ADIÓS A UN CINEASTA DE CULTO

Tobe Hooper, director de Poltergeist y La matanza de Texas, murió este domingo a los 74 años en el barrio de Sherman Oaks, en Los Ángeles (California, EEUU), según informó el Departamento Forense del condado de la ciudad. Las circunstancias de la muerte todavía se desconocen, según el Departamento Forense. Nacido en Austin (Texas) en 1943, Hooper saltó a la fama en 1974 tras el estreno de La matanza de Texas que le consagró como director y guionista.
William Tobe Hooper (Austin, Texas, 25 de enero de 1943-Sherman Oaks, Los Angeles, California, 26 de agosto de 2017) es uno de los cineastas más amados por los aficionados al cine de terror, entre los que no me incluyo.Pero esta circunstancia no es excusa para perderle el respeto a un profesional que con un presupuesto ridículo consiguió un éxito tan espectacular como inesperado.
Hooper convirtió en un icono del cine de terror a Leatherface, el carnicero de cara destrozada que se cubre con una máscara de cuero y mata con una sierra.

Mathilda May y  Steve Railsback, ensartados en «Fuerza Vital»

Otras películas de culto que llevan su sello son La casa de los horrores (1981), Fuerza vital (1985), Invasores de Marte (1986) o La matanza de Texas 2 (1986). Hooper dirigió la miniserie basada en la novela de Stephen King, El misterio de Salem’s Lot, en 1979, y tres años después se puso al frente de la producción sobrenatural Poltergeist, con guión de Steven Spielberg.

SUS MEJORES AÑOS Y CAÍDA

Al separarse de Martin, Jerry regresó de nuevo a las modestas películas en blanco y negro, aunque por poco tiempo. Rompieron el fuego dos sencillas muestras de comicidad estilizada Delicado delincuente (The Delicate Delinquent, 1957) de Don McGuire, parodia de las películas con delincuentes juveniles tan típicamente americanos, y El recluta (The Sad Sack, 1957) de George Marshall, basado en un comic de corte militar.
De nuevo con su mentor Frank Tashlin, Jerry consigue dos grandes comedias donde por fin pudo dar pleno rendimiento de su personalidad apocada, entrañable pero ligeramente histérica. Yo soy el padre y la madre (Rock-a-bye, Baby, 1958), de ambiente familiar, nos muestra un Jerry Lewis enamorado de Connie Stevens y de cuatro pequeños bebés, descubriendo un agradable aire maternal de un cómico tildado injustamente de banal. Tú, Kimi y yo (The Geisha Boy, 1958), en la misma línea, traslada al hilarante histrión al mismísimo Japón. Diversas referencias cinéfilas suponen un atractivo suplementario a tan divertido film, como la aparición de Sessue Hayakawa uno de los protagonistas de El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai, 1957), precisamente construyendo un puente en miniatura semejante al de la película de David Lean.

Tras dos títulos menores dirigidos de nuevo por Norman Taurog, Adiós mi luna de miel (Don’t Give Up the Ship, 1959) y Un marciano en California (Visit to Small Planet, 1960), mas una pequeña aparición en Li’l Abner (1959) de Melvin Frank, Jerry Lewis puede abordar por fin la realización de sus películas iniciando una etapa aún más personal.
Muchos admiradores de este cómico prefieren los títulos realizados por Tashlin, tal vez el mejor que haya tenido Lewis en toda su carrera, y con el que mejor se ha compenetrado siendo autor de muchos más films de su filmografía posterior, pero varios estudiosos cinematográficos consideran que Jerry consiguió la perfección precisamente en aquellas obras donde éste fue autor total aunque siempre trabajase para la misma productora.

El botones (The Bell-boy, 1960), su opera prima como realizador, es de producción modesta e improvisada, rodada en cinco semanas en el Hotel Fontainebleau de Miami, tras cumplir con un contrato de actuación personal, pudiendo por fin dirigirse a sí mismo. Costó 900.000 dólares, blanco y negro, y recaudó 8 millones, una friolera en su tiempo. El propio Charlie Chaplin se quedó entusiasmado al verla por su singular ingenio demostrándose de una vez por todas que Jerry Lewis no era el fabricante de films idiotas, como le consideró la cegata crítica americana que en nada tiene que envidiar a ciertos colegas españoles, sino uno de los creadores de imágenes más importantes de su época.
Homenaje cálido al cine de su admirado Stan Laurel, el botones protagonista no en vano se llama Stanley, e incluso aparece Bill Richmond, guionista habitual de Lewis, caracterizado como aquel legendario cómico de la compañía Hal Roach que fuera emparejado con el orondo Oliver Hardy. Una curiosidad de El botones es que Jerry Lewis se desdobla en dos personajes, en el ya mencionado Stanley y en su propio papel, autoparodiándose certeramente al presentarse como un divo engreído y antipático.
Vemos como Martin Scorsese no inventó nada al presentar a Lewis, ya en su época de declive, como un personaje muy desagradable en El rey de la comedia (The King of the Comedy, 1982), donde era secuestrado por un cómico frustrado (Robert De Niro), una ácida comedia que sin embargo no tuvo el éxito que se merecía. En el Festival de Cannes de 1982, y en una escala posterior en Madrid, efectivamente la prensa conoció la cara oculta de Jerry Lewis, su malhumor y su insoportable carácter.
A partir de El botones, la carrera del histrión subió como la espuma. La crítica francesa le alabó sin cesar, la española pendiente de las modas ultrapirenaicas copiaron dichas reivindicaciones mientras en su propio país era totalmente denostado aunque tuviere y tiene aún legiones de admiradores.
En El ceniciento (Cinderfella, 1960) de Frank Tashlin reencontramos a Ed Wynn, aquel cómico de los años treinta que nunca consiguió en cine el éxito que obtuvo en las tablas. Aquí era el singular hado padrino del ceniciento de un oscuro cuento de hadas.
De nuevo con Tashlin, Jerry rodó cuatros cintas más de singular gracia: ¿Qué me importa el dinero? (It’s Only Money, 1962); Lío en los grandes almacenes (Who’s Minding The Store, 1963; ), Caso clínico en la clínica (The Disorderly Orderly, 1964) y Jerry Calamidad (The Patsy, 1964) cuatro películas que harían las delicias del doctor Freud, repleta de frustraciones y mil complejos.

Como autor total, Jerry consiguió excelentes muestras como El terror de las chicas (The Ladies Man, 1961), una extraña película sobre la misoginia, tan cara al cine americano, donde Lewis llega a encarnar a su propia madre antes de irse a trabajar a una residencia de señoritas. Un espía en Hollywood (The Errand Boy, 1961) es una feroz autocrítica de la desquiciada industria cinematográfica.
Pero sin duda alguna, El profesor chiflado (The Nutty Professor, 1963) es la obra maestra indiscutible de su autor. Nueva versión de la novela de Stevenson sobre el Doctor Jekyll y el señor Hyde, aunque transformando completamente su argumento. El profesor es feo, dentón y lunático. En cambio, al tomarse la droga se convierte en un guaperas viril, un cantante melódico al estilo Dean Martin que sin embargo es antipático y muy desagradable. La chica era Stella Stevens, tan deliciosa como siempre, la pareja ideal para este lunático enamorado acomplejado por su fealdad, su insignificancia y debilidad de carácter pero de buen corazón.
Finalmente la chica, de forma sorprendente, descubre la doble personalidad y en apariencia se quedará con el profesor dentón. Sin embargo, en un plano antológico, vemos que Stella se ha llevado el mágico elixir para transformarle cuando tuviera necesidad de su virilidad y de su potencia sexual. Este film tuvo posteriormente un indigno remake The Nutty Professor (El profesor chiflado, 1996) de Tom Shadyac, con Eddie Murphy en el doble papel,y su nomenos infame secuela El profesor chiflado II: La familia Klump (2000) de Peter Segal con Murphy desdoblándose en múltiples personajes.
Tras la breve aparición en El mundo está loco, loco, loco loco (It’s a Mad, Mad, Mad World, 1963) de Stanley Kramer, Jerry Lewis interpreta todos los miembros de una familia tronada en Las joyas de la familia (The Family Jewels, 1965), pero la magia de El profesor chiflado no se volvería a repetir jamás.

En el mismo año interpreta, con su amigo Tony Curtis, un film de carácter vodevilesco con exteriores en París, Boeing Boeing (Boeing Boeing, 1965) de John Rich, con un papel más formal de lo habitual. El inesperado éxito de crítica, más los ditirambos que recibió precisamente por haber abandonado a su personaje habitual, motivó un radical giro en su carrera convirtiéndose en un actor cada vez más serio y, a ratos lúgubre.
La primera de esta experiencia fue Tres en un sofá (Three on a Couch, 1966), realizada por el propio Lewis, y coprotagonizada por Janet Leigh, la esposa de Tony Curtis, que trataba del novio de una psiquiatra que seducía a tres pacientes de su amada, adoptando la personalidades de sus amados idealizados para curarlas de sus enfermedades psíquicas. La otra cara del gangster (The Big Mouth, 1967), en la misma línea, fue el último film interesante de su, por otra parte ejemplar, filmografía.
Ni Un chalado en órbita (Way Way Out, 1966) de Gordon Douglas; ni ¡Qué día tengo! (Don’t Raise the River, Lower the Bridge, 1968) de Jerry Paris; ni Pescador pescado (Hook, Line and Sinker, 1969) de George Marshall, especie de vuelta a sus orígenes, tenían interés. Al madurar Lewis había perdido ese aire encantador, ese feeling seductor de un personaje tan entrañable, tierno, sensible y completamente humano, aunque los críticos más allá del Atlántico pensaran lo contrario.
Obsesionado en compararse a Charlie Chaplin, Jerry Lewis comete el gravísimo error de rodar una película en la que él no aparecía como actor Una vez más (One More Time, 1970) con Peter Lawford y Sammy Davis jr, bastante insoportable e indigna de su valía. Al ser judío se creyó en la necesidad de parodiar a Hitler, como hiciera Chaplin con «El gran dictador«, pero el resultado ¿Dónde está el frente? (Which Way to the Front?, 1970) fue completamente tristón.

Más grave aún fue The Day the Clown Cried (1972) donde quiso demostrar que era un excelente actor dramático. Su personaje era un payaso judío que finalmente moría en la cámara de gas junto a unos niños de su misma raza. El público lo rechazó frontalmente y la película ni siquiera se ha estrenado.
Completamente hundido, estuvo siete años sin rodar nada, hasta dirigir y protagonizar «¡Dale fuerte Jerry!» (Hardly Working, 1979) donde era una sombra de sí mismo. Slapstick (Slapstick, 1982) de Steven Paul era una extraña coproducción con España; El loco mundo de Jerry (Smorgasbord,1982), de nuevo dirigida por el propio actor, no consiguió reverdecer antiguos laureles.
Queda su programa para televisión El Show de Jerry Lewis (The Jerry Lewis Show) en los setenta, donde reencontramos de nuevo aquel gran cómico que conocimos en la pantalla grande, así como un horrendo telefilm. Lucha por la vida (Fight For Life, 1987) de Elliot Silverstein donde intenta convencernos de que tiene una gran vena dramática, estrellándose estrepitosamente en tan lamentable intento.

Tras el fracaso comercial, aunque no artístico, de El rey de la comedia con un papel muy antipático, caricatura de sí mismo fuera del plató, el en otro tiempo popular cineasta rueda algún que otro papel secundario en films como Mi rebelde Cookie (Cookie, 1990) de Susan Edelman y un extraño pero interesante título El sueño de Arizona (Arizona Dream, 1993) de Emir Kusturica donde el juvenil Johnny Depp conseguía eclipsarle a él y a la mismísima Faye Dunaway juntos. En Los comediantes (Funny Bones, 1994) de Peter Chelson, dedicado al mundo de la farándula, Lewis tiene un hijo que no tiene éxito como clown. En 1996 vuelve a Broadway para encarnar al diablo en el musical Damn Yankees obteniendo un clamoroso triunfo.

Su último papel importante fue en Max Rose (2013) de Daniel Noah. Un drama con el que Jerry quiso cambiar de registro pero el resultado fue adverso en taquilla. Policias corruptos (The Trust, 2016) cierra su filmografía en un papel secundario en donde se ve ajado por su avanzada edad y finalmente silencio. Quedan sus films de antaño donde descubrimos un cineasta singular, profundo e incisivo, que supo desmenuzar las contradicciones de la opulenta sociedad americana, el matriarcado y el falso bienestar.

Jerry Lewis en su última película «Policías corruptos»

JERRY LEWIS,
ETERNO ADOLESCENTE

El actor Jerry Lewis ha muerto a los 91 años en su casa de Las Vegas. Lo ha confirmado Review Journal a través de su representante. El actor, protagonista de películas como El botones o El Profesor Chiflado deja siete hijos. Aunque no se han concretado las causas del fallecimiento, en junio el actor fue hospitalizado en Las Vegas por una infección del tracto urinario, lo último en un largo historial de problemas de salud, como el ataque al corazón del que se repuso en 2006.
Cuando a finales de los cuarenta apareció Jerry Lewis había nacido el cómico moderno. Si sus inmediatos antecesores (Red Skelton, Bob Hope y Danny Kaye, el mejor de los tres) perdían parte de su ingenio al traspasar las fronteras, ese joven de mirada tierna y voz chillona era en cambio un artista universal porque en cierto modo resucitaba el burlesco más clásico aunque adaptado a los nuevos tiempos.
Joseph Levitch, de religión judía, nació en Newark, Nueva York, el 16 de marzo de 1926. El futuro Jerry Lewis, su nombre artístico, era hijo de un cantante de cabaret y de una pianista de variedades.
Jerry Lewis se inició pronto en el mundo del espectáculo, a los cinco años cantaba en el coro «Castkills», a los diez organiza un espectáculo teatral con sus compañeros de colegio y a los diecisiete ya se había convertido en un auténtico profesional. En 1944 actuaba como cantante en las orquestas de Ted Florito y Jimmy Dorsey. Dos años después se junta con un cantante melódico de origen italiano, Dean Martin, iniciando una larga colaboración en cabarets, radio, televisión y finalmente cine.
Contratados por la Paramount, la pareja Dean Martin-Jerry Lewis, no tardó en eclipsar a Bud Abbott y Lou Costello de la Universal, entonces en declive, y también a la formada por Bing Crosby y Bob Hope en su misma productora.
Está claro que la capacidad histriónica de Lewis superaba con creces a sus antecesores. Pero tal como dijo Buster Keaton, un actor cómico no debe hacer el idiota, debe sorprender al público. El personaje de Jerry Lewis es imaginativo, soñador, pero no tan cretino como suele creerse. Mas bien resulta un lunático, como Stan Laurel, su ídolo, al que intentó ayudar desde que entró en el mundo del cine. Robinsones atómicos, último film del tandem se rodó dos años después del debut de la nueva pareja, fracasando estrepitosamente en taquilla. Tras la muerte de Oliver Hardy en 1957, Laurel se había convertido en un inválido, paralítico y diabético, hasta morir en 1965 completamente marginado de la industria hollywoodense. En esta situación, Jerry Lewis acudía regularmente a visitarle a su casa en Santa Mónica (costumbre también seguida por Dick Van Dyke, un astro de la televisión, cuando éste se trasladó a California) y le tendió una mano comprándole gags anónimos (nunca acreditados, tal vez para no perjudicarle la pensión de jubilación) para ayudarle a sobrevivir en tan dramáticas circunstancias.
La comparación no es ociosa. El personaje de Jerry Lewis, en cierto modo parece un hijo neurasténico de Stan Laurel, ambos son seres apocados que siempre se ven agredidos por el entorno hostil en que viven, un entorno que les niega la comprensión y que les desprecia. Sus respectivas parejas, tanto Oliver Hardy como Dean Martin son seres dominantes y a ratos innobles, que les maltratan y les explotan. Aunque debemos precisar que el personaje del primero es mucho más gracioso y menos antipático que el del segundo.

Tanto en My Friend Irma (1949) como en My Friend Irma Goes West (1950, ambas de George Marshall, títulos con los que se dieron a conocer, ya se establecía la relación dominante-dominado. Estas comedias modestas, de escaso presupuesto, fueron evolucionando hasta productos de factura más sólida y espectacular. Hal Walker era su director habitual: At War With the Army (1950); That’s My Boy (1951); ¡Vaya par de marinos! (Sailor Beware!, 1951). Curiosamente, ese realizador les hizo aparecer brevemente en un plano de Camino de Bali (Road to Bali, 1952), protagonizada por la pareja rival Bing Crosby y Bob Hope.
Actuando bajo la dirección de artesanos como Norman Taurog la pareja se fue afianzando poco a poco: Jumping Jacks (1952), The Stooge (1952); ¡Qué par de golfantes! (The Caddy, 1953); Viviendo su vida (Living it Up, 1954); y Un fresco en apuros (You’re Never Too Young, 1955), ésta ya en el más brillante technicolor al igual que Juntos ante el peligro (Pardners, 1956), una deliciosa parodia del western.
Se tratan de films cómicos-musicales, muy sencillos, muy simpáticos, donde Dean Martin actuaba como galán algo almibarado pero nada simpático. La pareja parecía no encajar bien, tal como habían hecho sus predecesores porque la personalidad de ambos era muy distinta, además fuera del plató, las relaciones entre ambos compañeros se iba deteriorando hasta desembocar en una profunda enemistad.
Una herencia de miedo (Scared Stiff, 1953) de George Marshall fue la clásica parodia de las películas de miedo con cameo de la pareja rival Bing Crosby y Bob Hope, más la bomba brasileña Carmen Miranda; El jinete loco (Money from Home, 1953), del mismo director, recordaba en cierto modo Un día en las carreras con los hermanos Marx y El rey del circo (1954) de Joseph Pevney estaba ambientado en el mundo del circo.
Las dos últimas cintas de la pareja fueron dirigidas por Frank Tashlin, uno de los mejores realizadores de la comedia cómica, que dio un empaque distinto al cine de Jerry Lewis. Esta vez, junto a un brillante technicolor, cada vez más chillón, se contaba con un sistema espectacular. Me refiero al llamado Vistavisión, con una extraordinaria calidad de imagen, ya que se utilizaba la cinta de 35 mm. en sentido horizontal, no vertical, con una mayor definición de grano al contar con un fotograma de tamaño doble al habitual.
Artistas y modelos (Artists and Models, 1955) y Loco por Anita (Hollywood or Bust, 1956) fueron los dos vehículos con los que Tashlin despidió el tandem Martin-Lewis. El primero basado en el mundo del comic, tenía un aliciente superior con la participación de Shirley McLaine en el papel de Mujer-gato, la enamorada del histriónico cómico, con quien emparejaba a la perfección. La escultural Anita Ekberg aparecía en ambas cintas, la segunda de las cuales estaba dedicada a la cinefilia, muy cara a Jerry, con unas cancioncitas donde se parodiaba con ironía las imágenes estereotipadas del ridículo erotismo yanqui.
Tras la separación, Dean Martin se convirtió en un excelente actor dramático y de comedia romántica. Recordemos, por encima de todo, su sheriff borracho de Río Bravo (Rio Bravo, 1958) de Howard Hawks, un espléndido western al lado de John Wayne.
Jerry Lewis, en solitario, no perdió ni un ápice de su originalidad. Recordemos los casos de Oliver Hardy en Zenobia o Groucho Marx en Copacabana, donde no alcanzaron el nivel habitual, aunque su colaboración no sea tan desdeñable como se ha escrito en demasía porque ni público ni crítica admitió la menor variación de su personaje habitual. Pero el histriónico Jerry tuvo mejor suerte, su popularidad aumentó sin el lastre de Dean Martin ya que éste, siendo buen actor, corría con un papel que no daba más de sí.

Continuará

UN VEHÍCULO BIEN CONSTRUIDO

ATOMICA. T.O.: Atomica Blonde. Año 2017. País:Estados Unidos. Director: David Leitch. Reparto: Charlize Theron, James McAvoy, Sofia Boutella, John Goodman, Eddie Marsan, Toby Jones, Bill Skarsgård, Roland Møller, Attila Árpa, Sam Hargrave, Jóhannes Haukur Jóhannesson. Guion: Kurt Johnstad (Novela gráfica: Antony Johnston). Música: Tyler Bates. Fotografía: Jonathan Sela. Focus Features / 87Eleven / Closed on Mondays Entertainment / Denver and Delilah Productions / Sierra / Affinity. Duración: 115 minutos.
Año 1989, el muro de Berlín está a punto de caer. La espía Lorraine Broughton (Charlize Theron) tiene un caso complicado. Yo no entiendo porque en la prensa se habla de cambiarle el sexo a James Bond para que lo interprete una mujer cuando tenemos a la mentada espía que a mamporros no le gana nadie y encima se acuesta con otras mujeres.
En serio. Esta película, de la que no esperaba nada ha supuesto una  sorpresa agradable. Al estar producida, entre otros, por la propia Charliza Theron ya me temía el clásico film vehículo. Es decir, esa clase rodada para lucimiento de un actor o actriz que se pasa todo el metraje con su insultante egocentrismo pero la rubia no tiene un pelo de tonta y siempre cuida sus productos con inteligencia y profesionalidad.

La ambientación en una época concreta es perfecta, la caída del Muro de Berlín, la muerte del comunismo que fue vitoreada por muchos y llorado por otros, una maraña de agentes dobles y traidores,mercenarios sin escrúpulos. Charlize se mueve como pez en el agua, las escenas de lucha son perfectas, muy bien coreografiadas. Nada que envidiar al primer Bond.
El guión es algo confuso y llega a despistar. Un MacGuffin olvidable. Nadie recordará la motivación de esta intriga, sí las peleas de la espía que es toda una atleta. Una sorpresa agradable de ver y tal vez origen de una nueva saga.

LOS DOCUMENTALES
DE FRANK CAPRA

El teniente coronel Frank Capra y el comandante John Ford.

Reprendemos aquí esta serie de escritos del antiguo Diario de Cine dedicados al cine de propaganda política. Utilizamos un punto de vista neutral e intentamos ser lo más objetivos posible. Yo no me dedico a la política,sino  al cine y me refiero únicamente a la influencia de aquella en esta para bien o para mal.
Para empezar podríamos referirnos a los documentales Why We Fight (¿Porqué luchamos?) que Capra rodó junto al también director Anatole Litvak, narrada por el actor Walter Huston y con la participación de Robert Flaherty como cámara.
La lista de documentales de estaserie es la que sigue:
Prelude to War (Preludio de guerra) (1942) (51:35): examina las diferencias entre las democracias y los estados fascistas y relata la conquista japonesa de Manchuria y la conquista italiana de Etiopía.
The Nazis Strike (Los nazis atacan) (1943) (40:20): trata de la anexión de Austria y de las conquistas estratégicas de Checoslovaquia y Polonia.
Divide and Conquer (Dividir y conquistar) (1943) (56:00): sobre la campaña del Benelux y de la caída de Francia.
The Battle of Britain (La batalla de Inglaterra) (1943) (51:30): sobre la victoria de la Royal Air Force contra la Luftwaffe.
The Battle of Russia (La batalla de Rusia) (1943) (76:07): muestra a los rusos defendiendo Rusia de los alemanes.
The Battle of China (La batalla de China) (1944) (62:16): trata sobre la agresión japonesa en la masacre de Nankín y los esfuerzos chinos para la construcción de la carretera de Burma y la batalla de Changsha.
War Comes to America (La guerra llega a Estados Unidos) (1945) (64:20): muestra cómo las agresiones del eje hicieron cambiar de opinión de los estadounidenses contra el aislacionismo.

De estos documentales por el Office of War Information (Oficina de Información de Guerra) de Estados Unidos sólo he visto dos y resulta instructivo revisarlos en la actualidad.
Prelude to War (Preludio de guerra), por ejemplo, nos cuentan las pretensiones expansionistas de las fuerzas del eje Berlín-Roma-Japón. Por ejemplo el Duce Mussolini deseaba recuperar  el antiguo Imperio Romano incluyendo la antigua Hispania (entonces la España de Franco, por cierto ¿qué hubieran hecho con el dictador al que ninguneaban?), un detalle del que nunca se habla por cierto.
The Battle of Russia (La batalla de Rusia) tiene más mordiente. En primer lugar los soviéticos fueron los principales adversarios de los estadounidenses durante la llamada Guerra Fría pero en aquella época fueron sus forzados aliados de los que tenían que hablar bien.
Hollywood, al contrario de la Unión Soviética, sabía hacer como nadie las películas de propaganda política porque supieron vender como nadie su proyecto político. Soviéticos, franquistas y republicanos españoles, nazis, comunistas cubanos por ejemplo eran muy  latosos en sus arengas invitando  involuntariamente a huir de sus modos de vida. Los yanquis, al menos en ese campo fueron los más listos.
Así nos encontramos con notas de humor «Adolf Hitler nunca leyó Guerra y Paz de León Tolstói«. Efectivamente Stalin copió las tácticas militares del mariscal Mijaíl Kutúzov. Quemar la tierra y esperar a que el enemigo muriera de hambre.
Capra nos muestra una Rusia insólita. Gente que celebra la Navidad y llena las iglesias, que rezaban para ganar la Guerra Sagrada o Gran Guerra Patria (como llamaban su participación en la Segunda Guerra Mundial) porque su país fue invadido y todos los rusos se pusieron en pie, unidos en la lucha que costó la vida a 27 millones de personas entre civiles y militares.
En otras palabras Capra muestra un país de gente amable, patriota y agradable, razón por la cual el documental desapareció durante la guerra fría porque entonces fue oportuno ofrecer una imagen negativa de los soviéticos.
Gran documental sin duda cuya revisión recomiendo porque siempre es positivo conocer nuestra historia porque así sabemos de dónde venimos y a dónde vamos

Frank Capra (derecha) con John Huston (segundo de la izquierda)