LA BIBLIA DEL WESTERN

LA DILIGENCIA. Título original: Stagecoach. Año: 1939. País: Estados Unidos. Dirección: John Ford. Reparto: Claire Trevor (Dallas), John Wayne (Ringo Kid), Andy Devine (Buck), John Carradine (Hatfield), Thomas Mitchell (Doc Josiah Boone), Louise Platt (Mrs. Lucy Mallory), George Bancroft (Marshal Curley Wilcox), Donald Meek (Samuel Peacock), Elvira Ríos (Yakima). Guion: Dudley Nichols. Historia: Ernest Haycox. Música: Gerard Carbonara. Fotografía: Bert Glennon (B&W). Duración: 99 minutos. United Artists.

Premios
1939: 2 Oscars: Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell), bso (adaptada). 7 nominaciones
1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor directorAntes que entrar hablar de la película he de añadir una información al respecto. Según estudios recientes, el indio Gerónimo era católico y hablaba español o castellano porque el Oeste estadounidense fue durante trescientos años provincias españolas, el virreinato de Nueva España, y no es cierto que cuando llegaban los nuevos colonos anglosajones jamás hubieran visto gente blanca porque llevaban tres siglos conviviendo sin problemas.
Los nativos americanos, los apaches, los comanches y demás tribus fueron súbditos de la Corona Española y por ende compatriotas nuestros. En 1821 pasaron al México independiente y entre 1846 hasta 1953 a los nuevos Estados Unidos de América.
El caudillo apache Gerónimo (Arizpe, Sonora; 16 de junio de 1829 – Fort Sill, Oklahoma; 17 de febrero de 1909), entre 1858 y 1886 se sublevó contra las tropas mexicanas primero y estadounidenses después porque en el año 1880 las tropas del gobernador militar de Sonora asesinaron a su esposa, a sus tres hijos y a su madre.
En el mismo año está ubicada la narración de La diligencia, motivada por los ataques de Gerónimo y los apaches a la gente blanca en general. Yo no juzgo a nadie pero los hechos son los hechos. La realidad es lo que fue y no podemos alterarla.

El filme empieza con la alarma de que el apache Gerónimo ha escapado de la reserva para rebelarse contra el hombre blanco, al que le ha declarado guerra sin cuartel. Mientras tanto en un pueblecito del Salvaje Oeste conocemos a una serie de personajes típicos del género.
Una prostituta llamada Dallas (Claire Trevor) expulsada por la legión de mujeres «decentes», entre la que se encuentra la esposa del banquero Ellsworth Gatewood (Berton Churchill) que realiza un desfalco; el alcohólico Doc Boone (Thomas Mitchell), un doctor siempre embriagado; el pusilánime viajante de bebidas Samuel Peacock. (Donald Meek); un tahúr llamado Hatfield. (John Carradine); la embarazada esposa de un militar, Lucy Mallory (Louise Platt) que viaja para reunirse con su marido. Y
En la diligencia nos encontramos además con su conductor  Buck (Andy Devine) y su escolta, el sheriff Curly Wilcox (George Bancroft), quien recibe la noticia de que Ringo Kidd (John Wayne) ha espado de la cárcel y se dirige a Lordsburg, Nuevo México, para vengar la muerte de sus familiares. Ringo aparecerá por el camino y llegan a una posada con un cantinero mexicano, Chris (Chris-Pin Martin) y su esposa apache Yakima (Elvira Ríos).

En la trama nos encontramos varias constantes del autor de El hombre tranquilo. John Wayne, que debutó en esta cinta con Ford, una figura habitual en su filmografía, el paisaje de Monument Valley (Arizona), la crítica a la hipocresía moral. Stella es una mujer maltratada por los prejuicios sociales, es utilizada por los maridos de las mujeres que la persiguen y marginan.
La diligencia es además una película sobre la redención. Ringo se redime de ser un pistolero, Stella una prostituta, Doc de ser un borracho y Hatfield de ser un tahúr. A Lucy Mallory se le ensancha la mente y entierra sus prejucios respecto a Stella. Todos los personajes crecen durante el viaje por las aventuras vividas, por conocer el rostro de la muerte y finalmente superarán su situación que les oprime.
Nos encontramos ante un film bello con las ráfagas de viento azotando los rostros. En donde aparecen las constantes del western, de la épica estadounidense. El lirismo de sus imágenes es inigualable. Una de las mejores películas filmadas desde que se inventó el cine hasta la actualidad. En técnica se ha avanzado mucho pero no en poesía que sólo saben dar cineastas como John Ford.

EL DECLIVE DEL RODEO

EL REY DEL RODEO. Título original: Junior Bonner. Año: 1972. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Peckinpah. Reparto: Steve McQueen (Junior ‘JR’ Bonner), Robert Preston (Ace Bonner), Ida Lupino (Elvira Bonner), Ben Johnson (Buck Roan), Joe Don Baker (Curly Bonner), Barbara Leigh (Charmagne), Mary Murphy (Ruth Bonner), Bill McKinney (Red Terwiliger), Dub Taylor (Del), Sandra Deel (Enfermera Arlis), Don ‘Red’ Barry (Homer Rutledge), Charles H. Gray (Burt), Matthew Peckinpah (Tim Bonner), Sundown Spencer (Nick Bonner), Rita Garrison (Flashie). Guion: Jeb Rosebrook. Música: Jerry Fielding. Fotografía: Lucien Ballard. Duración: 103 minutos. American Broadcasting Company (ABC), Solar Productions

Sam Peckinpah (Fresno, California; 21 de febrero de 1925 – Inglewood, California; 28 de diciembre de 1984) tenía fama de director violento por sus anteriores trabajos (Grupo Salvaje, Perros de paja, ). Se le apodaba Bloody Sam (Sam el sanguinario) por la brutalidad de sus escenas y en 1971, hace ya cincuenta años, nos sorprende con este film crepuscular, cine de perdedores para los que el paso del tiempo ha ido dejando atrás.

Nos encontramos con un espectáculo de rodeo, doma de caballos y toros, que en su época ya estaba en declive y en la actualidad es considerado maltrato animal por lo que su desaparición está al caer. La marcha de la historia es implacable dejando por el camino una larga estela de juguetes rotos. Es el progreso cruel y despiadado.
Peckinpah sabe retratar ese mundo de gente desplazada, sin futuro ni beneficio y que vive con sus sueños que los alejan de la realidad.

A pesar de todo siguen adelante aunque el progreso los pisotea y los margina. Junior Bonner es una crónica sentida de ese mundo que se acaba, que no tiene lugar en la actualidad. A pesar de su medio siglo la película no ha envejecido, se mantiene fresca y entrañable. Los personajes están llenos de vida. Esa pareja que ya no está junta pero que todavía se ama. Ese padre que persigue un sueño en el que nadie cree mientras el vaquero sigue su camino de pueblo en pueblo.
Aquí monta un caballo salvaje, aquí un peligroso toro que nadie es capaz de domar. Todo ello con escenas en cámara lenta y pantalla partida. Nostalgia de un mundo que no volverá.
Un filme bellísimo, como todo Peckinpah. Un cineasta maltratado por una industria en la que no encajaba. Un cineasta que no busca la complacencia, sincero y verdadero. Un autor que se nos fue demasiado pronto aunque Hollywood le había dado la espalda hace tiemplo.

UN WESTERN REALISTA

EL GRAN SILENCIO. Título original: Il grande silenzio. Año: 1968. País: Italia. Dirección: Sergio Corbucci. Reparto: Jean-Louis Trintignant (Silencio), Klaus Kinski (Loco), Frank Wolff (Sheriff Burnett), Luigi Pistilli (Pollicut), Vonetta McGee (Pauline), Mario Brega (Martin), Carlo D’Angelo (Gobernador). Guion: Sergio Corbucci, Vittoriano Petrilli, Mario Amendola, Bruno Corbucci. Ennio Morricone. Fotografía: Silvano Ippoliti. Duración: 102 minutos. Coproducción Italia-Francia

El western europeo es objeto de profunda admiración por parte de un público muy especializado y de rechazo por las plateas internacionales por considerarlo un género casposo de imitación.

Es verdad que la mayoría de westerns espaguetis son pura caspa carentes de originalidad pero las películas de los tres Sergios (Leone, Sollima y Corbucci) escapan de la fatídica regla.
El cine es arte pero también un negocio del que ha vivido mucha gente. Durante largo tiempo esos filmes eran habituales en nuestras salas. Sergio Corbucci (Roma, Italia, 6 de diciembre de 1927-Roma, Italia, 1 de diciembre de 1990)  debutó en un peplum famoso, Rómulo y Remo (1961), con Steve Reeves y Gordon Scott, y en 1966 estrenó su famoso Django que arrasó en taquillas de todo el mundo y lanzó a Franco Nero como estrella cinematográfica.
El gran silencio (1968) se topó con la censura y fue prohibida en muchos países, entre ellos España, y no lo conocimos hasta la democracia y la aparición del vídeo doméstico.

Los filmes de Sergio Corbucci beben del western tradicional, aunque rompa con su narrativa, y también del neorrealismo italiano. Estéticamente se aleja del mitificado y mitificante cine de Hollywood.Los bandoleros de El gran silencio no son seres terribles, son lo que podríamos denominar indigentes que huyen del hambre. Son seres desafortunados.
Los cazarecompensas son seres despiadados, cínicos, obsesionados con el dinero aunque para ello deban quitar vidas a gente indefensa. Los paisajes son helados, montañas repletas de nieve en la que los personajes destacan sobre fondos blancos.
La pareja protagonista son de razas diferentes. Jean-Louis Trintignant es blanco, actor de Un hombre y una mujer de Claude Lelouch, y Vonetta McGee es negra, musa del llamado black exploitation, películas rodadas por gente afroamericana que tuvieron gran éxito en los años setenta. Klaus Kinski es el malo, un actor de gran temperamento y carácter difícil.
Corbucci no muestra el heroicismo ni la belleza del Oeste, sino su fealdad y su miseria. Un mundillo de gente injusta que vive toda una pesadilla. El ambiente es dantesco, terrible, cruel.
Actualmente El gran silencio es película de culto pero su público es minoritario. Cine de serie B considerado menor pero merecedor de entusiastas seguidores. Una pequeña obra maestra.

Sergio Corbucci

LA OTRA CARA DEL MAL

CRUELLA. Título original: Cruella. Año: 2021. País: Estados Unidos. Dirección: Craig Gillespie. Reparto: Emma Stone (Estella / Cruella), Emma Thompson (La Baronesa), Joel Fry (Gaspar), Paul Walter Hauser (Horacio), John McCrea (Artie), Emily Beecham (Catherine / Doncella), Mark Strong (John, el asistente), Kayvan Novak (Roger), Kirby Howell-Baptiste (Anita Darling), Jamie Demetriou (Gerald). Guion: Dana Fox, Tony McNamara. Historia: Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel, Steve Zissis. Novela: Dodie Smith. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Nicolas Karakatsanis. Duración: 134 minutos. Walt Disney Pictures, Gunn Films, Marc Platt Productions, TSG Entertainment. Distribuidora: Disney+

Cruella De Vil era la villana de 101 dálmatas, primero una novela de Dodie Smith y posteriormente un famosísimo film de Walt Disney que triunfó alrededor del mundo. Se trata de una mujer mezquina y malvadas que desea asesinar a los perritos protagonistas para hacerse con su piel un espectacular abrigo con que lucir su escaso atractivo cuerpo de vampiresa decadente.
Ese personaje, tan caricaturizado obtuvo un gran éxito por su maldad refinada y a la vez tan humana. Todos hemos conocido mujeres tan malvadas y amargadas como Cruella, las tenemos incluso en nuestras familias. Mujeres obsesionadas con lucir una belleza de la que carecen. Seres egocéntricos y desagradables. Aunque posean una gran fortuna nadie las quiere. Son seres solitarios y ruines.
Por eso Cruella De Vil está considerada la mejor villana de la Historia del Cine. Un ser sin sentimientos, con el corazón podrido. Un ser odioso y mezquino.

Era necesario contarnos el porqué de su maldad que vimos en el film de Disney y en sus remakes de imagen real en 1996 con Glenn Close  que borda el personaje y que repitió en su segunda parte en el 2000. Dos películas que jugaron la carta de la nostalgia, la cinta animada es actualmente película de culto y quienes la vimos en su estreno la recordamos con mucho cariño.
Conocemos su infancia desarraigada, Emma Stone borda su papel. Su maldad tiene su lógica, hay que ver la película porque aquí no vamos hacer spoilers. Nada es gratuito a excepción de algunos detalles políticamente correctos totalmente prescindibles. No voy a quejarme al respecto porque ya está demasiado caldeado el ambiente.
La película actual está muy bien llevada. Emma Thompson y Mark Strong están geniales. Yo no esperaba nada de este título y me llevé una gran sorpresa. Una realización moderna, ágil y sin puntos muertos. Los personajes secundarios están muy bien logrados, Gaspar y Horacio, sus maltratados sicarios tienen su dignidad. Cruella merece verse y revisionarse varias veces. No está a la altura del clásico de Disney, pero poco le falta.

EN LA CHINA MEDIEVAL

MULÁN. Título Original: Mulan. Año: 2020. País: Estados Unidos. Dirección: Niki Caro. Reparto: Liu Yifei (Mulan), Donnie Yen (Comandante Tung), Gong Li (Xianniang), Jet Li (Emperador), Jason Scott Lee (Böri Khan), Yoson An (Honghui), Tzi Ma (Zhou), Rosalind Chao (Li), Pei-Pei Cheng (Casementera), Xana Tang (Xiu), Ron Yuan (Sargento Qiang), Jun Yu (Cricket), Chen Tang (Yao), Doua Moua (Po), Jimmy Wong (Ling), Crystal Rao (joven Mulán), Nelson Lee (Canciller). Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek, Elizabeth Martin. Argumento: La balada de Hua Mulan (anónimo). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía:  Mandy Walker. Duración: 115 minutos. Walt Disney Pictures, Jason T. Reed Productions, Good Fear Content. Distribuidora: Walt Disney Pictures.

Ya nos hemos referido a Hua Mulán en otras partes de Diario de Cine. La ópera basada en su aventura, Lady General Hua Mulan (1964), Hua Mulán (2009) con Zhao Wei, la mejor versión hasta la fecha, la famosa versión Disney, Mulán (1998), que es todo un referente.
Hay muchas más pero las mencionadas son las más representativas. El gran público sólo conoce las versiones Disney ignorando que se trata de una obra, La balada de Fa Mulan,  que se compuso en el siglo VI, durante la mayor parte del cual gobernó China la dinastía Tang. El período en el que transcurre la historia es incierto. Los primeros testimonios de la leyenda afirman que vivió durante la dinastía Wei del Norte (386-534).
A finales de la dinastía Ming (1368–1644) el dramaturgo Xu Wei (muerto en 1593) publicó una novela basada en la balada tradicional: La heroína Mulan va a la guerra en lugar de su padre (1593). Sobre la balada se compuso una ópera. Para el público chino es una leyenda importante y no es un cuento Disney, adaptado para públicos occidentales.

Recientemente la productora de Walt Disney, compuesta por funcionarios ya que el legendario productor falleció en 1966, se dedica a rodar versiones en imagen real de sus clásicos animados con resultados decepcionantes. Esas nuevas versiones carecen de la magia original que las hizo triunfar. Por lo que respecta a Mulán (2020) se olvida que la leyenda no es un cuento Disney creado para satisfacer a un público occidental y que en la misma no aparece ningún dragón cómico como Mushu que a mucha gente hace gracia y a otros no tanta.
La campaña bélica en la que participó la chica guerrera duró diecisiete años y no sólo unos días como en las películas americanas. La versión chica de 2009 es muy superior en todos los aspectos y merecería una oportunidad de ser doblada al español de España (en latino sí lo está) y distribuirla en formato doméstico.

A esta versión se le ha reprochado su falta de realismo, si tuviésemos que rechazar todas las películas escasamente realistas de la historia del cine muy pocas se salvarían porque la falta de verosimilitud es marca oficial del llamado Séptimo Arte en donde impera la fantasía.
La nueva Mulán es divertida aunque sea diferente de la versión a la que no tiene porqué parecerse. Es una película distinta que ha sido mirada con demasiados prejuicios. Los discursos políticos son muy obsoletos y dentro de un corto tiempo habrán sido olvidados. Queda el resultado final que se verá con otros ojos.
No estamos ante ninguna obra maestras pero tampoco del bodrio que se nos ha hecho ver los odiadores de turno. Le faltan personajes más trabajados y le sobra superficialidad en el guión, Pero es una cinta que no aburre y no molesta a nadie. Su narración es ágil y amena.
Liu Yifei promete y Gong Li demuestra su clase con un personaje parecido al de El Rey Mono 2 (2016), inédita en España en donde vemos poco cine asiático.

POLÍTICAMENTE
INCORRECTO

PERROS DE PAJA. Título original: Straw Dogs. Año: 1971. País: Reino Unido. Dirección: Sam Peckinpah. Reparto: Dustin Hoffman (David Sumner), Susan George (Amy Sumner), Peter Vaughan (Tom Hedden), T. P. McKenna (Mayor John Scott), Del Henney (Charlie Venner), Jim Norton (Chris Cawsey), Donald Webster (Phil Riddaway), Ken Hutchison (Norman Scutt), Len Jones (Bobby Hedden), Sally Thomsett (Janice Hedden), David Warner (Henry Niles). Guion: David Zelag Goodman, Sam Peckinpah. Novela: Gordon M. Williams. Música: Jerry Fielding. Fotografía: John Coquillon. Duración: 113 minutos. Productor: Daniel Melnick. Distribuidora: ABC Pictures.

No hace mucho, un ladrón penetró en un hogar español de personas ya mayores. El marido se defendió, mató al ladrón y fue a la cárcel ante la indignaión general. Estos hechos no transcurren en los países anglosajones porque en ellos está reconocido el derecho a la legítima defensa.
En España no es así, los delincuentes gozan de impunidad y toda clase de ventajas frente a sus indefensas víctimas. Perros de paja, este film del gran Sam Peckinpah, trata de ese tema recibiendo en su día numerosas críticas.
Jorge Grau rodó en su día Coto de Caza (1983) con Assumpta Serna , del mismo estilo, con contestación similar. ¿Es lícito utilizar la violencia para defender la propia existencia?

Perros de Paja supone una excursión del estadounidense Sam Peckinpah en el cine inglés. Poco amado por Hollywood, cineasta rebelde, acertó plenamente con esa radiografía de la violencia. Basado en una novela de Gordon M. Williams. En 2011 se estrenó un remake dirigido por Rod Lurie que no obtuvo ningún éxito.
Aunque no sea ni de lejos el mejor Peckinpah (recordemos La balada de Cable Hoghe, Grupo Salvaje, Pat Garrett y Billy el Niño, están años luz del presente título) reconocemos su impacto visual y su inquietante atmósfera. Gente que la vio hace cuarenta años la sigue recordando y en reciente edición en Blu-ray comprobamos que la película no ha envejecido en absoluto.
Nos hallamos ante un clásico indiscutible del thriller. Una cinta que impacta, que no te deja indiferente.

Hay películas como ésta que he visto hace cuarenta años y que en la actualidad recuerdo perfectamente. Otras al cabo de dos días olvido hasta que la he visto. El cineasta de Fresno, California, sabía llegar hasta lo más hondo. Sus personajes calan hondo. Los actores están perfectos, Dustin Hoffman da el tipo de persona inofensiva pero que puesto en peligro se defiende con uñas y dientes.
Perros de Paja es una buena película de un maestro inadaptado en Hollywood. Su mensaje es discutido pero yo lo veo certero. El derecho a la legítima defensa, a la supervivencia y a vivir con dignidad.
El personaje femenino (estupenda Susan George, una actriz desaprovechada) es más ambiguo. Principal víctima pero al mismo tiempo provocador del conflicto. Los villanos ponen nervioso a cualquiera. Son seres revulsivos e infames. Una gran película que merece ser recordada.

Dustin Hoffman y Sam Peckinpah

UN MUSICAL MALDITO

CATS. Título original: Cats. Año: 2019. País: Reino Unido. Dirección: Tom Hooper. Reparto: Francesca Hayward (Victoria), James Corden (Bustopher Jones), Judi Dench (Old Deuteronomy), Jason Derulo (Rum Tum Tugger), Idris Elba (Macavity), Jennifer Hudson (Grizabella), Ian McKellen (Gus: el Gato Teatro), Taylor Swift (Bombalurina), Rebel Wilson (Jennyanydots), Jaih Betote (Coricopat), Les Twins (Plato y Socrates), Jonadette Carpio (Jemima), Danny Collins (Mungojerrie), Laurie Davidson (Mr. Mistoffelee), Mette Towley (Cassandra), Steven McRae (Skimbleshanks), Robbie Fairchild (Munkustrap). Guion: Lee Hall, Tom Hooper, T.S. Elliot. Musical: Andrew Lloyd Webber. Música: Andrew Lloyd Webber. Fotografía: Christopher Ross. Duración: 110 minutos. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Working Title Films, Amblin Entertainment, Monumental Pictures. Distribuidora: Universal Pictures.

Cats es un musical inglés que triunfó en los teatros de todo el mundo debido al talento de Andrew Lloyd Webber (South Kensington, Londres, 22 de marzo de 1948), autor de grandes éxitos teatrales llevadas al cine como Jesucristo Superstar en 1973 dirigida por Norman Jewison, Evita en 1996 dirigida por Alan Parker con Madonna como protagonista, El fantasma de la ópera en 2004 dirigida por Joel Schumacher y Cats en 2019 dirigida por Tom Hooper (Los miserables, 2012).
En teatro funcionaron perfectamente pero en la pantalla grande no brillaron a la misma altura.  Esa dicotomía es todo un misterio. Porqué un material que funciona perfetamente en teatro no obtiene el mismo éxito al ser trasladado en imágenes en movimiento.
En el caso de Cats el rechazo ha sido violento y desagradable recibiendo un rechazo visceral. Críticas repletas de odio, rencor y malas entrañas. ¿Tan mala es la película? Pues a mí me gustó. No es Cantando bajo la lluvia, ni My Fair Lady, ni Mary Poppins pero tampoco el bodrio repelente que nos hacen ver.

Desde los tiempos de Homero, recordemos Batracomiomaquia (La guerra de las ranas y los ratones), siglo VI a.c.,  los animales antropomorfos son protagonistas de toda clase de relatos. ¿Porqué sorprende Cats en 2019? Ni idea.
Tal vez el filme de Tom Hooper esté demasiado adelantado a su época. Nos encontramos ante el clásico título que fue mal recibido en su día y que a lo largo del tiempo se convierte en película de culto.
El peor defecto de este metraje es su exceso de audacia. Su trama sorprende al público que no espera un espectáculo de ese estilo. Su rechazo ha sido demasiado visceral, antinatural e ilógico. Los actores están perfectos pese a las críticas adversas.
Las canciones son bonitas, en especial Memory.  La trama es algo absurda pero tiene su sentido. Nos encontramos ante un excelente título injustamente maltratado. Una buena película pese a todo.