LA ESPADA Y LA ROSA (1953)

María de Francia, también conocida como María Tudor (18 de marzo de 1496 – 25 de junio de 1533), duquesa de Suffolk. Hija de Enrique VII de Inglaterra y de Isabel de York. No debe confundirse con María I de Inglaterra, hija de Enrique VIII y Catalina de Aragón esposa de Felipe II de España y reina de Inglaterra.
Esta princesa ha pasado a la historia porque se enamoró de Charles Brandon (con ella en la foto de la izquierda),un plebeyo pero su hermano, el famoso Enriquen VIII de Inglaterra, amañó un enlace de estado con el anciano Luis XII de Francia.
María se rebeló contra su despótico monarca pero tras el fracaso de su intento de huida, peligrando el cuello de su amado, pactó con su cruel hermano el perdón a cambio de sus nupcias con el rey francés y la promesa de que podría desposarse con el hombre que elija cuando enviudara.
Charles Major (25 de julio de 1856 – 13 de febrero de 1913) un abogado y novelista estadounidense escribió una novela sobre esta historia y Walt Disney compró los derechos para llevarla al cine. En 1953, bajo la dirección de Ken Annakin (10 de agosto de 1914 – 22 de abril de 2009) se llevó al cine.

LA ESPADA Y LA ROSA, Glynis Johns, James Robertson Justice, Richard Todd, 1953

En aquella época había una ley en Reino Unido que impedía que el dinero recaudado por la proyección de películas extranjeras pudiera sacarse del país, por lo que Hollywood para rentabilizar sus ganancias se dedicó a invertir su capital en producciones británicas. Así que,forzado por las circunstancias, el Mago de Burbank se convirtió en un mecenas del cine inglés: Rob Roy, La isla del tesoro, Los arqueros del rey.
Ken Annakin era un eficiente y honesto artesano carente de pretensiones. Glynis Johns (la madre de los niños Bank en Mary Poppins), James Robertson Justice (Lord Scrumptious en Chitty Chitty Bang Bang), Richard Todd, Michael Gough, Jane Barrett, Gérard Oury (futuro director de La gran juerga con Louis de Funes), protagonizaron esta modesta pero simpática cinta rodada en los Estudios de Pinewood, unos grandes estudios de cine británicos situados en Iver Heath, Buckinghamshire, a unas 30 millas al oeste de Londres.

LA ESPADA Y LA ROSA, Gerard Oury, Glynis Johns, 1953

Vista actualmente, los efectos especiales son muy desfasados, y no tiene la altura de otras producciones como La vida privada de Enrique VIII (1933) y La reina virgen (1953), ambas con Charles Laughton como el despiadado monarca presentado con cierto humor. James Robertson Justice cumple con su papel, le da un cierto tono irónico.Un ser carente de escrúpulos y corrupto.Comercia con su hermana a la que vende por una cantidad de dinero que enriquece su pecunio particular.
Glynis Johns llena la película.Una actriz olvidada actualmente, pero célebre en los 40 y 50. Especialista en papeles de comedia sabe sacar partido a su personaje con brillantez.
Pésima copia la distribuida en DVD, pierde mucha calidad de imagen y la película queda muy dislucida.

LA ESPADA Y LA ROSA, James Robertson Justice, 1953

GLYNIS JOHNS

Glynis Johns (nacida el 5 de octubre de 1923 en Pretoria,Sudáfrica) es una actriz y cantante británica. Sus papeles más conocidos incluyen el de Winifred Banks en Mary Poppins (1964) de Walt Disney y el de Desiree Armfeldt en el musical de Broadway A Little Night Music (1973), por el cual ganó un Premio Tony como mejor actriz. En este último papel, cantó «Send in the Clowns», una canción expresamente compuesta para ella por Stephen Sondheim. En la década de 1950, fue considerada un símbolo sexual del cine.
También la vimos en un cameo en La vuelta al mundo en 80 días y obtuvo particular fama en su papel de la sirena Miranda Trewella en la exitosa Miranda (1948), en donde coincidió con David Tomlinson (su futuro esposo en Mary Poppins), papel que repitió dos veces más en un cameo en Helter Skelter (1949) de Ralph Thomas, típico humor inglés, y Loca por los hombres (1954),esta vez en radiante Technicolor.

En Hollywood rodó El bufón de la corte (1956) con Danny Kaye quien tuvo un duelo a espada con Basil Rathbone, el mejor espadachín cinematográfico quien consideró que Kaye estaba mejor dotado para la espada, pese al carácter caricaturesco de la cinta,que el mismo Errol Flynn que siempre le ganaba en esgrima por imperativos argumentales.

El papel más famoso de Glynis Johns, la madre de los niños de Mary Poppins.

FILM EXTRAÑO PERO CURIOSO

Uno de los filmes más extraños de la Historia del Cine es el que nos ocupa. Story of Mankind (La historia de la humanidad) es una película de fantasía realizada en 1957. Está basada en la novela del mismo título de Hendrik Willem van Loon. Su casting es espectacular aunque los grandes nombres estaban entonces en el final de sus respectivas carreras. Es lo que podríamos denominar viejas glorias con todos los respetos. Figuras muy queridas por el público de la época y de la actualidad.
Ronald Colman (El Espiritu del Hombre), Vincent Price (Diablo), Hedy Lamarr (Juana de Arco), Groucho Marx (Peter Minuit), Harpo Marx (Sir Isaac Newton), Chico Marx (monje), Virginia Mayo (Cleopatra), Agnes Moorehead (Isabel I de Inglaterra), Peter Lorre (Nerón), Charles Coburn (Hipócrates),
Sir Cedric Hardwicke (Gran juez), Cesar Romero (Enviado español), John Carradine (Keops), Dennis Hopper (Napoleón Bonaparte), Marie Wilson (María Antonieta), Edward Everett Horton (Sir Walter Raleigh), Jim Ameche (Alexander Graham Bell), Nick Cravat (Asistente del Diablo), Eden Hartford (Agua que Ríe), Melinda Marx (niña cristiana).
Su director es Irwin Allen (12 de junio 1916 – 2 de noviembre 1991), más cónocido como el Maestro de los Desastres por producir filmes sobre catástrofes como El coloso en llamas y La aventura del Poseidon. A él le debemos series como Viaje al fondo del mar (1964–1968), Perdidos en el espacio (1965–1968), El túnel del tiempo (1966–1967) y Tierra de gigantes (1967–1970).
Fue el penúltimo film que reunió a los famosos hermanos Marx aunque en episodios separados. Groucho fue Peter Minuit. Según la tradición, Minuit les compró la isla de Manhattan a los lenape el 24 de mayo de 1626 a 60 guilders, lo que supuestamente equivaldría a $24 dólares estadounidenses de la época o a unos $1,000 dólares de 2006.
Harpo aparece con su peluca roja (la usaba en el vodevil) y no con la rubia que utilizaba en sus películas en blanco y negro. Chico es un monje, Melinda Marx (hija de Groucho) es la niña cristiana y Eden Hartford  (esposa de Groucho) es una mujer india.
Una de sus raras apariciones en color. Un film  repleto de cameos, como La vuelta al mundo en 80 días, película de moda en aquel tiempo y uno de los mejores clásicos de la Historia del Cine. Pero La historia de la humanidad ha sido considerada como una de las Peores Películas Jamás Filmadas. La aseveración me parece muy exagerada.No es tan mala. No es una buena película, pero tampoco es mala. Es lo que podríamos definir una película simpática que se merece una oportunidad aunque sea por lo curioso del reparto. En España la vimos en TVE, muy de madrugada. Estaría bien disfrutarla en condiciones.

JANE FONDA
Y ROBERT REDFORD

Jane Fonda y Robert Redford, dos de las personas más respetadas del mundo del cine, han recibido un cálido homenaje en Cannes. Han sido compañeros en cuatro películas: La jauría humana, Descalzos por el parque, El jinete eléctrico y la reciente Nosotros en la noche,a punto de estreno.
Pocas parejas cinematográficas tienen más carisma que la hija de Henry Fonda, inquieta activista política en su juventud, y el galán más deseado, promotor del festival Sundance para dar a conocer nuevos talentos. Una rara avis en el Hollywood mercantil obsesionado por la taquilla.
Hace cincuenta años que rodaron la mítica comedia Descalzos por el parque. Un feliz aniversario que se ha celebrado con otra película que les ha vuelto a reunir como Addie Moore y Louis Waters, una viuda y un viudo que han vivido casi toda la vida uno al lado del otro. La pareja no tiene apenas relación, pero todo cambia cuando Addie trata de conectar con su vecino.
Jane Fonda y Robert Redford han demostrado este viernes en Venecia que son estrellas de otro nivel y conquistaron la Mostra con ironía y buen humor, sobre todo el de la actriz, que aseguró que no podría negar haber «tenido fantasías» con su compañero en cuatro películas. «No lo sabía. ¿Tenías que decirlo aquí en público?«, respondió casi entre dientes Redford, que se mostró mucho más comedido y dejó que toda la atención recayera en una espléndida Fonda, que mostró una tremenda agilidad mental y una gran habilidad para ser la protagonista.
Dos figuras entrañables, carismáticas, con enorme fuerza en sus trabajos interpretativos. Redford brilló además como director, debutando como tal en 1980 con Gente corriente, filme protagonizado por Donald Sutherland y Mary Tyler Moore que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Oscar al mejor director. Redford dirigió en 1988 Un lugar llamado Milagro, una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica.
En 1992 dirige El río de la vida, con Brad Pitt y Tom Skerritt, donde trata de la comunicación entre padres e hijos.  En 1994 Quiz Show, que obtuvo buenas críticas, apero con taquilla adversa, y que supuso su segunda nominación a los Óscar como director. Esta cinta fue igualmente nominada al premio como mejor película, pero finalmente resultó derrotada en ambas categorías.En 1998 dirigió El hombre que susurraba a los caballos, basada en la novela de Nicholas Evans, en 2000 La leyenda de Bagger Vance, y en 2012 Pacto de silencio.
Sobresale La conspiración (2010) que tuvo escasa distribución, se estrelló en taquilla pero no carece de cualidades: La película cuenta la historia de Mary Surratt, la única conspiradora femenina acusada por el asesinato de Abraham Lincoln y la primera mujer en ser ejecutada por el gobierno federal de los Estados Unidos.

INICIO DE TEMPORADA

Llegó septiembre por fin tras un verano asfixiante. Ya se  acercan los  estrenos demás peso, los blockbusters del año como La Liga de la Justicia y Los últimos Jedi. Aunque deberíamos buscar una expresión más castellana para definir éxito de taquilla que es la traducción de la palabra blockbuster ¿porqué no bombazo? En fin, esperemos…

BUSTER KEATON
HABLÓ CASTELLANO

Conchita Montenegro y Buster Keaton

Es sabido que el gran Keaton, en los años 20 consiguió lo más granado de su carrera. De ello se habla en Diario de Cine en varios escritos.
BIOGRAFIA DE BUSTER KEATON LOS MEJORES AÑOS DE BUSTER KEATON
LOS PEORES AÑOS DE BUSTER KEATON

Así mismo hablamos de varias cintas como LAS TRES EDADES, EL MAQUINISTA DE LA GENERAL, FREE AND EASY / ESTRELLADOS, RECLUTAS, LAS CALLES DE NUEVA YORK, y otras más.
Su mejor época fue el mudo y muy inferior es la sonora por varias razones. En cierto modo al trabajar con el corsé de la Metro perdió su magia. Los cambios de gusto del público contribuyeron también y la mala fe de los caciques de la productora del león y sus personalismos.
Pocas películas sonoras se salvan de la quema y entre ellas Reclutas, ya aludida. Uno de los grandes triunfos de la Metro con Sally Eilers, Cliff Edwards, Edward Brophy.
Costumbre de la época era rodar réplicas en castellano por no haberse inventado el doblaje.
Así Keaton se aprendió los diálogos en castellano aunque muchas veces usaba una pizarra para leer los textos. Sus compañeros hispanos fueron Conchita Montenegro, Romualdo Tirado, Juan de Landa, Victor Potel, Martin Garralaga, Francisco Madrid, Hans von Morhart, Gabry Rivas, Rosita Granada, Lolita Méndez.
Co-director fue el catalán Salvador de Alberich.
Salvador Algueró de Alberich nació en Mora de Ebro (Tarragona) en el fatídico 1898 que tanta oleada de pesimismo trajo a España. Falleció en Nueva York en el 1959. Cuando tuvo lugar la eclosión del cine sonoro marchó a Hollywood contratado para traducir al castellano los guiones de películas norteamericanas como Estrellados y De frente, marchen ambas con Buster Keaton.
La primera cuenta cómo era el Hollywood de la transición al sonoro,y la segunda cuenta las vivencias de Keaton en su participación en la Primera Guerra Mundial. En ambos títulos, Alberich dirigió algunas secuencias junto al director original, Edward Segdwick (Eduardo Segdwick en los títulos de crédito hispanos).

De frente marchen, según críticos de la época, era muy superior a Estrellados aunque tenía sus errores como que se notaba que Keaton leía los textos en una pizarra porque no era capaz de memorizarlos en un idioma que no comprendía. Por otra parte la chica era Conchita Montenegro, una actriz donostiarra que obtuvo gran relevancia en su época. Desgraciadamente su matrimonio con un diplomático español la retiró de las pantallas prematuramente y no desarrolló su carrera en su totalidad.
Por las imágenes de arriba presumimos que la secuencia del espectáculo ha sido modificada. Si en la original había una danza apache, en la réplica hispana vemos decorados de tema español. Conchita Montenegro aparece vestida de torera. Desgraciadamente la película se perdió y no hay forma de visionarla,pero si apareció el Drácula de George Melford ¿porqué no las que nos ocupa?
Otra adaptación de Alberich en Hollywood fue Wu Li Chang (1930) de Nick Grinde y Carlos F. Borbosque. El protagonista era de Tarragona, Ernesto Vilches, que sustituía a Lon Chaney padre. Resulta curioso este título porque es una versión hablada en castellano de un éxito del cine mudo que no tenía pues diálogos y que son originales de Alberich.
Tras escribir La fruta amarga (1931) regresa a España y otro guión suyo vio la luz, El secreto de Ana María (1936) su debut oficial como director en los gloriosos Estudios Orphea, sitos en Barcelona, ciudad que se había convertido en la primera productora mundial de cine hablado en castellano. Nuevos ideales (1936) y El deber (1936) son otros dos títulos rodados para la misma productora pero por desgracia en la actualidad son desconocidos por las nuevas generaciones.
Durante la República, Alberich fue inspector de cine en la Generalitat de Catalunya. Había aprendido mucho en Hollywood y también en Joinville, París, donde supervisó algunos rodajes de la época. Pero la guerra civil arruinó completamente su carrera y en 1938 tuvo que escapar a los Estados Unidos para no acabar ante un paredón de fusilamiento. Durante el resto de su vida trabajó poniendo voz a unos noticiarios de la Fox, Fox Movietone News, aunque cambiando su nombre por el de Alfredo de Mora para evitar represalias políticas.
Buster Keaton, Sally Eilers y Conchita Montenegro

CONCHITA MONTENEGRO

Concepción Andrés Picado, conocida cómo Conchita Montenegro, (San Sebastián; 11 de septiembre de 1911 – Madrid; 22 de abril de 2007), modelo, bailarina y actriz española. Abandonó su ciudad natal a los diez años para trasladarse a Madrid, donde comenzó a formarse y se fueron desarrollando sus cualidades interpretativas. Siendo aún adolescente marchó a París para asistir a clases de danza y arte dramático que recibió en la Escuela del Teatro de la Ópera.
Rodó su primera película en 1927, La muñeca rota, dirigida por Reinhardt Blotner. Después llegarían  Rosa de Madrid (1927) de Eusebio Fernández Ardavín y Sortilegio (1927), de Agustín de Figueroa.
En 1929 rodó La mujer y el pelele (1929) de Jacques de Baroncelli, basado en la famosa novela de Pierre Louÿs (1870 –1925), donde Conchita rodó uno de los primeros desnudos bailando flamenco desnuda pero mostrado con mucha sutileza apareciendo su imagen reflejada en una botella.
Llegó a Hollywood en 1930 sin saber nada de inglés, idioma que aprendió sobre la marcha. Se cuenta que rodó una prueba con Clark Gable, uno de los galanes de moda,  y se negó a besarle dejando atónito al mismísimo Lionel Barrymore que empezó a interesarse por ella.
Consiguió un contrato con la Metro Goldwyn Mayer. Tenían prisa para lanzarla pero su inglés era muy pobre. Conchita trabajó primero en las réplicas hispanas de los éxitos de Hollywood como De frente, marchen junto a Buster Keaton. Incluso se insinuó un romance entre ambos y posteriormente rodó películas en inglés, que por fin dominó, como Cisco Kid, gran éxito de la temporada, y Never the twain shall meet (1931), de W.S. Van Dyke.
En esta última cinta, traducida al castellano como Prohibido, trabajó por primera vez Montenegro con quien se convertiría en uno de los hombres más importante de su vida, el protagonista de Lo que el viento se llevó, Leslie Howard. A pesar de que a la donostiarra se le atribuyeron romances con Charles Chaplin, Buster Keaton, Edgar Neville y Charles Boyer, entre otros galanes, fue el inglés quien le dejó profunda huella. Vivieron un apasionado romance, en el que la diferencia de edad —ella tenía 19 años, él era un cuarentón—, no fue ningún obstáculo.
Leslie Howard,el Pimpinela Escarlata del cine británico, era asimismo espía británico que trabajaba para el Gobierno de su país. En octubre de 1940 tuvo lugar el encuentro de Hitler con Franco en Hendaya y el primer ministro Winston Churchil decidió enviar un mensaje al dictador español utilizando al famosísimo actor que sería bien recibido en El Pardo por la cinefilia del entonces Jefe del Estado. Conchita Montenegro, gracias a sus contactos, intervino para conseguir  la entrevista.
Howard se ofreció para interpretar a Cristobal Colón en un film histórico sobre el Descubrimiento de América, pero aprovechó la entrevista para transmitir el mensaje del premiere británico que pidió a Franco que no hiciera caso de homólogos alemanes e italianos y no entrara en la Segunda Guerra Mundial. Franco inmediatamente declaró la neutralidad de España en la contienda haciendo regresar a la División Azul del frente soviético.
Tras cumplir su misión, el espía volvía al Reino Unido el 1 de junio de 1943 en un avión civil (Ibis) cuando cazas alemanes, que escoltaban por aire un submarino, abrieron fuego, haciendo que su avión se estrellara cerca de las playas gallegas de Cedeira.
Conchita Montenegro se hundió moralmente por la muerte de Howard y nunca más fue la misma.
En 1942 volvió a España para rodar Rojo y negro y en 1944 su última película Lola Montes dirigida por Antonio Román. Posteriormente se retiró del cine apartándose de la vida pública rigurosamente. Nunca concedía entrevistas y rechazaba toda clase de homenajes. Murió por causas naturales en 2007, a los 96 años, olvidada por el público español.
Se la considera una de las mujeres más bellas de nuestra cinematografía y convendría hacerle justicia algún día, revisar su obra y hablar de sus películas… Pero lo dejo para mejor ocasión.

LA PELÍCULA MALDITA
DE JERRY LEWIS

Jerry Lewis nos ha dejado para siempre pero sus películas son un legado importante.Sus comedias en solitario o con Dean Martin, las que dirigió Frank Tashlin o el propio Lewis están ahí,en formatos domésticos para disfrute de las nuevas generaciones.
Pero algo ocurrió en 1965. Rodó Boeing Boeing, una comedia distinta de lo habitual con un papel más serio y la crítica le puso por las nubes. Lewis quiso dar un giro a su carrera pero la jugada se volvió en su contra.Había perdido de repente su magia e inició una dolorosa cuesta abajo que no tuvo fin.
Quiso rodar un film dramático, el rey de la comedia se la jugó pero el resultado fue catastrófico.
The Day the Clown Cried está conservada en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, la cual ha recibido por donación del mismísimo Jerry Lewis la única copia física de esta película. Probablemente no podrá verse hasta dentro de diez añosdemasiado tiempo para los cinéfilos de más edad.
La película sufrió graves contratiempos y sabotajes durante su producción y nunca ha sido vista por ninguna audiencia abierta. En 1971, Lewis había contactado con el productor húngaro Nathan Wachsberger, quien le había ofrecido el guión de una película sobre un payaso en un campo de concentración nazi. Y se llevó un buen chasco, porque tras incorporarse al rodaje, Lewis constató que allí no había ni equipo, ni dinero. El comediante tuvo que pagar de su bolsillo los derechos del guión a la escritora Joan O’Brien, dado que la opción de Nathan Wachsberger sobre ellos ya había expirado.

Jerry Lewis y Pierre Etaix

En el reparto Jerry Lewis, Harriet Andersson, Peter Ahlm, Lars Amble, Pierre Etaix, Anton Diffring, Nils Eklund, Victor Fratellini, Serge Gainsbourg, Michel Garland. Historia de Helmut Doork, un payaso que acaba en un campo de concentración por hacer una parodia de Hitler y que se encarga de conducir a los niños a la cámara de gas.
Con la película ya rodada, el actor y director se reencontró con un viejo conocido: Nathan Wachsberger, el moroso productor original, reclamaba la propiedad sobre la película, y su productora Europa Films secuestró el negativo. Tras pagar 600.000 dólares de su bolsillo por la cinta o aprovechar un copión guardado en su casa, Lewis anunció que la película tendría su estreno oficial en el Festival de Cannes de 1973. Pero los guionistas originales, Joan O’Brien y Charles Denton, bloquearon el estreno porque, afirmaban, las reescrituras de Lewis alteraban el significado original de su historia.
Este film lo ha visto poca gente y sus comentarios son contradictorios. ¿Una obra maestra o un bodrio? Algún día saldremos de dudas si es que llega.

MIREILLE DARC

Mireille Darc (nombre real, Mireille Aigroz; Tolón, 15 de mayo de 1938 – París, 28 de agosto de 2017)​ fue una actriz y modelo francesa que se convirtió en una de les más famosas de su generación en Francia. Mireille Darc, uno de los iconos del cine francés de finales de la década de los años 60 y, sobre todo, de los 70, falleció este lunes a los 79 años, después de haber tenido graves problemas de salud en los últimos tiempos. La familia confirmó su fallecimiento a la emisora RTL, que recordó que había sufrido varios ataques cerebrales, el último en septiembre de 2016 que ya entonces estuvo a punto de costarle la vida.
Distinguida con la Legión de Honor en 2006, en los últimos años se había dedicado también a la acción caritativa, y así fue la madrina de la asociación La Chaîne de l’Espoir. De hecho, en 2015 dirigió un documental para la televisión sobre las personas sin techo
Trabajó en varias ocasiones con Alain Delon (Jeff, Borsalino o Les Seins de glace), al que conoció en 1968 y con el que formó pareja durante una docena de años. Debutó en el cine a las órdenes de Jacques Dupont en Las distracciones (1960), una película policiaca protagonizada por Jean-Paul Belmondo. El cine negro y la comedia fueron los géneros que más frecuentó, explotando su físico de rubia sexy y creando tendencia con su icónico peinado. Especialmente fructífera fue su colaboración con Georges Lautner, uno de los referentes de la comedia francesa de la época, para el que rodó 13 películas; entre ellas, ‘Les Barbouzes‘ (1964), ‘Los gángsters no se jubilan’ (1965) y la escandalosa ‘Galia‘ (1966). En España rodó, ‘Zarabanda, bing, bing‘, dirigida por José María Forqué.
La comedia ‘El gran rubio con un zapato negro‘ (1972), de Yves Robert, que confirmó su estatus de símbolo sexual (su imagen con un vestido negro que dejaba al aire toda su espalda y un poquito más causó verdadera sensación en la época).

TY HARDIN

Will Hutchins (Sugarfoot) y Ty Hardin (Bronco)

De símbolo sexual femenino pasamos a símbolo sexual masculino. En este caso el actualmente olvidado Ty Hardin.
Orison Whipple Hungerford Jr. (January 1, 1930 – August 3, 2017), conocido como Ty Hardin, fue un actor estadounidense famoso entre 1958 y 1962  por la serie Bronco de la ABC/Warner Bros.
En los sesenta se pusieron de moda en la primera televisión española unos westerns como Sugarfoot con Will Hutchins,Bronco con Ty Hardin y Cheyenne con Clint Walker. Las series alternaban cada  semana en USA pero no en España. De las tres la primera me hacía más gracia.Un cowboy timorato que no llevaba pistola y no bebía alcohol, sólo zarzaparrilla provocando desconcierto en los bares y las mofas de los chuletas de turno.
Bronco era un sudista derrotado por la guerra civil.Ty Hardin fue en su día un actor que entusiasmaba al público femenino. Hablaba buen castellano y se vino a vivir a España varios años rodando La batalla de las Árdenas y otras películas.
Después regresó a su país involucrándose en partidos de ultraderecha. Los Patriotas de Arizona… El día 3 se fue para siempre…