Qué opina de los demás directores de la Hammer como, por ejemplo, Roy Ward Baker?

– Prefiero reservarme mi opinión sobre el particular porque no me gusta juzgar a mis compañeros. Sin embargo le dirá que ese señor a quién cita me parece muy buen director.

La escena más difícil.

– Mi primer Frankenstein porque existían otras versiones muy famosas y temí que mi película saliera malparada en la comparación. Estuve aterrorizado durante el rodaje. Le confesará una cosa ¿sabe que no vi esas series en blanco y negro hasta que hubiera rodado mis primeras películas de terror? No quería me influyeran su visión y por instinto las imitara. Después las vi y me gustaron mucho.

¿Cual película prefiere del periodo de los años treinta?

– La novia de Frankenstein (The bride of Frankenstein, 1935) de James Whale, sin duda.

¿Le interesa la SF?

– Sí, es un género que empieza ahora. Es algo más que los seres monstruosos del otro mundo. La SF me interesa, me gusta mucho 2001, una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968) de Stanley Kubrick.

En su serie de Frankenstein da más importancia al creador que a su monstruo, al reves que la Universal ¿por qué?

– Porque el doctor Frankenstein creí al monstruo, es un personaje que yo encontré más importante.

¿Cuales son sus películas favoritas entre las que usted ha dirigido?

– Drácula (Horror of Dracula, 1958) por ser una película muy compacta y Curse of the werewolf (1961) porque es una historia de amor.

Entrevista realizada por Salvador Sáinz en octubre de 1976.

EL GENIO DE WILDER A CIEN

UNO, DOS, TRES. Título original: One, Two, Three. Año: 1961. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: James Cagney (C.R. «Mac» MacNamara), Horst Buchholz (Otto Ludwig Piffl), Pamela Tiffin (Scarlett Hazeltine), Arlene Francis (Phyllis MacNamara), Liselotte Pulver (Fräulein Ingeborg), Hanns Lothar (Schlemmer), Howard St. John (Wendell P. Hazeltine), Leon Askin (Peripetchikoff), Ralf Wolter (Borodenko), Peter Capell (Mishkin), Karl Lieffen (Fritz), Hubert von Meyerinck (Count Waldemar von Droste-Schattenburg). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Teatro: Ferenc Molnár. Música: Andre Previn. Fotografía: Daniel L. Fapp (B&W). United Artists. Duración: 108 minutos.

A mí me gusta muy poco la política. Tanto la de derechas como la de izquierdas y sobretodo las nacionalistas que sólo sirven para que unos vivales vivan del cuento. Del comunismo algunos me dicen que es un paraíso pero las gentes que lo han vivido me cuentan que es un infierno. ¿Quién tiene razón? La Historia les ha condenado pero erre que erre goza de gran prestigio en medios intelectuales, sobretodo en la crítica cinematográfica.
Tras la caida del Régimen Nazi Alemania quedó dividida en dos mitades, la Federal y la Democrática o comunista. Berlín fue dividido por un muro en el que mucha gente encontró la muerte por tratar de cruzarlo rumbo al «perverso» capitalismo. Por mucho que digan nuestros progresa la realidad es trágica. El Muro de Berlín (1961-1989) fue una barrera de 155 km que dividió la ciudad alemana en Este (RDA comunista) y Oeste (capitalista) durante la Guerra Fría. Construido para frenar la emigración al oeste, separó familias durante 28 años, convirtiéndose en un símbolo de la represión hasta su caída el 9 de noviembre de 1989.
Cuando se rodó la película de Billy Wilder el Muro no existía aún pero si la división de la ciudad. Uno, Dos, Tres en su día no gustó demasiado pero actualmente es considerada una auténtica obra maestra. Su autor, Wilder (Sucha, Imperio austrohúngaro, 22 de junio de 1906-Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002), un judío que huyó de su país ocupado por los nazis, no es nada sospechoso de reaccionario o derechista. Sin embargo rezumaba talento por los cuatro costados.

Uno, Dos, Tres es una comedia alocada con un ritmo frenético con La Danza del Sable de Aram Jachaturián como música de fondo. Pone en solfa el comunismo histérico repleto de frases hechas repetidas de forma mecánica por ciegos fanáticos que ven el mundo de una forma dogmática. En realidad una excusa para alimentar a una clase de parásitos que viven del prójimo a cuerpo de rey y tocan Yes, We Have No Bananas en alemán. Por el otro lado tenemos un capitalismo atroz que sólo piensa en los dividendos.
La comedia está basada en una obra teatral de  Ferenc Molnár, algo que se nota en el guion cargado de palabras, pero reconvertida en una frenética obra cinematográfica por el gran Wilder. James Cagney borda su papel tan temperamental. Lo vive. El resto del reparto está perfecto y cumple con su cometido.
Wilder utiliza la ironía del escepticismo, la sátira sarcástica. El comunismo fue un experimento fracasado de alternativa al mundo capitalista y su lectura de la Historia demasiado ingenua. Su trama es atemporal pero es un precioso documento sobre la Guerra Fría. El genial director se ríe del comunismo y también del capitalismo. De una guerra gratuita que duró décadas y acabó en la nada.

El gag final que demuestra la ironía de Billy Wilder. En una máquina de vender Coca Cola se encuentran una Pepsi Cola, el refresco rival de aquella compañía.

Billy Wilder a la izquierda en la puerta de Branderburgo con Pamela Tiffin, James Cagney y Horst Buchholz.

EXCELENTE COMEDIA NEGRA

LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRO. Título original: The Notorius Landlady. Año: 1962. País: Estados Unidos. Dirección: Richard Quine. Reparto: Kim Novak (Mrs. Carlyle ‘Carly’ Hardwicke), Jack Lemmon (William ‘Bill’ Gridley), Fred Astaire (Franklyn Ambruster), Lionel Jeffries (Inspector Oliphant), Estelle Winwood (Mrs. Dunhill), Maxwell Reed (Miles Hardwicke), Philippa Bevans (Mrs. Agatha Brown), Henry Daniell (Extranjero). Guion: Blake Edwards, Larry Gelbart. Historia: Margery Sharp. Música: George Duning. Fotografía: Arthur E. Arling. Columbia Pictures. Distribuidora: Columbia Pictures. Duración: 123 minutos.

En los comentarios de Cómo matar a la propia esposa hablé de un film de Richard Quine (Detroit, Míchigan; 12 de noviembre de 1920 – Los Ángeles, California; 10 de junio de 1989) , un cineasta a reivindicar. Rodó musicales, comedias y cine negro. Con Kim Novak rodó tres películas: Me enamoré de una bruja (1958), Un extraño en mi vida (1960) y La misteriosa dama de negro (1962). Marilyn Pauline Novak (Chicago, 13 de febrero de 1933), conocida como Kim Novak, fue musa de Quine y del gran Alfred Hitchcock para quién rodó Vértigo (1958), compartiendo cartel con James Stewart con quien repetiría en Me enamoré de una bruja, junto a Jack Lemmon su compañero en la presente película de la que hablamos.
En su época era todo un Sex Symbol, un bellezón impresionante con legión de admiradores. Era inmensamente atractiva aunque decayó muy deprisa. Las actrices bellas se queman enseguida, tienen vida efímera en el celuloide. Pasado su juventud dejan de interesar a los productores que sólo piensan en hacer negocio con sus películas y ganar mucho dinero.

La misteriosa dama de negro es una mezcla de dos géneros cinematográficos de gran solera. Por un lado la comedia de situación con un eficiente Jack Lemmon y por otro el suspenso estilo Alfred Hitchcock. Como comedia cuenta con el soporte de un Fred Astaire alejado del cine musical por el cual le conocemos. Aquí es actor de comedia y brilla igualmente. Como secundario nos encontramos a la leyenda del cine británico, Lionel Jeffries a quien vimos en Camelot (1967) como rey Pelionor y en Chitty Chitty Bang Bang(1968) como padre de Dick Van Dyke que paradójicamente era mayor que él cuatro años.
El peso de la película recae en el legendario Jack Lemmon, un todo terreno, representante del estadounidense medio. También en la enigmática Kim Novak, creando un personaje ambiguo misterioso. El público duda de si en verdad es una asesina o un inocente juguete de una trama maléfica.
La acción se sitúa en Londres, la capital de Reino Unido, tratado con cierta simpatía ya que los estadounidenses suelen ser arrogantes y tratan muy mal al resto de los países del mundo. Su arrogancia es infinita.
Lemmon y Novak son toda la película, mejor que Cómo matar a la propia esposa de la que ya hemos hablado en otra parte. Es una película más compacta y más sólida. La parte final parece un guion de Alfred Hitchcock dirigido por Frank Tahslin, especialista en slapstick, con música de Los piratas de Penzance de los británicos Gilbert y Sullivan.
La ambientación tiene elementos de cine gótico, una mansión victoriana algo lúgubre y una mujer misteriosa viviendo en ella. Como contrapunto la ingenuidad del personaje de Jack Lemmon y la socarronería del de Fred Astaire. Todo un clásico de un cine irrepetible.

Richard Quine

LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

ESCUADRÓN MOSQUITO. Título original: Mosquito Squadron. Año: 1969. País: Reino Unido. Dirección: Boris Sagal. Reparto: David McCallum (Quint Munroe), Suzanne Neve (Beth Scott), Charles Gray (Comodoro Hufford), David Buck (David ‘Scotty’ Scott), David Dundas (Teniente Douglas Shelton), Dinsdale Landen (Comandante Clyde Penrose), Nicky Henson (Sargento Wiley Bunce), Bryan Marshall (Sargento Neale), Michael Anthony (Padre Bellague), Peggy Thorpe-Bates (Mrs. Scott), Peter Copley (Mr. Scott), Vladek Sheybal (Teniente Schack), Michael McGovern (Teniente Bannister), Susan Brodrick (Susan, novia de Douglas). Guion: Donald S. Sanford, Joyce Perry. Música: Frank Cordell. Fotografía: Paul Beeson.
Oakmont Productions, United Artists. Duración: 90 minutos.

David Keith McCallum (Glasgow, 19 de septiembre de 1933-Nueva York, 25 de septiembre de 2023), conocido como David McCallum, fue un prolífico actor y músico británico, recordado sobre todo por su papel como Illya Kuryakin, un agente ruso en la serie de televisión The Man from U.N.C.L.E. (El Agente de C.I.P.O.L.  (1964-1968), en su versión en español), y por su papel como el doctor Donald Mallard en NCIS (2003-2023).
Su principal problema como actor fue que triunfó en televisión y el público lo confundía con su personaje Illya Kuryakin que le hizo famoso pero le cerró muchas puertas. Sus películas como protagonista no fueron bien en taquilla y ya se sabe que la taquilla impera. Tres mordiscos a la manzana (1967), La espalda contra el muro (1968), La captura (1969) y Escuadrón mosquito (1969) no tuvieron mucha relevancia.
Como secundario en el cine y como protagonista en televisión tuvo mejor suerte. Fue un estupendo Judas Iscariote en La historia mas grande jamás contada (1965), Freud (1962), La fragata infernal (1962), La gran evasión (1963), La última noche del Titanic (1958), Barrio peligroso (1958) con Peter Cushing, ..

Escuadrón mosquito no es una mala película ni una obra maestra, es el simple pasatiempo de un domingo por la tarde para espectadores no cinéfilos que se divierten con las películas de aviones. Es decir, estamos ante un pasatiempo que no molesta pero no entusiasma. Los actores están correctos, algunos los hemos visto en películas de James Bond o de la Hammer. Son el clásico reparto de escuela, profesionales que cumplen con su deber a la perfección.
La película la vez, pasas el rato y la olvidas en un suspiro. Está bien fotografiada pero el conjunto es muy rutinario. Resulta curioso que en 1966 David McCallum rodara dos películas bélicas. Esta de ánimos patrióticos y guerreros y La captura que es un alegato pacifista sobre la misma contienda.
La trama gira sobre que los nazis fabrican bombas muy letales en un castillo francés y los británicos lo tienen que destruir pero en su interior hay muchos prisioneros de su propio país y que han servido en el mismo escuadrón. Ello plantea un dilema moral muy interesante.

El agente de CIPOL

Stella Stevens y David McCallum en La espalda contra el muro.

LA SUPERVIVIENTE DEL TITANIC

MOLLY BROWN SIEMPRE A FLOTE. Título original: The Unsinkable Molly Brown. Año: 1964. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Walters. Reparto: Debbie Reynolds (Molly Brown), Harve Presnell (‘Leadville’ Johnny Brown), Ed Begley (Seamus Tobin), Jack Kruschen (Christmas Morgan), Hermione Baddeley (Buttercup Grogan), Vassili Lambrinos (el principe Louis de Laniere), Fred Essler (Karl Ludwig von Ettenburg), Harvey Lembeck (Polak), Lauren Gilbert (Mr. Fitzgerald), Kathryn Card (Mrs. Wadlington), Hayden Rorke (Malcolm Broderick), Harry Holcombe (Mr. Wadlington), Amy Douglass (Mrs. Fitzgerald), George Mitchell (el Monseñor Ryan), Martita Hunt (Elise Lupavinova), Vaughn Taylor (Mr. Cartwright), Anthony Eustrel (Roberts). Guion: Helen Deutsch. Obra: Richard Morris. Música: Robert Armbruster, Jack Elliott, Calvin Jackson, Leo Arnaud, Jack Hayes, Leo Shuken. Fotografía: Daniel L. Fapp. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 128 minutos.

¿Alguién vio Titanic (1997) de James Cameron? En ella Kathy Bates interpretaba el papel de Molly Brown, un personaje muy conocido en Estados Unidos de aquella época. Margaret Tobin Brown (Hannibal, Misuri, 18 de julio de 1867-Nueva York, 26 de octubre de 1932), también conocida como Molly Brown, fue una socialite, activista social y filántropa estadounidense, conocida por ser una de las supervivientes del hundimiento del Titanic en 1912.
El film de Cameron no es el único que se le dedicó, antes fue un musical de Broadway, La insumergible Molly Brown, Meredith Wilson, el creador del famoso, The Music Man, llevada al cine con el título Vivir de ilusión (1962), la estrenó en 1960 con Tammy Grimes con un aceptable éxito popular. En 1964 la obra se trasladó al cine por el nefasto productor Lawrence Weingarten, quién en los treinta destruyó la carrera de Buster Keaton con sus mediocres producciones, y se llamó al coreógrafo Charles Walters para su dirección. Como estrella se contó con Debbie Reynolds y como galán a Harve Presnell que no triunfó en el mundo del cine y a quien vimos en La leyenda de la Ciudad sin Nombre (1969) en el papel Podrido Luck Willie, el elegante fullero con voz de barítono.
En 1964 se estrenaron Mary Poppins y My Fair Lady, ya comentadas en este Diario de Cine. La película de Walters no pudo con la competencia de estos dos grandes musicales razón por la cual pasó completamente desapercibida.

En la parte negativa de esta cinta está la falta de expresividad de su protagonista principal y los continuos recortes de presupuesto que tuvo la producción. Por esto ese musical discurre de forma muy precipitada y es algo superficial en su desarrollo, En la parte positiva tenemos la espectacular coreografía de varios números completamente antológicos. Son lo mejor de su metraje.
Otro punto positivo es la actuación de Debbie Reynolds, toda una bomba de relojería, y algunos secundarios como Ed Begley y Hermione Baddeley. Dos grandes profesionales ya desaparecidos.
Mary Frances Reynolds (El Paso, Texas, 1 de abril de 1932-Los Ángeles, California, 28 de diciembre de 2016),[3]​ conocida como Debbie Reynolds, fue una actriz y cantante estadounidense, que intervino en Cantando bajo la lluvia y La Conquista del Oeste. Era una actriz muy solvente y madre de Carrie Fisher, la princesa Leila de La Guerra de las Galaxias. Nadie confiaba en Debbie cuando aceptó la película, todos la creían modosita y ñoña, pero es todo un volcán en erupción. Salva la producción del desastre y se mete al público en el bolsillo. Gran actriz, gran cantante y gran bailarina, Debbie Reynolds es todo un espectáculo viviente.

LA ÚLTIMA OBRA MAESTRA
DE CHAPLIN

EL GRAN DICTADOR. Título original: The Great Dictator. Año: 1940. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Chaplin. Reparto: Charles Chaplin (el barbero judío/ el dictador de Tomania), Paulette Goddard (Hannah), Jack Oakie (Benzino Napaloni, dictador de Bacteria), Reginald Gardiner (Schultz), Henry Daniell (Garbitsch), Billy Gilbert (Herring), Maurice Moscovich (el señor Jaeckel), Emma Dunn (la señora Jaeckel), Bernard Gorcey (el señor Mann), Chester Conklin (cliente del barbero), Esther Michelson (mujer judía), Hank Mann (guardia de asalto). Guion: Charles Chaplin. Música: Charles Chaplin, Meredith Willson. Fotografía: Roland Totheroh, Karl Struss (B&W). United Artists. Duración: 128 minutos.

Antes que nada quiero contar un recuerdo de mi infancia. En aquel tiempo en las iglesias católicas había un día, solía ser por Semana Santa, en que los fieles asistían con unas carracas, y en un momento dado las hacían sonar. Eso lo llamaban «matar judíos«, a los que culpaban de la muerte de Jesucristo y de ser avaros y usureros.
Desde la época del Imperio Romano existe la judeofobia. No se trata de pureza aria ni nada parecido. Al pueblo judío les acusaban de ser mala gente. Eso pasaba en toda Europa y otras partes del mundo. En la Roma de los Césares, los zelotes asesinaban gente porque el Imperio había ocupado su país. El pueblo romano que sufría sus vendettas los odiaban sin compasión.
En la época Nazi el odio al judío era una cortina de humo para ocultar las deficiencias políticas del Gobierno de Hitler. El antisemitismo siempre ha sido eso. Una maniobra de distracción. Un falso problema para que el pueblo olvide los verdaderos problemas. La película de Chaplin en el fondo trata de eso, de un régimen dictatorial que persigue a un pueblo a los que se culpa de todo.

El gran dictador en su día provocó numerosas polémicas. Se parodiaba a dos líderes mundiales antes de que el mundo descubriera su maldad. Nadie quiso producir la película por lo que Chaplin se tuvo que hipotecar.
Obtuvo un éxito impresionante aunque en algunos países, como España, se prohibió. En ella Chaplin interpreta dos personajes: Un barbero judío, muy parecido a Charlot, y el dictador Hynkel de Tomania. Fue la última obra maestra de su autor. Sus siguientes trabajos tenían calidad pero un tono menor.
La película tiene un tono más dramático que lo habitual. Chaplin interpreta a un barbero judío que es confundido con el dictador por su parecido físico. Entonces pronuncia un discurso antológico, algo mesiánico pero lleno de humanidad y buenas intenciones.
Tenemos también a Paulette Godard, su musa de entonces, una mujer extraordinaria. Los judíos son presentados como gente algo ingenua que vive su vida sin preocuparse de nada mientras en palacio se discute su destino.
El pueblo no intenta mejorar su situación. Se parecen a los judíos de Anatevka en El violinista en el tejado. Gentes con escasa conciencia política. Dejan hacer mientras no les molesten y cuando les molestan es demasiado tarde.
Como comedia tiene muy buenos gags. Hynkel en sus discursos habla en camelo sonando a alemán. Mas que un dictador parece un payaso absurdo. El propio Hitler vio la película dos veces y se enojó mucho. Desde entonces acusan a Chaplin de judío, aunque era católico. Recordemos la escena de la barberia en donde el barbero afeita a Chester Cocklin a ritmo de la Danza Húngara de Johannes Brahm. Todo un espectáculo.
Una gran película que ha vencido el paso del tiempo.

Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Sir Charles Chaplin y David Wark Griffith crearon la productora United Artist. La prensa comentó «los locos se han hecho dueños de su manicomio«.

Y CHARLOT SE FUE A LA GUERRA

!ARMAS AL HOMBRO¡ Título original: Shoulder Arms. Año: 1918. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Chaplin. Reparto: Charlie Chaplin (Charlot, Recluta), Edna Purviance (Joven francesa), Sydney Chaplin (sargento alemán, y el Káiser), Jack Wilson (príncipe alemán), Henry Bergman (sargento alemán gordo, y mariscal de campo von Hindenburg), Albert Austin (soldado estadounidense, soldado alemán, chofer del Káiser), Tom Wilson (sargento entrenador del campo), John Rand (soldado estadounidense), J. Parks Jones (soldado estadounidense), Loyal Underwood (oficial alemán de baja estatura). Guion: Charles Chaplin. Fotografía: Roland Totheroh (B&W). Charles Chaplin. Duración: 36 minutos.

La Primera Guerra Mundial se desarrolló entre el 28 de julio de 1914 y el 11 de noviembre de 1918. Conocida como la «Gran Guerra«, enfrentó a las potencias centrales (Alemania, Austria-Hungría) contra la Triple Entente (Francia, Reino Unido, Rusia), marcando profundamente el siglo XX.  El detonante fue el asesinato del archiduque Francisco Fernando, heredero del Imperio Astro-húngaro, y de su esposa  Sofía Chotek, el 28 de junio de 1914 en Sarajevo.
Posteriormente entró Estados Unidos en la contienda. Buster Keaton fue llamado a filas y combatió en Francia, cuyos recuerdos aparecen en su mejor largo sonoro, Reclutas (1930).  Charlie Chaplin fue rechazado por el ejército inglés por su bajo peso y continuó rodando películas en Hollywood recibiendo toda clase de reproches y críticas. Sin embargo hizo propaganda para la venta de Bonos de Guerra para financiar la campaña militar.
En 1918 estrenó una farsa antibélica, ¡Armas al hombre! recientemente recordada en las Fallas de Valencia, 2023. Una auténtica obra maestra como era su cine en aquella época.

Charles Chaplin es una de las figuras más queridas en este Diario de Cine. Su filmografía con aciertos y errores es una de las mejores desde que los hermanos Auguste y Louis Lumière inventaron el cinematógrafo.  ¡Armas al hombre! es un mediometraje en la que nuestro vagabundo se ve obligado a ponerse el uniforme porque la Patria le llama.
Chaplin demuestra el absurdo de la guerra, en este caso de la Gran Guerra, que luego engendraron monstruos como el fascismo y el comunismo que a lo largo del siglo XX han hecho mucho daño a la Humanidad.
Nos encontramos con la vida de un soldado sujeto a una disciplina férrea. El cine nos demuestra que hasta el ser más insignificante puede convertirse en héroe. Aquí el bando contrario no nos es mostrado como villanos crueles y malditos. Los soldados alemanes en el fondo son tan desgraciados como los estadounidenses.
Algunas escenas son de fantasía, en la que Charlot se disfraza de árbol y vence a los teutones. En una secuencia castiga al jefe del enemigo ante la complicidad de sus soldados. Como decía Mohammad Ali (campeón mundial de boxeo) «¿porqué hemos de ir al frente a matar a gente que no nos ha hecho nada?«. La película es bellísima, con buenos momentos líricos. Edna Purviance está en su mejor momento como la campesina francesa que se enamora de nuestro Charlot.
Las secuencias finales anticipan El gran dictador (1940), capturan al Káiser y terminan la guerra.  Algo utópico pero patriótico.