LA MAGIA DE LA METRO

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS. Título original: Seven Brides for Seven Brothers. Año: 1954. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Howard Keel (Adam), Jane Powell (Milly), Jeff Richards (Benjamin), Julie Newmar (Dorcas), Matt Mattox (Caleb), Ruta Lee (Ruth), Marc Platt (Daniel), Norma Doggett (Martha), Jacques d’Amboise (Ephraim), Virginia Gibson (Liza), Tommy Rall (Flor (Florindo)), Betty Carr (Sarah), Russ Tamblyn (Gideon), Nancy Kilgas (Alice). Guion: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley. Libro The Sobbin’ Women, de Stephen Vincent Benét. Música: Adolph Deutsch, Saul Chaplin. Coreografía: Michael Kidd. Fotografía: George J. Folsey. Metro-Goldwyn-Mayer, Loew’s. Distribuidora: MGM. Duración: 103 minutos.

Alguna vez he comentado que la Metro Goldwyn Mayer, la productora del león que ruge, fue un desastre para la comedia cómica pero brilló con esplendor en el terreno del musical. En 1953 se rodaban en sus estudios Brigadoon y Siete novias para siete hermanos, la Metro confiaba en el gran éxito de la primera y la segunda la menospreció al considerarla un film menor de entretenimiento. Por eso la película de Stanley Donen (Columbia, Carolina del Sur; 13 de abril de 1924-Manhattan, Nueva York; 21 de febrero de 2019) sufrió toda clase de recortes presupuestarios en beneficio de la primera, de la leyenda escocesa sobre un pueblo que aparece un día cada cien años.
Pues cuando ambas producciones se estrenaron la fábula de las tierras altas pinchó, pero la comedia sobre siete hermanos montañeses y sus románticas novias fue todo un bombazo.
En el reparto tenemos al impresionante barítono Howard Keel (Gillespie, Illinois; 13 de abril de 1919 – Palm Desert, California; 7 de noviembre de 2004) como Adam, el hermano mayor que se casa al principio de la película, excelente cantante pero un actor discreto que cumple con su papel. En esta cinta es donde estuvo mejor, siempre en musicales de la Metro, pocas apariciones aparte, aunque goza de un buen soporte secundario. La chica es la soprano Jane Powell (Portland, Oregón, 1 de abril de 1929-Wilton, Connecticut, 16 de septiembre de 2021), una actriz más completa y con un papel de más enjundia. Entre los secundarios destaca nuestro querido Russ Tamblyn de quién ya hemos hablado en otro escrito. Excelente bailarín y simpático carácter.
Stanley Donen está asociado a Gene Kelly en varios musicales de gran calidad como Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siempre hace buen tiempo (1955). Fuera de la Metro dirigió tres comedias no musicales: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).  Fue productor y director de películas independientes, recuerdo  Movie Movie (1978), dos cortometrajes con los mismos actores, recuerdo de los viejos cines de bario con programas dobles. Una de sus últimas películas fue Lío en Río (1984), los amores de una jovencita con un galán maduro, padre de su mejor amiga. Un buen título que merecería ser recordado.

Esta obra maestra del cine musical suele gustar mucho a las chicas y a los cinéfilos amantes del género. Sus canciones son muy bonitas, sin ninguna duda. La primera, Bless Yore Beautiful Hide (Bendita sea tu hermosa piel), es toda una declaración de príncipios. Un granjero leñador (Howard Keel) se acerca a un poblado de Oregón en busca de provisiones y de una esposa. Vive en un solitario rancho con seis hermanos asilvestrados, sucios y toscos. No sabían siquiera que existían las chicas. Nunca habían visto ninguna.
La aparición de una cuñada joven es para ellos una revolución. Sienten nuevos sentimientos, valga la redundancia. Esta película ha sido tratada de machista pero yo creo que es discutible esta aseveración. Los hermanos son toscos, paletos, ignorantes. La cuñada les hace evolucionar como personas. De unos energúmenos los va convirtiendo en caballeros responsables.
Es espectacular la danza en la que los hermanos compiten por las chicas con los mozos del pueblo. Es toda una sensación, uno de los mejores ballets jamás vistos en cine. Por deficiencias de la época casi toda la película se rodó en estudio, los decorados son muy artificiales. Pero es la época en que se rodó cuando la técnica estaba muy atrasada y el presupuesto de la película menguaba cada día más.
Los directivos de la Metro no creían en el proyecto pero se equivocaron completamente. Siete novias para siete hermanos arrasó en taquilla y en sucesivas reposiciones. Tenían un gran director al frente y a una gran estrella, Jane Powell, que llenaba la pantalla pese a su figura chiquita.
El guion es inteligente. Los chicos creen haber conquistado a las chicas, pero éstas los civilizan. Sin ellas siempre hubieran seguido en su atraso silvestre.
Las novias tienen dignidad. No son alienadas de ningún modo. Los hermanos las secuestran pero las respetan.
Cuando les preguntan quién es la madre del niño que han oído llorar los padres de las chicas, ellas responden «¡mío!«, Un antecedente del «yo soy Espartaco» de Kubrick. Es una declaración revolucionaria para quedarse con los hermanos y evitar que los ahorquen.
No es políticamente correcta ni woke, pero no tan machista como le han acusado. Comprendo a las feministas que se sienten ofendidas pero un análisis más exhaustivo puede defender esta cinta de acusaciones de machismo y patriarcado.
Es una película muy colorista, muy alegre que entusiasma al público. Sobretodo al público femenino pese a la opinión negativa de las radicales feministas. Estos hermanos viven en un mundo muy difícil, el salvaje oeste. Un lugar donde puedes morir por naderías.
Vista en la actualidad la película conserva su vitalidad, sus ganas de vivir. Su optimismo desenfrenado. Una película clásica que nunca muere.

Gene Kelly y Van Johnson rodaban Brigadoon cuando Howard Keel protagonizaba Siete novias para siete hermanos.

VACACIONES EN DELOS

ALMAS DE METAL. Título original: Westworld. Año: 1973. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Crichton. Reparto: Yul Brynner (Pistolero), Richard Benjamin (Peter Martin), James Brolin (John Blane), Norman Bartold (caballero medieval), Alan Oppenheimer (Supervisor jefe), Victoria Shaw (Reina medieval), Dick Van Patten (Banquero), Linda Gaye Scott (Arlette), Steve Franken (Técnico), Michael T. Mikler (Caballero negro). Guion: Michael Crichton. Novela: Michael Crichton. Música: Fred Karlin. Fotografía: Gene Polito. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 88 minutos.

Michael Crichton  (Chicago, 23 de octubre de 1942-Los Ángeles, 4 de noviembre de 2008) fue un escritor, director de cine, productor y médico estadounidense. Su especialidad era la ciencia ficción. En 1969 publicó La amenaza de Andrómeda, llevada al cine por Robert Wise en 1971. En 1990 publicó Parque Jurásico que fue adaptada por Steven Spielberg en 1993 creando una saga cinematográfica.
En 1973 escribió y dirigió Almas de metal, la película que nos ocupa, titulada Westworld en inglés, que  tuvo una secuela, Mundo futuro (1976) y una serie de televisión Westworld (2016) compuesta por cuatro temporadas de diez capítulos las dos primeras y de ocho las siguientes.
Crichton tuvo mucho éxito comercial aunque su obra no es extraordinaria. Sus novelas se leen con agrado y sus películas caen bien. Una de sus temáticas favoritas es la alteración genética resucitando dinosaurios ya desaparecidos para un parque temático. La realidad no va tan descaminada ya que en la actualidad algunos científicos planean resucitar a los mamuts desaparecidos hace muchos siglos. Pero las alteraciones genéticas tienen siempre un mal final, los dinosaurios atacan a las personas.
En Almas de metal y secuelas pasa lo mismo pero en otro ámbito, esta vez fabrican robots que se rebelan contra la humanidad que los creó. ¿Discurso reaccionario o realista? Cada cual tendrá su opinión personal.

La película comienza con un documental donde se presenta a Delos, un parque temático que recrea el lejano Oeste, la Edad Media y la Roma de los césares. Los visitantes se aprovechan para divertirse y desahogarse de sus problemas cotidianos. En la Roma imperial se celebran orgías, en el Medievo combates a espada y torneos con lanzas.
La película se centra en el Lejano Oeste con asaltos a los bancos, peleas en el Saloon, prostíbulos con mujeres de cara triste siempre solicitas al sexo. Hay duelos por naderías. Los visitantes son gente de alto nivel adquisitivo. Pueden matar a quien quieran porque luego arreglan los robots para volverlos a utilizar.
Aparece un robot de un pistolero, es Yul Brynner vestido como en Los siete magníficos, a quiénes matan en un desafío en un bar pero luego vuelve aparecer pero con balas de verdad.
Almas de metal es la historia de una rebelión de las máquinas, la inteligencia artificial. Son una clase explotada que se vuelve contra quienes les oprimen y les explotan. La realización es muy primaria pero tuvo mucho éxito y reverdeció los laureles de Yul Brynner en sus últimos años.
La película es simpática, agradable. No es ninguna obra maestra pero no aburre ni un segundo.

Westworld (2016), serie de televisión.

EL VALLE DE LAS SIETE COLINAS

RÓMULO Y REMO. Título original: Romolo e Remo. Año: 1961. País: Italia. Dirección: Sergio Corbucci. Reparto: Steve Reeves (Rómulo), Gordon Scott (Remo), Virna Lisi (Julia), Jacques Sernas (Curzio), Franco Volpi (Amulio), Laura Solari (Rea Silvia), Piero Lulli (Sulpicio), José Greci (Estia). Guion: Luciano Martino, Franco Rossetti, Duccio Tessari y Sergio Leone, basado en una historia de Luciano Martino, Sergio Corbucci y Sergio Leone. Música: Piero Piccioni. Fotografía: Enzo Barboni, Dario Di Palma.Titanus, Ajace Produzioni Cinematografiche,Societe Nouvelle Pathe Cinema, Societe Generale de Cinematographie. Distribución: Paramount Pictures. Duración: 108 minutos.

Cuando Odiseo (Ulises) entró en Troya con la treta del caballo de madera se organizó una matanza inusitada. Los héroes griegos se comportaron como auténticos carniceros, pero muchos troyanos escaparon de la muerte gracias a la pericia de Eneas, tal como se cuenta en La Eneida de Virgilio. Un relato que necesita una buena producción como la de Christopher Nolan. En 1971 la Radiotelevisione Italiana (RAI) produjo una miniserie de siete capítulos dirigidos por Franco Rosi, autor de  Las aventuras de Ulises (1968) basada en La Odisea de Homero.
Si Ulises desea volver a Itaca, Eneas lucha para encontrar una nueva patria realizando un viaje por lugares imaginarios. Finalmente llega al Lacio, en la península itálica, su hijo Ascanio/Iulo funda Alba Longa. Siglos después su descendiente Numitor tiene una hija llamada Rea Silvia, una virgen vestal seducida por el dios Marte, quién engendró a dos gemelos, Rómulo y Remo. El rey Amulio, temeroso de que los gemelos pudieron arrebatarle el trono ordenó su muerte pero la madre los escondió en una canasta que arrojó al Tiber donde fueron descubiertos por una loba llamada Luperca que los amamantó. Recogidos por un pastor, al llegar a adultos fundaron la ciudad de Roma en el Valle de las Siete Colinas.
Rómulo fue el primer rey de Roma, pero la monarquía duró poco y se convirtió en República llegando a conquistar la Grecia que les había expulsado de Troya.
Eso es la leyenda, evidentemente no creo en ellas pero tal como me la contaron la cuento aquí.

Romulo y Remo pertenece al género del peplum, en España conocidas como películas de romanos. Películas odiadas por la crítica y amadas por los públicos domingueros. En cabeza de cartel tenemos a los dos más famosos musculosos del género, Steve Reeves (Glasgow, Montana, 21 de enero de 1926-Escondido, California, 1 de mayo de 2000)  que había triunfado con Hércules (1958) y se convirtió en la estrella principal de las películas de romanos rodadas en Italia, y Gordon Scott (Portland, Oregón, 3 de agosto de 1926-Baltimore, Maryland, 30 de abril de 2007) que protagonizó muchas películas de Tarzán en color. Junto a ellos tenemos a la bella Virna Lisi (Jesi, Ancona, región de Marcas, Italia, 8 de noviembre de 1936-Roma, 18 de diciembre de 2014), actriz italiana que llegó a trabajar en Hollywood con Jack Lemmon en Cómo matar a la propia esposa (1965), cuya imagen saliendo dentro de un pastel gigante me acompañó toda mi vida.
Como villano tenemos a Jacques Serna, el Paris de Helena de Troya (1956) y como director al gran Sergio Corbucci que brilló más con sus westerns europeos. El gran silencio (1968) es uno de los mejores títulos de su larga filmografía. Gracias a Corbucci la película que nos ocupa es soportable. La mayoría de los peplums de serie B, o cinema bis como dicen en Francia, tienen muy poca calidad y en la actualidad provocan sopor.
Rómulo y Remo no es una obra maestra pero sí una película digna, muy profesional que se puede ver sin enojo.
Su trama describe la búsqueda de un lugar para crear una ciudad, llamada Roma en honor a Rómulo. Remo tenía mucha envidia de su hermano y acabaron en una lucha fratricida. Conocemos cómo los gemelos recien nacidos son perseguidos y su madre los deposita en una cesta que abandona en el Tíber como ocurrió con Moises en Egipto.
Los gemelos son amamantados por una loba y después adoptados por un pastor. El argumento gira en su búsqueda de su nueva patria, su ciudad que posteriormente dominó el mundo.
Algunos actores secundarios poco expresivos, una fotografía pálida desmerecen del conjunto pero la pericia de Corbucci salva el resultado final.

El rapto de las sabinas (1961) se estrenó el mismo año que Rómulo y Remo y estaba protagonizada por Rómulo tras construir Roma. Interpretada por Roger Moore, Mylène Demongeot, Jean Marais y Rosanna Schiaffino trataba del problema de los primeros romanos que tenían pocas mujeres y estaban solteros por lo que decidieron raptar a las mujeres de los sabinos para poblar la ciudad.
Un año después se estrenó una versión mexicana con el mismo título.

PERVERSO CUENTO INFANTIL

LA NOCHE DEL CAZADOR. Título original: The Night of the Hunter. Año: 1955. País: Estados Unidos. Dirección: Charles Laughton. Reparto: Robert Mitchum (Reverendo Harry Powell), Shelley Winters (Willa Harper), Lillian Gish (Rachel Cooper), Billy Chapin (John Harper), Sally Jane Bruce (Pearl Harper), James Gleason (Tío «Birdie» Steptoe), Evelyn Varden (Icey Spoon), Don Beddoe (Walt Spoon), Peter Graves (Ben Harper), Gloria Castillo (Ruby), Michael Chapin (amigo de Ruby), Paul Bryar (Bart el Colgado). Guion: James Agee. Novela: Davis Grubb. Música: Walter Schumann. Fotografía: Stanley Cortez (B&W). United Artists. Duración: 93 minutos.

La noche del cazador es una de las grandes obras maestras de la Historia del Cine pero en su día fue machacada por la crítica y por el púbico que no fue a verla por lo que su director no insistió nunca más. ¿Qué falló en su tiempo? Tal vez porque no era una película que se pareciera a otra. No es un producto en serie y su realización es insólita.
Su director fue Charles Laughton (Scarborough, Inglaterra, 1 de julio de 1899-Los Ángeles, 15 de diciembre de 1962), un gran actor británico que no obstante su gran calidad era detestado por algunos directores y muchos actores que rehusaban trabajar con él, fue un Nerón afeminado en El signo de la cruz (1932) de Cecil B. DeMille, el mordaz Graco de Espartaco (1960) de Stanley Kubrick, trabajó con Alfred Hitchcock en Posada Jamaica (1939) y fue el esposo de Elsa Lanchester (La novia de Frankenstein y la niñera que se marcha en Mary Poppins). Excelente actor, muy exigente y de ahí su impopularidad.
Cabeza de cartel tenemos a Robert Mitchum en su mejor papel. Un actor de gran solera del que hablaremos otro día. En el reparto tenemos a la heroína de David Wark Griffith, me refiero a la genial Lillian Gish (Springfield, Ohio; 14 de octubre de 1893-Nueva York; 27 de febrero de 1993), protagonista de El nacimiento de una nación (1915), Intolerancia (1916)  y Las dos huerfanas (1921). Actriz siempre impagable para cualquier cinéfilo.

Un delincuente roba una cantidad de dinero para dar de comer a su familia, esposa y dos hijos. Esconde el dinero pero es detenido y ahorcado. Su compañero de celda, un falso predicador se entera de su situación y una vez indultado busca a la viuda y sus dos hijos para apropiarse del dinero.
La noche del cazador es una película muy dura contada como un perverso cuento de hadas. Robert Mitchum compone un personaje diabólico disfrazado de predicador que dice hablar en nombre de Dios. Es un demonio disfrazado de ángel que seduce a la gente hasta que descubren su maldad.
Charles Laughton compone un cuento de hadas perverso y cruel. La bondad está personificado en el papel de una anciana que adopta huérfanos, una especie de Juana de Arco de la Tercera Edad bordado por Lillian Gish, heroína del cine mudo reconvertida en una bondadosa dama caritativa.
La película está adornada por bellos efectos de cámara de Stanley Cortez. Ese riachuelo, esa barcaza en la que escapan los niños perseguidos por el hipócrita criminal. Son testigos conejos, ranas, tortugas que van apareciendo mientras en la lejanía se recorta la figura siniestra del Mal.
Laughton describe una sociedad enloquecida que primero adora al hipócrita predicador y después exige su linchamiento con ferocidad.
La noche del cazador es una película isla, ninguna otra se le parece. El fracaso comercial abortó la carrera de Laughton como director, hubiera sido más grande si la suerte hubiera sido más favorable. Pero la miopía fue más fuerte y su carrera se truncó.
Esa canción que canturrea el malvado predicador es amenazante y perversa hasta el fin. Nos encontramos ante una obra maestra incomprendida en su día pero posteriormente revalorizada.

En 1968 Robert Mitchum repite un personaje similar de predicador asesino en El póker de la muerte de Henry Hathaway.

OBRA MAESTRA DE WILDER

EL APARTAMENTO. Título original: The Apartment. Año: 1960. País: Estados Unidos. Dirección: Billy Wilder. Reparto: Jack Lemmon (Calvin Clifford), Shirley MacLaine (Fran Kubelik), Fred MacMurray (Jeff D. Sheldrake), Ray Walston (Joe Dobisch), Jack Kruschen (Dr. Dreyfuss, vecino de Baxter), David Lewis (Al Kirkeby), Edie Adams (Srta. Olsen), Hope Holiday (Sra. Margie MacDougall), Joan Shawlee (Sylvia), Naomi Stevens (Sra. Mildred Dreyfuss). Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Música: Adolph Deutsch. Fotografía: Joseph LaShelle (B&W). United Artists, The Mirisch Corporation. Distribuidora: United Artists. Duración: 125 minutos.

Ya hemos hablado de Billy Wilder (Sucha, Imperio austrohúngaro, hoy Polonia, 22 de junio de 1906-Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002), en otras crónicas de este Diario de Cine. Es uno de nuestros cineastas predilectos autor de grandes comedias y grandes dramas de una calidad insuperable. Comenzó a trabajar de guionista en la  Universum Film AG (UFA) en Berlin. Cuando Hitler subió al poder huyó de Alemania y se afincó en los Estados Unidos.
En Hollywood trabajó con Ernst Lubitsch, otra figura muy amada en este blog, que falleció prematuramente pero Wilder continuó trabajando y accedió a la dirección. Le ofrecieron una película de Stan Laurel y Oliver Hardy pero la rechazó. Su proyecto Un día en la ONU con los hermanos Marx se canceló por la muerte de Chico. Pero siguió adelante con una carrera repleta de éxitos.

Nuestro antihéroe (Jack Lemmon) trabaja como contable en una empresa de seguros, en una inmensa oficina con centenares de empleados pero vive en un apartamento minúsculo. En cierto modo es un esclavo moderno que debe humillarse ante sus vanidosos y usureros jefes a los que presta su hogar para que corran sus juergas con sus amiguitas. Mientras tanto debe pasear por las frías calles para regresar y descansar de la jornada laboral.
Este empleado se humilla cadaver más sufriendo toda clase de desprecios no sólo de sus jefes sino de las mismas mujeres. Un día se enamora de una ascensorista. Una mujer joven y bella pero de escasas luces. En realidad las «amiguitas» suelen ser cortas de intelecto. El guion es algo misógino en ese sentido. Las mujeres se engañan a si mismas y se enamoran de quien las manipula y desdeñan a quienes las aman de verdad. El poder las fascina.
La película se centra en un debate ético. ¿Vale la pena dejarse humillar para ascender en la empresa? Nos muestra el calvario de un hombre honrado en un mundo de corrupción siendo difamado sin remedio.
Jack Lemmon y Shirley McLaine bordan sus personajes. Billy Wilder los volvió a llamar tras años después con Irma la dulce, otra obra maestra. Wilder es muy mordaz con la explotación humana y la crueldad de nuestro sistema económico. Es crítico pero no renuncia al humor negro conque cuenta sus historias. El Apartmento fue propuesta como candidata a 10 premios Óscar y ganó cinco, incluyendo el de mejor película, mejor director y mejor guion original. Jack Lemmon y Shirley McLaine ganaron dos globos de oro por la gran calidad de sus trabajos en esta cinta.
Gran éxito de crítica y de público, actualmente está considerada roda una leyenda y un clásico del cine.

Jack Lemmon y Shirley McLaine repitieron pareja en Irma la dulce tres años después,

LA TROYA CLÁSICA

HELENA DE TROYA. Título original: Helen of Troy. Año: 1956. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Wise. Reparto: Rossana Podestà (Helena de Troya), Jacques Sernas (Paris), Sir Cedric Hardwicke (Priamo), Stanley Baker (Aquiles), Niall MacGinnis (Menelao), Robert Douglas (Agamemon), Nora Swinburne (Hécuba), Torin Thatcher (Ulises), Harry Andrews (Héctor), Ronald Lewis (Eneas), Brigitte Bardot (Andraste). Marc Lawrence (Diomedes, gobernante de Etolia), Maxwell Reed (Ajax, Príncipe de Salamina), Robert Brown (Polydorus), Barbara Cavan (Cora), Patricia Marmont (Andrómeda), Guido Notari (Néstor), Tonio Selwart (Alephous), George Zoritch (Cantante), Esmond Knight (Gran Sacerdote), Terence Longdon (Patroclo), Janette Scott (Casandra). Director segunda unidad: Sergio Leone. Guion: Hugh Gray, John Twist. Poemas: Homero. Música: Max Steiner. Fotografía: Harry Stradling Sr. Warner Bros. Duración: 118 minutos.

Odiseo (Ulises), Troya, Menelao están de moda por la película de Cristopher Nolan pero siempre hemos tenido a estos héroes y antihéroes en la pantalla grande y chica. Son personajes ya familiares para los cinéfilos de todo el mundo. La vida privada de Helena de Troya (1927) de Alexander Korda ya nos presentó a la bella esposa de Menelao raptada por París. Giovanni Pastrone y Luigi Romano Borgnetto habían rodado un mediometraje, La caida de Troya en 1911. En 1961 se estrenó La guerra de Troya con Steve Reeves en el papel de Eneas, papel que repitió en La leyenda de Eneas (1962) basadas en La Eneida de Virgilio.
En la película de  1961, Paris y Helena eran los villanos. Una pareja adúltera y traicionera. Cuatro años después se estrena la cinta que aquí comentamos bajo la batuta de Robert Wise, el futuro director de Sonrisas y lágrimas, con Sergio Leone como director de la segunda unidad. Aquí Paris y Helena son los héroes, una pareja romántica con final desafortunado.
En un papel secundario tenemos a la futura estrella Brigitte Bardot, pero encabeza el reparto Rossana Podestá, cuyo nombre real era Carla Dora Podestà (Trípoli, 20 de junio de 1934-Roma, 10 de diciembre de 2013), más cerca de Helena que las actrices que la encarnaron en los últimos años.
Dos años antes, Rossana fue Nausica en Ulises (1954) con Kirk Douglas. Era un rostro habitual en aquella época. Pero su fama se opaco enseguida y actualmente pocos la recuerdan, pero su presencia era muy grata. No fue una gran diva, pero cumplía con su labor.

La película de Wise fue realizada con amplitud de medios en los estudios italianos de Cinecitta. La anterior versión de Steve Reeves también tenía multitud de extras pero su realización era muy deficiente con actores inexpresivos con un resultado deplorable. En cambio esta adaptación, no siempre fiel, contaba con excelentes composiciones de los héroes griegos y troyanos.
Torin Thatcher compone un Ulises-Odiseo plausible. Lo vimos como villano en Simbad y la princesa (1958) de Ray Harryhausen, asimismo en varias películas de piratas y de fantasía. Stanley Baker fue un Aquiles con solera. Y además sale Brigitte Bardot en sus inicios. Jacques Sernas es un París algo exhibicionista. En cuanto a Rossana Podestá es una Helena más creíble que las recientes que nos ha dado el cine.
Wise compone buenos encuadres con un perfecto Cinemascope. El guion no omite a Casandra (Janette Scott) la visionaria en la que nadie cree. Acabó como esclava de Agamenón y fue asesinada con él por Clitemnestra, la hermana gemela de Helena.
La tragedia de Troya fue la codicia de Esparta y demás griegos que anhelaban sus tesoros y su destrucción por estar situada en un terreno privilegiado. Cerraba el Estrecho de los Dardanelos y exigian peajes a los barcos que pasaban por el mismo.
Las escenas de batallas están muy bien conseguidas aunque yo prefiero la bacanal de los Troyanos cuando entran al caballo de madera en su ciudad. En aquella época se rodaba bacanales gloriosas en los peplums de calidad. Un buen espectáculo realizado con buen pulso por Wise y su ayudante Sergio Leone.

La vida privada de Helena de Troya (1927) de Alexander Korda

La caida de Troya (1911)

OTRAS ODISEAS

LA ODISEA. Título original: The Odyssey. Año: 1997. País: Estados Unidos. Dirección: Andrei Konchalovsky. Reparto: Armand Assante (Odiseo), Greta Scacchi (Penélope), Isabella Rossellini (Atenea), Bernadette Peters (Circe), Eric Roberts (Eurimaco), Irene Papas (Anticleia), Jeroen Krabbé (Rey Alcino), Geraldine Chaplin (Eurycleia), Christopher Lee (Tiresias), Nicholas Clay (Menelao), Adoni Anastassopoulos (Perimedes), Paloma Baeza (Melante), Ron Cook (Eurybates), Reid Asato (Polifemo), Michael J. Pollard (Eolo), Mark Hill (Orsilicus), Pat Kelman (Elatus), Vincenzo Nicoli (Antinous), Sally Plumb (Reina Alino), Roger Ashton-Griffiths (Polites), Katie Carr (Nausica). Guion: Andrei Konchalovsky, Chris Solimine. Poema: Homero. Música: Eduard Artemyev. Fotografía: Sergei Kozlov. Productor: Francis Ford Coppola. Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Italia-Alemania-Grecia; American Zoetrope, Beta Film GmbH, Hallmark Entertainment, KirchMedia, Mediaset, Panfilm, ProSieben Media AG, Remote Camera Systems, Skai TV. Duración: 173 minutos.

El espectacular éxito de La Odisea de Christopher Nolan ha hecho olvidar que ya existen otras versiones del tema que nos ocupa. En Italia los directores Francesco Bertolini, Giuseppe de Liguoro y Adolfo Padovan rodaron un corto pre-Griffith titulado La Odisea de Homero (1912).  Al ser un film pre-Griffith de supone que serán cuadros teatrales filmados como era el primer cine de barraca de feria.
Es famosa la versión de Kirk Douglas, Ulises (1954)  de Mario Camerini con Silvana Mangano y Anthony Quinn, con efectos del maestro Mario Bava, y una serie de ocho episodios para la RAI de Franco Rossi, Las aventuras de Ulises (1968)  con Bekim Fehmiu, Irene Papas como Penélope (Anticle, la madre de Ulises, en la miniserie que nos ocupa),  Marina Berti (la esclava Eunice en Qvo Vadis?) .
No olvidemos El regreso de Ulises (2024), aunque sea un título olvidarle y oportunista.
Se han rodado buenas versiones de los cantos de Homero, mejores incluso que la aclamada película de Nolan, pero Hollywood trata de silenciarlas para que no compitan con la producción que actualmente revienta las taquillas.
Precisamente, la miniserie de dos episodios con Armand Assante es una de ellas. Por eso hablaremos de ella.

Para muchos ésta es la mejor versión de La Odisea de Homero, también para mí aunque haya algunos puntos mejores en la versión de Nolan o la de Kirk Douglas. Por ejemplo, el mejor Polifemo, el cíclope, es el de Nolan con gran diferencia. Sin embargo la Atenea de la presente versión es muy superior a la de Zendaya. Isabella Rossellini, hija de la actriz sueca Ingrid Bergman y del director italiano Roberto Rossellini, borda el papel. Su presencia llena la película, cada mirada, cada gesto es una delicia visual.
La miniserie es muy luminosa, el vestuario adecuado. Odiseo (fenomenal Armand Assante) no luce barbas ridículas ni vestidos extraños. Es un héroe que lucha para sobrevivir. Está a la altura de Kirk Douglas, un Odiseo-Ulises, más sarcástico y chulesco. La secuencia del viaje al Hades es terrorífica. Nos regala una excelente composición de Christopher Lee, uno de los actores más queridos en este Diario de Cine, como Tiresias, el adivino que mora en el Inframundo.
Muy buenas las apariciones de Circe y Calipso. La primera interpretada por Bernadette Peters, actriz especializada en papeles cómicos, como hechicera seductora con cara de no haber roto nunca un plato. Esa falsa inocencia que desprende de su expresión.
Calipso está interpretada por una actriz afroamericana, Vanessa Williams, sin tener la polémica de Lupita Nyong´o, en 1984 fue elegida Miss América, título que renunció por las múltiples amenazas racistas. Comparada con Charlize Theron me inclino por un empate aunque la escenografía de la isla en la miniserie es muy superior a la versión de Nolan.
Falta el episodio de las sirenas y del perro Argos a los que echo mucho de menos. En cambio aparece Eolo, dios de los Vientos, encarnado por  Michael J. Pollard, actor que conocimos en Bonnie y Clyde (1967) de Arthur Penn, que le da un aire bufonesco.
La miniserie no aburre ni un segundo. No se nos hace larga y se ve con placidez. ¿La mejor versión? Quizá. Todo son gustos personales, pero para mí sí lo es.

Imagen de La Odisea de Homero (1912), primera versión cinematográfica.

LA ÉPICA ESPAÑOLA

AGUSTINA DE ARAGÓN. Título original: Agustina de Aragón. Año: 1950. País: España. Dirección: Juan de Orduña. Reparto: Aurora Bautista (Agustina), Fernando Rey (General Palafox), Virgilio Teixeira (Juan el Bravo), Eduardo Fajardo (Luis Montana), Manuel Luna (Tío Francisco), Jesús Tordesillas (Coronel Torres), Guillermo Marín (Napoléon Bonaparte), Juan Espantaleón (Tío Jorge), Fernando Fernández de Córdoba (Jefe del servicio secreto francés), Raúl Cancio (Colás), Fernando Sancho (Escudella), Fernando Nogueras (Hombre desconocido), José Bódalo (Oficial francés), José Jaspe (Sargento), Manuel Arbó (Padre Jacinto), Antonia Plana (Madre de Juan), María Asquerino (Carmen), María Cañete (Tía Pilar), Rosario García Ortega (Condesa de Bureta), Pilar Muñoz (Mujer del niño en brazos), Francisco Bernal (Tío Retaco), Valeriano Andrés (Oficial francés), Francisco Pierrá (Padre Boggiero), Arturo Marín (Mariscal Lefèvre), Juan Vázquez (General Guillelmi), Miguel Pastor (General Lacoste), Alfonso de Córdoba (Ayudante de Palafox), Faustino Bretaño (Vinatero), Nicolás D. Perchicot (Ciego), Eugenio Domingo (Lazarillo), Guion: Juan de Orduña, Vicente Escrivá. Historia: Ángel Fernández Marrero, Clemente Pamplona. Música: Juan Quintero. Fotografía: Ted Pahle, Mariano Ruiz Capillas (B&W). CIFESA. Duración: 126 minutos.

Todos los países del mundo han tenido su épica, sus grandes momentos de gloria, los Estados Unidos nos han aburrido con su propaganda. Me parece bien que estén orgullosos de su país pero a veces caen en el más espantoso de los ridículos. Los españoles en cambio parece que nos avergonzamos de nuestro pasado y es hora de avivar nuestra memoria histórica. Entre los años 1908 y 1913 nuestro país se convirtió en el Vietnam español, el emperador Napoleón Bonaparte, invencible en casi todo el mundo, encontró su talón de Aquiles en España. La gente se echó espontáneamente a la calle para combatir al ejercito invasor.
Uno de los episodios más famosos fue el sitio de Zaragoza pero hubo otros, como el de Tarragona. Se produjo entre el 5 de mayo y el 29 de junio de 1811, y fue una atroz matanza en la que se exterminó toda la ciudad. Sin embargo políticos y gentes nacionalistas de la Cataluña actual simpatizan con quién exterminó a nuestro pueblo porqué tenían ideas progresistas.
En Zaragoza brilló Agustina de Aragón, Agustina Raimunda María Saragossa Domènech, (Reus o Barcelona, 4 de marzo de 1786 – Ceuta, 29 de mayo de 1857). Una mujer catalana que disparó la batería contra las tropas francesas haciéndolas huir. De aquí viene el dicho «mas vale maña que fuerza«.  En Reus nadie honra su memoria pese a que las tropas francesas, recibidas con bandas de música, arruinó la ciudad. En fían, qué les vamos a contar.

Una cosa es la historia y otra la película que a nuestra brava heroína le dedicaron los estudios de CIFESA, la antorcha de los éxitos, que quiso igualarse a las productoras de Hollywood. Pero como me dijo un día el director Rafael Gil «no hay cine español, todo lo tienen los norteamericanos a quienes no les interesa que hagamos cine porque les haríamos la competencia«. En España se intentó hacer buen cine y hay muchas buenas películas, pero también muchas mediocridades y muchos bodrios por culpa del orgullo de ciertos cineastas que se creen unos genios y son torpes sin talento.
Agustina de Aragón tiene sus virtudes y sus defectos achacables a su director Juan de Orduña.
La película tiene un buen reparto. Fernando Sancho hace de Escudella, un guerrillero catalán que lleva barretina y habla en la lengua que, según dicen, entonces estaba prohibida. Virgilio Texeira es un guerrillero maño, un galán de fama en su época. El genial Manuel Luna, otra figura brillante del cine español desafortunadamente olvidada. José Bódalo como villano, un actor de gran solera. El imprescindible Fernando Rey como Palafox, el defensor de Zaragoza. Un actor de raza. Juan Espantaleón, Jesús Tordesillas, Guillermo Marín, todos perfectos. No nos olvidemos del gran Eduardo Fajardo en un papel brillante.
Aurora Batista era toda una diva. Cuando está contenida es excelente actriz pero cuando se desafora es inaguantable. Aquí está el error de esta película, culpa del director. Los actores a veces se pasan la película gritando como locos, hablan de forma desaforada e histérica. Por eso esta película se ve anticuada.
Lástima que las circunstancias históricas provoquen rencor hacia ese cine histórico al que se asocia con el Régimen que les vio nacer. Recuerdo una parodia rencorosa de la Trinca hacia esta película que me pareció injusta y sin gracia. Ideologías modernas las rechazan y las desprecian, No tienen razón.
Más contenida Agustina de Aragón sería una buena película pero al menos no es desagradable.

Monumento a los fallecidos en el Sitio de Tarragona, al que ciertos descerebrados desprecian.