EN LA VIA LÁCTEA

Emir Kusturika regresa a la escena cinematográfica tras 7 años desde su último largometraje para traernos un emocionante cuento de hadas moderno protagonizado por una radiante Mónica Bellucci y el propio autor. Un hombre y una mujer enamorados en tiempos de guerra.

Para mí, el cine sigue siendo una experiencia -nos dice el director Kusturica- y un trabajo tan intenso como la primera vez. Con esta película viajo a Venecia, al igual que hice cuando estaba empezando, con 27 años. Lo increíble del cine es que nunca se sabe nada; es como empezar de cero. Me hacía ilusión llegar a este nuevo punto con En la vía láctea, ya que me daba miedo todo lo que tuve que descubrir en mi primera película, ¿Te acuerdas de Dolly Bell?
He dirigido un cuento de hadas moderno y, al mismo tiempo, ha sido tan emocionante como todas las películas que he realizado. En esta película, descubrí la belleza, y descubrí mundos intensos, humanos. En la vía láctea nace de numerosas capas de mi propia vida. Si tengo que comparar mi cine antes y ahora, ahora presto mucha más atención a los orígenes. En diferentes momentos de mi vida, el cine ha convivido con otras artes: literatura, pintura, etc. Esta vez, fui muy directo al crear una película dentro de la pureza del lenguaje cinematográfico. Durante la creación de En la vía láctea, mi vida giró en torno a la película. Fue un largo proceso y mi manera de rodar se ajustó a mi filosofía y mi relación con la naturaleza y lo que sienten realmente las personas con respecto a la vida. Se trata de una historia muy sencilla cuya realización supuso un gran reto físico y resultó más complicada de lo que pueda parecer. Rodamos durante mucho tiempo, luchando contra el entorno, filmando sobre todo en exteriores, puesto que yo buscaba paisajes que capturasen el profundo interior subyacente de los personajes principales: un hombre y una mujer que se enamoran y están dispuestos a sacrificarse en la naturaleza.

Tras sus estudios de derecho y su carrera de modelo para los mejores diseñadores de moda, Monica Bellucci estudió interpretación antes de iniciar su carrera cinematográfica en 1990 con Vita Coi Fligi, dirigida por Dino Risi. En 1991, obtuvo su primer papel protagonista en La Riffa (Francesco Laudadio). Un año después, Francis Ford Coppola la eligió para Drácula, como una de las novias del personaje.
Después de varios papeles en Italia, Monica Bellucci se trasladó a Francia y se dio a conocer en 1996 como Lisa en The Apartment, dirigida por Gilles Mimouni, papel por el que fue nominada al premio César como actriz más prometedora en 1997. A finales de los noventa y principios de del nuevo milenio, protagonizó varias producciones francesas de renombre, dejándonos actuaciones especialmente memorables como Nathalie en Dobermann (1997), dirigida por Jan Kounen; Cleopatra en Astérix y Obélix: Misión Cleopatra (2002), y Alex en la controvertida Irreversible (2002) de Gaspar Noé, que coprotagonizó junto a Vincent Cassel y Albert Dupontel.
Además de su trabajo en Francia, Monica Bellucci, que habla italiano, castellano,francés e inglés, continuó desarrollando su carrera internacional. En los Estados Unidos, trabajó entre otros para Stephen Hopkins en Bajo sospecha (2000), Antoine Fuqua en Lágrimas del sol (2003) y los hermanos Wachowskis en la conocida saga de Matrix (Matrix Reloaded y Matrix Revolutions, 2003). En 2004, Mel Gibson la dirigió en su papel de María Magdalena en La pasión de Cristo.
Desde entonces, Monica Bellucci ha participado en más de veinte producciones y ha colaborado con los mejores cineastas, entre los que se encuentran, entre muchos otros, Bertrand Blier, Gabriele Muccino, Terry Gilliam, Spike Lee, Paolo Virzi, Rebecca Miller, Alain Corneau, Marina de Van y Philippe Garrel. En 2014, interpretó a Milly Catena en El país de las maravillas (Alice Rohrwacher), muy aclamada en el Festival de cine de Cannes de 2014, donde obtuvo el Gran Premio. Recientemente, Monica Bellucci apareció junto a Daniel Craig en la nueva cinta de James Bond, 007 Spectre, dirigida por Sam Mendes.

El director serbio Emir Kusturica nació en 1954 en Sarajevo. Finalizó sus estudios en dirección cinematográfica en la prestigiosa Academia de Artes Escénicas (FAMU) de Praga en 1978. Durante sus estudios, obtuvo varios galardones por sus cortometrajes, como Guernica (1978), que ganó el primer premio en el Festival de cine de estudiantes de Karlovy Vary. Una vez graduado, dirigió varias películas para televisión en su ciudad natal. En 1981, realizó su exitosa ópera primera con ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, que recibió el León de Oro como mejor primera o segunda película en el Festival de cine de Venecia. Su segundo largometraje, Papa está en viaje de negocios, fue galardonado por unanimidad con la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes de 1985, así como con el premio FIPRESCI, y fue nominada al Premio de la Academia como mejor película de habla no inglesa.
En 1989, Kusturica recibió el premio al mejor director en Cannes por El Tiempo de los gitanos, película sobre la venta de niños de Yugoslavia a Europa occidental. Su primera película en lengua inglesa, El sueño de Arizona, protagonizada por Johnny Depp, Jerry Lewis y Faye Dunaway, obtuvo el Oso de Plata en 1993 en el Festival de cine de Berlín. Underground, comedia amarga y surrealista sobre los Balcanes, le valió a Kusturica una segunda Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes de 1995.
En 1998, ganó el León de Plata del Festival de cine de Venecia como mejor director por Gato negro, gato blanco, comedia absurda ambientada en un asentamiento gitano a orillas del Danubio. En 2001, Kusturica dirigió Super 8 Stories, documental sobre los viajes por carretera y los conciertos de The No Smoking Orchestra, a la que él pertenece. En 2004 terminó La vida es un milagro, historia de amor entre un hombre serbio y una mujer musulmana que transcurre durante la guerra civil yugoslava en los noventa. Se estrenó en Cannes ese mismo año y, un año más tarde, recibió el César a la mejor película extranjera.
Emir Kusturica fue nombrado presidente del jurado en el Festival de cine de Cannes de 2005. Su película Prométeme se estrenó en el Festival de cine de Cannes de 2007. Durante 2007, Kusturica y Nele Karajlić prepararon una ópera punk, El tiempo de los gitanos. El estreno tuvo lugar en junio de 2007, en el Opéra Bastille de París, con críticas positivas. Su cinta Maradona, documental sobre la estrella argentina del fútbol Diego Maradona se estrenó en la Selección Oficial del Festival de cine de Cannes en 2008.
En la Vía Láctea se estrena en España el 14 de julio del presente año.

VERSIÓN EXTENDIDA
SIN CENSURA

Giuseppe Tornatore, tras triunfar con su espléndido Cinema Paradiso en 1988 tuvo que esperar doce años para conseguir un nuevo éxito, Malena (2000) con Monica Bellucci, Giusseppe Sulfaro, Luciano Federico, Matilde Piana, Pietro Notarianni, Gaetano Aronica, Gilberto Idonea, Angelo Pellegrino, Gabriella Di Luzio.
Un cineasta detallista capaz de captar pequeños detalles costumbristas y grandes masas como ese pueblecito italiano lleno de cotorras envidiosas y mezquinas que odian a la sensual Malena porque es más hermosa que ellas y atraen las miradas masculinas.
Monica Bellucci se convirtió en nuestra musa, una actriz de culto. Pero por desgracia las ediciones en DVD de esta cinta son tristes y casposas, no están a la altura de las circunstancias, y en Blu-ray sólo tenemos ediciones extranjeras y nunca españolas ¿porqué? Todo un misterio de desidia y desprecio, pero sobretodo en España es inédita la versión sin censurar que dura 107 minutos en vez de los 92 de la versión comercial. La censura estadounidense se cebó en los desnudos de Monica Bellucci imponiendo su versión puritana y mojigata de la vida. Toda una lástima.
La versión uncut es toda una utopía para nuestras tristes videotecas.

LA MALDICIÓN DE LAS
SUPERHEROINAS ESTÁ ROTA

La película Wonder Woman se convierte, día a día, en todo un fenómeno de masas. Tanto es así que ya consiguió dejar atrás la marca de los 300 millones de dólares en taquilla tras apenas dos fines de semana en la cartelera mundial. Con Patty Jenkins en la dirección de un concepto de película de superhéroes totalmente diferente -o al menos muy distinta de lo que DC producía hasta la fecha-.

Gal Gadot y Lynda Carter, la Wonder Woman de la televisión en los setenta

Por fin se ha roto la maldición de las películas de superheroinas que se estrellaban en taquilla sin remedio como la Supergirl con Helen Slater y la Catwoman de Halle Berry. Asimismo este nuevo estreno supone el más taquillero, y con creces, de las películas dirigidas por una mujer, rompiéndose asimismo otro tópico funesto.
Ya han empezado los rumores confirmados por Warner Bros del rodaje de una secuela que esta vez transcurrirá en el mundo presente y en los Estados Unidos. Todo lo contrario de la cinta original ambientada en Europa y en Temiscira, la isla de las amazonas, durante la primera guerra mundial.
Repitirán Patty Jenkins como directora y Gal Gadot como la Mujer Maravilla. Esperemos que no sufran las villanías que padeció Richard Donner tras su exitoso éxito sobre Superman que fue apartado en las secuelas.
Corre el rumor de que Lynda Carter, la Wonder Woman televisiva, hará un papel en esta nueva entrega para alegría de sus fans.

Lynda Carter en su juventud

Más noticias sobre la famosa Mujer Maravilla, pronto se estrenará Professor Marston & The Wonder Women (2017) de la directora Angela Robinson con Luke Evans, Rebecca Hall, Bella Heathcote, Connie Britton, Oliver Platt. Se trata de una biografía del Doctor William Moulton Marston (9 de mayo de 1893 – 2 de mayo de 1947) conocido también bajo el seudónimo de Charles Moulton, fue un psicólogo, teórico, inventor, y autor de historietas que creó al personaje de la Mujer Maravilla. Marston tuvo una relación poliamorosa con las también psicólogas Elizabeth Holloway Marston y Olive Byrne viviendo con ambas y con quienes engendró varias hijos. Todo un argumento para una cinta poco convencional.

Gal Gadot y Melissa Benoist, la triunfadora con la serie «Supergirl» que ha anunciado ya la tercera temporada

LA MALDICIÓN DE LA MANCHA

Tras 17 de años de preproducción acaba de finalizar el rodaje de El hombre que mató a Don Quijote, la última fantasía gilliam inspirado en el legendario protagonista literario de Miguel de Cervantes, Don Quijote. La película está dirigida por el aclamado director Terry Gilliam. El casting incluye a Adam Driver (Star Wars: El despertar de la fuerza), Jonathan Pryce (Saga de Piratas del Caribe), que ha colaborado anteriormente con Gilliam y da vida a Don Quijote, Stellan Skarsgård (El indomable Will Hunting), Olga Kurylenko (Quantum of Solace), Joana Ribeiro (Portugal no está en venta), Óscar Jaenada (La fría luz del día), Jordi Mollá (En el corazón del mar), Sergi López (El laberinto del fauno) y Rossy de Palma (Julieta).
El rodaje se ha llevado a cabo en diferentes localizaciones de España y Portugal. El director y guionista del film Terry Gilliam, que ha trabajado en el proyecto desde 1989 señala: «Don Quijote es un soñador, un idealista y un romántico, decidido a no aceptar las limitaciones de la realidad, avanzando sin importar los contratiempos, como hemos hecho nosotros desde el comienzo de la producción. Hemos estado trabajando en esto durante tanto tiempo que la idea de terminar de rodar esta película «clandestina» es bastante surrealista. Cualquier persona sensata habría renunciado hace años, pero a veces los cabezotas soñadores ganan al final, así que doy las gracias a todos los idealistas que se han unido para hacer realidad este sueño«.
El hombre que mató a Don Quijote cuenta la historia de un anciano convencido de que es Don Quijote y que confunde a Toby, un ejecutivo publicitario, con su fiel escudero, Sancho Panza. La pareja se embarca en un viaje extraño, con saltos hacia atrás y adelante en el tiempo, entre el actual siglo XXI y el mágico siglo XVII.
La película siempre ha sido centro de calamidades ya que se intentó rodar en anteriores ocasiones. En 1998, Gilliam y uno de sus más cercanos colaboradores, Tony Grisoni, empiezan la preproducción de El Hombre que Mató a Don Quijote. Para el papel del ejecutivo contrataron a Johnny Depp y la estrella del cine francés Jean Rochefort fue seleccionado para interpretar a Don Quijote, después de que Gilliam los describiera como perfectos para el rol.
Rochefort empieza un curso intensivo de inglés y, siete meses después, en 2000, se incia el rodaje en en Bardenas Reales, una región semidesértica en el norte de España.
El paisaje es espectacular, pero resulta que queda cerca de una base aérea de la OTAN y los aviones de combate no dejaban de sobrevolar con su ruidoso estruendo, dañando la pista sonora que tendría que arreglarse en posproducción a un costo adicional. En el segundo día de producción, una tormenta genera deslaves que no solo destruyen el set y algunos de los equipos sino que cambian el color del terreno y todo lo que se rodó el primer día se tiene que repetir.
El cúmulo de calamidades fueron narradas en el documental Perdidos en La Mancha (2002) de Keith Fulton y Louis Pepe. Pero las desgracias no acabaron aquí, se intentó rodar de nuevo con John Hurt en el papel principal pero el actor británico falleció dejando el proyecto huérfano.
No es la primera vez que Don Quijote sufre infortunios cinematográficos, recordemos el caso de Orson Welles y su inacabado rodaje que concluyó años después Jesús Franco. O la serie de Manuel Gutiérrez Aragón con Fernando Rey. Se rodó la primera parte pero al iniciarse la segunda fallece el actor, se contrata a Marcello Mastroianni que termina por fallecer también y finalmente se rodó un largo mustio con Juan Luis Galiardo.
Gilliam al menos ha podido llevar a buen puerto su película y esperemos verla en salas lo más breve posible.

DE NUEVO EN «TWIN PEAKS»

Russell Irving «Russ» Tamblyn (30 de diciembre de 1934) es un actor y bailarín estadounidense, al que un cinéfilo de edad avanzada, como es mi caso, ha estado viendo a lo largo de su vida en la gran y pequeña pantalla. Un rostro que siempre nos ha estado acompañando aunque casi siempre en roles secundarios. Por eso le dedicamos un espacio en esta sección dedicada a los actores y actrices de toda la vida.
Generalmente la vida artística o cinematográfica de un intérprete suele ser muy corta, al pasarse de moda el teléfono deja de sonar y se ven obligados a cambiar de oficio, desaparecer, o volver al teatro en donde muchos han podido desarrollar completamente su profesión.
Antes de que yo naciera, Russ ya trabajaba en Sansón y Dalila (1949) del mítico Cecil B. DeMille como el futuro rey Saúl. Victor Mature y Hedy Lamarr triunfaron a pesar de los decorados de cartón piedra y los extraños ropajes de los filisteos. Años más tarde fue Gideón el benjamín de los hermanos Pontipee en Siete novias para siete hermanos (1954) de Stanley Donen, un musical que supuso un éxito inesperado para la MGM que no confiaba en el proyecto y tuvo que sufrir numerosos recortes presupuestarios.

Se trata de unos de los mejores musicales de la productora del león pese a que en la actualidad nos resulta algo cursi en más de un aspecto. Pero Russ nunca tuvo suerte y rara vez fue cabeza de cartel y siempre en películas de serie B. Tal vez porque se le consideró un actor limitado aunque siempre cumplió con sus papeles.

Uno de sus mayores triunfos fue West Side Story (1961) del todo terreno Robert Wise, a quién conocí en persona en Sitges 1987, y Jerome Robbins, el famoso coreógrafo de Broadway. Otro musical que intenté renovar el género con argumento dramático y lucha de bandas callejeros con una historia de amor central entre Natalie Wood y Richard Beymer que años después coincidió con Tamblyn en Twin Peaks.
Otro musical, esta vez de género fantástico, El maravilloso mundo de los hermanos Grimm (1962) rodado en Cinerama con tres cámaras. Con el mismo sistema se rodó La conquista del Oeste que también contó con un papel episódico para el actor que nos ocupa.
Los invasores (1963) fue otro rol secundario en un film extraño de vikingos con Richard Widmark. La carrera de Russ parecía no despegar, siempre relegado a papeles de poca enjundia o de poco carácter. Eso sí, siempre contó con la simpatía del público.

La película no tuvo éxito y el actor se tuvo que arrastrar durante décadas en papeles infames en películas deplorables que no vale la pena citarlas aquí. Hace poco le vimos en un breve cameo en Django desencadenado (2012) de Quentin Tarantino junto a su hija Amber Tamblyn, también actriz. Al menos ha podido mantenerse a lo largo de toda una vida en las pantallas aunque sea en papeles menores y secundarios como este western citado.
Si ha conseguido alguna relevancia en las últimas décadas ha sido por su papel del Dr. Lawrence Jacoby en Twin Peaks (1990-1991) y  su continuación de 2017. Un papel algo alocado que le ha permitido estar en la cresta de la ola de nuevo y que ha valido que nuevas generaciones de espectadores sepan de él por lo que su carrera es actualmente una de las más largas del actual Hollywood.

CANTA Y BAILA EN
«EL REGRESO DE MARY POPPINS»

En «Mary Poppins», Dick Van Dyke interpretó dos papeles, el de Bert (el deshollinador) y el del anciano Mr Dawes, director del banco. Debajo su papel en «El regreso de Mary Poppins»

A sus 91 años, el veterano Dick Van Dyke viajó a Londres para interpretar su parte en la secuela El regreso de Mary Poppins bajo la dirección de Rob Marshall (el director de Chicago y Nine). Un número de canto y baile sobre un escritorio de un banco. El papel es el del hijo del banquero interpretado en el filme original que corría asimismo a su cargo. Un cameo de tintes nostálgicos. Mr. Dawes fallecía de risa en la famosa cinta de Disney y en la secuela lógicamente interpretará a su hijo (anteriormente interpretado por Arthur Malet, actor ya desaparecido).
Dick Van Dyke es un actor que me ha acompañado a lo largo de mi vida cinéfila. Una vez publiqué un escrito narrando su biografía y al cabo de varios meses recibí una foto suya dedicada. Ha sido la única vez que un actor de Hollywood ha tenido un detalle conmigo.

Uno de los primeros trabajos de Dick Van Dyke fue en el Show de Danny Kaye.

Al llegar a Hollywood, Dick Van Dyke fue a visitar a Stan Laurel naciendo una amistad que duró hasta la muerte de éste.

En El arte de amar tuvo como pareja a Elke Sommer

Con Nancy Kwan en El teniente Robinsón.

En Noche en el Museo: La Maldición del Faraón.

BIOGRAFIA
UN BESO PARA BIRDIE
MARY POPPINS
CHITTY,CHITTY,BANG, BANG
EL CÓMICO
EL NOVIO DE MI MUJER
UN MES DE ABSTENIENCIA
ELLA Y SUS MARIDOS
NOCHE EN EL MUSEO
NOCHE EN EL MUSEO, EL SECRETO DEL FARAON

EN ESPAÑA SE ESTRENA
EL 23  DE  JUNIO

La película de moda, no exenta de polémica, se ha estrenado en casi todo el mundo menos en España por un extraño retraso de tres semanas que no sabemos a santo de qué viene.
La polémica es más de tipo racial que política. Su protagonista es Gal Gadot, ex Miss Israel, que hizo el servicio militar (abolido en España y otros países) en su país donde también van las mujeres y es sabido que la política de su Estado belicista ha causado genocidios en países como el Líbano y Palestina.
En cierto modo comprendo la irritación pero ¿tiene Gal Gadot culpa por haber nacido en Israel? Nacer en un territorio es siempre un hecho accidental. ¿Tiene culpa la actriz de las leyes de su país y de que la hayan obligado a enrolarse determinado tiempo en el ejército adonde fue por obligación y nunca por devoción?
Que el ejército haya cometido crímenes es cierto pero los reclutas forzosos nunca son responsables. Recordemos el final de Alexander Nevsky (1938) de Sergei M. Eisenstein. El príncipe ruso tras derrotar a los teutones los captura y los juzga. Castigó a los inductores y a sus jefes, pero perdonó a los soldados rasos porque «fueron obligados a venir y no tienen culpa de nada«, devolviéndolos a su país.
Quién va a la fuerza no es responsable de nada.
Pasando a otro tema, Gal Gadot fue criticada y rechazada porque su cuerpo es demasiado frágil y delgado para protagonizar la película cuyo papel principal requiere una figura más rotunda, como Lynda Carter por ejemplo. Personalmente no me gustan figuras tan anoréxicas pero una mujer (o un hombre) no puede ser valorado por su naturaleza. Gal se ha esforzado mucho en moldear su figura con duros entrenamientos y en la película luce perfectamente.
Ya se ha anunciado el rodaje de su secuela bajo la dirección de Patty Kenkis, las críticas son positivas y el público responde bien pero hasta que no veamos la película no la valoraremos. Normas de la casa.

Gal Gadot, Patty Jenkins y Lynda Carter

CORTO DEL GRAN GRIFFITH

La Rosa de Kentucky.Título original: The Rose of Kentucky . País: USA. Año:1911. Director: David Wark Griffith. Actores: Wilfred Lucas (el granjero), Marion Sunshine (la huérfana), Charles West, Kate Bruce. Duración: 17 minutos

Curioso corto rodado antes de El nacimiento de una nación, la famosa apología del Ku-Klux-Klan, y digo curioso porque en esta ocasión los caballeros del Klan son los malos. Sí como lo leéis, los violentos encapuchados son los villanos de este corto lo que da de pensar en la poca solidez ideológica de su realizador, uno de los padres de Hollywood, donde todo se reduce a un fácil maniqueísmo. Los buenos y los malos.

Un granjero es extorsionado por un cacique de pueblo y sufre acoso por los malvados de turno. Pero ésta no es la única sorpresa. Los «negros» son interpretados por blancos con la cara pintada y lo más curioso es que se plantea una historia de amor con una pareja con gran diferencia de edad. Algo que todavía es tabú en la sociedad moderna.
El estilo de Griffith tenía mucho por evolucionar pero ya apuntaba maneras narrativas. El melodrama como historia central y el Klan como telón de fondo. Un melodrama polémico, la pareja es además un padre adoptivo y una huérfana de la que se hace cargo.
En fin, un corto breve pero bien aprovechado con unos actores ya olvidados pero efectivos.

FALLECE A LOS 89 AÑOS

El actor británico Roger Moore ha fallecido hoy en Suiza a los 89 años, debido a un cáncer, según anunció su familia. Moore, en concreto, fue Bond, en siete películas de la saga oficial. Sustituyó a Sean Connery en el papel, que mantuvo entre 1973 y 1985, siendo el actor que más veces ha interpretado en el cine al personaje creado por Ian Fleming, aunque empatado con  Connery que tiene una cinta «apócrifa» (Nunca digas nunca jamás).

Moore era popular en televisión cuando se enfundó el traje de 007: El Santo, Maverick, Ivanhoe, Los persuasores. Ya había sido propuesto cuando se preparaba Agente 007 contra el Dr. No  y cuando Connery quiso abandonar tras Sólo se vive dos veces. Pero Moore no estaba disponible en aquellos momentos por lo que el papel cayeron en manos de otros actores.
Los fans de la serie consideraron que era un actor demasiado blando para el personaje al servicio de su Real Majestad Británica. Hoy todo es llanto por su óbito, pero en su día recibió mucho jarabe de palo. Incluso la prensa le trató de mal actor, esa es la verdad.

Moore le dio a Bond un mayor sentido del humor porque tal vez  era un actor más apto para la comedia que para el drama. Fue un actor que gustaba mucho al público femenino que lo encontraba muy guapo y motivo de envidia por el masculino por el mismo motivo. Era popular por Simon Templar El Santo, personaje de Leslie Charteris que en la novela era mucho más duro que su adaptación televisiva (en los cuarenta se llevó al cine interpretado por George Sanders).
Moore también fue el inspector Clouseau en un divertido cameo de La maldición de la Pantera Rosa, lástima que no rodaran un filme protagonizado por él interpretando al famoso y torpe detective, hubiera dado mucho juego.