LA REINA DEL CLAQUÉ

Eleanor Powell (Springfield, Massachusetts, 21 de noviembre de 1912 – Los Ángeles, 11 de febrero de 1982), fue bailarina y actriz estadounidense, la reina indiscutible del claqué en los años treinta con las famosas Melodías de Broadway que  obtuvieron un impresionante éxito. Como cantante fue doblada con otra voz al igual de Rita Hayworth y Cyd Charisse con las que forma el trío más importante del baile femenino como Gene Kelly y Fred Astaire lo fueron en el masculino.
Su nombre completo fue Eleanor Torrey Powell. A los seis años empezó a aprender danza clásica, pero ya desde muy pequeña se sintió atraída por el claqué, siendo contratada por el empresario de vodevil Gus Edwards. Poco después se trasladó a Nueva York en donde alcanzaría el estrellato en las míticas tablas de Broadway. En cine debutó con pequeñas apariciones en Par de seises (1930) y Escándalos de 1935 (1935).
Eleanor fue contratada por la Metro Goldwyn Mayer en donde debutó cmo protagonista en Melodías de Broadway 1936 (1935) al lado de Robert Taylor, Una Merkel, la cantante Frances Langford y la pareja de baile Buddy Ebsen y su hermana Vilma que al casarse abandonó el mundo del espectáculo.
Es impresionante éxito de este musical motivó el rodaje de dos secuelas más, Melodías de Broadway 1938 (1937) y La nueva melodía de Broadway (1940) en donde fue emparejada con Fred Astaire, por fin un bailarín que estaba a su altura.  Estas cintas en blanco y negro son auténticas joyas aunque fueron opacadas por las películas posteriores de la Metro en Technicolor, pero los bailes de Eleanor son antológicos y sobresalen por su brillantez. La Metro anunció una nueva producción con Gene Kelly y Eleanor Powell de pareja a todo color pero el proyecto fue cancelado.
Estos filmes musicales de Hollywood en las secuencias musicales brillan a gran altura pero la parte de comedia suelen ser de menor valía. Eso es lo que motiva los prejuicios de ciertos espectadores a este género capaz de lo mejor y de lo peor.

Sí las escena de comedias son normales y cumplen con su condición de entretener, las escenas musicales son pura magia. En las dos primeras el galán es el afamado Robert Taylor, pero tienen excelentes aportaciones de Buddy Ebsen en la primera al lado de su hermana y en la segunda acompañado de una jovencísima Judy Garland que canta una canción dedicada a Clark Gable.
Si Eleanor no tenía una pareja a su altura, en la tercera fue emparejada con el gran Fred Astaire cuyo número Begin the beguine con música de Cole Porter es todo antológico.
Ninguna escena de baile tiene mayor nivel, tuvimos que esperar a la década siguiente a manos de directores de gran valía  que trabajaban en la Metro consiguiendo la Edad de Oro del cine musical de Hollywood.

Nacida para la danza (1936)  fue una comedia en la que compartió cartel con el gran James Stewart, repitiendo de nuevo con Buddy Ebsen, secundario de lujo con gran éxito que de mayor triunfó con dos series de televisión, Los nuevos ricos y Barnaby Jones.
Rosalie (1937), Honolulu (1939), Ship Ahoy (1942) continúa su breve carrera que terminó con su boda con el incipiente actor Glenn Ford. Cuando el matrimonio se acabó la demanda de divorcio la llevó a la ruina. Noche sin estrellas (1944) fue su última película como protagonista.
Finalmente podemos destacar un par de cintas. Una es Lady Be Good (1941) en la que trabajó con el legendario Busby Berkeley donde destaca un número curioso con un perro. I Doot It (1943) contó con la dirección de Vincente Minelli. Se trata de un remake de El comparsa de Buster Keaton pero las escenas de comedia están muy lejos del original. pero los números musicales son toda una maravilla.

Finalmente queda reseñar un par de cameos en Technicolor, una es Desfile de estrellas (1943) del gran George Sídney, un film de propaganda con Gene Kelly rodado para apoyar a las tropas estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial. Un producto propio de una época concreta que se ve con simpatía.
No olvidemos en documental Hollywood Victtory Caravan – A Star Spangled Show sobre un espectáculo itinerante que varias estrellas del Séptimo Arte interpretaron en teatros de todos los Estados Unidos junto a Groucho Marx, Stan Laurel y Oliver Hardy para recaudar fondos para los ejércitos de su país.

(Sentados) Oliver Hardy, Joan Blondell, Charlotte Greenwood, Charles Boyer, Risë Stevens, Desi Arnaz, Frank McHugh, Matt Brooks, James Cagney, Pat O’Brien, Juanita Stark, Alma Carroll; (de pie) Merle Oberon, Eleanor Powell, Arleen Whelan, Marie McDonald, Fay McKenzie, Katharine Booth, Eleanor Roosevelt, Frances Gifford, Frances Langford, Elyse Knox, Cary Grant, Claudette Colbert, Bob Hope, Ray Middleton, Joan Bennett, Bert Lahr, director Mark Sandrich, Jack Rose, Stan Laurel, Jerry Colonna y Groucho Marx.

Su carrera en cine se cierra con una colaboración especial en Serenata en el Valle del Sol (1950) a mayor gloria de Esther Williams, un filme en brillante Technicolor. Queda su aportación televisiva, The Faith of Our Children (1953).

REINICIO DE UNA SAGA

EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS. Título original: Kingdom of the Planet of the Apes. Año: 2024. País: Estados Unidos. Dirección: Wes Ball. Intérpretes: Owen Teague (Noa), Kevin Durand (Proximus Caesar), Freya Allan (Mae/Nova), William H. Macy (Trevathan), Dichen Lachman (Korina), Peter Macon (Raka, un orangután), Lydia Peckham (Soona),Travis Jeffery (Anaya), Sara Wiseman (Dar), Neil Sandilands (Koro), Eka Darville (Sylva), Ras-Samuel (Lightning, Karin Konoval (Maurice). Guion: Josh Friedman. Personajes: Rick Jaffa, Amanda Silver. Novela: Pierre Boulle. Música: John Paesano. Fotografía: Gyula Pados. 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, TSG Entertainment, Jason T. Reed Productions. Distribuidora: Walt Disney Pictures. Duración: 135 minutos.
Pierre Boulle (Aviñón, Provenza-Alpes-Costa Azul; 20 de febrero de 1912-París; 30 de enero de 1994) se hizo famoso por la novela original El puente sobre el río Kwai, llevada al cine por David Lean que obtuvo un gran éxito, y en 1963 publicó la novela El planeta de los simios cuyos derechos vendió al productor Arthur P. Jacobs. En 1968 se estrenó la adaptación cinematográfica dirigida por Franklin James Schaffner (Tokio, 30 de mayo de 1920–Santa Mónica, California, 2 de julio de 1989) y protagonizada por Charlton Heston, Kim Hunter, Roddy McDowall, Maurice Evans y Linda Harrison. La película es bastante diferente de la novela, los simios viven en una so ciedad moderna mientras los humanos van completamente desnudos. Aún así fue un gran éxito comercial que sacó a la 20th Century Fox de la quiebra causada por el desastre de Cleopatra con Elizabeth Taylor.
El espectacular éxito motivó el rodaje de cuatro secuelas como la decepcionante Regreso al planeta de los simios (1970), pero Huida del planeta de los simios (1971) y La rebelión de los simios (1972) tenían más calidad. En cambio, Batalla por el planeta de los simios (1973) fue asimismo decepcionante.
La serie cinematográfica se terminó, pero continuaron dos series muy alejadas del film original El planeta de los simios (1974) y Regreso al planeta de los simios (animación) (1975).
Tim Burton dirigió una nueva versión de El planeta de los simios (2001) que nada tiene que ver con la anterior serie donde reaparecen Charlton Heston como simio y Linda Harrison como una mujer prisionera de los primates. Un fracaso total que enterró de nuevo la saga hasta que diez años después renace con una trilogía distinta de la original pero afortunadamente de mayor calidad.
El origen del planeta de los simios (2011) del director Rupert Wyatt y con James Franco, Freida Pinto, John Lithgow y Andy Serkis en el reparto. En 2014 se estrenó El amanecer del planeta de los simios del director Matt Reeves y con Gary Oldman, Jason Clarke, Keri Russell y Kodi Smit-McPhee, por los humanos y por los simios Andy Serkis (Cesar), Toby Kebbell (Koba), Karin Konoval (Maurice) y La guerra del planeta de los simios (2017) del mismo realizador.
El apocalipsis del planeta de los simios (1974) es un film japonés basado en la saga pero es completamente ajena a la misma. Se trata de una serie televisión de 26 episodios de 27 minutos cada uno. Se titulaba en japonés, Saru No Gundan (1974) y tiene una adaptación en largometraje que en 1987 se distribuyó por los USA por el productor Sandy Frank con el título Time of the Apes (1987).
El reino del planeta de los simios reinicia la saga trescientos años después de la ya famosa trilogía que aportaba una agradable corriente de aire fresco a un tema que se veía algo obsoleto por las últimas aportaciones. Nuevo director y nuevos personajes aparecen en pantalla que no desmerecen de sus predecesoras.
El personaje central es Noa, un chimpancé del que tenemos pocas referencias, cuya familia es exterminada por el villano Próximus César. Los humanos viven en estado salvaje, en taparrabos (no desnudos como en la novela) a excepción de una humana llamada Mae. Descubrimos los últimos humanos inteligentes que tratan de sobrevivir a la terrible situación en la que se encuentran.
Los simios aún no han construido una civilización sólida, hablan pero no se visten. Viven como en la Edad de Piedra del Hombre, su evolución es muy limitada.

 La película tiene su fuerza y nos da esperanzas de gozar con buenas secuelas cuya trama llegue hasta la del film original con Charlton Heston. Es un pez que se muerde la cola.
En esta ocasión los villanos son también simios, un déspota al frente del poder con grandes pretensiones, Próxiimus César, una especie de líder populachero como los que padecemos en la actualidad y que en la historia han hecho mucho daño a pueblos del todo el mundo. Un líder populista cruel pero en cierto modo le comprendemos. Busca la evolución y el progreso de su especie.
El personaje de Mae, la humana es más ambiguo. Busca la supervivencia de la humanidad pero a veces recurre a métodos brutales. Es como si escondiera una maldad patológica pero ahora todo son especulaciones porque no sabemos qué futuro tienen estos personajes en futuras producciones.
El reino del planeta de los simios nos llena de esperanzas de ver buenas entregas y al mismo tiempo es un nuevo clásico de la ciencia ficción y de las aventuras fantásticas. Echamos de menos a Andy Serkis, el alma de la anterior trilogía, pero los actores cumplen con su cometido. Los simios parecen reales, no se ven humanos disfrazados. Tal vez les falte algo de humor como los de la serie original. Aquí no tenemos a Zira y a Cornelius que eran personajes entrañables nunca igualados.
Pero la película se ve con agrado, te mantiene en vilo. Esperemos su evolución.

MUCHAS GRACIAS ALAIN

Con Brigitte Bardot

Alain Fabien Maurice Marcel Delon Arnold (Sceaux, Altos del Sena, 8 de noviembre de 1935-Douchy-Montcorbon, 18 de agosto de 2024),conocido como Alain Delon, fue un actor de cine francés de fama internacional. Sus hijos acaban de comunicar a France Press su fallecimiento por causas naturales en la localidad de Douchy (Francia) en donde poseía un refugio para animales abandonados a los que cuidaba con todo cariño y dedicación.
Era un actor famoso en primer lugar por su belleza física lo que provocó que fuera deseado por mujeres de todo el mundo. Sin embargo en nuestro bloc nos interesamos por su vida profesional ya que llegó a trabajar con Jean-Pierre Melville, René Clement, Luchino Visconti y otros directores de primera línea.

El silencio de un hombre

Con Romy Schneider

Yves Allégret le ofreció su debut en el cine con Edwige Feuillère, Quand la femme s’en mêle (1957). Marc Allégret le eligió para el reparto de Una rubia peligrosa, film en el que también debutaba Jean-Paul Belmondo. En Amoríos (1958), su primera película como protagonista, dirigida por Pierre Gaspard-Huit en el que compartiría protagonismo con Romy Schneider, entonces la actriz de moda por su trilogía de Sissy, con la que empezó un romance en la vida real. En 1963 rodó con Louis de Funes en La muerte juega a carambolas, aunque el cómico entonces aún no había alcanzado la fama con sus series de gendarme y Fantomas.

Rocco y sus hermanos

El gatopardo

Después de esto, protagonizó el largometraje Rocco y sus hermanos de Luchino Visconti, que volvería a ser un auténtico éxito de público además de consegrarlo como un actor enorme. Fue apodado la versión masculina de Brigitte Bardot y considerado el enfant terrible del cine europeo.
​Su reputación llegó al gran estrellato cuando trabajó nuevamente bajo las órdenes de Visconti en El gatopardo (Il gattopardo) junto a Burt Lancaster y Claudia Cardinale.​ Il gattopardo fue estrenada en Estados Unidos con la 20th Century Fox como distribuidora.

Con Jean Gabin y Lino Ventura

Con Nathalie Delon

En 1967 rodó El silencio de un hombre (Le Samouraï) con Jean-Pierre Melville, película que se ha convertido en un clásico, un espléndico film negro sobre un asesino a sueldo impasible y carente de humanidad.​ Su esposa de entonces, Nathalie Delon fue su coprotagonista. Tuvo una intervención en la antología de estrellas, Historias extraordinarias (1968); en el segmento dirigido por Louis Malle junto a Brigitte Bardot.
Delon parecía especializarse en cine negro, en estas breves líneas sólo hablamos de una parte de su extensa filmografía. Revordemos por ejemplo, El clan de los sicilianos (1969) de Henri Verneuil. Otro éxito en su carrera ya consolidada con Lino Ventura y Jean Gabin.

El zorro

El tulipán negro

El tulipán negro (1964)  y El zorro (1975) son dos películas de espadachines justicieros en donde Alain Delon demostró su versatilidad. En 2008 interpretó a Julio César en Astérix en los Juegos Olímpicos.
Son numerosas las películas de las que no hablamos por falta de tiempo y espacio, su filmografía es interminable y muy variada. Alain Delon envejeció bien, de mayor aun gustaba a las damas y fue un galán hasta el final. Gracias por tu aportación al cine, amigo Alain, siempre te recordaremos por la calidad de tu cine y porque además nos caias simpático. Hasta siempre.

Con Jean Paul Belmondo

LA BELLA DE ÉBANO

En 1965 fue hallada completamente desnuda el cadáver de una célebre actriz de Hollywood. Años antes había iniciado el rodaje de Cleopatra (1963) a las órdenes de Rouben Mamoulian, pero el productor Darryl F. Zanuck paró el rodaje y despidió a todo el equipo siendo reemplazado por Joseph L. Mankiewicz quién le dio el papel principal a Elizabeth Taylor, reina de las revistas del corazón que vivió un intenso romance con Richard Burton. Pese a todo esta mastodóntica producción arruinó a la 20th Century Fox que estuvo a punto de desaparecer como productora.
La actriz apartada es nuestra musa de ébano, Dorothy Dandrige (9 de noviembre de 1922/8 de septiembre de 1965), que se malogró por multitud de reveses que recibió en la vida.
Hija  de un ebanista llamado Cyril Dandrige y de una artista, Ruby Dandrige, matrimonio que tuvo dos hijas, Vivian y Dorothy.

La pareja se separó y las hijas quedaron al cuidado de su madre. Vinieron el Crack del 29 y la Gran Depresión, unidas a la segregación racial propia de países anglosajones, las dos niñas debutaron muy pequeñas en los espectáculos. Primero como The Wonder Childres y después como The Dandrige Sisters. Actuaban en pequeños locales de barrio en Harlem, como el famoso Cotton Club.

Dorothy debutó en el cine en un corto de Little Rascals (La Pandilla) titulado Teacher’s Beau (1935). Siguieron varias apariciones breves en películas como The Big Broadcast of 1936, apareciendo junto a la fenomenal Ivie Anderson y los Hermanos Marx en Un día en las carreras (1937). En esa secuencia Ivie cantaba All God’s Chillun Got Rhythm (Todas las criaturas de Dios tienen ritmo), todo un éxito.
Con todo la carrera de Dorothy fue despegando en solitario. Apareció en Tu serás mi marido (1941) con la orquesta de Glenn Miller cantando Chattantoga Choo Choo con los Nicholas Brothers; cortos musicales como Jungle Jig (1941) y Moo Cow Boogie (1943), En esta etapa de actriz secundaria brilló más como cantantes viéndose condicionada por su raza afroamericana y los prejuicios de los anglosajones hacia gentes de otras etnias y de otras culturas que no sean la suya.
En Diario de Cine condenamos el racismo en todas sus vertientes sean hacía la gente negra o hacia la gente de raza blanca. No somos Woke y no nos interesa la política de ningún modo.

Nuestra musa fue ascendiendo peldaño a peldaño pese a los estereotipos impuestos por un Hollywood mercantilista. Tarzán en peligro (1951) de Byron Haskin con Lex Barker como Tarzán le dio una oportunidad a nuestra ascendente actriz, Campeones de ébano (1951) gira alrededor de un equipo de baloncesto célebre por sus piruetas jocosas. Los famosos Harlem Globetrotters eran famosos en todo el mundo y por fin el nombre de Dorothy Dandrige figura en los carteles. El próximo paso es el estrellato.
La esencia de la vida (1953) de Gerard Mayer s su primer film como protagonista, cabecera de cartel. Su pareja es el famoso Harry Belafonte, un cantante afroamericano de gran prestigio con su Banana Boat, actualmente un clásico de la canción popular que nuestra Orquesta Platería tradujo al español.

En 1954 la llamó Otto Preminger, reputado cineasta, para protagonizar su mayor éxito, Carmen Jones (1954) con Harry Belafonte de nuevo. Versión negra de la ópera de Georges Bizet, inspirada a su vez en la novela Carmen de Prosper Merimée, ambientada en una España tópica de toreros y cigarreras. Esta veleidosa Carmen es una mujer de una inusual belleza que lleva a los hombres por el mal camino. La película le valió una nominación al Oscar como actriz protagonista, la primera para una actriz afroamericana, pero fue derrotada por Grace Kelly por La angustia de vivir (1954). Dorothy podría haber ganado limpiamente, aunque a decir verdad Grace Kelly también nos gusta bastante y también se merece nuestro respeto.
Dorothy derrochaba sensualidad en cada plano seduciendo al público masculino, por lo tanto Otto Preminger, pese a su mala fama de tirano, la volvió a llamar en otro filme similar, Porgy and Bess (1959) con Sidney Poitier y Sammy Davis jr. Con música y canciones de George Gershwin, uno de los mejores compositores estadounidenses, con su hermano Ira como letrista la película es dura de guión y por desgracia fracasó en taquilla hundiendo profesionalmente a nuestra musa. Rouben Mamoulian intervino en el rodaje y le ofreció el papel de la reina Cleopatra en la película arriba mencionada con pésimos resultados.
En medio Dorothy intervino en otras películas como La isla del sol (1957) en donde volvió a coincidir con Harry Belafonte, y Tamango (1958) de John Berry con Curd Jurgens. Con un argumento similar al film Amistad (1997) de Steven Spielberg. Un barco holandés transporta esclavos africanos para venderlos en Cuba pero uno de ellos, Tamango (Alex Cressan) inicia una revuelta para liberarse de la esclavitud.
The Decks Ran Red (1958) y Moment of Danger (1960), cerraron su carrera en el cine al que añadiremos un par de telefilmes, Toast of the Town y Yo fui un criminal (ambas en 1961). El alcohol, la droga, las malas decisiones y los maridos equivocados llevaron a Dorothy a la ruina y a una temprana muerte que todos lamentamos.
En 1999 Halle Berry protagonizó una biografía para televisión, Dorothy Dandrige, obteniendo un Emmy a la mejor actriz por su interpretación. En 2002 Halle se convirtió en la primera actriz afrodescendiente en ganar un Oscar por Monster´s Ball (2002) que recogió emocionada dedicándoselo al recuerdo de nuestra admirada Dorothy Dandrige.

Halle Beery y Dorothy Dandrige

LA SOMBRA DE NOSFERATU

Javier Botet, el nuevo Drácula

EL ÚLTIMO VIAJE DEL DEMETER. Título original: The Last Voyage of the Demeter. Año: 2023. País: Estados Unidos. Dirección: André Øvreda. Intérpretes: Corey Hawkins (Clemens, un médico que se une al Deméter), Aisling Franciosi (Anna, una polizón), Liam Cunningham (Eliot, el capitán del Deméter), David Dastmalchian (Wojchek, el primer oficial del Deméter), Javier Botet (Drácula/Nosferatu), Woody Norman (Toby, el nieto de Eliot), Jon Jon Briones (Joseph, el cocinero), Stefan Kapičić (Olgaren), Nikolai Nikolaeff (Petrofsky), Martin Furulund (Larsen), Chris Walley (Abrams), Nicolo Pasetti (el comisario Hirsch), Graham Turner (el alguacil). Guion: Bragi F. Schut, Zak Olkewicz. Novela: Bram Stoker.Música: Bear McCreary. Fotografía: Tom Stern, Roman Osin. Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Alemania; Amblin Partners, Viola Film, Phoenix Pictures, Reliance Entertainment, DreamWorks SKG, Studio Babelsberg, New Republic Pictures, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Duración: 118 minutos.

Hace más de cien años que se estrenó Nosferatu, una sinfonía del horror (1922) dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau de la que ya hemos hablado muy bien en vuestro Diario de Cine.
Ya en esta versión y en la novela de Bram Stoker se habla de un viaje por mar en el que Drácula o Nosferatu se traslada de su Transilvania natal a su nuevo destino.
El vampiro ha «quemado» la región en la que habitaba para trasladarse a otro lugar más extenso y civilizado en donde nadie cree en la existencia del no muerto, el estrige, el ser de ultratumba y en el viaje en un ataúd y varias cajas de su tierra natal se alimenta de los marineros del barco Demeter a los que van dando muerte. El vampiro esta vez es interpretado por Javier Botet (Ciudad Real, 30 de julio de 1977), un actor español de dos metros de altura,

Este film carente de pretensiones está llamado a convertirse en un pequeño clásico del cine fantástico. El fatídico viaje del Demeter convertido en toda una sinfonía del horror, los marineros no saben lo que les ocurre salvo su polizón, una mujer víctima del conde Drácula quien conoce la naturaleza del peligro que acecha y extermina a la tripulación que se convierten asimismo en revivientes y son desintegrados cuando la luz del Sol acaricia sus extenuados cuerpos.
Estamos ante una película de atmósfera, un film típico con algunas innovaciones técnicas que imagino sentarán cátedra en futuras producciones. Los actores están bien, sobretodo Javier Botet que es amenazador e impresionante.
A recomendar a todos los amantes del cine fantástico gótico, no se sentirán decepcionados con su visión.

Aisling Franciosi

LAS TARANTINADAS DE RIGOR

MALDITOS BASTARDOS. Título original: Inglourious Basterds. Año: 2009. País: Estados Unidos. Dirección: Quentin Tarantino. Intérpretes: Brad Pitt (Lt. Aldo Raine), Mélanie Laurent (Shosanna), Christoph Waltz (Col. Hans Landa), Eli Roth (Sgt. Donny Donowitz), Michael Fassbender (Lt. Archie Hicox), Diane Kruger (Bridget von Hammersmark), Daniel Brühl (Fredrick Zoller), Til Schweiger (Sgt. Hugo Stiglitz), Gedeon Burkhard (Cpl. Wilhelm Wicki), Jacky Ido (Marcel), B.J. Novak (Pfc. Smithson Utivich), Sylvester Groth (Joseph Goebbels), Martin Wuttke (Hitler), Rod Taylor (Wiston Churchil). Guion: Quentin Tarantino. Fotografía: Robert Richardson. Coproducción Estados Unidos-Alemania; Universal Pictures, The Weinstein Company, Lawrence Bender, Studio Babelsberg. Duración: 146 minutos.

Malditos bastardos es una película bélica con dos tramas centrales y paralelas. Una es la de un comando de judíos que se dedican a matar nazis con métodos tan crueles como los que utilizan éstos durante la Segunda Guerra Mundial. Su enemigo es el oficial del SD, el Standartenführer Hans Landa (Christoph Waltz), un «malo» de película que habla haciendo aspavientos en un tono perverso.
Más que un villano es la caricatura de un villano, un ser absolutamente despreciable y odioso. Cuando era joven, en RTVE aparecía un crítico fenomenal llamado Alfonso Sánchez que decía «si los alemanes son tan tontos como los que salen en las películas no me explico que los americanos no hayan ganado la guerra en cuatro días«. Los nazis fueron crueles y asesinos genocidas, no pardillos de pueblo. No eran unos garrulos descerebrados.
La segunda trama es la de Shoshanna Dreyfus (Mélanie Laurent) una joven judía cuya familia es asesinada por Landa de forman repulsiva. Si la primera trama me parece algo tópica y antipática, la segunda me resulta más creíble e interesante.
Que los nazis fueron unos villanos nadie lo pone en duda pero no justifica una lectura ridícula como la que aquí presenta el señor Tarantino, cineasta irregular capaz de lo mejor y de lo peor.

Esta cinta tiene aspectos mejores. La trama de la actriz alemana Bridget von Hammersmark (Diane Kruger) que recuerda en cierto modo a la vedete Marika Rökk, una doble agente de los aliados es mejor pero demasiado esquemática.
La de Shoshanna lleva el peso de la película gracias al talento de la actriz y porque el personaje está mejor construido. Su cruel venganza es antológica aunque el tremendismo de Tarantino le hace un flaco favor.
Estamos ante un realizador que tiene muchos fanos y muchos detractores. Lo amas o lo odias. Pero al menos no te aburre como otros colegas suyos. Tiene su chispa, su gracia. Sus incondicional disfrutarán con su visión y se lo pasarán de fábula. Quien no le guste ya tendrá sus ídolos para disfrutar.

Quentin Tarantino

Mélanie Laurent

Mélanie Laurent (París, 21 de febrero de 1983) es una actriz, cantante, directora y escritora francesa. En España la conocemos por su papel en Malditos bastardos (2009) de Quentin Tarantino. Mélanie es judía, de familia comunista, de los barrios populares de París. Es hija de un actor de doblaje francés y de una profesora de baile.
En 1998 debutó en el cine en Un puente entre dos ríos.

Su debut tras las cámaras fue con el cortometraje De moins en moins, nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. En 2011, dirigió y protagonizó el drama Les adoptés junto a Marie Denarnaud y Denis Ménochet. Su segundo filme, Respire, fue nominado al Queer Palm.

En Malditos bastardos interpreta a una mujer judía, Shoshanna Dreyfus, cuya familia es asesinada por el oficial del SD, el Standartenführer Hans Landa (Christoph Waltz), un malvado de opereta, y tiene que huir. Años más tarde es propietaria de un cine en París, adoptando el nombre de Emanuelle Mimieux. Los nazis quieren estrenar en su sala un film glorificando a un francotirador nazi, Fredrick Zoller (Daniel Brühl), con asistencia del ministro de la Propaganda nazi Joseph Goebbels (Sylvester Groth) y el mismo Adolf Hitler (Martin Wuttke). Es la oportunidad de una venganza maquiavélica, incendiando el cine y asesinando a todos los asistentes, incluyéndose a sí misma y a su desafortunado pretendiente Zoller.
Las escenas del incendio son dantescas. Shoshanna filma una secuencia de película donde anuncia a los espectadores que van a morir abrasados. Una secuencia que recuerda la escena trágica de la fiesta en Carrie (1976) de Brian De Palma.
La trama de la cinéfila judía es lo mejor de este filme efectista y truculento. Shoshanna le dice a Goebbels que El trío de la benzina es una gran película con una gran interpretación de Lilian Harvey (actriz perseguida por los nazis) a lo que el ministro e propaganda responde malhumorado «no me habléis de esa traidora«.

Malditos bastardos

Lilian Harvey