EN LA ESTATUA DE LA LIBERTAD

SABOTAJE. Título original: Saboteur. Año: 1942. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Robert Cummings (Barry Kane), Priscilla Lane (Patricia «Pat» Martin), Otto Kruger (Charles Tobin), Alan Baxter (Freeman), Clem Bevans (Neilson), Norman Lloyd (Frank Fry), Alma Kruger (Mrs. Sutton). Guion: Peter Viertel, Joan Harrison, Dorothy Parker. Historia: Alfred Hitchcock. Música: Charles Previn, Frank Skinner. Fotografía: Joseph A. Valentine (B&W). Universal Pictures. Duración: 104 minutos.

No confundir Sabotaje (1936), una producción británica de Alfred Hitchcock con la presente, cuyo título original es Saboteur, el saboteador, una producción de Hollywood con más medios.

Hitchcock quiso rodar esta película con Gary Cooper que la rechazó con desagrado porque creía que sería una cinta de oca monta, en su lugar la productora escogió al olvidado Robert Cummings. Robert Cummings (Joplin, 10 de junio de 1908-Woodland Hills, 2 de diciembre de 1990), conocido artísticamente como Bob Cummings, fue un actor cinematográfico y televisivo estadounidense. Cummings trabajó principalmente en papeles cómicos, pero fue eficaz en los pocos dramáticos que rodó, especialmente en dos títulos de Alfred Hitchcock, Saboteur (Sabotaje) y Dial M for Murder (Crimen perfecto).
Lo vimos en Ella y sus maridos y Hacia los grandes horizontes, 
Como actriz protagonista eligió a Barbara Stanwyck que no estaba disponible y en su lugar trabajó Priscilla Lane (nacida Priscilla Mullican; Indianola, Iowa; 12 de junio de 1915 – Andover, Massachusetts; 4 de abril de 1995) que trabajó con James Cagney y Humphrey Bogart.
Como antagonista estaba Norman Lloyd que opacó a los grises protagonistas. Norman Perlmutter (Jersey City, Nueva Jersey; 8 de noviembre de 1914-Los Ángeles; California; 11 de mayo de 2021), más conocido como Norman Lloyd, Aquí es el villano que en cierto modo es más atractivo que el héroe central. Más tarde fue socio de Hitchcock en sus programas de televisión. Falleció a los 106 años mientras dormía dejando buen recuerdo en quienes trabajaron con él.

Esta película en manos de otro director hubiera resultado vulgar y rutinaria, pero el gran Alfred Hitchcock tiene una personalidad muy acusada. Consigue crear un clima de opresión de un guion algo tramposo. El protagonista trabaja en una fábrica donde se provoca un incendio, un amigo le pide que le acerque un extintor colgado en la pared y resulta que estaba lleno de gasolina. Los motivos para acusarle son muy débiles. El responsable del sabotaje es quien ha colgado el extintor, no quién lo utiliza para apagar el fuego y es víctima del error.
Nos encontramos una vez más con el caso del falso culpable, el público confía en nuestro héroe acusado de un crimen del que es inocente. Hitchcock nos ofrece dos secuencias magistrales. Una es un tiroteo en un cine que el público confunde con los de la película que proyectan. Otra son las escenas finales en la Estatua de la Libertad que son antológicas.
Tenemos secuencias divertidas, como la caravana de freaks, fenómenos como las hermanas siamesas y la mujer barbuda que ayudan a los protagonistas a huir. Los actores están todos bien, destacando Norman Lloyd, el villano de mirada hipnótica.

¿QUÉ SERÁ, SERÁ?

EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO. Título original: The Man Who Knew Too Much. Año: 1956. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: James Stewart (Dr. Benjamin «Ben» McKenna), Doris Day (Josephine «Jo» Conway McKenna), Brenda de Banzie (Lucy Drayton), Bernard Miles (Edward Drayton), Ralph Truman (Inspector Buchanan), Daniel Gélin (Louis Bernard), Mogens Wieth (Embajador), Alan Mowbray (Val Parnell), Hillary Brooke (Jan Peterson), Christopher Olsen (Henry «Hank» McKenna), Reggie Nalder (Rien), Richard Wattis (ayudante), Noel Willman (Woburn), Alix Talton (Helen Parnell), Yves Brainville (Inspector de policía en Marrakech), Carolyn Jones (Cindy Fontaine), Betty Baskcomb (Edna, la organista de la iglesia), John Barrard (taxidermista), Bernard Herrmann. Música: Bernard Herrmann. Fotografía: Robert Burks. Paramount Pictures. Duración: 120 minutos.

Cuando era niño no existía la televisión en España o al menos no la veíamos aquí. La radio era la reina de la casa. Había canciones que no paraban de sonar. Una de ellas era ¿Qué será, será? de Jay Livingston y Ray Evans que en 1956 ganó el Oscar a la mejor canción por El hombre que sabía demasiado (1956), cantada por la cálida voz de Doris Day en dicha película. Este título es un remare de una película del propio Hitchcock en 1934 del que ya hablaremos otro día.
Doris Mary Ann Kappelhoff, conocida como Doris Day (Cincinnati, 3 de abril de 1922-San Diego, California, 13 de mayo de 2019), era en aquel tiempo la Bestia Negra de los críticos de cine por sus comedias de serie encarnando vírgenes profesionales como así la llamaban.  Cuando se salía de su papel y trabajaba con buenos directores era una actriz más que aceptable. Pero prefirió llenar de ceros su cuenta corriente antes que rodar calidad. Nada que objetar, todos somos humanos, y entiendo su postura. Trabajaba para comer y satisfacer sus caprichos antes que malvivir rodando buenas películas.
Ignacio F. Iquino rodó buenas películas y nadie fue a verlas, un día se dijo «si el público quiere mierda, le dar´mierda«. Y así empezó la carrera que todos conocemos. Doris Day debió pensar igual aunque en los fastos de Hollywood. Qué le vamos hacer.

La segunda versión de El hombre que sabía demasiado nos retrotrae al Hitchcock más puro. Grandes misterios, paisajes exóticos con gente misteriosa. Equívocos. Giros de guion inesperados. La música de Bernard Herrmann (quién aparece brevemente dirigiendo un concierto) subrayando todo el misterio. El suspenso bien dosificado y buenas interpretaciones de James Stewart, uno de los actores fetiche de Hitchcock, y de Doris Day, alejada de sus vírgenes profesionales.
El MacGuffin es un atentado terrorista de una organización criminal que desea cometer un crimen de un embajador extranjero. El Dr. Benjamin «Ben» McKenna, el personaje de James Stewart ajeno a la trama se vé involucrado en la misma muy a su pesar. No se interesa por la misma pero le secuestran a su hijo pequeño a quien amenazan de asesinar si les denuncia.
El cine de Hitchcock es calificado como un Grand Guignol, un guiño es un teatro de títeres que se pasan la función peleando con estacas.  El doctor McKenna y su esposa luchan en un conflicto que les va grande. Hitchcock es detallista, fija su mirada en objetos que juegan en la trama como esos platillos que deben apagar el sonido de un mortal disparo.
El público está en vilo desde el primer minuto. Hay personajes que no son lo que parecen ser, la trama da giros  inesperados. Hitchcock nos enreda y nos lleva por donde quiere. Nadie sabe utilizar el lenguaje cinematográfico como él. Es un auténtico mago del cine.

La versión anterior de El hombre que sabía demasiado (1934) con Peter Lorre.

CON AROMA DE CINE-CLUB

SER O NO SER. Título original: To Be or Not to Be. Año: 1942. País: Estados Unidos. Dirección: Ernst Lubitsch. Reparto: Carole Lombard (María Tura), Jack Benny (Joseph Tura), Robert Stack (el teniente Stanislav Sobinski), Felix Bressart (Greenberg), Lionel Atwill (Rawich), Stanley Ridges (el profesor Alexander Siletsky), Sig Ruman (el Coronel Ehrhardt), Tom Dugan (Bronski), Charles Halton (Dobosh), George Lynn (actor y ayudante), Henry Victor (el Capitán Schultz), Maude Eburne (Anna), Halliwell Hobbes (el general Armstrong), Miles Mander (el comandante Cunningham). Guion: Edwin Justus Mayer. Historia: Melchior Lengyel. Música: Werner R. Heymann. Fotografía: Rudolph Maté (B&W). Romaine Film, Alexander Korda, Romaine Film Corporation. Distribuidora: United Artists. Duración: 99 minutos.

Ernst Lubitsch es un viejo amigo de Diario de Cine,  ya hablamos de El Desfile del Amor (1929), Una hora contigo (1932), La viuda alegre (1934), La octava mujer de Barba Azul (1938), Ninotchka (1939), la póstuma La dama de armiño (1948). La primera vez que leí sobre este importante director fue en una enciclopedia de cine que le trataba muy mal porque sus películas gustaban al público. Algo que para muchos críticos es un crimen.
Luego se le revalorizó como un genio de la comedia. Ernst Lubitsch (Berlín, 29 de enero de 1892-Los Ángeles, California; 30 de noviembre de 1947) fue un director de cine judío-alemán, nacido en Alemania, naturalizado ya en 1933 estadounidense, a donde había emigrado.
De todas sus películas la preferida de muchos cinéfilos es ésta, Ser o no ser. Trata de una compañía de teatro polaca que representa Hamlet de William Shakespeare. Mi favorita es Ninotchka, pero no viene al caso.
Su revisión me trae recuerdos de mi adolescencia en los cines llamados de Arte y Ensayo donde se daba unos títulos más cultos y del Cine-Club de mi ciudad donde se daban películas más comprometidas.
En aquella época España estaba bajo una dictadura y la censura era feroz, muy dura, y nos daban sumo placer esa clase de cintas muchas de ellas actualmente olvidadas. Aquellos años heroicos de nuestra juventud perdida.

En Ser o no ser nos encontramos con rostros alemanes que huyeron del nazismo para afincarse en los Estados Unidos, unos por razones ideológicas y los más por pertenecer a la comunidad judía. Sig Ruman apareció en varias películas de los hermanos Marx, Felix Bressart aparecía en las comedias alemanas de Lilian Harvey. El mismo Ernst Lubitsch era un fugitivo del régimen nazi, como su guionista Bily Wilder, futuro director.
Jack Benny (nacido como Benjamin Kubelsky; Chicago, 14 de febrero de 1894-Beverly Hills, 26 de diciembre de 1974) era hijo de inmigrantes judíos pero nació en Chicago. Tuvo más éxito en la radio y posteriormente en la televisión que en el cine. Jane Alice Peters (Fort Wayne, 6 de octubre de 1908 – Potosí Mountain, 16 de enero de 1942), conocida artísticamente bajo el seudónimo de Carole Lombard, falleció en un accidente aéreo antes del estreno de la película que nos ocupa.
Charles Langford Modini Stack (Los Ángeles, 13 de enero de 1919-Beverly Hills, 14 de mayo de 2003), más conocido como Robert Stack, es aquí el galán joven pero triunfó con la serie de televisión Los intocables (1959 – 1963) encarnando a Eliot Ness.

La película empieza con un actor disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia (Polonia), un niño le pide un autógrafo. Conocemos a la compañía de teatro ensayando una obra sobre la Gestapo pero órdenes de arriba prohiben la representación.  Varsovia es bombardeada y ocupada por los nazis. «Para ellos no hay censura» exclama un actor.
Toda la trama,mitad en serio mitad en broma, gira alrededor de equivocos e intrigas varias, Lubitsch da pie a su sarcasmo y a su ironía.
Los cómicos luchan por sobrevivir entre escombros y brutalidad. La primera dama es seducida por un teniente polaco. El actor principal sólo piensa en halagar su vanidad. Están en peligro y montan una farsa para embaucar a la Gestapo.
La realidad se confunde con la ficción. Los nazis son torpes y ridículos. Todos los actores están brillantes en sus respectivos papeles intentando embaucar a los invasores.
Lubitsch no da mensajes moralizantes como Charles Chaplin en El gran dictador, se rie de sus antagonistas. Los encuentra seres sin sentido. En aquella época se desconocían las atrocidades de los campos de exterminio pero el público acogió mal la película. No eran tiempo para tales frivolidades pero en la actualidad Ser o no ser ha aumentado su valoración. Es una obra maestra de la cinematografía mundial y es una película muy sólida sin ningñun punto muerto. Todo está muy bien llevado y el guión destila inteligencia.

Robert Stack y Carole Lombard en Ser o no ser, debajo Stack como Eliot Ness en Los Intocables.

EL «PARAÍSO» CUBANO

TOPAZ. Título original: Topaz. Año: 1969. País: Estados Unidos. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Frederick Stafford (André Devereaux), Dany Robin (Nicole Devereaux), Claude Jade (Michèle Picard), Michel Subor (François Picard), Karin Dor (Juanita De Cordoba), John Vernon (Rico Parra), Michel Piccoli (Jacques Granville), Philippe Noiret (Henri Jarre ), John Forsythe (Michael Nordstrom). Guion: Samuel Taylor. Novela: Leon Uris. Música: Maurice Jarre. Fotografía: Jack Hildyard. Universal Pictures. Duración: 127 minutos.

Hace los cine-clubs y la gente progresista me decían que Cuba es un Paraíso, sin embargo la gente que vive allí, la que la visita y la que huyó me dicen todo lo contrario. Fidel Castro tenía muy buen prestigio entre los progres europeos y sobretodo entre la crítica cinematográfica simpatizante con esos regímenes.
Eso explica que Topaz fue mal recibida por la crítica cuando se estrenó porque da una imagen nada idílica de la isla caribeña. Como de política no entiendo, ni falta que me hace, me limito a explicar la situación.
En la actualidad la película se ve con otros ojos, el régimen castrista se ha desmitificado y las opiniones no son tan negativas. Errores en Topaz hay muchos pero no éste. Por ejemplo todos los personajes hablan inglés aunque sean de nacionalidades distintas. Eso es muy poco natural. Pero ya se sabe que los anglosajones son así de chovinistas.
Para la anécdota, Alfred Hitchcock le hizo una prueba a Teresa Gimpera para el papel de Juanita De Cordoba, pero creyendo que buscaba a la clásica rubia hitchcockiana se presentó al casting con los cabellos dorados y el creador de Vértigo la rechazó. En realidad buscaba una morenaza y llamó a la alemana Karin Dor (Wiesbaden, Hesse; 22 de febrero de 1938-Múnich, Baviera; 6 de noviembre de 2017) que realiza una interpretación magistral. A dicha actriz la conocimos en  Sólo se vive dos veces (1967), una villana que intenta asesinar a James Bond y termina devorada por pirañas.
Es la primera película de Alfred Hitchcock sin estrellas de Hollywood desde 1940. Tiene una imagen más europea con actores europeos como la malograda Claude Jade (Dijon, 8 de octubre de 1948 – Boulogne-Billancourt, 1 de diciembre de 2006), musa de François Truffaut.

Topaz es sin ninguna duda un Hitchcock menor. Eso no quiere decir que sea una mala película, antes todo lo contrario. Es un buen título, una lección de buen cine para todos con grandes secuencias. Yo no echo de menos las grandes estrellas que provocan que no veamos a sus personajes sino a ellas de forma egoísta.
Hitchcock decía que los actores son ganado, eso no quiere decir que los desprecie sino que debe moldearlos a sus intereses como creador. Parte de la trama de Topaz pasa en Cuba y en Europa (Dinamarca y Francia), pero son un telón de fondo. Se trata de una película de espías no como James Bond sino como una entidad misteriosa.
Hitchcock fija su mirada en diversos objetos que juegan un papel dramático en la cinta. En muchas ocasiones sugiera sin mostrar. La conversación del espía afroamericano con el traidor de las huestes de Cuba es una buena muestra de ellos. Hablan con pasión pero no escuchamos los diálogos, nos lo imaginamos.
En fin nos encontramos con una obra menor pero no por ellos desprovista de interés.

Alfred Hitchcock y Claude Jade

EL ASESINO DE LA CORBATA

FRENESÍ. Título original: Frenzy. Año: 1972. País: Reino Unido. Dirección: Alfred Hitchcock. Reparto: Jon Finch (Richard Ian Blaney), Alec McCowen (Inspector Jefe Oxford), Barry Foster (Robert Rusk), Billie Whitelaw (Hetty Porter), Anna Massey (Barbara Jane ‘Babs’ Milligan), Barbara Leigh-Hunt (Brenda Margaret Blaney), Bernard Cribbins (Felix Forsythe), Vivien Merchant (Señora Oxford), Michael Bates (Sargento Spearman), Jean Marsh (Monica Barling), Clive Swift (Johnny Porter), John Boxer (Sir George), Madge Ryan (Señora Davidson), George Tovey (Señor Salt), Elsie Randolph (Gladys), Jimmy Gardner (Portero del hotel), Gerald Sim (Solicitante en pub), Noel Johnson (Doctor en el pub). Guion: Anthony Shaffer. Novela: Arthur La Bern. Música: Ron Goodwin. Fotografía: Gilbert Taylor. Universal Pictures. Duración: 116 minutos.

En 1972 muchos críticos consideraban acabada la carrera del gran Alfred Hitchcock. Tanto Topaz (1969) como Cortina rasgada (1966) fueron consideradas obras fallidas en parte porque dejaban en mal lugar los regímenes comunistas por los que parte de la crítica sienten gran simpatía.  Sin embargo los pueblos que padecieron ese sistema político difieren profundamente de tal aseveración.
Para mí son dos obras menores pero muy atractivas e interesantes. Cuando Hitchcock estrenó Frenesí lanzaron las campanas al vuelo: ¡Hitchcock se ha recuperado! dijeron pero creo que nunca se perdió.
Alfred Joseph Hitchcock (Londres, 13 de agosto de 1899-Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue un director de cine, productor y guionista británico. Sus primeras obras las dirigió en Reino Unido, su país, Hitchcock dirigió 53 largometrajes a lo largo de su carrera como director, listado que inició con The Pleasure Garden (1925) y concluyó con La trama (1976). Veintitrés de esos filmes se produjeron en el Reino Unido.
Tenía una carrera muy sólida en su país de origen cuando Hollywood lo llamó, debutando con Rebeca (1940) a la que siguieron títulos míticos que son una lección de cine magistral.
En horas bajas, regresó a Reino Unido para rodar Frenesí con actores poco conocidos or el gran público pero no por ello inferiores en calidad. Hitchcock ya tenía 73 años cuando la rodó pero su maestría estaba intacta.

Con Frenesí, el gran Alfred Hitchcock reverdece sus viejos laureles y regresa a sus principios con ese thriller con pasícópata sexual e imágenes violentas con algún leve desnudo. Además tiene una fotografía (excelente por cierto) de Gilbert Taylor muy oscura y sórdida. Las escenas de asesinatos son muy brutales al principio pero en las siguientes son sugeridas y no mostradas. La cámara retrocede y baja escaleras dejando que el público se imagine la acción.
Algunas escenas tienen el típico humor negro británico como el camión con sacos de patatas donde el asesino ha escondido a una de sus víctimas.
Por contra tenemos alivio cómico en las escenas en que la mujer del inspector de Scotland Yard muestra una cocina pretenciosa e infumable.
La trama central recurre a una constante de Hitchcock, el falso culpable. A nuestro protagonista se le persigue yse le condenan por unos crímenes que no ha cometido pero el inspector no está del todo convencido y descubre finalmente la trama.
A principios de la película sabemos quién es el asesino pero el suspenso radica en su temor a ser descubierto y la desesperanza del falso culpable en quién recaen todas las sospechas con datos incriminatorios.
Con Frenesí Alfred Hichcock recuperó su perdido prstigioso pero fue la penúltima de su filmografía. La edad no perdonaba y con La trama cerró su brillante carrera.

A la izquierda la actriz Anna Massey (1937-2011), hija del célebre actor Raymond Massey, y a la derecha el genial Alfred Hitchcock rodando Frenesí.

JOAN, JOAN Y DOROTHY

UNA ISLA AL SOL. Título original: Island in the Sun. Año: 1957. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Rossen. Reparto: Dorothy Dandridge (Margot Seaton), James Mason (Maxwell Fleury), Harry Belafonte (David Boyeur), Joan Fontaine (Mavis Norman), Joan Collins (Jocelyn Fleury), Michael Rennie (Hilary Carson), Patricia Owens (Sylvia Fleury), John Justin (Denis Archer), Stephen Boyd (Euan, Lord Templeton), Diana Wynyard (la Sra. Fleury), Basil Sydney (Julian Fleury), John Williams (el coronel Whittingham), Ronald Squire (Lord Templeton), Hartley Power (Bradshaw). Guion: Alfred Hayes. Novela: Alec Waugh. Música: Malcolm Arnold. Fotografía: Freddie Young. 20th Century Fox, Darryl F. Zanuck Productions. Duración: 123 minutos.

Robert Rossen (16 de marzo de 1908 – 18 de febrero de 1966) fue un director, productor y guionista de cine estadounidense que fue incluido en la lista negra de Hollywood de finales de los años 1950. Sus películas son: Cuerpo y alma (1947), Johnny O’Clock (1947), El político (1949), The Brave Bulls (1951), Mambo (1954), Alejandro el Grande (1956), La isla del sol (1957), Llegaron a Cordura (1959), The Hustler (1961), Lilith (1964).
Yo no comparto ninguna persecución política, creo en la Libertad de Expresión, Robert Rossen ingresó en el Partido Comunista de Estados Unidos y su filmografía se compone de películas bienintencionadas de contenido político y social. Con El político consiguió el Oscar al mejor productor. Algunas de sus obras fueron polémicas como La isla del Sol, o Una isla al Sol, que fue boicoteada por el Ku-Klux-Klan y prohibida en algunos estados. Aunque tenga una cierta simpatía por este director he de reconocer que sus ideas fueron nocivas en los países donde se instauró donde la censura fue feroz y las persecuciones políticas mucho más duras que las del senador McCarthy.
En Una isla al Sol tenemos a una de mis negras favoritas. Dorothy Dandrige, otra de las víctimas del racismo estadounidense. La actriz que inició el rodaje de Cleopatra (1963) y fue despedida, sustituida por Elizabeth Taylor. La Taylor me gusta pero la Dandrige mucho más.

El tema racial ha dado mucho que hablar en Hollywood y el resto del mundo. En Estados Unidos hubo un racismo desorbitado y en España el tema nos era ajeno, criticábamos los prejuicios de aquel país porque en nuestro terreno patrio no había negros. Ahora, con la inmigración, vemos el problema con otros ojos. La isla del Sol provocó en su día encendidas polémicas y Robert Rossen fue perseguido por unos por su audacia y otros le ensalzaron.
Para mí es un buen director pero no un genio. Tiene su gracia y la película interesa. Tiene su profundidad. El problema racial es un problema de clases sociales. Los africanos fueron secuestrados de su país natal, llevados encadenados en barcos y vendidos como animales de carga. Se les despojó de cualquier dignidad. Se emanciparon y ahora son libres pero se les siguió explotando.
El personaje de James Mason es significativo. Pretende ser un político favorable a la población africana pero él es un problema. Nunca solucionarán nuestros problemas aquellos que los han provocado.
Por contra tenemos a Harry Belafonte. Un caudillo para su raza que se enamora de una mujer blanca (Joan Fontaine). Pero la pareja está condenada al fracaso. Si marcha de la isla deja de ser un caudillo para convertirse en un paria.
En cambio la pareja de mujer negra (Dorothy Dandrige) con hombre blanco sí resulta. Los actores están todos muy bien. Joan Fontaine destila elegancia. Joan Collins es sensual. Dorothy Dandrige una diosa. Los actores masculinos también están bien. Harry Belafonte era un célebre cantante de Banana Boat, el rey del calipso, una canción que relata las desaventuras de los afroamericanos. James Mason, Stephen Boyd y Michael Rennie cumplen con corrección.
Aunque las cosas han cambiado, la película es atractiva. Se puede ver con agrado.

EL GRAN BILLY WILDER

BÉSAME, TONTO. Título original: Kiss Me, Stupid. Año: 1964. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Dean Martin (Dino), Kim Novak (Polly la Pistola), Ray Walston (Orville), Felicia Farr (Zelda), Cliff Osmond (Barney), Barbara Pepper (Gran Bertha), Skip Ward (Lechero), Doro Merande (Mrs. Pettibone), Bobo Lewis (Camarera), Tom Nolan (Johnnie Mulligan), Alice Pearce (Mrs. Mulligan). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Teatro: Anna Bonacci. Música: Andre Previn. Fotografía: Joseph LaShelle (B&W). The Mirisch Corporation, Phalanx Productions, United Artists. Duración: 119 minutos.

La hora de la fantasía se refiere principalmente a una comedia teatral en dos actos escrita por Anna Bonacci  (Roma, 28 novIembre 1892 – Falconara Marittima, 1981), estrenada con éxito y adaptada en España, incluyendo una versión para TVE en 1975. En 1969 fue llevado a la escena española por la eximia Irene Gutiérrez Alba, Francisco Piquer, Conchita Goyanes y el prestigioso Paco Morán.
Yo la vi en el Teatro Fortuny de Reus y me causó muy buena impresión.
Antes en 1964 el gran Billy Wilder la había adaptado al cine cambiando las localizaciones y la profesión de sus personajes principales.
Los papeles protagonistas los interpretaron actores generalmente secundarios o de poco relieve. como Felicia Farr (nacida Olive Dines; Condado de Westchester, Nueva York; 4 de octubre de 1932),  Cliff Osmond  (nacido Clifford Osman Ebrahim; 26 de febrero de 1937 – 22 de diciembre de 2012), el sagaz detective de En bandeja de plata, y el histriónico Ray Walston (Laurel, Misisipi, 2 de noviembre de 1914-Beverly Hills, California, 1 de enero de 2001) a quién vimos en Malditos yanquis, La leyenda de la Ciudad Sin Nombre y Al Sur del Pacífico. Tres grandes actores que no alcanzaron el estrellato en Hollywood lo que no significa menor calidad, sino todo lo contrario. Cliff Osmond fue incluso maestro de actores en la Georgetown University en Washington D.C.
Los afamados Dean Martin y Kim Novack tienen papeles más cortos pero ambos están geniales en sus respectivos trabajos.

El punto de partida de la mencionada obra y de esta película es la de un hombre muy celoso que para ascender debe dejar que su esposa, su Costillita, le ponga los cuernos con un afamado personaje con mala reputación. Pero idean un plan, sustituyen a su esposa por una prostituta a la que contratan para dejarse seducir por el divo de turno. Pero todo les saldrá como no se lo esperaban.
Dean Martin se autoparodia con estilo. Desde que se separó de Jerry Lewis su carrera mejoró aunque estuvo a la sombra de Frank Sinatra. La exuberante Kim Novack rebosa estilo y encanto. Fue una de las actrices más hermosas de Hollywood.
Billy Wider da rienda suelta a si cinismo como director. Personajes de hondos princípios que traicionan por poder escalar en la sociedad y convertirse en famosos millonarios. El precio de la fama es el de vender sus principios.
El triunfo trae miseria moral aunque a la hora de la verdad su integridad prevalece. Los personajes de Anna Bonacci son encantadores y tuvieron una buena adaptaión a la gran pantalla de la mano del gran Billy Wilder, uno de los mejores realizaores de comedia de la Historia del Cine.

A ORILLAS DEL MISISIPI

LAS AVENTURAS DE TOM SAWYER. Título original: Tom Sawyer. Año: 1973. País: Estados Unidos. Dirección: Don Taylor. Reparto: Johnny Whitaker (Tom Sawyer), Celeste Holm (tia Polly), Warren Oates (Muff Potter), Jeff East (Huckleberry Finn), Jodie Foster (Becky Thatcher), Lucille Benson (Widder Martha Douglas), Henry Jones (Mr. Dobbins), Noah Keen (Juez Cyrus Thatcher), Dub Taylor (Clayton). Guion: Robert B. Sherman, Richard M. Sherman. Novela: Mark Twain. Música: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman. Fotografía: Frank Stanley. Productor: Arthur P. Jacobs. Apjac International. Duración: 104 minutos.

Samuel Langhorne Clemens (Florida, Misuri, 30 de noviembre de 1835-Redding, Connecticut, 21 de abril de 1910), más conocido por su seudónimo Mark Twain, fue un escritor, orador y humorista estadounidense. Durante parte del siglo XIX fue un autor de grandes éxitos editoriales en donde retrata la sociedad que le toco vivir. Muchas de sus novelas han sido adaptadas al cine.
Su bibliografía es La edad dorada (1873), Las aventuras de Tom Sawyer (1876), El príncipe y el mendigo (1881), Las aventuras de Huckleberry Finn (1884), Un yanqui en la corte del Rey Arturo (1889), El pretendiente americano (1892), Tom Sawyer en el extranjero (1894), El bobo Wilson (1894), Recuerdos personales de Juana de Arco (1896), Tom Sawyer detective (1896), La historia de un caballo (1907), El forastero misterioso (1916). Obra póstuma.
Las aventuras de Tom Sawyer, la segunda novela de Mark Twain, ha tenido múltiples adaptaciones cinematográficas, destacando la versión en Technicolor de 1938 dirigida por Norman Taurog y la adaptación musical de 1973 con Jodie Foster. Otras versiones notables incluyen la de 1930 dirigida por John Cromwell y diversas adaptaciones televisivas.
La versión de 1973 esta producida por Arthur P. Jacobs  (7 de marzo de 1922 – 27 de junio de 1973). productor de la serie El planeta de los simios, el guion y las canciones de los famosos hermanos Sherman de Mary Poppins, y Don Tayler (13 de diciembre de 1920 – 29 de diciembre de 1998) fue primero actor y luego director de cintas como Algo para un hombre solitario (1968) con Dan Blocker, Huida del planeta de los simios (1971).
Ademas aparece Jody Foster cuando era un niña desconocida.

Acabada la serie de El planeta de los simios, Arthur P. Jacobs se paso al publico infantil  con esta adaptación musical de Tom Sawyer, a la que siguió Aventuras en el Mississipi (1974) de J. L. Thompson, pero el fallecimiento de Jacobs motivo que fuera sustituido por Natalie Trundy, su viuda.
La película tiene un tono amable y colorido con grandes espacios abiertos. Al fallecer Jacobs la productora perdió fuerza y no se mantuvo mucho tiempo. Johnny Whitaker despareció al llegar a adulto, pero esta bien con ese Tom Sawyer pilluelo, inventor de toda clase de falsedades pero en el fondo es noble y entregado.
Jeff East fue el Superman adolescente en la  película de Richard Donner ya mitica. Jodie Foster en cambio hizo un carreron impresionante hasta la fecha.
Toda la película esta centrada en las trastadas de Tom Sawyer y Huckleberry Finn que van descalzos y nadan en el rio Misisipi. Todo es amable y jocoso, realizado con buena intención.
Es una cinta que no molesta por su afabilidad. Las canciones de los hermanos Sherman son bonitas pero inferiores a las de otras producciones. Ninguna ha triunfado ni transcendido a la historia de la música en el cine. En su conjunto la producción se ve sin enojo.

BATALLITAS OLVIDADAS

¿QUE TAL, PUSSYCAT?. Título original: What’s New, Pussycat?. Año: 1965. País: Estados Unidos. Dirección: Clive Donner. Reparto: Peter Sellers (Dr. Fritz Fassbender), Peter O’Toole (Michael James), Romy Schneider (Carole), Capucine (Renée), Paula Prentiss (Liz), Woody Allen (Víctor), Ursula Andress (Rita), Jess Hahn (Sr. Werner), Howard Vernon (Doctor), Françoise Hardy (Asistente del alcalde). Sabine Sun (Como la enfermera), Richard Burton (Cameo como un hombre en el bar de un club de striptease). Guion: Woody Allen. Música: Burt Bacharach. Canción del titulo: Tom Jones. Fotografía: Jean Badal. United Artists. Duración: 108 minutos.

Hara unos sesenta años que hubo una campaña en Fotogramas para que estrenaran la película que nos ocupa. La censura franquista la había prohibido no se porque y los lectores de la mentada revista se pusieron en pie de guerra exigiendo su estreno. Era la película deseada.
Vista en la actualidad descubrimos que no  había para tanto en un sentido y en otro. No es lo suficientemente inmoral para que la censura prohibiera su distribución comercial en España. Cosas mas osadas se vieron aquellos días.
Por otra parte esta cinta no tiene la suficiente calidad para su mitificacion. Todo lo que ha hecho Clive Donner (21 de enero de 1926 – 6 de septiembre de 2010) es mediocre, nunca hizo una buena película que yo recuerde. Ahora la película se ve vieja y pasada de moda. Yo he hablado de muchas películas antiguas en este blog, pero muchas de ellas conservan la calidad y el ingenio intactos.
Ademas esta cinta supuso el debut en cine del afamado Woody Allen (nacido como Allan Stewart Konigsberg; Nueva York, 30 de noviembre de 1935), autor del guion del que reniega por los numerosos cambios que le hicieron al mismo.

Alguien me dijo que si ruedas una película clásica dentro de diez años tendrás una película clásica. Si ruedas una película moderna dentro de diez años tendrás una película anticuada. Eso es precisamente lo que le pasa a este titulo que esta fuera de su tiempo. No es antipática pero si un tanto pretenciosa.
Vemos algunas de las obsesiones típicas del cine de Woody Allen que en el futuro maduró como cineasta. La psiquiatría, el psicoanálisis. Pero la película de Donner es muy superficial y poco entretenida.
A esta cinta le falta imaginación, ingenio. Le sobran ganas de parecer moderno con una modernidad muy superficial. Personajes neuróticos, muy típicos de Allen. Protagonista un guapearas que encandila a las damas con su falso encanto pero es incapaz de retener a una sola, lo que si hace al final.
Tenemos a Peter Sellers, lejos de su inspector Clouseau que tanta gloria dio a la comedia. La bella Romy Schneider. Capucine y Ursula Andress entonces de moda. La película no es mala, no esta a la altura de su fama de entonces. Es un quiero y no puedo. Eso si los actores se deberían haber divertido con el rodaje.

A la izquierda Clive Donner con el equipo artístico de la pelicula.

EL GRAN HOLLYWOOD

LLÉVAME A VER EL PARTIDO. Título original: Take Me out to the Ball Game. Año: 1949. País: Estados Unidos. Dirección: Busby Berkeley. Reparto: Gene Kelly (Eddie O’Brien), Frank Sinatra (Dennis Ryan), Esther Williams (K.C. Higgins), Betty Garrett (Shirley Delwyn), Edward Arnold (Joe Lorgan), Jules Munshin (Nat Goldberg), Richard Lane (Michael Gilhuly), Tom Dugan (Slappy Burke), Ed Cassidy (Teddy Roosevelt). Guion: George Wells, Harry Crane. Argumento: Stanley Donen y Gene Kelly. Música: Roger Edens. Coreografía: Stanley Donen y Gene Kelly. Fotografía: George J. Folsey. Productor: Arthur Freed. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 93 minutos.

¿Alguien recuerda Una noche en la Ópera con los hermanos Marx? En una secuencia cambian las partituras de la ópera por una canción popular. De repente la orquesta se pone a tocar Take Me Out to the Ball Game de Jack Norworth y Albert Von Tilzer, un himno de los partidos de beisbol en Estados Unidos. Ese es el título original de la película que nos ocupa que se podría traducir como Llévame al partido de béisbol, aquí traducido como Llévame a ver el partido.
Esta película es muy estadounidense por lo que tardó en llegar a España donde el público tiene otros gustos muy diferentes a los del país del dólar.
En el reparto tenemos a un joven Frank Sinatra que en su tiempo enamoró a millones de adolescentes de la época mientras que en España cantaban los Xey (un grupo famoso en su época) Los feos que decía así «Todos los feos conquistan a las mujeres más bellas, Agustín Lara y un tal Sinatra«.
El protagonista principal, entonces principiante, Gene Kelly le opaca en toda la cinta porque era un artista más completo y el mejor bailarín después de Fred Astaire.
Entre los secundarios tenemos a Betty Garrett (St. Joseph, Misuri, 23 de mayo de 1919-12 de febrero de 2011), una estupenda cómica que triunfó como la taxista de Un día en Nueva York (1949), enamorada de Frank Sinatra, y que al igual que aquí le persigue con ahínco.
Casada con Larry Parks, Garret y su marido fueron represaliados por la Lista Negra del senador McCarthy ya que ese matrimonio era militante del Partico Comunista. Sin embargo eran propietarios de una empresa constructora y de diversos apartamentos del area metropolitana de Los Angeles.

En Llévame a ver el partido nos encontramos con un director en declive, el gran Busby Berkeley, antiguo coreógrafo de musicales geniales, y la participación en la misma de dos jóvenes que en el mismo año estrenaron Un día en Nueva York como directores, la película que les lanzó a la fama.
Stanley Donen y Gene Kelly, dos nombres valiosos para el musical, eran también argumentistas de ambas cintas por lo que aparecen en ellas varias semejanzas. El trío formado por Kelly, Sinatra y Jules Munshin que repitieron así como la hembra acosadora de Frank Sinatra, Betty Garret, en papeles muy similares.
Tenemos asimismo excelentes números musicales: O’Brien to Ryan to Goldberg con el trío protagonista, The Hat My Dear Old Father Wore upon St. Patrick’s Day cantado y bailado por Gene Kelly, Strictly U.S.A por las dos parejas de la película, la propia Take Me Out to the Ball Game interpretada por Gene Kelly y Frank Sinatra  y repetida en la piscina por Esther Williams.
Las escenas de comedia son asimismo brillantes. Tenemos un cameo de Theodore Roosevelt (el Donald Trump de la época). Un buen espectáculo que nos hizo presagiar la Edad de Oro del Musical que estaba al caer en el mismo año.