EL ASESINO DE LA CORBATA

FRENESÍ. Título original: Frenzy. Año: 1972. País: Reino Unido. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Jon Finch (Richard Ian Blaney), Alec McCowen (Inspector Jefe Oxford), Barry Foster (Robert Rusk), Billie Whitelaw (Hetty Porter), Anna Massey (Barbara Jane ‘Babs’ Milligan), Barbara Leigh-Hunt (Brenda Margaret Blaney), Bernard Cribbins (Felix Forsythe), Vivien Merchant (Señora Oxford), Michael Bates (Sargento Spearman), Jean Marsh (Monica Barling), Clive Swift (Johnny Porter), John Boxer (Sir George), Madge Ryan (Señora Davidson), George Tovey (Señor Salt), Elsie Randolph (Gladys), Jimmy Gardner (Portero del hotel), Gerald Sim (Solicitante en pub), Noel Johnson (Doctor en el pub). Guion: Anthony Shaffer. Novela: Arthur La Bern. Música: Ron Goodwin. Fotografía: Gilbert Taylor. Universal Pictures. Duración: 116 minutos.

En 1972 muchos críticos consideraban acabada la carrera del gran Alfred Hitchcock. Tanto Topaz (1969) como Cortina rasgada (1966) fueron consideradas obras fallidas en parte porque dejaban en mal lugar los regímenes comunistas por los que parte de la crítica sienten gran simpatía.  Sin embargo los pueblos que padecieron ese sistema político difieren profundamente de tal aseveración.
Para mí son dos obras menores pero muy atractivas e interesantes. Cuando Hitchcock estrenó Frenesí lanzaron las campanas al vuelo: ¡Hitchcock se ha recuperado! dijeron pero creo que nunca se perdió.
Alfred Joseph Hitchcock (Londres, 13 de agosto de 1899-Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue un director de cine, productor y guionista británico. Sus primeras obras las dirigió en Reino Unido, su país, Hitchcock dirigió 53 largometrajes a lo largo de su carrera como director, listado que inició con The Pleasure Garden (1925) y concluyó con La trama (1976). Veintitrés de esos filmes se produjeron en el Reino Unido.
Tenía una carrera muy sólida en su país de origen cuando Hollywood lo llamó, debutando con Rebeca (1940) a la que siguieron títulos míticos que son una lección de cine magistral.
En horas bajas, regresó a Reino Unido para rodar Frenesí con actores poco conocidos or el gran público pero no por ello inferiores en calidad. Hitchcock ya tenía 73 años cuando la rodó pero su maestría estaba intacta.

Con Frenesí, el gran Alfred Hitchcock reverdece sus viejos laureles y regresa a sus principios con ese thriller con pasícópata sexual e imágenes violentas con algún leve desnudo. Además tiene una fotografía (excelente por cierto) de Gilbert Taylor muy oscura y sórdida. Las escenas de asesinatos son muy brutales al principio pero en las siguientes son sugeridas y no mostradas. La cámara retrocede y baja escaleras dejando que el público se imagine la acción.
Algunas escenas tienen el típico humor negro británico como el camión con sacos de patatas donde el asesino ha escondido a una de sus víctimas.
Por contra tenemos alivio cómico en las escenas en que la mujer del inspector de Scotland Yard muestra una cocina pretenciosa e infumable.
La trama central recurre a una constante de Hitchcock, el falso culpable. A nuestro protagonista se le persigue yse le condenan por unos crímenes que no ha cometido pero el inspector no está del todo convencido y descubre finalmente la trama.
A principios de la película sabemos quién es el asesino pero el suspenso radica en su temor a ser descubierto y la desesperanza del falso culpable en quién recaen todas las sospechas con datos incriminatorios.
Con Frenesí Alfred Hichcock recuperó su perdido prstigioso pero fue la penúltima de su filmografía. La edad no perdonaba y con La trama cerró su brillante carrera.

A la izquierda la actriz Anna Massey (1937-2011), hija del célebre actor Raymond Massey, y a la derecha el genial Alfred Hitchcock rodando Frenesí.

JOAN, JOAN Y DOROTHY

UNA ISLA AL SOL. Título original: Island in the Sun. Año: 1957. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Rossen. Reparto: Dorothy Dandridge (Margot Seaton), James Mason (Maxwell Fleury), Harry Belafonte (David Boyeur), Joan Fontaine (Mavis Norman), Joan Collins (Jocelyn Fleury), Michael Rennie (Hilary Carson), Patricia Owens (Sylvia Fleury), John Justin (Denis Archer), Stephen Boyd (Euan, Lord Templeton), Diana Wynyard (la Sra. Fleury), Basil Sydney (Julian Fleury), John Williams (el coronel Whittingham), Ronald Squire (Lord Templeton), Hartley Power (Bradshaw). Guion: Alfred Hayes. Novela: Alec Waugh. Música: Malcolm Arnold. Fotografía: Freddie Young. 20th Century Fox, Darryl F. Zanuck Productions. Duración: 123 minutos.

Robert Rossen (16 de marzo de 1908 – 18 de febrero de 1966) fue un director, productor y guionista de cine estadounidense que fue incluido en la lista negra de Hollywood de finales de los años 1950. Sus películas son: Cuerpo y alma (1947), Johnny O’Clock (1947), El político (1949), The Brave Bulls (1951), Mambo (1954), Alejandro el Grande (1956), La isla del sol (1957), Llegaron a Cordura (1959), The Hustler (1961), Lilith (1964).
Yo no comparto ninguna persecución política, creo en la Libertad de Expresión, Robert Rossen ingresó en el Partido Comunista de Estados Unidos y su filmografía se compone de películas bienintencionadas de contenido político y social. Con El político consiguió el Oscar al mejor productor. Algunas de sus obras fueron polémicas como La isla del Sol, o Una isla al Sol, que fue boicoteada por el Ku-Klux-Klan y prohibida en algunos estados. Aunque tenga una cierta simpatía por este director he de reconocer que sus ideas fueron nocivas en los países donde se instauró donde la censura fue feroz y las persecuciones políticas mucho más duras que las del senador McCarthy.
En Una isla al Sol tenemos a una de mis negras favoritas. Dorothy Dandrige, otra de las víctimas del racismo estadounidense. La actriz que inició el rodaje de Cleopatra (1963) y fue despedida, sustituida por Elizabeth Taylor. La Taylor me gusta pero la Dandrige mucho más.

El tema racial ha dado mucho que hablar en Hollywood y el resto del mundo. En Estados Unidos hubo un racismo desorbitado y en España el tema nos era ajeno, criticábamos los prejuicios de aquel país porque en nuestro terreno patrio no había negros. Ahora, con la inmigración, vemos el problema con otros ojos. La isla del Sol provocó en su día encendidas polémicas y Robert Rossen fue perseguido por unos por su audacia y otros le ensalzaron.
Para mí es un buen director pero no un genio. Tiene su gracia y la película interesa. Tiene su profundidad. El problema racial es un problema de clases sociales. Los africanos fueron secuestrados de su país natal, llevados encadenados en barcos y vendidos como animales de carga. Se les despojó de cualquier dignidad. Se emanciparon y ahora son libres pero se les siguió explotando.
El personaje de James Mason es significativo. Pretende ser un político favorable a la población africana pero él es un problema. Nunca solucionarán nuestros problemas aquellos que los han provocado.
Por contra tenemos a Harry Belafonte. Un caudillo para su raza que se enamora de una mujer blanca (Joan Fontaine). Pero la pareja está condenada al fracaso. Si marcha de la isla deja de ser un caudillo para convertirse en un paria.
En cambio la pareja de mujer negra (Dorothy Dandrige) con hombre blanco sí resulta. Los actores están todos muy bien. Joan Fontaine destila elegancia. Joan Collins es sensual. Dorothy Dandrige una diosa. Los actores masculinos también están bien. Harry Belafonte era un célebre cantante de Banana Boat, el rey del calipso, una canción que relata las desaventuras de los afroamericanos. James Mason, Stephen Boyd y Michael Rennie cumplen con corrección.
Aunque las cosas han cambiado, la película es atractiva. Se puede ver con agrado.

EL GRAN BILLY WILDER

BÉSAME, TONTO. Título original: Kiss Me, Stupid. Año: 1964. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Dean Martin (Dino), Kim Novak (Polly la Pistola), Ray Walston (Orville), Felicia Farr (Zelda), Cliff Osmond (Barney), Barbara Pepper (Gran Bertha), Skip Ward (Lechero), Doro Merande (Mrs. Pettibone), Bobo Lewis (Camarera), Tom Nolan (Johnnie Mulligan), Alice Pearce (Mrs. Mulligan). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Teatro: Anna Bonacci. Música: Andre Previn. Fotografía: Joseph LaShelle (B&W). The Mirisch Corporation, Phalanx Productions, United Artists. Duración: 119 minutos.

La hora de la fantasía se refiere principalmente a una comedia teatral en dos actos escrita por Anna Bonacci  (Roma, 28 novIembre 1892 – Falconara Marittima, 1981), estrenada con éxito y adaptada en España, incluyendo una versión para TVE en 1975. En 1969 fue llevado a la escena española por la eximia Irene Gutiérrez Alba, Francisco Piquer, Conchita Goyanes y el prestigioso Paco Morán.
Yo la vi en el Teatro Fortuny de Reus y me causó muy buena impresión.
Antes en 1964 el gran Billy Wilder la había adaptado al cine cambiando las localizaciones y la profesión de sus personajes principales.
Los papeles protagonistas los interpretaron actores generalmente secundarios o de poco relieve. como Felicia Farr (nacida Olive Dines; Condado de Westchester, Nueva York; 4 de octubre de 1932),  Cliff Osmond  (nacido Clifford Osman Ebrahim; 26 de febrero de 1937 – 22 de diciembre de 2012), el sagaz detective de En bandeja de plata, y el histriónico Ray Walston (Laurel, Misisipi, 2 de noviembre de 1914-Beverly Hills, California, 1 de enero de 2001) a quién vimos en Malditos yanquis, La leyenda de la Ciudad Sin Nombre y Al Sur del Pacífico. Tres grandes actores que no alcanzaron el estrellato en Hollywood lo que no significa menor calidad, sino todo lo contrario. Cliff Osmond fue incluso maestro de actores en la Georgetown University en Washington D.C.
Los afamados Dean Martin y Kim Novack tienen papeles más cortos pero ambos están geniales en sus respectivos trabajos.

El punto de partida de la mencionada obra y de esta película es la de un hombre muy celoso que para ascender debe dejar que su esposa, su Costillita, le ponga los cuernos con un afamado personaje con mala reputación. Pero idean un plan, sustituyen a su esposa por una prostituta a la que contratan para dejarse seducir por el divo de turno. Pero todo les saldrá como no se lo esperaban.
Dean Martin se autoparodia con estilo. Desde que se separó de Jerry Lewis su carrera mejoró aunque estuvo a la sombra de Frank Sinatra. La exuberante Kim Novack rebosa estilo y encanto. Fue una de las actrices más hermosas de Hollywood.
Billy Wider da rienda suelta a si cinismo como director. Personajes de hondos princípios que traicionan por poder escalar en la sociedad y convertirse en famosos millonarios. El precio de la fama es el de vender sus principios.
El triunfo trae miseria moral aunque a la hora de la verdad su integridad prevalece. Los personajes de Anna Bonacci son encantadores y tuvieron una buena adaptaión a la gran pantalla de la mano del gran Billy Wilder, uno de los mejores realizaores de comedia de la Historia del Cine.

A ORILLAS DEL MISISIPI

LAS AVENTURAS DE TOM SAWYER. Título original: Tom Sawyer. Año: 1973. País: Estados Unidos. Dirección: Don Taylor. Reparto: Johnny Whitaker (Tom Sawyer), Celeste Holm (tia Polly), Warren Oates (Muff Potter), Jeff East (Huckleberry Finn), Jodie Foster (Becky Thatcher), Lucille Benson (Widder Martha Douglas), Henry Jones (Mr. Dobbins), Noah Keen (Juez Cyrus Thatcher), Dub Taylor (Clayton). Guion: Robert B. Sherman, Richard M. Sherman. Novela: Mark Twain. Música: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman. Fotografía: Frank Stanley. Productor: Arthur P. Jacobs. Apjac International. Duración: 104 minutos.

Samuel Langhorne Clemens (Florida, Misuri, 30 de noviembre de 1835-Redding, Connecticut, 21 de abril de 1910), más conocido por su seudónimo Mark Twain, fue un escritor, orador y humorista estadounidense. Durante parte del siglo XIX fue un autor de grandes éxitos editoriales en donde retrata la sociedad que le toco vivir. Muchas de sus novelas han sido adaptadas al cine.
Su bibliografía es La edad dorada (1873), Las aventuras de Tom Sawyer (1876), El príncipe y el mendigo (1881), Las aventuras de Huckleberry Finn (1884), Un yanqui en la corte del Rey Arturo (1889), El pretendiente americano (1892), Tom Sawyer en el extranjero (1894), El bobo Wilson (1894), Recuerdos personales de Juana de Arco (1896), Tom Sawyer detective (1896), La historia de un caballo (1907), El forastero misterioso (1916). Obra póstuma.
Las aventuras de Tom Sawyer, la segunda novela de Mark Twain, ha tenido múltiples adaptaciones cinematográficas, destacando la versión en Technicolor de 1938 dirigida por Norman Taurog y la adaptación musical de 1973 con Jodie Foster. Otras versiones notables incluyen la de 1930 dirigida por John Cromwell y diversas adaptaciones televisivas.
La versión de 1973 esta producida por Arthur P. Jacobs  (7 de marzo de 1922 – 27 de junio de 1973). productor de la serie El planeta de los simios, el guion y las canciones de los famosos hermanos Sherman de Mary Poppins, y Don Tayler (13 de diciembre de 1920 – 29 de diciembre de 1998) fue primero actor y luego director de cintas como Algo para un hombre solitario (1968) con Dan Blocker, Huida del planeta de los simios (1971).
Ademas aparece Jody Foster cuando era un niña desconocida.

Acabada la serie de El planeta de los simios, Arthur P. Jacobs se paso al publico infantil  con esta adaptación musical de Tom Sawyer, a la que siguió Aventuras en el Mississipi (1974) de J. L. Thompson, pero el fallecimiento de Jacobs motivo que fuera sustituido por Natalie Trundy, su viuda.
La película tiene un tono amable y colorido con grandes espacios abiertos. Al fallecer Jacobs la productora perdió fuerza y no se mantuvo mucho tiempo. Johnny Whitaker despareció al llegar a adulto, pero esta bien con ese Tom Sawyer pilluelo, inventor de toda clase de falsedades pero en el fondo es noble y entregado.
Jeff East fue el Superman adolescente en la  película de Richard Donner ya mitica. Jodie Foster en cambio hizo un carreron impresionante hasta la fecha.
Toda la película esta centrada en las trastadas de Tom Sawyer y Huckleberry Finn que van descalzos y nadan en el rio Misisipi. Todo es amable y jocoso, realizado con buena intención.
Es una cinta que no molesta por su afabilidad. Las canciones de los hermanos Sherman son bonitas pero inferiores a las de otras producciones. Ninguna ha triunfado ni transcendido a la historia de la música en el cine. En su conjunto la producción se ve sin enojo.

BATALLITAS OLVIDADAS

¿QUE TAL, PUSSYCAT?. Título original: What’s New, Pussycat?. Año: 1965. País: Estados Unidos. Dirección: Clive Donner. Reparto: Peter Sellers (Dr. Fritz Fassbender), Peter O’Toole (Michael James), Romy Schneider (Carole), Capucine (Renée), Paula Prentiss (Liz), Woody Allen (Víctor), Ursula Andress (Rita), Jess Hahn (Sr. Werner), Howard Vernon (Doctor), Françoise Hardy (Asistente del alcalde). Sabine Sun (Como la enfermera), Richard Burton (Cameo como un hombre en el bar de un club de striptease). Guion: Woody Allen. Música: Burt Bacharach. Canción del titulo: Tom Jones. Fotografía: Jean Badal. United Artists. Duración: 108 minutos.

Hara unos sesenta años que hubo una campaña en Fotogramas para que estrenaran la película que nos ocupa. La censura franquista la había prohibido no se porque y los lectores de la mentada revista se pusieron en pie de guerra exigiendo su estreno. Era la película deseada.
Vista en la actualidad descubrimos que no  había para tanto en un sentido y en otro. No es lo suficientemente inmoral para que la censura prohibiera su distribución comercial en España. Cosas mas osadas se vieron aquellos días.
Por otra parte esta cinta no tiene la suficiente calidad para su mitificacion. Todo lo que ha hecho Clive Donner (21 de enero de 1926 – 6 de septiembre de 2010) es mediocre, nunca hizo una buena película que yo recuerde. Ahora la película se ve vieja y pasada de moda. Yo he hablado de muchas películas antiguas en este blog, pero muchas de ellas conservan la calidad y el ingenio intactos.
Ademas esta cinta supuso el debut en cine del afamado Woody Allen (nacido como Allan Stewart Konigsberg; Nueva York, 30 de noviembre de 1935), autor del guion del que reniega por los numerosos cambios que le hicieron al mismo.

Alguien me dijo que si ruedas una película clásica dentro de diez años tendrás una película clásica. Si ruedas una película moderna dentro de diez años tendrás una película anticuada. Eso es precisamente lo que le pasa a este titulo que esta fuera de su tiempo. No es antipática pero si un tanto pretenciosa.
Vemos algunas de las obsesiones típicas del cine de Woody Allen que en el futuro maduró como cineasta. La psiquiatría, el psicoanálisis. Pero la película de Donner es muy superficial y poco entretenida.
A esta cinta le falta imaginación, ingenio. Le sobran ganas de parecer moderno con una modernidad muy superficial. Personajes neuróticos, muy típicos de Allen. Protagonista un guapearas que encandila a las damas con su falso encanto pero es incapaz de retener a una sola, lo que si hace al final.
Tenemos a Peter Sellers, lejos de su inspector Clouseau que tanta gloria dio a la comedia. La bella Romy Schneider. Capucine y Ursula Andress entonces de moda. La película no es mala, no esta a la altura de su fama de entonces. Es un quiero y no puedo. Eso si los actores se deberían haber divertido con el rodaje.

A la izquierda Clive Donner con el equipo artístico de la pelicula.

EL GRAN HOLLYWOOD

LLÉVAME A VER EL PARTIDO. Título original: Take Me out to the Ball Game. Año: 1949. País: Estados Unidos. Dirección: Busby Berkeley. Reparto: Gene Kelly (Eddie O’Brien), Frank Sinatra (Dennis Ryan), Esther Williams (K.C. Higgins), Betty Garrett (Shirley Delwyn), Edward Arnold (Joe Lorgan), Jules Munshin (Nat Goldberg), Richard Lane (Michael Gilhuly), Tom Dugan (Slappy Burke), Ed Cassidy (Teddy Roosevelt). Guion: George Wells, Harry Crane. Argumento: Stanley Donen y Gene Kelly. Música: Roger Edens. Coreografía: Stanley Donen y Gene Kelly. Fotografía: George J. Folsey. Productor: Arthur Freed. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 93 minutos.

¿Alguien recuerda Una noche en la Ópera con los hermanos Marx? En una secuencia cambian las partituras de la ópera por una canción popular. De repente la orquesta se pone a tocar Take Me Out to the Ball Game de Jack Norworth y Albert Von Tilzer, un himno de los partidos de beisbol en Estados Unidos. Ese es el título original de la película que nos ocupa que se podría traducir como Llévame al partido de béisbol, aquí traducido como Llévame a ver el partido.
Esta película es muy estadounidense por lo que tardó en llegar a España donde el público tiene otros gustos muy diferentes a los del país del dólar.
En el reparto tenemos a un joven Frank Sinatra que en su tiempo enamoró a millones de adolescentes de la época mientras que en España cantaban los Xey (un grupo famoso en su época) Los feos que decía así «Todos los feos conquistan a las mujeres más bellas, Agustín Lara y un tal Sinatra«.
El protagonista principal, entonces principiante, Gene Kelly le opaca en toda la cinta porque era un artista más completo y el mejor bailarín después de Fred Astaire.
Entre los secundarios tenemos a Betty Garrett (St. Joseph, Misuri, 23 de mayo de 1919-12 de febrero de 2011), una estupenda cómica que triunfó como la taxista de Un día en Nueva York (1949), enamorada de Frank Sinatra, y que al igual que aquí le persigue con ahínco.
Casada con Larry Parks, Garret y su marido fueron represaliados por la Lista Negra del senador McCarthy ya que ese matrimonio era militante del Partico Comunista. Sin embargo eran propietarios de una empresa constructora y de diversos apartamentos del area metropolitana de Los Angeles.

En Llévame a ver el partido nos encontramos con un director en declive, el gran Busby Berkeley, antiguo coreógrafo de musicales geniales, y la participación en la misma de dos jóvenes que en el mismo año estrenaron Un día en Nueva York como directores, la película que les lanzó a la fama.
Stanley Donen y Gene Kelly, dos nombres valiosos para el musical, eran también argumentistas de ambas cintas por lo que aparecen en ellas varias semejanzas. El trío formado por Kelly, Sinatra y Jules Munshin que repitieron así como la hembra acosadora de Frank Sinatra, Betty Garret, en papeles muy similares.
Tenemos asimismo excelentes números musicales: O’Brien to Ryan to Goldberg con el trío protagonista, The Hat My Dear Old Father Wore upon St. Patrick’s Day cantado y bailado por Gene Kelly, Strictly U.S.A por las dos parejas de la película, la propia Take Me Out to the Ball Game interpretada por Gene Kelly y Frank Sinatra  y repetida en la piscina por Esther Williams.
Las escenas de comedia son asimismo brillantes. Tenemos un cameo de Theodore Roosevelt (el Donald Trump de la época). Un buen espectáculo que nos hizo presagiar la Edad de Oro del Musical que estaba al caer en el mismo año. 

PARA PAGAR FACTURAS

GALLARDO Y CALAVERA. Título original: Come Blow Your Horn. Año: 1963. País: Estados Unidos. Dirección: Bud Yorkin. Reparto: Frank Sinatra (Alan Baker), Lee J. Cobb (Harry Baker), Molly Picon (Sophie Baker), Barbara Rush (Connie), Jill St. John (Peggy Dawn), Dan Blocker (Mr. Eckman), Phyllis McGuire (Mrs. Eckman), Tony Bill (Buddy Baker), Dean Martin (El Vago). Guion: Norman Lear. Obra: Neil Simon. Música: Nelson Riddle. Fotografía: William H. Daniels. Essex Productions, Paramount Pictures, Tandem Productions. Duración: 112 minutos.

Bud Yorkin (1926-2015) y Norman Lear (1922-2023) eran dos productores y directores que no alcanzaron gran relieve. En su filmografía están. entre otras, El bebé de la discordia (1965) con una madura Maureen O´Sullivan, El rey del peligro (1968) sobre el Inspector Clouseau interpretado por Alan Arkin, El novio de mi mujer (1967), con Dick Van Dyke, Debbie Reynolds, Jean Simmons y Jason Robards, Un mes de abstinencia (1971), con Dick Van Dyke y Edward Everett Horton , etc.

Francis Albert Sinatra (Hoboken, Nueva Jersey, 12 de diciembre de 1915-Los Ángeles, California, 14 de mayo de 1998), conocido popularmente como Frank Sinatra, Un famoso crooner (cantante) de la época. Pero al mismo tiempo fue un actor de Hollywood que rodó toda clase de películas e incluso ganó un Oscar al Mejor Actor de Reparto por De aquí a la eternidad (1953). Jefe del Rat Pack con Dean Martin, Sammy Davis jr, Peter Lawford  y Joey Bishop. También conocido como el clan Sinatra de gran influencia en el mundo del espectáculo, la canción y hoteles y casinos de Las Vegas.
En su día se especuló su relación con la Cosa Nostra, mafia siciliana en Estados Unidos, pero nunca se demostraron actividades ilegales.
En el reparto de esta comedieta nos encontramos con Dan Blocker en una de sus raras películas para cine. Bobby Dan Davis Blocker (De Kalb, Texas, 10 de diciembre de 1928-Los Ángeles, 13 de mayo de 1972) el famoso Hoss Cartwright en la serie western de televisión Bonanza (1959-1973).  Con Sinatra repitió en La mujer de cemento (1968).  No era un gran actor pero era un personaje muy querido por el público. Cuando falleció inesperadamente en 1972 la serie que le dio fama se hundió y se canceló

Gallardo y calavera es lo que podríamos llamar una película alimenticia, bien hecha pero de moderado interés. Una película de domingo por la tarde para pasar el rato. Como comedia no tiene especial relieve pero no aburre un segundo. Sinatra hace de guaperas seductor de bellas damas con toda clase de engaños y artimañas sucias. Juega con los sentimientos de sus ocasionales amantes a las que quiere sólo para divertirse.
Lo suyo es la buena vida, ser una especie de gigoló que sólo piensa en su conveniencia. Un hermano suyo quiere seguir sus pasos.
La película se apoya en algunos buenos actores como el propio Sinatra, el gran Lee J. Cobb como su padre, un cameo de Dean Martin y el popular Dan Blocker. Asmismo exhiben bellas actrices como Jill St. John, chica Bond de la mejor época. Este metraje te caerá bien si simpatizas con el elenco o lo detestarás si te caen mal. Es una película obsoleta para mirar y olvidar. Si la vez superficialmente no te molesta. En caso contrario te puede resultar algo machista y antipática. Un pasatiempo intranscendente.

Bonanza (1959-1973), la serie que hizo famoso a Dan Blocker. De izquierda a derecha: Pernell Roberts, Michael Landon, Lorne Greene y Dan Blocker. 

TRAICIÓN A L. FRANK BAUM

WICKED: PARTE II. Título original: Wicked: For Good. Año: 2025. País: Estados Unidos. Director: Jon M. Chu. Reparto: Cynthia Erivo (Elphaba Thropp), Ariana Grande (Glinda Upland), Scarlett Spears (la joven Glinda), Jonathan Bailey (Fiyero Tiggelaar, el Espantapájaros), Jeff Goldblum (El mago de Oz), Marissa Bode (Nessarose Thropp/la Bruja Mala del Este), Ethan Slater (Boq Woodsman/el Hombre de Hojalata), Michelle Yeoh (Madame Morrible), Bowen Yang (Pfannee), Bronwyn James (ShenShen). Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Musical: Winnie Holzman. Novela: Gregory Maguire. Libro: Winnie Holzman. Personajes: L. Frank Baum. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Marc Platt Productions, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Duración: 138 minutos.

La película que nos ocupa, Wicked Parte II, se rodó al mismo tiempo que Wicked, ya comentada aquí. Están basadas en una novela de Winnie Holzman. y ésta a su vez en los cuentos de L. Frank Baum que son muy superiores a la actual entrega. Desde que aparecieron estos cuentos, que obtuvieron un éxito apabullante, saltaron a la gran pantalla con las Radio-Plays iniciando su singladura con The Fairylogue and Radio-Plays (1908) (traducción: El Diario de las Hadas y las Obras Radiofónicas). Película perdida que contaba con la colaboración del propio L. Frank Baum como actor interpretando al famoso mago. Las Radio-Plays eran una meza de cine y de teatro con actores que se metían en la pantalla y salían de ella.
En 1928 se estrenó Tomasín en el reino de Oz (1925) con Larry Semon (Jaimito) como director y actor principal, el espantapájaros, su esposa Dorothy Dwan como Dorothy y Oliver Hardy antes de asociarse con Stan Laurel como el Hombre de Hojalata. Esta versión decepciona porque Semon no supo adaptarse al largometraje. Lo suyo son las comedias cortas.
Tuvimos que esperar catorce años para el triunfo de El Mago de Oz (1939) de la Metro. Ninguna versión ni adaptación de Oz ha podido compararse con este fulgurante éxito ni de lejos. Oz, un mundo fantástico (1985) de la Disney es muy inferior. Oz, un mundo de fantasía (2013) de Sam Raimi es mucho mejor pero no llega a la altura del clásico.
Destaquemos El Mago (1978) de Sidney Lumet, muy flojita a pesar de Diana Ross como una Dorothy negra, Michael Jackson como el espantapájaros y Lena Horn como Glinda, la hada buena. Mención especial para Zardoz (1974) de John Boorman con Sean Connery y Charlotte Rampling, cinta algo extraña pero muy aceptable.
Las dos Wicked están asimismo lejos del clásico de la Metro. Una versión woke, pero con muchos fallos de dirección y contenido. 

Si la primer parte era una maravilla visual la segunda es tediosa. Los protagonistas de la versión clásica aparecen muy poco, se nos cita de pasada. El Espantapájaros ni se ve. Por sola película decepciona a los amantes del mundo de Oz. El famoso Mago es el villano. Una especie de bufón ridículo con muy poca gracia. Glinda está todo el metraje haciendo aspavientos absurdos y Elphaba parece la hija del Ché Guevara.
La trama es muy morosa, muchas escenas de relleno y de diálogos vacíos mientras que se nos escamotean las andanzas de Dorothy y sus amigos. El Hombre de Hojalata aparece como un ser lleno de ira y venganza rompiendo con la gracia y la dulzura del texto original.
Wicked: Parte II está hecha con odio hacia la fantasía de L. Frank Baum y su visionado resulta muy desagradable. Es una película muy woke y lo woke lo destruye todo. Han tenido medios para hacer una buena película pero la han arruinado. Lástima.

The Fairylogue and Radio-Plays (1908) (traducción: El Diario de las Hadas y las Obras Radiofónicas). En el centro de blanco el propio L. Frank Baum. 

Tomasín en el Reino de Oz con Larry Semon,  Dorothy Dwan y Oliver Hardy.

Oz, un mundo de fantasía (2013) de Sam Raimi con James Franco.

CAMINO A CIUDAD ESMERALDA

WICKED. Título original: Wicked: Part One. Año: 2024. País: Estados Unidos. Dirección: Jon M. Chu. Reparto: Cynthia Erivo (Elphaba Thropp), Ariana Grande (Galinda Upland / Glinda), Michelle Yeoh (Madame Morrible), Jeff Goldblum (el Mago de Oz), Jonathan Bailey (Fiyero Tigelaar), Ethan Slater (Boq), Marissa Bode (Nessarose Thropp), Cesily Collette Taylor (la joven Nessarose), Bowen Yang (Pfannee de Phan Hall), Bronwyn James (ShenShen), Keala Settle (Miss Coddle), Aaron Teoh (Avaric Tenmeadows), Grecia de la Paz (Gilligan). Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Musical: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Novela: Gregory Maguire. Personaje: L. Frank Baum. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Universal Pictures, Marc Platt Productions, SKY Studios, Moving Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Duración: 160 minutos.

Lyman Frank Baum (Chittenango, Nueva York, Estados Unidos, 15 de mayo de 1856-Hollywood, Los Ángeles, California, Estados Unidos, 6 de mayo de 1919)  es un famoso escritor que atravesando un fuerte bache escribió un libro llamado El maravilloso mago de Oz (1900) que obtuvo un éxito espectacular que le sacó de los números rojos en el banco.  El éxito incuestionable motivó la escritura de diversas secuelas como La Maravillosa Tierra de Oz (1904), Ozma de Oz (1907), Dorothy y el Mago en Oz (1908), El camino de Oz (1909), La Ciudad Esmeralda de Oz (1910), La muñeca de trapo de Oz (1913), Tik-Tok de Oz (1914), El Espantapájaros de Oz (1915), Rinkitink de Oz (1916), La princesa perdida de Oz (1917), El hombre de hojalata de Oz (1918), La Magia de Oz (1919) y Glinda de Oz (1920), su libro póstumo.
Baum además fue actor de cine en The Fairylogue and Radio-Plays (1908) como el Mago de Oz. Roaring Camp (1916) como The Gambler y The Flash of Fate (1918) como Dave Hinman, Fue productor de diversos cortometrajes como The Fairylogue and Radio-Plays (1908), The Land of Oz (1910), The Patchwork Girl of Oz (1914), The Magic Cloak (1914), His Majesty, the Scarecrow of Oz (1914), The Last Egyptian (1914), A Box of Bandits (1915), The Country Circus (1915), The Magic Bon Bons (1915), In Dreamy Jungle Town (1916).
También hizo obras teatrales y mezcla de teatro y cine con actores que entraban y salían de la pantalla como hizo la compañía La Cubana en Cegada de amor (1994). L. Frank Baum fue todo un mago de la literatura fantástica.

Wicked está basada en la novela de Gregory Maguire, basada en personajes de L. Frank Baum, llevado al musical por Winnie Holzman y Stephen Schwartz, y adaptado al cine en dos películas, por Jon. M. Chu. Ésta es la primera de ellas, la segunda será comentada cuando pueda visionarla y así valorarla.
En esta película los protagonistas son personajes secundarios de la mítica El mago de Oz (1939) de la Metro. Elphaba, la bruja mala, y Glinda, la hada buena, aquí son amigas y estudian juntas, son compañeras de habitación. Es un musical moderno con canciones y bailes modernos. La coreografía parece una clase de gimnasia del instituto. El guion es muy woke. Elphaba no es tan mala, la hicieron mala por prejuicios sociales.
Algunas canciones son atractivas y pegadizas. Los efectos especiales son correctos y cumplen con su función. A la película le falta algo de ritmo y tiene muchos puntos muertos. Pero en conjunto es una maravilla atractiva y un halago para la vista.
Se pretende cambiar el maniqueísmo del cuento original. Aquí los malos son buenos y al revés. Algo rebuscado. Elphaba se convierte en una heroína animalista que defiende la verdad y la justicia. Glinda es una niñata amanerada y algo cursi. Pero en el fondo las chicas se quieren y se ayudan.
Dentro de unos años Wicked se convertirá en un clásico como es la película de la Metro con Judy Garland.  Ahora ha provocado cierta irritación pero no es para tanto. Esperemos la segunda parte.

KEATON EN LA METRO

EL CAMERAMAN. Título original: The Cameraman. Año: 1928. País: Estados Unidos. Dirección: Edward Sedgwick, Buster Keaton. Reparto: Buster Keaton (Buster), Marceline Day (Sally Richards), Harold Goodwin (Harold Stagg), Sidney Bracey (Edward J. Blake, el jefe), Harry Gribbon (Hennessey, el policía), Richard Alexander (El gran león marino), Edward Brophy (Hombre en una casa de baños), Ray Cooke (Trabajador de oficina), Vernon Dent (Hombre con traje de baño ajustado), Gertrude Ederle, William Irving (Fotógrafo), Harry Keaton (Nadador en la piscina), Louise Keaton (Nadadora en la piscina), Charles A. Lindbergh (Charles A. Lindbergh). Guion: Clyde Bruckman, Lew Lipton, Richard Schayer. Fotografía: Elgin Lessley, Reggie Lanning (B&W). Metro Goldwyn Mayer. Duración: 69 minutos.

En 1928 la carrera de Buster Keaton pasaba un mal momento. Tanto El maquinista de la General (1926) como El héroe del río (1928) funcionaron muy mal en taquilla y eran producciones muy caras que arruinaban a sus inversores por lo que el productor Joseph Schenck vendió el contrato de Keaton a la Metro Goldwyn Mayer donde el cómico de la Cara de Palo jamás se sintió a gusto. Dispersaron a todo su equipo y le impusieron un jefe de producción nefasto como Lawrence Weingarten (1897-1975).
Si en el cine musical la Metro brilló como nadie consiguiendo auténticas obras maestras, en la comedia fue un auténtico desastre salvando como excepción a los hermanos Marx. Sus principales cómicos como Jimmy Durante y Red Skelton eran infumables y hundieron gratuitamente la carrera del gran Buster Keaton. Pero aún así rodó un par de buenas películas como El cameraman, El comparsa (1929) y Reclutas (1930) ésta sonora. Los talkies estaban a la vuelta de la esquina y el cambio de gustos del público fue definitivo.

Al principio las expectativas de Keaton en la Metro eran muy altas. El cameraman fue un gran éxito. La película se rodó en Nueva York por lo que el estudio no podía controlarlos e hicieron lo que les vino en gana. Tiraron a la basura el guion de la Metro e improvisaron como en sus mejores tiempos. Por eso esa cinta aún conserva su frescura, parece que la rodaron ayer cuando pronto será una obra centenaria.
Keaton representa a un hombre tímido, poca cosa, fotógrafo en la calle que se enamora de una secretaria de una productora de noticiarios. Al principio nuestro héroe cometerá toda clase de torpezas pero luego triunfará por su pericia.
Una de las mejores secuencias, rodada con un plano fijo, Buster se cambia de ropa en un vestidos minúsculo con otro hombre, Edward Brophy, a quién veremos en varias películas de Keaton en la Metro.
Buster es un personaje muy romántico, no triunfa por habilidad sino por perseverancia. Es una persona constante, que no se rinde jamás. Es un personaje tierno y encantador. Siempre sale triunfante de todas las situaciones.
Su cine es la lucha del débil contra la prepotencia de los más fuertes. Cualquier persona puede triunfar si es constante en su cometido. Gran película es El cameraman.

Buster Keaton y Charlie Chaplin, la grandeza del cine cómico.