PERVERSO CUENTO INFANTIL

LA NOCHE DEL CAZADOR. Título original: The Night of the Hunter. Año: 1955. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Laughton. Reparto: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell), Shelley Winters (Willa Harper), Lillian Gish (Rachel Cooper), Billy Chapin (John Harper), Sally Jane Bruce (Pearl Harper), James Gleason (Tío «Birdie» Steptoe), Evelyn Varden (Icey Spoon), Don Beddoe (Walt Spoon), Peter Graves (Ben Harper), Gloria Castillo (Ruby), Michael Chapin (amigo de Ruby), Paul Bryar (Bart el Colgado). Guion: James Agee. Novela: Davis Grubb. Música: Walter Schumann. Fotografía: Stanley Cortez (B&W). United Artists. Duración: 93 minutos.

La noche del cazador es una de las grandes obras maestras de la Historia del Cine pero en su día fue machacada por la crítica y por el púbico que no fue a verla por lo que su director no insistió nunca más. ¿Qué falló en su tiempo? Tal vez porque no era una película que se pareciera a otra. No es un producto en serie y su realización es insólita.
Su director fue Charles Laughton (Scarborough, Inglaterra, 1 de julio de 1899-Los Ángeles, 15 de diciembre de 1962), un gran actor británico que no obstante su gran calidad era detestado por algunos directores y muchos actores que rehusaban trabajar con él, fue un Nerón afeminado en El signo de la cruz (1932) de Cecil B. DeMille, el mordaz Graco de Espartaco (1960) de Stanley Kubrick, trabajó con Alfred Hitchcock en Posada Jamaica (1939) y fue el esposo de Elsa Lanchester (La novia de Frankenstein y la niñera que se marcha en Mary Poppins). Excelente actor, muy exigente y de ahí su impopularidad.
Cabeza de cartel tenemos a Robert Mitchum en su mejor papel. Un actor de gran solera del que hablaremos otro día. En el reparto tenemos a la heroína de David Wark Griffith, me refiero a la genial Lillian Gish (Springfield, Ohio; 14 de octubre de 1893-Nueva York; 27 de febrero de 1993), protagonista de El nacimiento de una nación (1915), Intolerancia (1916)  y Las dos huerfanas (1921). Actriz siempre impagable para cualquier cinéfilo.

Un delincuente roba una cantidad de dinero para dar de comer a su familia, esposa y dos hijos. Esconde el dinero pero es detenido y ahorcado. Su compañero de celda, un falso predicador se entera de su situación y una vez indultado busca a la viuda y sus dos hijos para apropiarse del dinero.
La noche del cazador es una película muy dura contada como un perverso cuento de hadas. Robert Mitchum compone un personaje diabólico disfrazado de predicador que dice hablar en nombre de Dios. Es un demonio disfrazado de ángel que seduce a la gente hasta que descubren su maldad.
Charles Laughton compone un cuento de hadas perverso y cruel. La bondad está personificado en el papel de una anciana que adopta huérfanos, una especie de Juana de Arco de la Tercera Edad bordado por Lillian Gish, heroína del cine mudo reconvertida en una bondadosa dama caritativa.
La película está adornada por bellos efectos de cámara de Stanley Cortez. Ese riachuelo, esa barcaza en la que escapan los niños perseguidos por el hipócrita criminal. Son testigos conejos, ranas, tortugas que van apareciendo mientras en la lejanía se recorta la figura siniestra del Mal.
Laughton describe una sociedad enloquecida que primero adora al hipócrita predicador y después exige su linchamiento con ferocidad.
La noche del cazador es una película isla, ninguna otra se le parece. El fracaso comercial abortó la carrera de Laughton como director, hubiera sido más grande si la suerte hubiera sido más favorable. Pero la miopía fue más fuerte y su carrera se truncó.
Esa canción que canturrea el malvado predicador es amenazante y perversa hasta el fin. Nos encontramos ante una obra maestra incomprendida en su día pero posteriormente revalorizada.

En 1968 Robert Mitchum repite un personaje similar de predicador asesino en El póker de la muerte de Henry Hathaway.

OBRA MAESTRA DE WILDER

EL APARTAMENTO. Título original: The Apartment. Año: 1960. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Jack Lemmon (Calvin Clifford), Shirley MacLaine (Fran Kubelik), Fred MacMurray (Jeff D. Sheldrake), Ray Walston (Joe Dobisch), Jack Kruschen (Dr. Dreyfuss, vecino de Baxter), David Lewis (Al Kirkeby), Edie Adams (Srta. Olsen), Hope Holiday (Sra. Margie MacDougall), Joan Shawlee (Sylvia), Naomi Stevens (Sra. Mildred Dreyfuss). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Música: Adolph Deutsch. Fotografía: Joseph LaShelle (B&W). United Artists, The Mirisch Corporation. Distribuidora: United Artists. Duración: 125 minutos.

Ya hemos hablado de Billy Wilder (Sucha, Imperio austrohúngaro, hoy Polonia, 22 de junio de 1906-Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002), en otras crónicas de este Diario de Cine. Es uno de nuestros cineastas predilectos autor de grandes comedias y grandes dramas de una calidad insuperable. Comenzó a trabajar de guionista en la  Universum Film AG (UFA) en Berlin. Cuando Hitler subió al poder huyó de Alemania y se afincó en los Estados Unidos.
En Hollywood trabajó con Ernst Lubitsch, otra figura muy amada en este blog, que falleció prematuramente pero Wilder continuó trabajando y accedió a la dirección. Le ofrecieron una película de Stan Laurel y Oliver Hardy pero la rechazó. Su proyecto Un día en la ONU con los hermanos Marx se canceló por la muerte de Chico. Pero siguió adelante con una carrera repleta de éxitos.

Nuestro antihéroe (Jack Lemmon) trabaja como contable en una empresa de seguros, en una inmensa oficina con centenares de empleados pero vive en un apartamento minúsculo. En cierto modo es un esclavo moderno que debe humillarse ante sus vanidosos y usureros jefes a los que presta su hogar para que corran sus juergas con sus amiguitas. Mientras tanto debe pasear por las frías calles para regresar y descansar de la jornada laboral.
Este empleado se humilla cadaver más sufriendo toda clase de desprecios no sólo de sus jefes sino de las mismas mujeres. Un día se enamora de una ascensorista. Una mujer joven y bella pero de escasas luces. En realidad las «amiguitas» suelen ser cortas de intelecto. El guion es algo misógino en ese sentido. Las mujeres se engañan a si mismas y se enamoran de quien las manipula y desdeñan a quienes las aman de verdad. El poder las fascina.
La película se centra en un debate ético. ¿Vale la pena dejarse humillar para ascender en la empresa? Nos muestra el calvario de un hombre honrado en un mundo de corrupción siendo difamado sin remedio.
Jack Lemmon y Shirley McLaine bordan sus personajes. Billy Wilder los volvió a llamar tras años después con Irma la dulce, otra obra maestra. Wilder es muy mordaz con la explotación humana y la crueldad de nuestro sistema económico. Es crítico pero no renuncia al humor negro conque cuenta sus historias. El Apartmento fue propuesta como candidata a 10 premios Óscar y ganó cinco, incluyendo el de mejor película, mejor director y mejor guion original. Jack Lemmon y Shirley McLaine ganaron dos globos de oro por la gran calidad de sus trabajos en esta cinta.
Gran éxito de crítica y de público, actualmente está considerada roda una leyenda y un clásico del cine.

Jack Lemmon y Shirley McLaine repitieron pareja en Irma la dulce tres años después,

LA TROYA CLÁSICA

HELENA DE TROYA. Título original: Helen of Troy. Año: 1956. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Wise. Reparto: Rossana Podestà (Helena de Troya), Jacques Sernas (Paris), Sir Cedric Hardwicke (Priamo), Stanley Baker (Aquiles), Niall MacGinnis (Menelao), Robert Douglas (Agamemon), Nora Swinburne (Hécuba), Torin Thatcher (Ulises), Harry Andrews (Héctor), Ronald Lewis (Eneas), Brigitte Bardot (Andraste). Marc Lawrence (Diomedes, gobernante de Etolia), Maxwell Reed (Ajax, Príncipe de Salamina), Robert Brown (Polydorus), Barbara Cavan (Cora), Patricia Marmont (Andrómeda), Guido Notari (Néstor), Tonio Selwart (Alephous), George Zoritch (Cantante), Esmond Knight (Gran Sacerdote), Terence Longdon (Patroclo), Janette Scott (Casandra). Director segunda unidad: Sergio Leone. Guion: Hugh Gray, John Twist. Poemas: Homero. Música: Max Steiner. Fotografía: Harry Stradling Sr. Warner Bros. Duración: 118 minutos.

Odiseo (Ulises), Troya, Menelao están de moda por la película de Cristopher Nolan pero siempre hemos tenido a estos héroes y antihéroes en la pantalla grande y chica. Son personajes ya familiares para los cinéfilos de todo el mundo. La vida privada de Helena de Troya (1927) de Alexander Korda ya nos presentó a la bella esposa de Menelao raptada por París. Giovanni Pastrone y Luigi Romano Borgnetto habían rodado un mediometraje, La caida de Troya en 1911. En 1961 se estrenó La guerra de Troya con Steve Reeves en el papel de Eneas, papel que repitió en La leyenda de Eneas (1962) basadas en La Eneida de Virgilio.
En la película de  1961, Paris y Helena eran los villanos. Una pareja adúltera y traicionera. Cuatro años después se estrena la cinta que aquí comentamos bajo la batuta de Robert Wise, el futuro director de Sonrisas y lágrimas, con Sergio Leone como director de la segunda unidad. Aquí Paris y Helena son los héroes, una pareja romántica con final desafortunado.
En un papel secundario tenemos a la futura estrella Brigitte Bardot, pero encabeza el reparto Rossana Podestá, cuyo nombre real era Carla Dora Podestà (Trípoli, 20 de junio de 1934-Roma, 10 de diciembre de 2013), más cerca de Helena que las actrices que la encarnaron en los últimos años.
Dos años antes, Rossana fue Nausica en Ulises (1954) con Kirk Douglas. Era un rostro habitual en aquella época. Pero su fama se opaco enseguida y actualmente pocos la recuerdan, pero su presencia era muy grata. No fue una gran diva, pero cumplía con su labor.

La película de Wise fue realizada con amplitud de medios en los estudios italianos de Cinecitta. La anterior versión de Steve Reeves también tenía multitud de extras pero su realización era muy deficiente con actores inexpresivos con un resultado deplorable. En cambio esta adaptación, no siempre fiel, contaba con excelentes composiciones de los héroes griegos y troyanos.
Torin Thatcher compone un Ulises-Odiseo plausible. Lo vimos como villano en Simbad y la princesa (1958) de Ray Harryhausen, asimismo en varias películas de piratas y de fantasía. Stanley Baker fue un Aquiles con solera. Y además sale Brigitte Bardot en sus inicios. Jacques Sernas es un París algo exhibicionista. En cuanto a Rossana Podestá es una Helena más creíble que las recientes que nos ha dado el cine.
Wise compone buenos encuadres con un perfecto Cinemascope. El guion no omite a Casandra (Janette Scott) la visionaria en la que nadie cree. Acabó como esclava de Agamenón y fue asesinada con él por Clitemnestra, la hermana gemela de Helena.
La tragedia de Troya fue la codicia de Esparta y demás griegos que anhelaban sus tesoros y su destrucción por estar situada en un terreno privilegiado. Cerraba el Estrecho de los Dardanelos y exigian peajes a los barcos que pasaban por el mismo.
Las escenas de batallas están muy bien conseguidas aunque yo prefiero la bacanal de los Troyanos cuando entran al caballo de madera en su ciudad. En aquella época se rodaba bacanales gloriosas en los peplums de calidad. Un buen espectáculo realizado con buen pulso por Wise y su ayudante Sergio Leone.

La vida privada de Helena de Troya (1927) de Alexander Korda

La caida de Troya (1911)

OTRAS ODISEAS

LA ODISEA. Título original: The Odyssey. Año: 1997. País: Estados Unidos. Dirección: Andrei Konchalovsky. Reparto: Armand Assante (Odiseo), Greta Scacchi (Penélope), Isabella Rossellini (Atenea), Bernadette Peters (Circe), Eric Roberts (Eurimaco), Irene Papas (Anticleia), Jeroen Krabbé (Rey Alcino), Geraldine Chaplin (Eurycleia), Christopher Lee (Tiresias), Nicholas Clay (Menelao), Adoni Anastassopoulos (Perimedes), Paloma Baeza (Melante), Ron Cook (Eurybates), Reid Asato (Polifemo), Michael J. Pollard (Eolo), Mark Hill (Orsilicus), Pat Kelman (Elatus), Vincenzo Nicoli (Antinous), Sally Plumb (Reina Alino), Roger Ashton-Griffiths (Polites), Katie Carr (Nausica). Guion: Andrei Konchalovsky, Chris Solimine. Poema: Homero. Música: Eduard Artemyev. Fotografía: Sergei Kozlov. Productor: Francis Ford Coppola. Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Italia-Alemania-Grecia; American Zoetrope, Beta Film GmbH, Hallmark Entertainment, KirchMedia, Mediaset, Panfilm, ProSieben Media AG, Remote Camera Systems, Skai TV. Duración: 173 minutos.

El espectacular éxito de La Odisea de Christopher Nolan ha hecho olvidar que ya existen otras versiones del tema que nos ocupa. En Italia los directores Francesco Bertolini, Giuseppe de Liguoro y Adolfo Padovan rodaron un corto pre-Griffith titulado La Odisea de Homero (1912).  Al ser un film pre-Griffith de supone que serán cuadros teatrales filmados como era el primer cine de barraca de feria.
Es famosa la versión de Kirk Douglas, Ulises (1954)  de Mario Camerini con Silvana Mangano y Anthony Quinn, con efectos del maestro Mario Bava, y una serie de ocho episodios para la RAI de Franco Rossi, Las aventuras de Ulises (1968)  con Bekim Fehmiu, Irene Papas como Penélope (Anticle, la madre de Ulises, en la miniserie que nos ocupa),  Marina Berti (la esclava Eunice en Qvo Vadis?) .
No olvidemos El regreso de Ulises (2024), aunque sea un título olvidarle y oportunista.
Se han rodado buenas versiones de los cantos de Homero, mejores incluso que la aclamada película de Nolan, pero Hollywood trata de silenciarlas para que no compitan con la producción que actualmente revienta las taquillas.
Precisamente, la miniserie de dos episodios con Armand Assante es una de ellas. Por eso hablaremos de ella.

Para muchos ésta es la mejor versión de La Odisea de Homero, también para mí aunque haya algunos puntos mejores en la versión de Nolan o la de Kirk Douglas. Por ejemplo, el mejor Polifemo, el cíclope, es el de Nolan con gran diferencia. Sin embargo la Atenea de la presente versión es muy superior a la de Zendaya. Isabella Rossellini, hija de la actriz sueca Ingrid Bergman y del director italiano Roberto Rossellini, borda el papel. Su presencia llena la película, cada mirada, cada gesto es una delicia visual.
La miniserie es muy luminosa, el vestuario adecuado. Odiseo (fenomenal Armand Assante) no luce barbas ridículas ni vestidos extraños. Es un héroe que lucha para sobrevivir. Está a la altura de Kirk Douglas, un Odiseo-Ulises, más sarcástico y chulesco. La secuencia del viaje al Hades es terrorífica. Nos regala una excelente composición de Christopher Lee, uno de los actores más queridos en este Diario de Cine, como Tiresias, el adivino que mora en el Inframundo.
Muy buenas las apariciones de Circe y Calipso. La primera interpretada por Bernadette Peters, actriz especializada en papeles cómicos, como hechicera seductora con cara de no haber roto nunca un plato. Esa falsa inocencia que desprende de su expresión.
Calipso está interpretada por una actriz afroamericana, Vanessa Williams, sin tener la polémica de Lupita Nyong´o, en 1984 fue elegida Miss América, título que renunció por las múltiples amenazas racistas. Comparada con Charlize Theron me inclino por un empate aunque la escenografía de la isla en la miniserie es muy superior a la versión de Nolan.
Falta el episodio de las sirenas y del perro Argos a los que echo mucho de menos. En cambio aparece Eolo, dios de los Vientos, encarnado por  Michael J. Pollard, actor que conocimos en Bonnie y Clyde (1967) de Arthur Penn, que le da un aire bufonesco.
La miniserie no aburre ni un segundo. No se nos hace larga y se ve con placidez. ¿La mejor versión? Quizá. Todo son gustos personales, pero para mí sí lo es.

Imagen de La Odisea de Homero (1912), primera versión cinematográfica.

LA ÉPICA ESPAÑOLA

AGUSTINA DE ARAGÓN. Título original: Agustina de Aragón. Año: 1950. País: España. Dirección: Juan de Orduña. Reparto: Aurora Bautista (Agustina), Fernando Rey (General Palafox), Virgilio Teixeira (Juan el Bravo), Eduardo Fajardo (Luis Montana), Manuel Luna (Tío Francisco), Jesús Tordesillas (Coronel Torres), Guillermo Marín (Napoléon Bonaparte), Juan Espantaleón (Tío Jorge), Fernando Fernández de Córdoba (Jefe del servicio secreto francés), Raúl Cancio (Colás), Fernando Sancho (Escudella), Fernando Nogueras (Hombre desconocido), José Bódalo (Oficial francés), José Jaspe (Sargento), Manuel Arbó (Padre Jacinto), Antonia Plana (Madre de Juan), María Asquerino (Carmen), María Cañete (Tía Pilar), Rosario García Ortega (Condesa de Bureta), Pilar Muñoz (Mujer del niño en brazos), Francisco Bernal (Tío Retaco), Valeriano Andrés (Oficial francés), Francisco Pierrá (Padre Boggiero), Arturo Marín (Mariscal Lefèvre), Juan Vázquez (General Guillelmi), Miguel Pastor (General Lacoste), Alfonso de Córdoba (Ayudante de Palafox), Faustino Bretaño (Vinatero), Nicolás D. Perchicot (Ciego), Eugenio Domingo (Lazarillo), Guion: Juan de Orduña, Vicente Escrivá. Historia: Ángel Fernández Marrero, Clemente Pamplona. Música: Juan Quintero. Fotografía: Ted Pahle, Mariano Ruiz Capillas (B&W). CIFESA. Duración: 126 minutos.

Todos los países del mundo han tenido su épica, sus grandes momentos de gloria, los Estados Unidos nos han aburrido con su propaganda. Me parece bien que estén orgullosos de su país pero a veces caen en el más espantoso de los ridículos. Los españoles en cambio parece que nos avergonzamos de nuestro pasado y es hora de avivar nuestra memoria histórica. Entre los años 1908 y 1913 nuestro país se convirtió en el Vietnam español, el emperador Napoleón Bonaparte, invencible en casi todo el mundo, encontró su talón de Aquiles en España. La gente se echó espontáneamente a la calle para combatir al ejercito invasor.
Uno de los episodios más famosos fue el sitio de Zaragoza pero hubo otros, como el de Tarragona. Se produjo entre el 5 de mayo y el 29 de junio de 1811, y fue una atroz matanza en la que se exterminó toda la ciudad. Sin embargo políticos y gentes nacionalistas de la Cataluña actual simpatizan con quién exterminó a nuestro pueblo porqué tenían ideas progresistas.
En Zaragoza brilló Agustina de Aragón, Agustina Raimunda María Saragossa Domènech, (Reus o Barcelona, 4 de marzo de 1786 – Ceuta, 29 de mayo de 1857). Una mujer catalana que disparó la batería contra las tropas francesas haciéndolas huir. De aquí viene el dicho «mas vale maña que fuerza«.  En Reus nadie honra su memoria pese a que las tropas francesas, recibidas con bandas de música, arruinó la ciudad. En fían, qué les vamos a contar.

Una cosa es la historia y otra la película que a nuestra brava heroína le dedicaron los estudios de CIFESA, la antorcha de los éxitos, que quiso igualarse a las productoras de Hollywood. Pero como me dijo un día el director Rafael Gil «no hay cine español, todo lo tienen los norteamericanos a quienes no les interesa que hagamos cine porque les haríamos la competencia«. En España se intentó hacer buen cine y hay muchas buenas películas, pero también muchas mediocridades y muchos bodrios por culpa del orgullo de ciertos cineastas que se creen unos genios y son torpes sin talento.
Agustina de Aragón tiene sus virtudes y sus defectos achacables a su director Juan de Orduña.
La película tiene un buen reparto. Fernando Sancho hace de Escudella, un guerrillero catalán que lleva barretina y habla en la lengua que, según dicen, entonces estaba prohibida. Virgilio Texeira es un guerrillero maño, un galán de fama en su época. El genial Manuel Luna, otra figura brillante del cine español desafortunadamente olvidada. José Bódalo como villano, un actor de gran solera. El imprescindible Fernando Rey como Palafox, el defensor de Zaragoza. Un actor de raza. Juan Espantaleón, Jesús Tordesillas, Guillermo Marín, todos perfectos. No nos olvidemos del gran Eduardo Fajardo en un papel brillante.
Aurora Batista era toda una diva. Cuando está contenida es excelente actriz pero cuando se desafora es inaguantable. Aquí está el error de esta película, culpa del director. Los actores a veces se pasan la película gritando como locos, hablan de forma desaforada e histérica. Por eso esta película se ve anticuada.
Lástima que las circunstancias históricas provoquen rencor hacia ese cine histórico al que se asocia con el Régimen que les vio nacer. Recuerdo una parodia rencorosa de la Trinca hacia esta película que me pareció injusta y sin gracia. Ideologías modernas las rechazan y las desprecian, No tienen razón.
Más contenida Agustina de Aragón sería una buena película pero al menos no es desagradable.

Monumento a los fallecidos en el Sitio de Tarragona, al que ciertos descerebrados desprecian.

UN REGRESO DESCAFEINADO

EL REGRESO DE LOS SIETE MAGNÍFICOS. Título original: Return of the Seven. Año: 1966. País: Estados Unidos. Dirección: Burt Kennedy. Reparto: Yul Brynner (Chris Adams), Robert Fuller (Vin), Julián Mateos (Chico), Warren Oates (Colbee), Claude Akins (Frank), Elisa Montés (Petra), Fernando Rey (Sacerdote), Emilio Fernández (Francisco Lorca), Virgílio Teixeira (Luis Emilio Delgado), Rodolfo Acosta (Lopez), Jordan Christopher (Manuel). Guion: Larry Cohen. Música: Elmer Bernstein. Fotografía: Paul Vogel. C.B. Films Producción S.A, The Mirisch Corporation. Distribuidora: United Artists. Duración: 95 minutos.

El espectacular éxito de Los siete magníficos (1960)  despertó la codicia de los productores de Hollywood para rodar la consabida secuela, está vez en paisajes españoles que por aquel entonces comenzaban a ponerse de moda en la Ciudad de los Sueños. Algunos personajes de la película precedente reaparecen pero con otros actores. Por ejemplo, Chico es interpretado por Julian Mateos (Robledillo de Trujillo, Cáceres, 15 de enero de 1938-Madrid, 27 de diciembre de 1996), entonces un galán en alza, y su mujer Petra la encarna Elisa Montés (Granada, 15 de diciembre de 1934-Madrid, 9 de octubre de 2024) del clan Ozores, el portugués Virgílio Teixeira (Funchal, 26 de octubre de 1917 – Funchal, 5 de diciembre de 2010)  que en El doctor Zhivago (1965)  caía en el interior de un barril.
Además tenemos al gran Fernando Rey (La Coruña, 20 de septiembre de 1917-Madrid, 9 de marzo de 1994), imprescindible en repartos internacionales, y el entrañable mexicano Emilio Fernández (Mineral del Hondo, Coahuila, 26 de marzo de 1904-Ciudad de México, 6 de agosto de 1986), actor y director que trabajó con Sam Peckinpah.
De nuevo Yul Brynner en el papel principal. Un actor que entonces estaba muy de moda. A veces sobreactúa pero está siempre bien. La película está lejos de igualar a su precedente pero se puede ver. Al menos es una producción simpática.

Esta secuela rodada en España cuenta con excelentes profesionales españoles y mexicanos pero no repitió el éxito de su precedente. Ello fue debido a un guión algo confuso y a un director plano, de escaso relieve. Nos encontramos ante una cinta de pistoleros para públicos domingueros que van al cine a pasar la tarde del domingo y distraerse. Eso no me parece mal y en este sentido la película cumple con su cometido. Es un título que gusta pero no entusiasma.
Al fin y al cabo el cine es un negocio, como decía Groucho Marx. Algunas películas son obras de arte, pero la mayoría un pasatiempo. Otras son un horror pero este no es el caso.
En cierto modo la película es honesta, pasas el rato y no te aburre. Su modestia la salva de la quema. El resto de actores cumplen con su cometido.
La moda del western europeo, mal llamado spaghetti western, vino despues. Pero eso es otra historia. Esta es una película de Hollywood rodada en España para abaratar costes y sólo eso. No tiene la personalidad de los tres Sergios (Leone, Sollima, Corbucci). El franquismo facilitaba esos rodajes porque traían riqueza a España. Se creó entonces un espejismo de que éramos una potencia cinematográfica pero nunca lo fuimos. Sólo mano de obra barata para grandes producciones de Hollywood, nada más.

En Almas de metal (1973) aparece de nuevo el pistolero de los siete magníficos convertido en un robot asesino. Yul Brynner estaba soberbio.

EL WESTERN MÁS CLÁSICO

LOS SIETE MAGNÍFICOS. Título original: The Magnificent Seven. Año: 1960. País: Estados Unidos. Dirección: John Sturges. Reparto: Yul Brynner (Chris Adams), Steve McQueen (Vin Tanner), Charles Bronson (Bernardo O’Reilly), Robert Vaughn (Lee), Horst Buchholz (Chico), James Coburn (Britt), Brad Dexter (Harry Luck), Eli Wallach (Calvera), Vladimir Sokoloff (el viejo), Jorge Martínez de Hoyos (Hilario), Rosenda Monteros (Petra), Rico Alaniz (Sotero), Pepe Hern (Tomás), Natividad Vacío (Miguel), Robert J. Wilke (Wallace). Guion: William S. Roberts. Historia original: Akira Kurosawa. Música: Elmer Bernstein. Fotografía: Charles Lang. The Mirisch Corporation, Alpha Productions. Distribuidora: United Artists. Duración: 126 minutos.

Akira Kurosawa triunfó con una famosa película de espadas japoneses, Los siete samuráis (1954), tanto en el aspecto artístico como el comercial. Obtuvo el León de Plata en la Mostra de Venecia y dos candidaturas al Óscar. Hollywood ávido de triunfos que saneen su economía tuvo la feliz idea de crear una especie de remake trasladado al viejo y legendario Oeste. A Kurosawa no le hizo mucha gracia pero estos Siete Magníficos se convirtieron en toda una leyenda.
Se rodaron secuelas: El regreso de los siete magníficos (1966) de Burt Kennedy, La furia de los siete magníficos (1969) de Paul Wendkos,  El desafío de los siete magníficos (1972) de George McCowan, todas ellas muy inferiores. Una serie de televisión en 1998 de 26 episodios y un remake en 2016 que no le llega a la suela de los zapatos.
Queda por reseñar dos películas de ciencia ficción, Almas de metal (1973) de Michael Crichton y Futureworld (1976) de Richard T. Heffron, en la que se recrea un parque temático con robots con la forma de pistoleros del Oeste que desafían a los turistas con duelos del viejo oeste. Yul Brynner recrea a su personaje, el pistolero de Los siete magníficos convertido en robot que se rebela contra su destino matando turistas.

Los siete magníficos es actualmente una película de culto. Una joya cinematográfica de John Sturges, John Eliot Sturges (Oak Park, Illinois; 3 de enero de 1910-San Luis Obispo, California; 18 de agosto de 1992) tiene una larga filmografía aunque de calidad irregular. Tiene excelentes películas como Duelo de titanes (1957) y otras decepcionantes como La batalla de las colinas del whisky (1965). Es un artesano del cine especializado en grandes espectáculos.
En aquella época se pusieron de moda los westerns crepusculares, cine de antihéroes, de perdedores o la desmitificación de Sergio Leone.  Sturges en cambio trabaja con triunfadores, héroes inmaculados y esforzados. Cuida sus personajes. Los protagonistas y los secundarios como ese anciano que interpreta el actor moscovita Vladimir Sokoloff que huyó del comunismo de la Unión Soviética primero y de la Alemania nazi después. Un actor de amplio registro.
Está la mexicana Rosenda Montero, una actriz todoterreno que trabajó en México, en Hollywood, en Reino Unido y en España. Eli Wallach borda su papel de villano, lo vimos en El bueno, el feo y el malo y en La conquista del Oeste. Es el caso de un actor que llena la pantalla.
El reparto está lleno de caras conocidas, entonces eran talentos ignorados y se lanzaron con esta cinta del Oeste. Se convirtieron en rostros muy populares de la gran pantalla. Yul Brynner tenía gran solera en esta época.
Por contra tenemos algunos defectillos, estadounidenses y mexicanos hablan el mismo idioma. Algo que no pasa en la vida real.
Por contra tenemos una fotografía de gran luminosidad, colores muy vivos y brillantes. La banda sonora de Elmer Bernstein es impagable. Excelente guión  y magistral realización de John Sturges, todo un profesional. La película no cansa ni un segundo. Los personajes están muy bien trazados, tienen vida, tienen fuerza. En definitiva es un western clásico que se ha repuesto muchas veces y aún triunfa en las plataformas digitales. Todo un peliculón.

Los originales, Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa, con el gran Toshiro Mifune al frente.

LA FAMOSA FAMILIA TRAPP

SONRISAS Y LÁGRIMAS. Título original: The Sound of Music. Año: 1965. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Wise. Reparto: Julie Andrews (María), Christopher Plummer (Capitán Georg Ludwig von Trapp), Charmian Carr (Liesl), Nicholas Hammond (Friedrich), Heather Menzies (Louisa), Duane Chase (Kurt), Angela Cartwright (Brigitta), Debbie Turner (Marta), Kym Karath (Gretl), Peggy Wood (Madre Abadesa), Richard Haydn (Max Detweiler), Eleanor Parker (Baronesa Elsa Schraeder), Daniel Truhitte (Rolf), Norma Varden (Frau Schmidt, el ama de llaves), Portia Nelson (Sor Berta), Marni Nixon (Sor Sofía), María von Trapp (cameo). Guion: Ernest Lehman. Musical: Howard Lindsay, Russel Crouse. Basada en las memorias de 1949 La Historia de los Cantantes de la Familia Trapp de Maria von Trapp. Música: Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II. Fotografía: Ted D. McCord. Robert Wise Productions, Argyle Enterprises. Distribuidora: 20th Century Fox. Duración: 172 minutos.

En las reseñas de La Familia Trapp y de La Familia Trapp en América ya hablé largamente de esta popular familia de cantantes famosos en el mundo entero. Los Trapp tuvieron por fín una película de gran presupuesto en donde se cuentan sus hazañas co algunas inexactitudes. Si en Alemania censuraron todas las escenas que hace referecia a la anexión nazi de Austria, Hollywood silencia el maltrato que recibió la familia canora en la Isla de Ellis, donde intentaron devolverles a su lugar de origen aunque significara el fusilamiento del padre de familia.
Hollywood sacrificó la veracidad por la espectacularidad, como siempre han hecho los estudios de la Ciudad de los Sueños. La familia Trapp se disgustó al ver la película por mostrar al patriarca como un ogro cuando en la vida rel era un trozo de pan.
La familia iba acompañada por un sacerdote católico maestro de música y aquí es representada por un tío mordaz y parásito que vive del cuento.
Sin embargo estamos ante una película odiada por la crítica pero muy amada por el público. Sesenta años después es recordada y la ciudad de Salzburgo miles de visitantes ávidosde ver los lugares que aparecen en la película. Una de las más taquilleras de la Historia del Cine gracias a la profesionalidad de sus autores.

Robert Wise era un excelente técnico. Rodó el mayor éxito comercial de Julie Andrews, pero también su mayor fracaso, La estrella (1968), film que hundió su carrera. Sin embargo creo que por desmedida se estrelló. Un jefe de producción español me dijo una vez que cuando alguien triunfa en cine ya se creen que son Dios y entonces se confían demasiado y se la pegan.
Wise en Sonrisas y lágrimas intentó moderar la cursilería de la película con algunos errores y bastantes aciertos. No sabemos qué pinta el antipático Christopher Plummer en esta cinta que despreciaba, doblado por Bill Lee en las canciones, Alberto Aguilá en la versión española, canta Edelweiss, la mejor canción para mi gusto de la película. Edelweiss es una flor de pétalos blancos que crece en lo más alto de los Alpes.
Por contra los secundarios Eleanor Parker y Richard Haydn están perfectos en sus sarcásticos papeles.
La fotografía es muy bella, como las canciones, todas ellas memorables. Las vistas de Salzburdo son espléndidas.
Julie Andrews domina toda la película, es como un volcán en erupción. Perfecta cantante aunque aquí es doblada perfectamente por la cantante española Teresa María que hace una labor excelente.
La película transmite muy buenas vibraciones, muchas ganas de vivir y es merecedora de la fama que ostenta. Un título que ha vencido el paso del tiempo y que todavía tiene éxito donde se programe. Hay musicales que me gustan más, pero éste es exquisito.

Robert Wise, el director de la película, a quién conocí en persona en el Festival de Sitges de 1985.

Imagen de La familia Von Trapp (2015) , producción alemana de Ben Verbong. Basada en el libro de memorias Memories Before and After The Sound of Music de Agathe von Trapp. Con Matthew Macfadyen (capitán Georg von Trapp), Eliza Bennett (Agathe von Trapp, hija mayor de los Trapp), Rosemary Harris (Agathe von Trapp, mayor), Yvonne Catterfeld (Maria Gustl von Trapp). Esta película da una imagen más realista de la familia tan famosa.

EN LAS TIERRAS ALTAS

BRIGADOON. Título original: Brigadoon. Año: 1954. País: Estados Unidos. Dirección: Vincente Minnelli. Reparto: Gene Kelly (Tommy Albright), Van Johnson (Jeff Douglas), Cyd Charisse (Fiona Campbell), Elaine Stewart (Jane Ashton), Barry Jones (Mr. Lundie), Hugh Laing (Harry Beaton), Albert Sharpe (Andrew Campbell), Virginia Bosler (Jean Campbell), Jimmy Thompson (Charlie Chisholm Dalrymple), Tudor Owen (Archie Beaton), Owen McGiveney (Angus), Dee Turnell (Ann), Dodie Heath (Meg Brockie), Eddie Quillan (Sandy), George Chakiris (bailarín), Michael Dugan (Townsman). Guion: Alan Jay Lerner. Música: Frederick Loewe. Coreografía: Gene Kelly. Fotografía: Joseph Ruttenberg. Productor: Arthur Freed. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 103 minutos.

Alan Jay Lerner y Frederick Loewe son dos de los autores más exitosos de Broadway y por rebote de Hollywood porque varias de sus obras se han llevado al cine. My Fair Lady (1964), Camelot ( 1967), La leyenda de la Ciudad sin Nombre (1969) son sus títulos más famosos.  Su primer gran éxito fue la película que aquí comentamos, antes una obra musical que triunfó en los escenarios de Broadway en 1947. Existe también un telefilme con el mismo argumento estrenado en 1966 con Robert Goulet, Peter Falk y Sally Ann Howes, la chica de Chitty, Chitty, Bang, Bang (1968), 
Brigadoon trata de una supuesta leyenda escocesa de un pueblo que aparece un día cada cien años y vuelve a desaparecer en la noche. En Escocia no existe tal leyenda, fue un invento del musical estrenado en 1947. Si existe en Alemania. Alan Jay Lerner se basó en la leyenda de Germelshausen que desapareció por un hechizo. Germelshausen es una historia de Friedrich Gerstäcker escrita a mediados del siglo XIX sobre un pueblo abandonado en Turingia, Alemania, que se hundió en la tierra hace mucho tiempo y reaparece un solo día cada siglo.
Jay Lerner llamó a ese pueblo Brigadoon, un puente de Alloway (Escocia) llamado Brig O´Doon. El musical utiliza el folclore de las Tierras Altas en sus canciones y vestuario. La Metro la quiso llevar al cine siete años después con Gene Kelly y Donald O´Connor como protagonistas, pero éste no estaba disponible porque estaba contratado por otra productora y fue sustituido por Van Johnson a quién le caen mejor los papeles de antipático.
Al mismo tiempo la Metro rodaba Siete novias para siete hermanos (1954) que sufrió toda clase de recortes en beneficio de Brigadoon, pero cuando se estrenaron ésta fracasó en taquilla porque el público la encontró muy extraña y la anterior, tan despreciada, fue todo un bombazo.
Actualmente Brigadoon es un clásico de culto, una película amada por muchos cinéfilos y uno de los mejores trabajos de Vincente Minnelli.

La canción I’ll Go Home with Bonnie Jean (Me iré a casa con Bonnie Jean) llena la pantalla, dos cazadores estadounidenses llegan por casualidad a un pueblo que no está en los mapas y desconocen su moneda. Es un pueblo extraño y misterioso, pero son tratados con generosidad y curiosidad. Beben cerveza y bailan danzas escocesas cuando se ponen a bailar claqué ante la sorpresa de los nativos que les piden continúen con sus pasos de baile.
En este poblado un desencantado Gene Kelly se encuentra con Cyd Charisse y se enamora perdidamente de ella, pero es un amor imposible. El pueblecito va a desaparecer por la noche y reaparecer al cabo de un siglo.
La película está rodada en los estudios de la Metro, en decorados muy evidentes. Los vestidos son muy coloristas. La trama es muy idealista. El amor hace milagros y todo lo resuelve.
Minnelli ejecuta la película con total elegancia. Cada plano es una obra de arte. Los actores están espléndidos en sus personajes idealizados. El director muestra el contraste con el mundo moderno de 1954, un mundo desordenado, chillón, farragoso. La vida de campo es muy sencilla pero ¿nos podemos adaptar a ella? La pureza de corazón finalmente vence y el amor triunfa contra toda lógica.
Kelly y Charisse tienen buenos números de baile. Excelente coreografía del gran Kelly. Todo es onírico, como un sueño agradable. Una auténtica obra maestra de un gran director.

Judy Garland y Vincente Minnelli

La versión de 1966 para televisión con Peter Falk, Sally Ann Howes y Robert Goulet.