Hua Mulan (2020)

LA AMAZONA
DE LA VIEJA CHINA

HUA MULAN. Título original: Hua Mulan. Año: 2020. País: República Popular de China. Director: Li Yu Xi. Reparto: Liu Chu Xuan (Hua Mulan), Li Mao, Pema Jyad, Zhang Hengrui, Liao Huijia, Luo Datao. Duración: 74 minutos. Zhenle Media Tianyu Media iQIYI Motion Pictures.

Esta película no tiene nada que ver con Hua Mulan (2009).
Hua Mulan es la protagonista de una muy conocida leyenda china. La historia cuenta sobre una joven que, disfrazada de guerrero, se une al ejército para reemplazar y salvar a su padre de ir a pelear una guerra contra los invasores nómadas. La obra se compuso en el siglo VI, durante la mayor parte del cual gobernó China la dinastía Tang. La colección de cantos a la que pertenecía originalmente se ha perdido, pero se conserva una versión posterior, incluida en una antología de poemas líricos y baladas compilada por Guo Maoqian en el siglo XI. Se desconoce si la balada tiene o no base histórica. Hua Mulan aparece en el Wu Shuang Pu de Jin Guliang (Tabla de héroes incomparables).
Un cráter en Venus lleva su nombre. (Wikipedia)

POEMA DE HUA MULAN

Los insectos celebran con su canto la tarde.
Mulán está tejiendo ante la puerta.
No se oye girar la lanzadera,
tan sólo los lamentos de la niña.
Preguntan dónde está su corazón.
Preguntan dónde está su pensamiento.
En nada está pensando,
si no es en el rey Kong, su bello amado.
La lista del ejército ocupa doce rollos
y el nombre de su padre figura en todos ellos.

No hay un hijo mayor para el padre,
un hermano mayor que Mulán.
«Yo iré a comprar caballo y una silla,
yo acudiré a luchar por nuestro padre.»
Ha comprado en oriente un caballo de porte,
ha comprado en poniente una silla y cojín,
ha comprado en el sur una brida
ha comprado en el norte un buen látigo.

Al alba se despide de su padre y su madre;
cuando anochece, acampa junto al Río Amarillo.
Ya no escucha el llamado de su padre y su madre,
tan sólo el chapoteo del caballo en el agua.
Al alba abandona el Río Amarillo;
cuando anochece, llega a la Montaña Negra.
Ya no escucha el llamado de su padre y su madre,
tan sólo a los caballos relinchando en el monte.

las ráfagas del cierzo traían son de hierro,
a la luz de la luna brillaban armaduras.
Allí los generales luchando en cien batallas
morían, y después de haber dado diez años
volvían a su casa, valientes, los soldados.

De vuelta, es recibida por el Hijo del Sol,
que se sienta en la Sala de los Resplandores.
Le concede medallas por sus méritos muchos,
le ofrece alas de pato crujientes por millares.
El Khan le ha preguntado qué quiere hacer ahora.
«Mulan no necesita honores oficiales,
dame un burro robusto de cascos bien ligeros
y envíame de vuelta a casa de mis padres.»

Cuando escuchan sus padres que su hija se acerca,
los dos salen a verla, dándose de codazos.
Cuando escucha su hermana que su hermana se acerca,
se arregla y se coloca delante de la puerta.
Cuando escucha su hermano que su hermana se acerca,
saca filo al cuchillo, sacrifica un cordero.

«He abierto la puerta de mi cuarto oriental,
y en el occidental me he sentado en la cama.
Me quité la armadura que llevaba en la guerra
y me he puesto la ropa que llevé en otro tiempo.
Delante del espejo, cerca de la ventana
me he peinado el cabello enmarañado
y he adornado mi frente con pétalos dorados.»
Cuando Mulan salió ante sus camaradas,
todos se sorprendieron, quedándose perplejos.
Doce años estuvieron con ella en el ejército
y ninguno sabía que era una muchacha.

Las patas del conejo saltan más,
los ojos de la hembra son algo más pequeños,
mas cuando ves un par corriendo por el campo,
¿quién logra distinguir la liebre del conejo?

Las películas chinas de Mulán nada tienen que ver con las versiones Disney realizadas para un público infantil. Aquí no hay Mushu (un dragón pequeño y guasón),  ni el gracioso grillo, ni cantan canciones en medio de la epopeya porque en su país, la heroína que va a la guerra sustituyendo a su padre es considerada como un Don Pelayo español o el Cid Campeador.
Es un personaje muy serio al que se tiene gran admiración y respeto. En El destacamento rojo de mujeres (1960) de Jin Xie, película de propaganda comunista, las jóvenes guerrilleras cantan en una canción que su sueño es convertirse en una nueva Mulán.
14 amazonas (1972) de Kang Cheng y Shao-Yung Tung, producida por los Shaw Brothers de Hong Kong y Legendary amazons (2011) está basado en la popular ópera china, a su vez en la leyenda de la familia Yang que en el siglo XI, durante el reinado del Emperador Renzong de la Dinastía Song . Mulán no fue la única mujer en coger las armas para luchar.
Respecto a esta versión de la que hablamos aquí, Hua Mulán, está hecha a la sombra de la producción Disney del mismo año pero rodada con muy poco dinero y exhibida en iqiyi. No es una gran película pero sí una obra simpática y agradable.
La chica Liu Chu Xuan es muy joven y cumple con su cometido. Le falta experiencia pero es cuestión de tiempo.
Se trata de un pasatiempo familiar, con poca violencia y carente de erotismo, salvo las escenas de baño aquí muy tenues. Hay versiones mejores que ésta pero dado su escaso presupuesto se perdona.

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Río Escondido (1948)

LA ABNEGADA MAESTRA

RÍO ESCONDIDO. Título original: Río Escondido. Año: 1948. País: México. Dirección: Emilio Fernández. Reparto: María Félix (Rosaura Salazar), Carlos López Moctezuma (Don Regino Sandoval, cacique), Fernando Fernández (Felipe Navarro – pasante de medicina), Domingo Soler (Señor cura), Agustín Isunza (Brígido), Manuel Dondé (El Rengo, esbirro de Regino), Eduardo Arozamena (Don Marcelino), Arturo Soto Rangel (Maestro Monroy), Columba Domínguez (Merceditas), Juan García «El peralvillo» (Esbirro de Regino), Roberto Cañedo (Ayudante de la presidencia), Beatriz Germán Fuentes (niña Raquel), Jaime Jiménez Pons (niño Goyito), Carlos Múzquiz (Leonardo), Guillermo Cramer (Esbirro de Regino), Sergio Arroyo, Lupe del Castillo (Pueblerina anciana), Manuel Bernal (Narrador). Guion: Mauricio Magdaleno. Historia: Emilio Fernández. Música: Francisco Domínguez. Fotografía: Gabriel Figueroa, Luis Osorno Barona (B&W). Duración: 110 minutos. Producciones Raúl de Anda.

María de los Ángeles Félix Güereña (Álamos, Sonora, 8 de abril de 1914-Ciudad de México, 8 de abril de 2002), más conocida como María Félix, fue una de las más brillantes actrices internacionales. En su época tenía fama de ser mujer dura, de pequeño recuerdo que me la describían como una mujer malvada, habladurías de peluquería, que se había casado con el adorado Jorge Negrete (Guanajuato, 30 de noviembre de 1911-Los Ángeles, California, 5 de diciembre de 1953) y famosa por su colaboración con Emilio Fernández (Mineral del Hondo, Coahuila, 26 de marzo de 1904-Ciudad de México, 6 de agosto de 1986).
Este director dirigió las mejores películas de María Félix, actriz de voz bronca, aunque considerada una de las mujeres más bellas de las pantallas mundiales. Más apta para papeles de villana rompió con su encastillamiento en Río Escondido,  en donde por fin mostró su lado más tierno y humano.

La acción transcurre em un pequeño pueblecito, Río Escondido (Viesca, Coahuila de Zaragoza) en México. El presidente de la República llama a un grupo de maestros y maestras para iniciar una cruzada contra el analfabetismo en toda la nación y la maestra Rosaura Salazar (María Félix) le corresponde el pueblecito antes mencionado.
Al frente del mismo, se encuentra un cacique déspota, un tirano, personaje muy habitual en el México de la época así como en España y otros países. El cacique no quiere que los niños vayan a la escuela y la cerró porque sí. La maestra debe e enfrentarse a tan mezquino dictador.
Esta situación se ha vivido en otras películas como El padrecito de Cantinflas. Pancho Villa confiaba mucho en los maestros considerando su labor prioritaria. En Enamorada del mismo Fernández se ensalza a un modesto maestro que vive en situación precaria por ejercer su labor. La Revolución confió mucho en los ilustres docentes a los que consideraban héroes.
Río escondido es muy bella película. La maestra contrasta con las que tuve de niño, siempre malhumoradas y de muy mal talante. La realización es muy brillante, con grandes composiciones plásticas.
María Félix y Fernando Fernández (primo del director, cantante moda en aquella época) están geniales. Emilio Fernández no escamotea nada al mostrarnos la miseria de una población marginada. Sus habitantes indígenas que viven en una pobreza extrema frente a un tiránico tirano que los oprime.
Es una película que merece verse y recuperarse. De las mejores de la Edad Gloriosa del cine mexicano.

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Pepe (1960)

UN CANTINFLAS DE LUJO

PEPE. Título original: Pepe. Año: 1960. País: Estados Unidos. Dirección: George Sidney. Reparto: Cantinflas (Pepe), Dan Dailey (Ted Holt), Shirley Jones (Suzie Murphy), Carlos Montalbán (Rodríguez, subastador), Vicki Trickett (Lupita), Matt Mattox (Bailarín), Hank Henry (Mánager), Suzanne Lloyd (Carmen), Carlos Rivas (Carlos), Michael Callan (Bailarín), William Demarest (Portero del estudio de cine), Joey Bishop, Maurice Chevalier, Charles Coburn, Richard Conte, Bing Crosby, Tony Curtis, Bobby Darin, Ann B. Davis, Sammy Davis Jr., Jimmy Durante, Zsa Zsa Gabor, Judy Garland (solo voz), Greer Garson, Hedda Hopper, Ernie Kovacs, Peter Lawford, Janet Leigh, Jack Lemmon, Dean Martin, Jay North, Kim Novak, André Previn, Donna Reed, Debbie Reynolds, Edward G. Robinson, Cesar Romero, Frank Sinatra. Guion: Claude Binyon, Dorothy Kingsley, Leonard Spigelgass, Sonya Levien. Obra: Leslie Bush-Fekete. Música: Johnny Green. Fotografía: Joseph MacDonald. Duración: 142 minutos. Coproducción Estados Unidos-México; Columbia Pictures, Posa Films. Comedia musical

Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Ciudad de México, 12 de agosto de 1911-Ibidem, 20 de abril de 1993), conocido mundialmente como Cantinflas, fue un mimo, actor, productor, guionista y comediante mexicano de la Época de Oro.  En su haber tiene una notable filmografía, comedias más o menos graciosas, algunas no soportan el paso del tiempo, otras aún conservan su frescura.
En los últimos años Cantinflas ha sido opacado por las películas de Germán Valdés «Tin Tan» que conectan mejor con los nuevos públicos por su vivacidad, aquel es considerado como una figura de otros tiempos que México quiere olvidar por la imagen miserable que ofrece.
Sin embargo la figura de Cantinflas sigue interesando, sus películas se venden en soporte físico y tienen éxito en toda Hispanoamérica y en la Madre Patria, España en donde es muy popular.
El gran éxito del cómico en el mundo hispano despertó el interés de Hollywood. Sin embargo ni Pepe ni The Great Sex War (1969) obtuvieron ningún éxito en el mundo anglosajón ni resto del mundo. La vuelta al mundo en 80 días fue un caso distinto. Es una película con diversos elementos que la hicieran triunfar aunque la aparición de Cantinflas a muchos molestaba.
En España rodó Don Quijote cabalga de nuevo (1973) en el papel de Sancho Panza, película actualmente revalorizada pero que en su día funcionó muy mal. Los productores españoles deseaban una aventura de Cantinelas en nuestro suelo pero nuestro cómico sólo era feliz trabajando con su gente y fuera de su ambiente no era feliz.

Pepe fue el primer único intento de lanzar a Cantinflas como actor internacional. La película solo tuvo éxito comercial en los pases hispanos porque su protagonista,  basado en un humor verbal, se ve desubicado pese al apoyo de 35 figuras que en aquella época eran muy populares.
Tenemos al famoso Clan Sinatra (ahora llamado Rat Pack) en la secuencia de los casinos de Las Vegas. Su actuación es sólo una presencia sin ningún interés.
Realizada con la habitual elegancia de George Sidney (Long Island, Nueva York, 4 de octubre de 1916-Las Vegas, Nevada, 5 de mayo de 2002) quien salva la comedia del desastre. Tenemos dos buenas secuencias como el trío de Dan Dailey, Maurice Chevalier (una rara ocasión en la que baila) y Cantinflas, completamente antológica, y sobretodo la danza de este último con Debbie Reynolds al son de Tequila que es una auténtica maravilla.
Por contra la canción Pepe, que da título a la película, está muy bien filmada por Sidney, con su elegancia y su buen gusto. Pero la maravillosa voz de soprano de Shirley Jones dice Pepi en vez de Pepe y su versión en español no se entiende absolutamente nada. Empero la canción triunfó con otras voces y es una melodía muy popular desde entonces-
Como actriz Jones está francamente bien aunque Dan Dailey resulta muy antipático. Cantinflas se ve algo mermado, como cómico físico no funciona. Lejos de su mundo, algo reiterativo, no es nadie. Con los pies en el suelo volvió a su México querido y siguió rodando con su gente que era lo suyo. Sólo salió para rodar Don Quijote cabalga de nuevo con Fernando Fernán Gómez, basado en Miguel de Cervantes, y al igual que Pepe, el proyecto le iba grande.

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El Hombre Orquesta (1970)

MUSICAL A LA FRANCESA

EL HOMBRE ORQUESTA. Título original: L’Homme Orchestre. Año: 1970. País: Francia. Dirección: Serge Korber. Reparto: Louis de Funès (Monsieur Édouard – llamado Evan Evans), Noëlle Adam (Françoise), Olivier De Funès (Philippe Evans), Daniel Bellus (El joven automovilista en el semáforo en rojo), Max Desrau (Un automovilista en el semáforo en rojo), Tiberio Murgia (El padre siciliano), Martine Kelly (La bailarina que se casa), Franco Fabrizi (El novio de Françoise), Marco Tulli (El comisario), Paul Préboist (El director del hotel romano), Paola Tedesco (La chica siciliana). Guion: Jean Halain, Serge Korber, Géza von Radványi. Música: François de Roubaix. Fotografía: Jean Rabier. Duración: 85 minutos. Coproducción Francia-Italia; Rizzoli Film, Gaumont. Comedia musical.

Louis Germain David de Funès de Galarza y Soto (Courbevoie, 31 de julio de 1914-Nantes, 27 de enero de 1983) fue un actor cómico francés de padres españoles. Más conocido como Louis de Funès, obtuvo un impresionante éxito en Francia, su país natal, como en España, cuyo público le quiso mucho. La crítica le fue adversa, como a casi todos los cómicos, y no fue hasta su muerte que se le reconoció su genialidad.
Funes es un apellido muy español, sevillano, aunque los franceses lo pronuncian de otra forma. En vez de Funes, dicen Finès. Bajito de estatura, calvo, triunfó en edad madura con comedias que dieron la vuelta al mundo y plantaron cara al Imperio de Hollywood.
Solía interpretar papeles de gente malhumorada, buena posición económica, pero en la vida privada era risueño, de risa fácil. Generalmente sus películas tienen buena factura, están bien narradas y son un eficaz remedio contra la depresión y el aburrimiento.

El cine musical francés ha tenido muy poco peso en el género pese a los esfuerzos de Jacques Demy y de su interesante Las señoritas de Rochefort, Eddie Constantine en Folies-Bergère (1956),  Un bigote prodigioso (1954) con un juvenil Louis de Funès, algunas comedias de Maurice Chevalier.
En El Hombre Orquesta nuestro pequeño héroe reside en Mónaco, es mánager de una compañía femenina de baile compuesta por chicas de diferentes nacionalidades, incluida la española por lo que se habla la lengua de Cervantes en alguna línea de diálogo.
No es la mejor de Louis de Funès pero sí es divertida con graciosos números musicales. Nuestro cómico canta y baila con verdadero salero.
Parte de la trama pasa en Roma con lo que tenemos la oportunidad de disfrutar de sus bellos parajes. El cine de entonces nos servía para hacer turismo.
Situaciones vodevilescas, muchachas algo descaradas pero con buen fondo. Olivier de Funès  tiene un rol secundario pero su carrera fue efímera trabajando como piloto de aviación, profesión en la que se sentía muy a gusto.

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En un barrio de Nueva York (2021)

TODOS TENEMOS UN SUEÑITO

EN UN BARRIO DE NUEVA YORK. Título original: In the Heights. Año: 2021. País: Estados Unidos. Dirección: Jon M. Chu. Reparto: Anthony Ramos (Usnavi), Melissa Barrera (Vanessa), Leslie Grace (Nina Rosario), Corey Hawkins (Benny), ), Olga Merediz (Abuela Claudia), Jimmy Smits (Kevin Rosario), Gregory Diaz IV (Sonny), Daphne Rubin-Vega (Daniela), Stephanie Beatriz (Carla), Dascha Polanco (Cuca), Noah Catala (Graffiti Pete), Lin-Manuel Miranda (Piragüero), Mateo Gómez (Alejandro), Marc Anthony (Gapo), Patrick Page (Pike Phillips), Olivia Perez (Iris). Guion: Quiara Alegria Hudes. Musical: Lin-Manuel Miranda, Quiara Alegria Hudes. Música: Lin-Manuel Miranda. Fotografía: Alice Brooks. Duración: 143 minutos. Warner Bros., Scott Sanders Productions, Likely Story. Distribuidora: Warner Bros.

En un barrio de Nueva York se estrenó en teatro, en Broadway en 2005. Tal como ocurrió on Cats, otro triunfo en las tablas pero fracaso en cine, la taquilla no ha respondido y ha sido sacada de cartel antes de hora aunque yo conseguí verla gracias al Blu-ray adquirido en Amazon USA que llevaba la versión en castellano español.
Ese fracaso me ha resultado desconcertante ¿prejuicios hacia la población latina?, sobretodo porque los activistas de minorías afroamericanas han protestado porque salen pocos negros en la película cuando uno de los protagonistas es de dicha raza, así como varios secundarios y figurantes.
En los países hispanos la población afrodescendiente es menor que en países anglosajones porque en Nueva España estaba prohibida la esclavitud y en consecuencia había poca población negra que siempre fue tratada de iguales y nunca como seres inferiores.
Pero al parecer los activistas saben poca historia y no comprenden la realidad diferente a las que conocen.

La trama de esta obra gira alrededor de un sueñito. Un sueñito es un deseo de cualquier ser humano de mejorar sus condiciones de vida. Muchos sueñan con irse del barrio y de vivir en un lugar mejor. El barrio del título, heights en inglés, está en trance de desaparecer. Los alquileres suben hasta hacerse prohibitivos y los vecinos no tienen otra opción que irse.
Sin embargo, el vecindario hispano, procedente de diversos países de habla española, es alegre y dicharachero. Se pasan la vida cantando y bailando. Es un barrio poco conflictivo, al contrario del de West Side Story con sus pandillas violentas.  Aquí la gente es risueña. Tienen problemas, muchos sin-papeles, gente que no puede adaptarse a la sociedad que les ha acogido aunque de mala gana.
Pero aún así todos van en pos de su sueñito. Todos desean mejorar, progresar y vivir una vida digna.
Los diferentes personajes en el fondo son grandes luchadores, afrontan sus dificultades sin perder la sonrisa. Son buena gente, tal vez eso los convierta en irreales porque la realidad de esos barrios suele ser muy dura y se convierten en inhabitables. La película es demasiado optimista pero entrañable. Es una joya para cinéfilos y es de lamentar su escaso éxito comercial.

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Sombra (2018)

LA SOMBRA DE UN GUERRERO

SOMBRA. Título original: Ying. Año: 2018. País: República Popular de China. Dirección: Zhang Yimou. Reparto: Chao Deng (Jing / Comandante), Li Sun (Madam, Esposa del Comandante Yu), Ryan Zheng (El Rey de Pei), Qianyuan Wang (Capitán Tian), Jingchun Wang (Ministro Lu), Jun Hu (General Yang), Xiaotong Guan (La Princesa, La hermana del Rey), Lei Wu (Ping (El hijo del General Yang). Guion: Zhang Yimou, Wei Li. Música: Lao Zai. Fotografía: Zhao Xiaoding. Duración: 116 minutos. Village Roadshow Pictures Asia, LeVision Pictures, Perfect Village Entertainment, Tencent Pictures, Bona Film Group, Tencent Pictures, Tianjin Maoyan Weying Media, Bodi Media Company.

Los más grandes poetas visuales del cine oriental son, para mi gusto, el japonés Akira Kurosawa (Shinagawa, Tokio, 23 de marzo de 1910-Setagaya, Tokio, 6 de septiembre de 1998)  y el chino Zhang Yimou (Xi’an, 14 de noviembre de 1951). Hay otros genios cinematográficos en Oriente pero éstos son mis favoritos, son mis gustos personales e intransferibles.
Yimou pertenece a la llamada Quinta Generación del cine chino, nacida tras la Revolución Cultural que es muy crítica con la política de su país. El comunismo chino, mitificado en Occidente, es una cruel dictadura que le niega la libertad a su pueblo.
El cineasta de Xi’an debutó con Sorgo Rojo (1987) junto a la entonces novata Gong Li, su musa y compañera. En el 2002 estrenó Hero en donde dio un giro radical a su cine con producciones de Artes Marciales que le dieron popularidad pero que yo considero inferiores artísticamente.
Desde entonces su carrera se ha vuelto irregular, con grandes películas como Las flores de la guerra (2011), Happy Times, La búsqueda, Amor bajo el espino blancoRegreso a casa, La joya de Shanghai y mediocridades como  Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos o la horrenda La Gran Muralla.

Sombra pertenece a la rama de la filmografía de Yimou dedicada a las Artes Marciales, populares en taquilla pero escasamente atractiva. Eso sí hay secuencias que son una borrachera visual que llevan el sello del autor de Vivir.
Lo mejor de su filmografía son por una parte los efectos fotográficos y por otro las mujeres con carácter que luchan contra un mundo que las oprime. Aquí una princesa tomada como modelo de cambio que se rebela contra su destino.
No es de las mejores cintas de Yimou pero tampoco de las peores. Su autor tiene un listón demasiado alto y es complejo alcanzarlo en cada película en donde la inspiración es menor.
La parte humana del argumento interesa menos, los personajes inspiran poca simpatía. Eso sí, su nivel sigue siendo alto. La película posterior del cineasta chino es más controvertida, Un segundo, ambientada en la sobrevalorada Revolución Cultural que ha tenido problemas con la Inquisición comunista. Estrenada en el festival de San Sebastián supone la definitiva recuperación de su autor.
Sombra tiene muy buenos momentos. Esa épica batalla bajo la lluvia, esos soldados armados con un paraguas de cuchillas rodando por las calles. Imágenes impactantes dignas de un sueño. A ratos vemos al mejor Yimou, al de su mejor época. Su genio brilla en la oscuridad. Un cineasta que no tiene parangón en la actualidad.

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París – Tombuctú (1999)

EL IMPERIO ASTROHÚNGARO

PARÍS – TOMBUCTÚ. Título original: París – Tombuctú. Año: 1999. País: España. Dirección: Luis García Berlanga. Reparto: Michel Piccoli (Michel des Assantes), Concha Velasco (Trini), Amparo Soler Leal (Encarna), Juan Diego (Boronat), Eusebio Lázaro (Vicente), Javier Gurruchaga (Gaby), Santiago Segura (El Cura), Fedra Lorente (Benilde), Antonio Resines (Ciclista), Guillermo Montesinos (Planas), Sophie Evans (Chica Nudista), Pilar Punzano (Zou Zou). Guion: Luis García Berlanga, Jorge Berlanga, Antonio Gómez Rufo, Javier G. Amezúa. Música: Bernardo Fuster, Luis Mendo. Fotografía: Hans Burmann. Duración: 107 minutos. Anola Films, Calabuch Films, Freedonia.

Luis García-Berlanga Martí (Valencia, 12 de junio de 1921-Pozuelo de Alarcón, Madrid, 13 de noviembre de 2010) es sin duda el adalid del cine español. Su cine a veces es incomprendido fuera de nuestras fronteras porque cada imagen están impregnadas de españolidad. Sus películas rodadas en suelo extranjero como La boutique (1967) y Tamaño natural (1973) se ven desubicadas y extrañas frente a obras como La vaquilla o El verdugo que rezuman esa alma salvaje y celtíbera de vividores corruptos, catetos que buscan sobrevivir a toda costa.
Debutó con Esa pareja feliz (1951) siguiendo grandes éxitos como La escopeta nacional  (1978) y se despidió del cine con París – Tombuctú (1999). El Generalísimo Franco comentó una vez que Berlanga era un gran director pero un mal español. Un cineasta que denuncia los vicios de nuestro pueblo con películas entrañables, llenas de vida. Toda una lección de cine y de cultura.

París – Tombuctú es el canto del cisne de un gran realizador. No tiene la fuerza de sus grandes películas que le dieron fama y prestigio. Michel Piccoli es un médico parisino que huye de su realidad. Viajando en bicicleta pasa por Calabuch (el pueblo de la película de 1956, en realidad Peñíscola), teniendo un accidente descansa unos días conociendo una gente extraña y pintoresca.
Es el país esperpéntico, extraño y escasamente civilizado lleno de paletos ignorantes. No es una obra maestra, lejos estamos del Calabuch original que tenía más fuerza, más vida. Pero es ciertamente un auténtico Berlanga con sus sabrosas anécdotas.
Es una película nostálgica y algo triste. Muy melancólica a veces. Pero tiene amor por el cine y por la vida. La España de pandereta vista por un francés estupefacto. Asombrado por tanto dislate junto.
Es el fin de un milenio y de su siglo, el desastroso siglo XX que da pie al calamitoso XXI que aún es peor.
Una película bonita, menor pero agradable. Estupendo plantel de actores que dan lo mejor de sí, como siempre.

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Urubú (2019)

LA SAGA IBÁÑEZ CONTINÚA

La productora Pepa Ibáñez y el director Alejandro Ibáñez con su ilustre abuelo, Narciso Ibáñez Menta.

Narciso Ibáñez Serrador y su hijo Alejandro Ibáñez

URUBÚ. Título original: Urubú. Año: 2019. País: España. Dirección: Alejandro Ibáñez. Reparto: Carlos Urrutia (Tomás), Clarice Alves (Eva), Jullie D’Arrigo (Andrea), José Carabias (Profesor Diaz), Alejandro Ibáñez (Capitán Nauta), Ángela Villar (Mujer Selva), Francisco Lima da Costa (Ceará), Fátima Satágata (Vieja del Bosque). Guion: Carlos Bianchi, Alejandra Heredia, Alejandro Ibáñez. Música: Arturo Díez Boscovich. Fotografía: Diego Barrero, Daniel Úbeda. Duración: 90 minutos. Prointel. Productora: Pepa Ibáñez.

 

Alejandro Ibáñez Nauta y su hermana Pepa Ibáñez son hijos de Narciso Ibáñez Serrador y nietos del gran Narciso Ibáñez Menta y la malograda actriz Pepita Serrador. Pertenecen a una prestigiosa saga artística en diversos medios que por fin prueban fortuna en el difícil mundo del cine.
Su primera producción comercial es precisamente Urubú, rodada en el río Amazonas en Brasil. La película es un claro homenaje a su padre, sobretodo a su famosa película ¿Quién puede matar a un niño? que dio la vuelta al mundo y que desgraciadamente tuvo una carrera muy corta en la gran pantalla.

Tomás y su familia viajan a la selva amazónica en busca de un urubú, un pájaro albino poco visto en libertad. El viaje promete emoción pero termina como una pesadilla horrible que no voy a contar en estas líneas.
Alejandro Ibáñez aparece también como actor. La película no anda sobrada de presupuesto por lo que su imagen es muy sencilla. Pero es una opera prima realizada con amor y cariño. La sombra de sus progenitores les habrán echado una mano desde el más allá. Se les nota ilusión y entrega saliendo airosos del trance. Esperemos que haya más películas y mejores, con mayor experiencia y fuerza en su contenido. Enhorabuena pues por los resultados.

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Dreamland (2019)

EL SUEÑO DE MARGOT

DREAMLAND. Título original: Dreamland. Año: 2019. País: Estados Unidos. Dirección: Miles Joris-Peyrafitte. Reparto: Finn Cole (Eugene Evans), Margot Robbie (Allison Wells), Travis Fimmel (George Evans), Kerry Condon (Olivia Evans), Darby Camp (Phoebe Evans), Lola Kirke (Narradora, voz), Stephen Dinh (Joe Garza). Guion: Nicolaas Zwart. Música: Patrick Higgins. Fotografía: Lyle Vincent. Duración: 98 minutos. Automatik Entertainment, LuckyChap Entertainment, Romulus Entertainment. Productor: Margot Robbie.

 

Margot Elise Robbie (Dalby, Queensland; Australia, 2 de julio de 1990) es una actriz, modelo y productora de cine australiana. Criada en una granja, Robbie debió trabajar desde temprana edad para ayudar a sustentar a su familia luego del abandono de su padre.
El argumento del presente film recuerda mucho la biografía de Margo aunque cambiando la ubicación y el sexo del personaje central.
Dreamland trata de los sueños de gloria, de buscar un futuro más satisfactorio aunque el protagonista se hunde en la desesperación más absoluta.
Caras conocidas en el reparto: Travis Fimmel, el aclamado Ragnar de Vikingos, y Kerry Condon, la Octavia de la serie Roma encabezan el reparto junto a la propia Margot Robbie en el papel de una fugitiva de la justicia,

La película no se ha podido estrenar en los cines por su ajustada calidad. Al guión le falta fuerza, gancho y atractivo. Al actor protagonista Finn Cole le falta experiencia. Al lado de Margot apenas se le ve.
Dreamland es lo que podríamos denominar un film alimenticio para que los actores ganen dinero para pagar sus facturas. Nada más.
Margot debe espabilar mucho para escoger sus vehículos, su trilogía de Harley Quinn ha pinchado en taquilla. Películas demasiado bizarras y además Aves de presa es un panfleto feminista. La gente no va al cine para que los adoctrinen sino a relajarse, para que les enriquezcan la mente.
Es una actriz luchadora y emprendedora, le falta mejor gusto.

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Black Narcissus (Miniserie de TV. 2020)

EL CONVENTO ARDIENTE

BLACK NARCISSUS. Título original: Black Narcissus. Año: 2020. País: Reino Unido. Dirección: Charlotte Bruus Christensen. Reparto: Gemma Arterton (Hermana Clodagh), Aisling Franciosi (Hermana Ruth), Nila Aalia (Angu Ayah), Patsy Ferran (Hermana Blanche), Rosie Cavaliero (Hermana Briony), Gianni Gonsalves (Srimati Rai), Soumil Malla (Joseph Anthony), Alessandro Nivola (Mr Dean), Wayne Llewellyn (Sannyasi), Dipika Kunwar (Kanchi), Chaneil Kular (Dilip Rai), Karen Bryson (Hermana Philippa), Jim Broadbent (Padre Roberts), Diana Rigg (Madrer Dorothea). Guion: Amanda Coe. Novela: Rumer Godden. DNA Films, FX Productions. Emitida por: BBC One

En 1947 Michael Powell y Emeric Pressburger estrenaron Narciso Negro basada en una novela de la escritora católica Rumer Godden. Actualmente está considerada un clásico de la Historia del Cine por su sensual atmósfera y su cuidada fotografía así como las interpretaciones de Deborah Kerr, Jean Simmons y Sabú.
La trama gira alrededor de unas monjas anglicanas .enviadas a crear una misión en un palacio del Himalaya, precisamente en un antiguo serrallo, un gineceo o harén en donde residían las concubinas .de un general acomodado y caciquil.
En esta misión hospital las hermanas dan clases a las que se apunta un elemento discordante, el hijo del general que ya es adulto y se presenta con un aparatoso perfume, Narcise Noir (Narciso Negro), que trastorna la convivencia del convento.

Gemma Christina Arterton​ (Gravesend, Kent; 2 de febrero de 1986), conocida como Gemma Arterton, es una actriz inglesa de cine, teatro y televisión que hasta la fecha ha sobresalido más por su bello cuerpo que por sus aptitudes artísticas. La nueva adaptación para televisión de Narciso Negro es un caramelo muy goloso al que necesitaba hincar el diente para dar un giro de 180º a su carrera artística.
El resultado ha sido más que satisfactorio. Gemma Arterton tiene madera de actriz  y se desenvuelve perfectamente con su atormentado papel. Nos demuestra su aptitud para proyectos más ambiciosos artísticamente. Esperemos que fluyan y nos ofrezca títulos más enjundiosos a partir de ahora.

La serie tiene mucha calidad. La ambientación es soberbia. Ese convento llevado por monjas del Imperio Británico en una India ocupada militarmente que las trata con suma hostilidad.
Ese ambiente religioso en un antiguo harén, un espacio para que el cacique de turno satisfazga  sus apetitos sexuales; el abismo cultural existente entre las ingenuas religiosos y el pueblo sometido; el cacique clasista y despótico muy poco de fiar. Las obsesiones ocultas de unas mujeres obligadas a una vida de represión sexual, despersonalizadas y llenas de envidias y recelos.
La tentación perenne de la carne, los recuerdos de un pasado insatisfecho protagonizarán sus ocultos pensamientos.
Nos encontramos ante una miniserie de atmósfera, llena de miradas y deseos. Gente que quiere salir para adelante y buscar un futuro mejor. Una miniserie interesante y hermosa muy digna de la película original, auténtica obra maestra y clásico indiscutible de la Historia del Cine.

 

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