UN MORLACO MUY ESPECIAL

La película que vamos a tratar tiene dos precedentes, una novela y un famoso corto de Walt Disney prohibidos por la censura franquista y por regímenes autoritarios como la alemania Nazi. El Cuento de Ferdinando (1936) es la obra más conocida escrita por el autor estadounidense Munro Leaf e ilustrado por Robert Lawson. Es un libro para niños que cuenta la historia de un toro que prefiere oler las flores en lugar de luchar en las corridas de toros. Se sienta en el medio de la plaza de toros y no le presta atención ni le da importancia a cualquiera de las provocaciones del matador y los otros para luchar.

EL TORO FERDINANDO. Título original: Ferdinand the Bull. Año: 1938. País: Estados Unidos. Dirección: Dick Richard. Guion: Munro Leaf, Robert Lawson (Cuento: Munro Leaf). Música: Albert Hay Malotte. Walt Disney Productions / RKO Radio Pictures. Duración: 8 minutos.

La novela  de  Munro Leaf  se publicó nueve meses antes del estallido de la Guerra Civil española siendo inmediatamente prohibido en varios países. El líder de la India Mahatma Gandhi lo llamó su libro favorito.
El cuento interesó al propio Walt Disney que lo produjo en forma de corto en 1938 obteniendo el apreciado Oscar al mejor corto de animación que no le  libró de la implacable censura franquista.
Vista  actualmente el  cuento conserva toda su gracia aunque contiene errores de ambientación al sacar gente  con sombrero mexicano que en España no se usa salvo en carnavales. Un despiste muy típico del cine gringo que no sabe distingir entre ambas naciones.

Pero la  verdad es que el corto es genial con grandes golpes de efecto y se puede aceptar  fuera de su ideología política. Sus autores no tenían grandes pretensiones con sus creaciones pero  las circunstancias se impusieron y les arrastró en la polémica. No era época  para el  pacifismo cuando Europa y sobretodo España estaba siendo arrasada por el fascismo más cruel que en aquella época puso fin a la vida de millones de personas.

FERDINAND. Año: 2017. País: Estados Unidos. Dirección: Carlos Saldanha. Guion: Robert L. Baird, Tim Federle, Brad Copeland (Historia: Ron Burch, David Kidd, Don Rhymer. Cuento: Munro Leaf). Música: John Powell. Fotografía: Animation, Renato Falcão. Blue Sky Studios / 20th Century Fox Animation / Davis Entertainment. Distribuida por 20th Century-Fox Film Corporation. Duración: 106 minutos.

Han pasado los años y han cambiado las circunstancias. Ya no tenemos la sombra de crueles dictadores amenazándonos aunque el peligro de dictaduras no ha desaparecido ni mucho menos.
En la época del buenismo, el animalismo y el pacifismo el cuento de Ferdinando resucita y la Fox pone en marcha un largometraje  muy bien intencionado.

El estreno de esta cinta no está exento de polémica cuando está vigente el debate antitaurino. Antitaurino quiere decir contrario a las corridas de toros y los encierros. No se refieren contrariedad contra la especie animal. Las corridas en efecto son crueles y de pésimo gusto. Sin embargo hay que saber matizar. La desaparición de las corridas supondría la  muerte del toro de lidia porque desaparecerían las ganaderías que los crían. Es un punto en el que nadie piensa.
La película pretende ser simpática,  no ofender a nadie y busca divertir y emocionar al público. Todo está bien resuelto aunque su desarrollo no es excepcional. Le  falta la chispa que en su día supo insuflar el gran Walt Disney.
Por  eso es un film que se ve sin esfuerzo, que se disfruta y lo pasas bien aunque todo te suene a ya visto. Es una película para niños con muy poca lógica, sin ninguna coherencia argumental pero que no te molesta en absoluto.
Algunos críticos taurinos han estallado en cólera por este filme, pero creo que le dan demasiada importancia. Es un entretenimiento más o menos saludable que se ve sin esfuerzo y que te divierte. Nada más.

EL TELÓN DE ACERO

GORRIÓN ROJO. Título original: Red Sparrow. Año : 2018. País: Estados Unidos. Dirección: Francis Lawrence. Reparto: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O’Neill, Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds, Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge, Bill Camp, Sebastian Hülk, Ingeborga Dapkunaite, Sasha Frolova, Chris O’Hara, Judit Rezes, Hugh Quarshie, Karen Gagnon. Guion: Justin Haythe (Novela: Jason Matthews). Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Chernin Entertainment / Film Rites / Soundtrack New York. Distribuida por 20th Century Fox Film Corporation. Duración: 139 minutos.

El cine de espías siempre ha proporcionado un alto rendimiento en Hollywood y a la industria del cine en general.
La presente cinta tiene un cierto recuerdo de Atómica  con la gran Charlize Theron pero su desarrollo es lejano.No se recurre aquí a la abracadabrante acción ni a la violentas peleas para mantenerte en tensión sino a una trama muy bien elaborada.
Molesta tal vez el clasico chovinismo gringo mostrando la todopoderosa CIA como si fueran hermanitas de la caridad cuando todos sabemos que realmente no es así. La CIA ha sido muy dañina para el mundo y muchos problemas han sido creados por  los poco  valientes americanos pero Hollywood es gringo y sabemos que defiende sus intereses.
La trama central se recrea en una bailarina rusa que por accidente queda lesionada y pierde su empleo. Se vé obligada a cambiar de oficio convirtiéndose en una peligrosa agente.

Jennifer Lawrence está espléndida en el personaje central aunque deba exhibir su bella anatomía. Las espías carecen de escrúpulos ni tienen sentimientos. Son gente de corazón duro sin remordimientos algunos.
La trama está bien llevada. Muestra un mundo corrupto de dobles agentes y políticos corruptos. Un mundo donde todo lo manda el dinero y la ambición pecunaria. Gente de alma muerta, violenta y desagradable  capaces de cualquier villanía para conseguir sus fines.
La cinta es mejor de lo esperado y convence al público funcionando perfectamente en taquilla y creando un nuevo clásico del cine de espías.

DOS FILMS MEXICANOS

LA ESCONDIDA. Año: 1956. País: México. Dirección: Roberto Gavaldón. Reparto: María Félix (Gabriela), Pedro Armendáriz (Felipe Rojano), Andrés Soler (General Nemesio Garza), Arturo Martínez (Don Cosme), Domingo Soler (Tata Agustino Rojano), Jorge Martínez de Hoyos (Máximo Tepal), Carlos Agostí (Coronel Octavio Montero), Sara Guasch (Hortensia), Miguel Manzano (Don Chente), Carlos Riquelme (Doctor Herrerías), Eduardo Alcaraz (Señor Ariza), Rafael Alcayde (Amo de hacienda). Guion: Roberto Gavaldón, Gunther Gerszo, Miguel N. Lira, José Revueltas. Música: Raúl Lavista, Cuco Sánchez. Fotografía: Gabriel Figueroa. Alfa Film. Duración: 100 minutos.

La Revolución Mexicana es un tema de lo  más recurrente de la cinematografía azteca porque forma parte de su historia en primer lugar. Es el western de México. Su épica. Su gloria. Es el acontecimiento que ha propiciado al país actual mostrado siempre de forma eufórica y dicharachera. Todo lo contrario de la Guerra Civil española que siempre  es mostrado de forma triste y desesperada.
Naturalmente los mexicanos ganaron su guerra y los españoles tuvimos un final adverso. Por eso ambas epopeyas presentan una visión distinta  en sus películas.
El título hace referencia a la condición del personaje de María Félix. La escondida significa, según la  terminología mexicana,  que es la amante de un hombre importante con quien no se ha casado pero que  lleva una vida marital oculta.
La protagonista es mantenida por un general del gobierno ya muy mayor pero ama al líder revolucionario. El melodrama está pues servido.
El guión no es ninguna maravilla. El desenlace es flojo y a la realización le falta fuerza. Los dos actores principales salvan la función sin esfuerzo. Eran dos divos imprescindibles en la época que sabían dominar la pantalla. Con un guión más  sólido hubieran conseguido mejores resultados.
La  época aquí tratada es la Revolución de  1910 cuando Francisco I. Madero inició la revuelta triunfante siendo elegido Presidente de Gobierno. Algo más de un año fue traicionado y asesinado como resultado del golpe de estado (la llamada Decena Trágica) dirigido por Victoriano Huerta.
Una época confusa en donde los personajes centrales dan bandazos viendose arrastrados por los acontecimientos.

LA CUCARACHA. Año: 1959. País: México. Director: Ismael Rodríguez. Reparto: María Félix (La cucaracha), Dolores del Rio (Isabel), Emilio Fernández (Coronel Antonio Zeta), Antonio Aguilar (Capitán Ventura), Flor Silvestre (Lola), Ignacio López Tarso (Trinidad), Cuco Sánchez (Soldado cantante), Irma Torres (Soldadera), Miguel Manzano (Don Gabriel Puente), Lupe Carriles (La trompeta), Humberto Almazán (Soldado), Alicia del Lago (Soldadera embarazada), Emma Roldán (Comadrona), Tito Novaro (Jacobo Méndez). Guion: José Bolaños, Ricardo Garibay, Ismael Rodríguez. Música: Raúl Lavista. Fotografía: Gabriel Figueroa. Películas Rodríguez. Duración: 97 minutos.

La cucaracha es una canción folclórica tradicional cuya tonada es de origen español, que posteriormente fue popularizada en México durante la revolución mexicana con letras autóctonas.

Esta película presenta como novedad un duelo interpretativo entre las dos grandes divas del cine mexicano. La gran Dolores del Río y María Félix gracias a una iniciativa de esta última.
Divas en el buen sentido de la palabra porque es una palabra muy desprestigiada por cierta clase de actores envanecidos que maltratan a los profesionales que trabajan con ellos.
María Félix tiene una larga leyenda negra al respecto y no vamos aquí aclarar nada. Nos interesa su trabajo como actriz y su personaje cinematográfico.
Pocas actrices han sido capaces de crear  esta imagen de mujer fuerte como María Félix que entonces estaba en su mejor momento tras su gira europea.
Dolores del Río era un personaje distinto. Una mujer más femenina y dulce aunque fuerte de carácter. En La cucaracha tiene tal vez el mejor papel  de la película. Isabel, la mujer de un maestro de escuela que es obligado a luchar por la revolución falleciendo y dejándola viuda.
Su personaje a lo largo de la cinta evoluciona. De una esposa convencional pasa a convertirse en una viuda asustada, desconsolada, que se hunde en la desesperación hasta acabar como una  enérgica soldadera que luchan al lado de su nuevo hombre. «Si la Revolución te ha quitado a tu hombre, la Revolución te dará otro.»
La Cucaracha es una mujer muy María Félix,  viste como hombre y es mal hablada con su voz ronca. De mujer fuerte se convierte en madre soltera que con su bebé sigue a los revolucionarios.
Además tenemos como protagonista a Emilio Fernández, el jefe revolucionario, muy poco simpático al principio pero que se va humanizando. Son los tiempos de Pancho Villa, de la lucha dura y de los grandes sacrificios.
La  épica revolucionaria se impone. Eran tiempos de grandes hombres y grandes mujeres. La Revolución fue dura, fue violenta, pero mejoró la vida de su pueblo. Los mexicanos al  menos lo intentaron.

LA LEYENDA MÁS  MEXICANA

LA LLORONA. Año: 1960. País: México. Director: René Cardona. Reparto: María Elena Marqués (Luisa del Carmen / La Llorona / Carmen Asiul), Eduardo Fajardo (Don Nuño de Montes Claros), Luz María Aguilar (Margarita Montes), Carlos López Moctezuma (Don Gerardo Montes), Mauricio Garcés (Felipe Arnáiz), Marina Banquells (Jorgito), Juan José Martínez Casado (Tristán), Emma Roldán (María), Francisco Pando (Fraile), David Reynoso (Juez), Erna Martha Bauman (Doña Ana). Guion: Adolfo Torres Portillo (Obra: Carmen Toscano). Música: Luis Mendoza López. Fotografía: Jack Draper. Producciones Bueno. Duración: 75 minutos.

La Llorona es un espectro del folclore latinoamericano que, según la tradición oral, se presenta como el alma en pena de una mujer que asesinó o perdió a sus hijos, busca a estos en vano y asusta con su sobrecogedor llanto a quienes la ven u oyen.

Hay varias versiones de la Llorona en los estudios mexicanos. La Llorona (1933), La herencia de la Llorona (1947), La Llorona (1960), La maldición de la Llorona (1961),  La venganza de la Llorona (1974), Las Lloronas (2004), Kilómetro 31 (2005), Haunted from Within (2005), The Wailer (2006), su secuela The Wailer 2 (2007) y su precuela The Wailer 3 (2012), J-ok’el (2007), The Cry (2007), La leyenda de la Llorona (2011), La Llorona (2019).
Generalmente son cintas modestas, como la presente, carentes de la  menor pretensión y que podríamos considerar simpáticas  porque están realizadas con profesionalidad y no resultan desagradables en ningún momento.
La acción se cuenta en dos épocas. La moderna y el pasado colonial español, en la época de la Nueva España en donde nos encontramos a un joven Eduardo Fajardo, uno de nuestros mejores actores, como un noble engreído que engaña a una humilde mestiza a la que convierte en su amante y a la que luego abandona al contraer matrimonio con otra noble española.
La  trama está perfectamente urdida aunque suene a serial radiofónico en algunas ocasiones. María Elena Marqués (Ciudad de México, 14 de diciembre de 1926-ibídem, 11 de noviembre del 2008) está sublime como  la Llorona, el personaje central. Actriz y cantante que actuó en Hollywood al lado de Clark Gable en Más allá del Missouri (1951) haciendo, cómo  no, de india.
Rodada en blanco y negro, las mejores secuencias nos trasladan al pasado colonial.  Esas callejuelas estrechas por la que deambula el personaje central, la secuencia del baile de  los indígenas a su alrededor y finalmente el misterio y el horror aunque en este sentido sea suave, muy poco por no decir nada sangrienta.
Una cinta que se ve con agrado. No molesta y en la lejanía del tiempo resulta agradecida.

María Elena Marqués arriba con Clark Gable en Más allá del Missouri (1951) y abajo con Pedro Armendáriz en La perla  (1947) de Emilio Fernández.
La Llorona (2019) es una película dirigida por Michael Chaves con Linda Cardellini, Patricia Velasquez, Raymond Cruz, Sean Patrick Thomas. La última versión de la leyenda que nos ocupa.

SEGUNDAS PARTES
PUEDEN SER BUENAS

MAMMA MIA: UNA Y OTRA VEZ. Título original: Mamma Mia: Here We Go Again. Año: 2018. País: Reino Unido. Dirección: Ol Parker. Reparto: Amanda Seyfried (Sophie), Lily James (joven Donna), Cher (Ruby Sheridan), Meryl Streep (Donna), Celia Imrie (Vice Chancellor), Andy Garcia (Fernando Cienfuegos), Alexa Davies (joven Rosie), Jessica Keenan Wynn (joven Tanya), Dominic Cooper (Sky), Julie Walters (Rosie), Christine Baranski (Tanya), Hugh Skinner (joven Harry), Pierce Brosnan (Sam), Omid Djalili (Oficial griego), Josh Dylan (joven Bill), Gerard Monaco (Alexio), Anna Antoniades (Apollonia), Jeremy Irvine (joven Sam), Panos Mouzourakis (Lazaros), Maria Vacratsis (Sofia), Naoko Mori (Yumiko), Togo Igawa (Mr. Tatyama), Colin Firth (Harry), Anastasia Hille (Dr. Inge Horvath), Stellan Skarsgård (Bill / Kurt), Jonathan Goldsmith (hermano de Cinefuegos), Susanne Barklund (Alma). Guion: Ol Parker. Fotografía: Robert D. Yeoman. Universal Pictures / Legendary Pictures. Duración: 108 minutos. Musical. Comedia. Romance. Secuela. Precuela

Mamma Mia! (2008) es la versión en cine del musical de teatro dirigido por Lloyd y escrito por Benny Andersson y Björn Ulvaeus. Uno de los mayores éxitos comerciales de hace diez años y en la actualidad se ha convertido en un clásico del género al que pertenece.
El musical fue creado una década antes por Catherine Johnson para las tablas del teatro. Tanto la película como el musical están basados en canciones del famoso grupo sueco ABBA disueltos en 1982.
Como los éxitos llaman a rodar secuelas, diez años después nos llega Mamma Mia! Una y otra vez (2018) que ha vuelto a triunfar en las salas aunque sea algo diferente al film precedente con el cambio de protagonista que fallece antes de empezar pero que realiza al final una aparición simbólica.
La trama se divide en dos historias. La vida actual de la hija (Amanda Seyfried) y la juventud de la finada madre Donna que aparece bajo lo rasgos de Lily James.
El conjunto es agradable de ver aunque no sea un espectáculo original, tiene ese aire de ya visto pero aún así no molesta en absoluto. Los números musicales están bien conseguidos y alegran la vida con su buen humor y sus ganas de vivir.
La trama gira alrededor de la búsqueda del paraíso perdido que la protagonista inglesa encuentra en una isla griega en la que construye un hotel turístico y tiene amoríos con tres guapos galanes. Se sabe que quedó embarazada pero no se sabe de quién. En fin, misterio.

ABBA solía aparecer en escena con unos trajes extravagantes y llamativos pero su música triunfó y todavía suena en discotecas y salas de fiestas. Las dos películas saben reflejar este sentimiento de luz y de color ambientado en una isla pintoresca aunque casi todo el metraje se ha rodado en los famosos estudios Pinewood situados en Iver Heath, Buckinghamshire (Reino Unido).
El juego de actores es perfecto contando con el añadido de Cher como madre de Donna, una actriz poco pródiga en los  últimos años. La cinta puede dividirse en dos apartados. Por un lado las llamadas viejas glorias, veteranos de rostro popular que se han apartado paulatinamente de las pantallas y los nuevos entre los que destaca la siempre sonriente Lily James. Todos ellos brillan a gran altura gracias a una realización esmerada donde prevalece el buen gusto.
Un buen espectáculo que aprovecha un éxito anterior pero no molesta mucho dicha circunstancia.

Los verdaderos ABBA. Anni-Frid Lyngstad, Benny Andersson, Agnetha Fältskog y Björn Ulvaeus

LA ÚLTIMA ROMANOV

Anastasia Romanov

La gran duquesa Anastasia Nikoláyevna Románova; nacida el 18 de junio de 1901 (5 de junio según el calendario juliano), muerta el 17 de julio de 1918. Fue la hija más joven del emperador Nicolás II, el último zar de la Rusia Imperial, y de su esposa Alejandra Fiódorovna. Anastasia fue la hermana menor de la gran duquesa Olga, la gran duquesa Tatiana y la gran duquesa María, y la hermana mayor de Alekséi Nikoláyevich Románov, zarévich de Rusia. Fue asesinada junto al resto de su familia el 17 de julio de 1918 por fuerzas de la policía secreta bolchevique. La leyenda de que Anastasia había sobrevivido a la Revolución Rusa estuvo vigente durante todo el siglo XX y muchas impostoras afirmaron ser la princesa. La más famosa de ellas fue Anna Anderson, pero a pesar del apoyo que le prestaron muchas personas que habían conocido a Anastasia, las pruebas de ADN de Anderson en su pañuelo y pelo revelaron que no tenía ningún parentesco con la gran duquesa Wikipedia

El asesinato de la familia Imperial Rusa tras la revolución de octubre ha hecho correr mucha tinta. El zar fue derrocado por la Revolución de febrero en 1917, pero su situación  empeoró en octubre tras la toma del Palacio de Invierno  por los bolcheviques y el inicio de la famosa Revolución comunista.
Muy pronto el cine se ocupó del desdichado evento: The Fall of the Romanoffs (1917). Un año después la familia imperial fue asesinada al completo, una tragedia portadora de gran polémica porque fue utilizada como propaganda contra el nuevo sistema político.
Así, la Metro produjo Rasputin y la zarina (1932) con los famosos hermanos Barrymore al completo (John, Lionel y Ethel). La trama se centra con el episodio de Rasputín, un  monje loco que envenó la familia imperial provocando su perdición.
En 1971 Franklin J. Schaffner rueda en España, Nicolás y Alejandra (1971), que muestra con mayores detalles la caída de los Romanov y posterior muerte.

En ambas cintas el papel de Anastasia es residual. Fiona Fullerton la interpreta en la versión de Schaffner y Anne Shirley (sin acreditar) en la de los Barrymore. Su personaje no tiene peso en la acción pero no es más que un papel muy secundario.

En 1956 se estrenaron dos películas centradas ya en el caso de Anna Anderson, una mujer que aseguraba ser la princesa Anastasia que sobrevivió al fusilamiento. El tiempo ha demostrado que era una impostora que buscaba hacerse con la herencia  de los Romanov pero su caso provocó mucha polémica y dos películas  rodadas en este año.

Anastasia. La última hija del Zar de Falk Harnack con Lili Palmer se rodó en blanco y negro. No he vuelto a ver la cinta desde su estreno y la recuerdo vagamente. Una producción modesta y agradable de ver.

Anastasia de Anatole Litvak con Ingrid Bergman machacó las taquillas con su glamour hollywoodense. Uno de los grandes éxitos de la actriz sueca en los estudios ingleses de la Metro, Francia y Dinamarca. La Academia le entregó el Oscar a la mejor actriz aunque no he vuelto a ver este título desdibujado en mi cerebro.

Anastasia (1997) de Don Bluth y Gary Goldman es un  film musical y animado sobre la historia que nos ocupa. Poco o nada que ver con la realidad. Es una película eso sí simpática y divertida pero a estas alturas poca gente puede interesarse por el tema por lo que queda un espectáculo familiar agradable. Nada más.

Anastasia (2018) de Blake Harris es la última aportación al tema con Emily Carey,  la Diana adolescente de Wonder Woman. No sabemos nada de esta cinta aún no estrenada pero muy pocas ilusiones nos hacemos.
Cuando el misterio se ha desvelado ¿porqué insistir filmando nuevas versiones de la historia? En fin, los productores sabrán lo que hacen.

LA PELI DEL VERANO

ANT-MAN Y LA AVISPA. Título original: Ant-Man and the Wasp. País: Estados Unidos. Año: 2018. Director: Peyton Reed. Reparto: Paul Rudd (Scott Lang / Ant-Man), Evangeline Lilly (Hope Van Dyne / Wasp), Michael Douglas (Dr. Hank Pym), Michelle Pfeiffer (Janet Van Dyne / Wasp), Michael Peña (Luis), Walton Goggins (Sonny Burch). Bobby Cannavale (Paxton), Judy Greer (Maggie). David Dastmalchian (Kurt). Hannah John-Kamen (Ava /Ghost). Abby Ryder Fortson (Cassie). Randall Park (Jimmy Woo). Laurence Fishburne (Dr. Bill Foster). Stan Lee (Shrunken Car Man). Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Paul Rudd, Chris McKenna, Erik Sommers. Música: Christophe Beck. Fotografía: Dante Spinotti. Marvel Studios. 118 minutos.

Una de las más refrescantes películas del verano, secuela de Ant-Man (2015), y una cinta carente de pretensiones salvo la de divertir a un público poco exigente.
Nos encontramos a los resucitados Michael Douglas y Michelle Pfeiffer como padres de Evangeline Lilly, la elfa de El Hobbit, unos secundarios graciosos y perfectos efectos especiales. Todo un cocktail que sabe entretener sin complicarte demasiado la vida.
Los superhéroes de Marvel tienen fama de locos y en verdad este filme es eso.   Una diversión alocada y extravagante.Buscar mensajes es buscar peras al olmo. Todo es obvio y sencillo destinado a un público quinceañero y dominguero. La película que se disfruta comiendo palomitas y bebiendo un agradable refresco.
Todo tiene su gracia.  No te aburre ni un sólo segundo y está producido con total profesionalidad. Un final abierto deja posibilidades de continuación tanto en aventuras solitarias o aventuras con los vengadores en cuya cofradía militan estos superhéroes.
La trama gira alrededor de dos superhéroes, uno es Ant-Man y otra es la Avispa (Wasp en inglés). Se nos cuenta de que en el pasado hubo otra pareja con los mismos apodos, los padres de la actual Avispa, que tienen la facultadad de encogerse y de entenderse con los insectos más diminutos como los hormigas.
Eso da pie a unos interesantes efectos visuales con imágenes a escala. Ant-Man y la Avispa  pueden encogerse hasta el tamaño de un insecto disfrutando de su colosal fuerza. Eso les convierte en invencibles. La acción no decae en ningún segundo y todo funciona a un ritmo endiablado que no da lugar al respiro.
A veces la cinta es excesiva, como todo el cine actual, pero ya se sabe lo que vamos a ver. Espectáculo  y diversión. Todo lo demás sobra.