LAS CHICAS SON GUERRERAS

SUPERGIRL. Título original: Supergirl. Año: 2026. País: Estados Unidos. Dirección: Craig Gillespie. Reparto: Milly Alcock (Kara Zor-El / Supergirl), Matthias Schoenaerts (Krem de las Colinas Amarillas), Eve Ridley (Ruthye Marye Knoll), David Krumholtz (Zor-El), Emily Beecham (Alura In-Ze), David Corenswet (Kal-El / Clark Kent / Superman), Jason Momoa (Lobo). Guion: Ana Nogueira. Cómic: Tom King. Personajes: DC Comics. Basado en el comic Supergirl, mujer del mañana de Bilquis Evely, Tom King. Música: Claudia Sarne. Fotografía: Rob Hardy. DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros, DC Studios, The Safran Company, Troll Court Entertainment. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 107 minutos.

Esta película ha sido masacrada por la crítica y por una parte del público así como un batacazo en taquilla impresionante. Cuando he podido visionarla no esperaba nada de ella pero tampoco suelo hacer caso de los críticos y de las opiniones ajenas por muy respetables que sean. En internet hay muchos haters, gentes repletas de odio sin saber porqué que todo lo revientan con ensañamiento. Eso no es mi estilo porque no suelo tener tan nefastos sentimientos con el prójimo aunque cuando algo no me gusta suelo ser sincero.
El fracaso de la película creo que es debido a su concepción. No aparece la Supergirl vivaz que todos conocemos. Es una chica que aparece sin el icónico traje hasta el final, Mal maquillada, despeinada, mugrienta y mal vestida. Siempre borracha y maldiciendo sin cesar. A su público eso le ha decepcionado y le ha vuelto la espalda.
Supergirl es la prima de Superman, llamada Kara Zor-El, que sobrevivió junto al perro Kripto de la destrucción del planeta Kriptón. Fue creada por Otto Binder y diseñada por Al Plastino y apareció por primera vez en la historia La Supergirl de Krypton en Action Comics #252 (mayo de 1959).
En cine debutó en 1984 en Supergirl, Helen Slater fue su intérprete. la chica estuvo muy bien pero la película fue todo un fracaso por culpa de un pésimo guion y de una mala realización. Otro tanto fue Sasha Calle, que bordó el personaje en Flash (2023)  pero la película que prometía mucho fue una auténtica catástrofe. Más suerte tuvo en los dibujos animados Superman/Batman: Apocalipsis (2010) y Superman sin límites (2013) pero son cintas muy modestas que se rodaron para televisión y mercado doméstico.
Hablando de televisión recordemos a Laura Vandervoort  de Smalville (2001/2011), aunque la gran triunfadora con este personaje fue la sinpar Melissa Benoist   (Houston, 4 de octubre de 1988) que rodó 124 episodios de la serie Supergirl (2015/2021) que triunfó en televisión y es de lamentar que no le hayan dado ninguna oportunidad en la pantalla grande, se la merecía.

Comentaba que esta película ha sido un sonado fracaso comercial y lo comprendo. El personaje de Supergirl, Kara Zor El es muy amado por su público que se ha sentido decepcionado por el tratamiento derrotista de este film. Kara no aparece con su icónico traje hasta el final de la misma para dar una buena paliza a sus enemigos machistas y desgraciados.
Todo el metraje aparece demacrada, desgarbada y despeinada diciendo toda clase de sandeces. No me parece una mala película sino una película equivocada. No le da al público lo que este quiere ver. Si se hubiera seguido la línea de la batalla final tal vez su suerte hubiera sido otra.
Milly Alcock está perfecta en el papel. El fracaso de la película es debido a los errores de la guionista Ana Nogueira y a la nefasta política de Peter Safran y James Gunn. Vemos dos niñatas vengadoras persiguiendo a los villanos de este espectáculo. Ambas chicas están bien, actúan con entusiasmo. Intentan hacerse valer aunque cuenten con un material dañado.
Vista sin prejuicios la película puede resultar simpática pero de todos modos podemos esperar mejores trabajos de Milly Alcock, una actriz con una gran fuerza interpretativa.

EDICIÓN RESTAURADA

Se acaba de anunciar que en el próximo mes de octubre se reestrenará Drácula (1958), la obra maestra de Terence Fisher, genio indiscutible del cine fantástico autor de una brillante filmografía en la que el famoso vampiro de Bram Stoker era encarnado por el gran Christopher Lee a quién conocí personalmente en Sitges, octubre de 1986.
Esta edición trae una grata sorpresa incluye tres minutos de metraje inédito que llevaban más de 60 años perdidos u ocultos por los censores de la época.
Estos tres minutos sólo se vieron en su estreno en Japón porque la censura británica y la estadounidense ordenó cortar tres minutos que hicieron desaparecer y que acaban de ser descubiertos en los archivos de la Warner Bros.
Ha sido restaurada por Hammer Films y Silver Salt Restoration. Su reestreno y su edición en físico coincidirá con la fiesta de Halloween el 1 de noviembre, aquí en España conocida por Todos los Santos.

El día en que los españoles acudíamos al teatro para ver Don Juan Tenorio de José Zorrilla nos reencontraremos con el seductor de ultratumba conde Drácula que lanzó al estrellato a Christopher Lee. Excelente noticia para los aficionados al fantástico. Podremos ver mejores motivaciones del profesor Van Helsing encarnado por Peter Cushing y un mejor desarrollo de la secuencia final con la muerte de Drácula. Secuencias que la censura de la época consideró excesivas como la sexualización del vampiro en algunos planos que ahora descubriremos.

EL CANTO DEL CISNE DE DONEN

LÍO EN RÍO. Título original: Blame It on Rio. Año: 1984. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Michael Caine (Matthew Hollis), Joseph Bologna (Victor Lyons), Valerie Harper (Karen Hollis), Michelle Johnson (Jennifer Lyons), Demi Moore (Nicole Hollis), José Lewgoy (Eduardo Marques), Lupe Gigliotti (Señora Botega), Michael Menaugh (Peter), Tessy Callado (Helaine), Ana Lucía Lima (Mujer Macumba), Maria Helena Velasco (Mujer Macumba), Zeni Pereira (Madre de la novia), Eduardo Conde (Cantante en el Dance Club), Jane Duboc (Cantante del café). Guion: Charlie Peters, Larry Gelbart. Música: Kenneth Wannberg. Fotografía: Reynaldo Villalobos. Sherwood Productions. Distribuidora: 20th Century Fox. Duración: 100 minutos.

En 1977 se estrenó Un momento d´egarrement (se podría traducir como un momento de locura), una comedia francesa de Claude Berri que obtuvo un impresionante éxito comercial. Trataba de dos amigos que viajan de vacaciones a la costa con sus respectivas hijas. Una de ellas se enamora del padre de la otra y se le echa encima provocando el mosqueo de su propio padre.
Una película de amor y sexo entre un adulto y una menor ya había sido llevado al cine por Stanley Kubrick en 1962 en Lolita con Sue Lyon que estaba basada en la novela homónima de Vladimir Nabokov cosechando un fuerte escándalo.
La película de Berri tuvo dos remakes, uno francés, con el mismo título en 2015 dirigida por Jean-François Richet, y otro estadounidense dirigido por Stanley Donen. Me refiero a Lío en Río (1984) del que hablamos en el presente escrito.
Fue el último largometraje de ese gran cineasta, autor de Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siete novias para siete hermanos (1954), de la que ya hemos comentado. Fue un cineasta con mucha potencia creativa y se supone que dirigió esta película para sobrevivir.
Lío en Río (1984) no tiene la mordacidad de  Un momento d´egarrement (1977), ya se sabe que los cineastas europeos somos menos desinhibidos que sus colegas de Hollywood, y que no nos asustamos con tanta facilidad. Pero en los Estados Unidos dicha película fue un sonado escándalo y la actriz, que era menor cuando rodó esta cinta, Michelle Johnson, necesitó permiso de un juez para rodar escenas íntimas y fue nominada injustamente a los premios Razzie que suelen otorgar a lo peor del cine en aquel año.
Para mí no hay para tanto y la polémica es muy exagerada. Ahora se ve la película con mayor simpatía pese no estar a la altura de las mejores obras de Stanley Donen. Es un film menor pero con gracia.

Desde luego Lío en Río no tiene la fuerza visual de Siete novias para siete hermanos, en los años de gloria de la apagada Metro Goldwyn Mayer, Pretende ser una película moderna, fotografía muy oscura, desnudos, un decorado real, Río de Janeiro presentado como un lugar paradisíaco. Pero Stanley Donen conserva su elegancia estilística. En ningún momento resulta desagradable.
Michael Caine está contenido, no se deja llevar por aspavientos ni muecas exageradas. Es un sobrio actor inglés con fina ironía. Siempre interpretaba papeles dramáticos por lo que su paso por la comedia fue insólito y bienvenido. Michelle Johnson está bien, se la ve entusiasmada con ganas de descubrir un mundo nuevo.
En cambio Joseph Bologna está estridente, representa un padre inmaduro repleto de obsesiones con ansias de controlar a su hija sin disimulo. A veces sobreactúa y resulta ridículo.
Las localizaciones en Río de Janeiro son excelentes, esta ciudad es un bello telón de fondo para esta producción oportuna.

Los protagonistas de Un momento d´egarrement (1977). Arriba su póster y el de su remake estrenada en España como Una semana en Córcega.

CENTENARIO DE
UNA OBRA MAESTRA

Se celebran 100 años del estreno de una de las grandes Obras Maestras del Séptimo Arte. Me refiero a El maquinista de la General  (1926) del genial Buster Keaton.
La película está basada en un hecho real sucedido en 1862 durante la Guerra Civil, la llamada gran persecución en locomotora y adaptada del libro de William Pittenger, Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), publicado en 1863. Coon el mismo argumento Walt Disney produjo Héroes de Hierro (1956)  con Fess Parker, una cinta ya olvidada que mostraba el punto de vista de la Unión que secuestra un tren de la Confederación y sabotea sus redes ferroviarias.
La película de Buster Keaton mostraba lo contrario, el punto de vista de la Confederación, generalmente olvidado en varias producciones hollywoodenses.

En su día fue un sonado fracaso comercial y la crítica se ensañó con ella. Keaton perdió su independencia creativa y pasó a las filas de la Metro que destruyó su gloriosa carrera. En la actualidad está considerada una de las mejores películas de la Historia del Cine una vez extenuados los prejuicios que la condenaron. Tal vez la mejor cinta sobre la Guerra Civil de Estados Unidos con gran diferencia de calidad. Una película con la que Keaton se engrandeció.
100 años ya de su glorioso estreno. Se adelantó a su tiempo y en la actualidad es una de las obras más aclamadas.

En septiembre de 1965 Buster Keaton rodó en Madrid Golfus de Roma, su último largometraje. Después rodó en Canadá un corto, The Scribe que cierra su filmografía.

Salvador Sáinz y su libro sobre Buster Keaton.

LA MAGIA DE LA METRO

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS. Título original: Seven Brides for Seven Brothers. Año: 1954. País: Estados Unidos. Dirección: Stanley Donen. Reparto: Howard Keel (Adam), Jane Powell (Milly), Jeff Richards (Benjamin), Julie Newmar (Dorcas), Matt Mattox (Caleb), Ruta Lee (Ruth), Marc Platt (Daniel), Norma Doggett (Martha), Jacques d’Amboise (Ephraim), Virginia Gibson (Liza), Tommy Rall (Flor (Florindo)), Betty Carr (Sarah), Russ Tamblyn (Gideon), Nancy Kilgas (Alice). Guion: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley. Libro The Sobbin’ Women, de Stephen Vincent Benét. Música: Adolph Deutsch, Saul Chaplin. Coreografía: Michael Kidd. Fotografía: George J. Folsey. Metro-Goldwyn-Mayer, Loew’s. Distribuidora: MGM. Duración: 103 minutos.

Alguna vez he comentado que la Metro Goldwyn Mayer, la productora del león que ruge, fue un desastre para la comedia cómica pero brilló con esplendor en el terreno del musical. En 1953 se rodaban en sus estudios Brigadoon y Siete novias para siete hermanos, la Metro confiaba en el gran éxito de la primera y la segunda la menospreció al considerarla un film menor de entretenimiento. Por eso la película de Stanley Donen (Columbia, Carolina del Sur; 13 de abril de 1924-Manhattan, Nueva York; 21 de febrero de 2019) sufrió toda clase de recortes presupuestarios en beneficio de la primera, de la leyenda escocesa sobre un pueblo que aparece un día cada cien años.
Pues cuando ambas producciones se estrenaron la fábula de las tierras altas pinchó, pero la comedia sobre siete hermanos montañeses y sus románticas novias fue todo un bombazo.
En el reparto tenemos al impresionante barítono Howard Keel (Gillespie, Illinois; 13 de abril de 1919 – Palm Desert, California; 7 de noviembre de 2004) como Adam, el hermano mayor que se casa al principio de la película, excelente cantante pero un actor discreto que cumple con su papel. En esta cinta es donde estuvo mejor, siempre en musicales de la Metro, pocas apariciones aparte, aunque goza de un buen soporte secundario. La chica es la soprano Jane Powell (Portland, Oregón, 1 de abril de 1929-Wilton, Connecticut, 16 de septiembre de 2021), una actriz más completa y con un papel de más enjundia. Entre los secundarios destaca nuestro querido Russ Tamblyn de quién ya hemos hablado en otro escrito. Excelente bailarín y simpático carácter.
Stanley Donen está asociado a Gene Kelly en varios musicales de gran calidad como Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), mi película favorita de la Historia del Cine, y Siempre hace buen tiempo (1955). Fuera de la Metro dirigió tres comedias no musicales: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).  Fue productor y director de películas independientes, recuerdo  Movie Movie (1978), dos cortometrajes con los mismos actores, recuerdo de los viejos cines de bario con programas dobles. Una de sus últimas películas fue Lío en Río (1984), los amores de una jovencita con un galán maduro, padre de su mejor amiga. Un buen título que merecería ser recordado.

Esta obra maestra del cine musical suele gustar mucho a las chicas y a los cinéfilos amantes del género. Sus canciones son muy bonitas, sin ninguna duda. La primera, Bless Yore Beautiful Hide (Bendita sea tu hermosa piel), es toda una declaración de príncipios. Un granjero leñador (Howard Keel) se acerca a un poblado de Oregón en busca de provisiones y de una esposa. Vive en un solitario rancho con seis hermanos asilvestrados, sucios y toscos. No sabían siquiera que existían las chicas. Nunca habían visto ninguna.
La aparición de una cuñada joven es para ellos una revolución. Sienten nuevos sentimientos, valga la redundancia. Esta película ha sido tratada de machista pero yo creo que es discutible esta aseveración. Los hermanos son toscos, paletos, ignorantes. La cuñada les hace evolucionar como personas. De unos energúmenos los va convirtiendo en caballeros responsables.
Es espectacular la danza en la que los hermanos compiten por las chicas con los mozos del pueblo. Es toda una sensación, uno de los mejores ballets jamás vistos en cine. Por deficiencias de la época casi toda la película se rodó en estudio, los decorados son muy artificiales. Pero es la época en que se rodó cuando la técnica estaba muy atrasada y el presupuesto de la película menguaba cada día más.
Los directivos de la Metro no creían en el proyecto pero se equivocaron completamente. Siete novias para siete hermanos arrasó en taquilla y en sucesivas reposiciones. Tenían un gran director al frente y a una gran estrella, Jane Powell, que llenaba la pantalla pese a su figura chiquita.
El guion es inteligente. Los chicos creen haber conquistado a las chicas, pero éstas los civilizan. Sin ellas siempre hubieran seguido en su atraso silvestre.
Las novias tienen dignidad. No son alienadas de ningún modo. Los hermanos las secuestran pero las respetan.
Cuando les preguntan quién es la madre del niño que han oído llorar los padres de las chicas, ellas responden «¡mío!«, Un antecedente del «yo soy Espartaco» de Kubrick. Es una declaración revolucionaria para quedarse con los hermanos y evitar que los ahorquen.
No es políticamente correcta ni woke, pero no tan machista como le han acusado. Comprendo a las feministas que se sienten ofendidas pero un análisis más exhaustivo puede defender esta cinta de acusaciones de machismo y patriarcado.
Es una película muy colorista, muy alegre que entusiasma al público. Sobretodo al público femenino pese a la opinión negativa de las radicales feministas. Estos hermanos viven en un mundo muy difícil, el salvaje oeste. Un lugar donde puedes morir por naderías.
Vista en la actualidad la película conserva su vitalidad, sus ganas de vivir. Su optimismo desenfrenado. Una película clásica que nunca muere.

Gene Kelly y Van Johnson rodaban Brigadoon cuando Howard Keel protagonizaba Siete novias para siete hermanos.

VACACIONES EN DELOS

ALMAS DE METAL. Título original: Westworld. Año: 1973. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Crichton. Reparto: Yul Brynner (Pistolero), Richard Benjamin (Peter Martin), James Brolin (John Blane), Norman Bartold (caballero medieval), Alan Oppenheimer (Supervisor jefe), Victoria Shaw (Reina medieval), Dick Van Patten (Banquero), Linda Gaye Scott (Arlette), Steve Franken (Técnico), Michael T. Mikler (Caballero negro). Guion: Michael Crichton. Novela: Michael Crichton. Música: Fred Karlin. Fotografía: Gene Polito. Metro Goldwyn Mayer. Duración: 88 minutos.

Michael Crichton  (Chicago, 23 de octubre de 1942-Los Ángeles, 4 de noviembre de 2008) fue un escritor, director de cine, productor y médico estadounidense. Su especialidad era la ciencia ficción. En 1969 publicó La amenaza de Andrómeda, llevada al cine por Robert Wise en 1971. En 1990 publicó Parque Jurásico que fue adaptada por Steven Spielberg en 1993 creando una saga cinematográfica.
En 1973 escribió y dirigió Almas de metal, la película que nos ocupa, titulada Westworld en inglés, que  tuvo una secuela, Mundo futuro (1976) y una serie de televisión Westworld (2016) compuesta por cuatro temporadas de diez capítulos las dos primeras y de ocho las siguientes.
Crichton tuvo mucho éxito comercial aunque su obra no es extraordinaria. Sus novelas se leen con agrado y sus películas caen bien. Una de sus temáticas favoritas es la alteración genética resucitando dinosaurios ya desaparecidos para un parque temático. La realidad no va tan descaminada ya que en la actualidad algunos científicos planean resucitar a los mamuts desaparecidos hace muchos siglos. Pero las alteraciones genéticas tienen siempre un mal final, los dinosaurios atacan a las personas.
En Almas de metal y secuelas pasa lo mismo pero en otro ámbito, esta vez fabrican robots que se rebelan contra la humanidad que los creó. ¿Discurso reaccionario o realista? Cada cual tendrá su opinión personal.

La película comienza con un documental donde se presenta a Delos, un parque temático que recrea el lejano Oeste, la Edad Media y la Roma de los césares. Los visitantes se aprovechan para divertirse y desahogarse de sus problemas cotidianos. En la Roma imperial se celebran orgías, en el Medievo combates a espada y torneos con lanzas.
La película se centra en el Lejano Oeste con asaltos a los bancos, peleas en el Saloon, prostíbulos con mujeres de cara triste siempre solicitas al sexo. Hay duelos por naderías. Los visitantes son gente de alto nivel adquisitivo. Pueden matar a quien quieran porque luego arreglan los robots para volverlos a utilizar.
Aparece un robot de un pistolero, es Yul Brynner vestido como en Los siete magníficos, a quiénes matan en un desafío en un bar pero luego vuelve aparecer pero con balas de verdad.
Almas de metal es la historia de una rebelión de las máquinas, la inteligencia artificial. Son una clase explotada que se vuelve contra quienes les oprimen y les explotan. La realización es muy primaria pero tuvo mucho éxito y reverdeció los laureles de Yul Brynner en sus últimos años.
La película es simpática, agradable. No es ninguna obra maestra pero no aburre ni un segundo.

Westworld (2016), serie de televisión.

EL VALLE DE LAS SIETE COLINAS

RÓMULO Y REMO. Título original: Romolo e Remo. Año: 1961. País: Italia. Dirección: Sergio Corbucci. Reparto: Steve Reeves (Rómulo), Gordon Scott (Remo), Virna Lisi (Julia), Jacques Sernas (Curzio), Franco Volpi (Amulio), Laura Solari (Rea Silvia), Piero Lulli (Sulpicio), José Greci (Estia). Guion: Luciano Martino, Franco Rossetti, Duccio Tessari y Sergio Leone, basado en una historia de Luciano Martino, Sergio Corbucci y Sergio Leone. Música: Piero Piccioni. Fotografía: Enzo Barboni, Dario Di Palma.Titanus, Ajace Produzioni Cinematografiche,Societe Nouvelle Pathe Cinema, Societe Generale de Cinematographie. Distribución: Paramount Pictures. Duración: 108 minutos.

Cuando Odiseo (Ulises) entró en Troya con la treta del caballo de madera se organizó una matanza inusitada. Los héroes griegos se comportaron como auténticos carniceros, pero muchos troyanos escaparon de la muerte gracias a la pericia de Eneas, tal como se cuenta en La Eneida de Virgilio. Un relato que necesita una buena producción como la de Christopher Nolan. En 1971 la Radiotelevisione Italiana (RAI) produjo una miniserie de siete capítulos dirigidos por Franco Rosi, autor de  Las aventuras de Ulises (1968) basada en La Odisea de Homero.
Si Ulises desea volver a Itaca, Eneas lucha para encontrar una nueva patria realizando un viaje por lugares imaginarios. Finalmente llega al Lacio, en la península itálica, su hijo Ascanio/Iulo funda Alba Longa. Siglos después su descendiente Numitor tiene una hija llamada Rea Silvia, una virgen vestal seducida por el dios Marte, quién engendró a dos gemelos, Rómulo y Remo. El rey Amulio, temeroso de que los gemelos pudieron arrebatarle el trono ordenó su muerte pero la madre los escondió en una canasta que arrojó al Tiber donde fueron descubiertos por una loba llamada Luperca que los amamantó. Recogidos por un pastor, al llegar a adultos fundaron la ciudad de Roma en el Valle de las Siete Colinas.
Rómulo fue el primer rey de Roma, pero la monarquía duró poco y se convirtió en República llegando a conquistar la Grecia que les había expulsado de Troya.
Eso es la leyenda, evidentemente no creo en ellas pero tal como me la contaron la cuento aquí.

Romulo y Remo pertenece al género del peplum, en España conocidas como películas de romanos. Películas odiadas por la crítica y amadas por los públicos domingueros. En cabeza de cartel tenemos a los dos más famosos musculosos del género, Steve Reeves (Glasgow, Montana, 21 de enero de 1926-Escondido, California, 1 de mayo de 2000)  que había triunfado con Hércules (1958) y se convirtió en la estrella principal de las películas de romanos rodadas en Italia, y Gordon Scott (Portland, Oregón, 3 de agosto de 1926-Baltimore, Maryland, 30 de abril de 2007) que protagonizó muchas películas de Tarzán en color. Junto a ellos tenemos a la bella Virna Lisi (Jesi, Ancona, región de Marcas, Italia, 8 de noviembre de 1936-Roma, 18 de diciembre de 2014), actriz italiana que llegó a trabajar en Hollywood con Jack Lemmon en Cómo matar a la propia esposa (1965), cuya imagen saliendo dentro de un pastel gigante me acompañó toda mi vida.
Como villano tenemos a Jacques Serna, el Paris de Helena de Troya (1956) y como director al gran Sergio Corbucci que brilló más con sus westerns europeos. El gran silencio (1968) es uno de los mejores títulos de su larga filmografía. Gracias a Corbucci la película que nos ocupa es soportable. La mayoría de los peplums de serie B, o cinema bis como dicen en Francia, tienen muy poca calidad y en la actualidad provocan sopor.
Rómulo y Remo no es una obra maestra pero sí una película digna, muy profesional que se puede ver sin enojo.
Su trama describe la búsqueda de un lugar para crear una ciudad, llamada Roma en honor a Rómulo. Remo tenía mucha envidia de su hermano y acabaron en una lucha fratricida. Conocemos cómo los gemelos recien nacidos son perseguidos y su madre los deposita en una cesta que abandona en el Tíber como ocurrió con Moises en Egipto.
Los gemelos son amamantados por una loba y después adoptados por un pastor. El argumento gira en su búsqueda de su nueva patria, su ciudad que posteriormente dominó el mundo.
Algunos actores secundarios poco expresivos, una fotografía pálida desmerecen del conjunto pero la pericia de Corbucci salva el resultado final.

El rapto de las sabinas (1961) se estrenó el mismo año que Rómulo y Remo y estaba protagonizada por Rómulo tras construir Roma. Interpretada por Roger Moore, Mylène Demongeot, Jean Marais y Rosanna Schiaffino trataba del problema de los primeros romanos que tenían pocas mujeres y estaban solteros por lo que decidieron raptar a las mujeres de los sabinos para poblar la ciudad.
Un año después se estrenó una versión mexicana con el mismo título.