En Blu-Ray por favor 19: Julie and Dick in Covent Garden (1974)

Publicada el diciembre 25, 2025 por Salvador Sáinz

EL BESO DE BERT Y MARY POPPINS

JULIE Y DICK EN COVENT GARDEN. Título original: Julie and Dick in Covent Garden. Año: 1974. País: Reino Unido. Director: Dennis Vance. Intérpretes: Julie Andrews, Dick Van Dyke, Carl Reiner. Productor: Blake Edwards. Guion Marty Farrell, Richard Hills, Frank Waldman. Duración: 52 minutos.

Diez años después de Mary Poppins, Blake Edwards reunió a su pareja protagonista en un show especial para televisión muy poco conocido pero interesante para los cinéfilos.
A título de curiosidad cabe mencionar un beso entre Dick Van Dyke y Julie Andrews ya que en la mencionada película de Walt Disney, la autora de la novela en la que se basó la misma prohibió cualquier romance entre Bert, el deshollinador, y la niñera mágica que daba título a la cinta.

El show contiene números de varios musicales de Broadway llevados al cine como Hello Dolly, Oliver, Oklahoma, etcétera.
Naturalmente números de la película que les hizo famosos. Ambientado en el famoso mercado de Londres, Covent Garden, que aparece en My Fair Lady. Todo un sueño para los amantes al Séptimo Arte.

Aparte de los números musicales tenemos secuencias de humor un poco salvajes en donde los acres buscan desahogarse del relato familiar de sus precedentes películas. En el relato de la Cenicienta Julie y Dick aparecen travestidos. Julie como hombre y Dick como mujer. En otra secuencia Julie se abalanza sobre Dick y le desnuda salvajemente.
Toda una curiosidad que aparece en un video de mala calidad por lo que es necesaria una remasterización urgente.
Este show merece un rescate en video doméstico para recuperar sus bailes y sus risas. ¿A qué esperan?

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El Castillo Ambulante (2004)

Publicada el diciembre 22, 2025 por Salvador Sáinz

FANTASÍAS DEL SOL NACIENTE

EL CASTILLO AMBULANTE. Título original: Hauru no Ugoku Shiro. Año: 2004. País: Japón. Dirección: Hayao Miyazaki. Dibujos animados. Guion: Hayao Miyazaki. Novela: Diana Wynne Jones. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Animación. Studio Ghibli. Productor: Hayao Miyazaki. Duración: 119 minutos.

En la reseña de El viaje de Chihiro ya hablamos de los Estudios Ghibli y de Hayao Miyazaki, a sus notas nos remitimos para obtener información al respecto.
Miyazaaki es sin ninguna duda el equivalente a Walt Disney en tierras japonesas aunque no goce de su popularidad. Hollywood siempre ha contado con un aparatoso marketing mientras que la animación japonesa es más desconocida pese al triunfo en televisión de series como Heidi, Marco o Doraemon que en su día fascinaron a todo el mundo.

El castillo ambulante presenta una factura similar, un mundo de fantasía algo extraño. Son muy diferentes a las fábulas disneyanas, sobretodo no hacen tantas concesiones al comercialismo. Es una animación más personal y llena de materiales reflexivos. El manga tiene muchos admiradores en Oriente y en Occidente. El anime (en japonés: アニメ [aɲimeⓘ]) es un estilo de animación tradicional o por computadora de origen japonés. Rn cómic se llama manga, en cine anime.
En esta cinta, muy laureada en su día, nos encontramos con una imaginación desatada. Sophie, una heroína muy joven se convierte en una anciana de 90 años a causa de un hechizo. Se encuentra con un castillo que viaja sobre ruedas entre otras asombrosas aventuras.
La acción no decae. No tiene números musicales como sus colegas de Hollywood, pero los personajes son asimismo entrañables que tocan la fibra del espectador.
La realización es algo fría. Pero la animación es perfecta, aunque son mejores los fondos y la ambientación.

Ideológicamente  esta película es más progresista, aunque sin caer en el fácil discurso woke. Se condena la guerra que sólo trae desgracias. Japón tuvo una amarga experiencia en la Segunda Guerra Mundial, de ahí nacieron los Godzilla y demás Mothra. También tuvieron la mala experiencia de la colonización yanqui convirtiéndose en la vanguardia de la tecnología.
La imagen es muy luminosa, no recurre al oscurantismo del cine moderno. Japón pasó de un país anclado en el pasado a liderar la vanguardia con sus avances técnicos. Es una lección para esos países que se hunden en el suicida resentimiento. Superaron a sus colonizadores. Son un pueblo ejemplar.
El castillo ambulante es ante todo una maravilla visual, un halago para la vista y un cine que se merece nuestros respetos.

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El tormento y el éxtasis (1965)

Publicada el diciembre 17, 2025 por Salvador Sáinz

LA CREACIÓN DE
LA CAPILLA SIXTINA

EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS. Título original: The Agony and the Ecstasy. Año: 1965. País: Estados Unidos. Dirección: Carol Reed. Reparto: Charlton Heston (Miguel Ángel Buonarrotti), Rex Harrison (Papa Julio II), Diane Cilento (Contessina de Médici), Alberto Lupo (Duque de Urbino), Adolfo Celi (Giovanni de Medici), Venantino Venantini (Paris de Grassis), John Stacy (Sangallo), Fausto Tozzi (Capataz), Maxine Audley (Mujer), Harry Andrews (Bramante), Tomás Milián (Rafael Sanzio). Guion: Philip Dunne. Novela: Irving Stone. Música: Alex North. Fotografía: Leon Shamroy. 20th Century Fox. Duración: 139 minutos.

 

Entre los siglos XV y XVI tuvo lugar un importante movimiento artístico y cultural conocido como el Renacimiento, puente entre la Edad Media, caracterizada por su obscurantismo, y la más sana Edad Moderna. Uno de sus principales creadores fue Miguel Angel. Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.​ Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.
Una de sus obras más famosas fue la Capilla Sixtina en el Vaticano, un impresionante fresco sobre el Génesis que decora todo el techo y que sigue cautivando a los innumerables visitantes que se deleitan con verdadera pasión.

El tormento y el éxtasis está centrada precisamente en la creación de los frescos de la Capilla Sixtina y del enfrentamiento de genial Miguel Ángel con su mecenas el papa Julio II (Albissola Marina, 5 de diciembre de 1443-Roma, 21 (Londres, 30 de diciembre de 1906 – ibídem, 25 de abril de 1976) de febrero de 1513), pelea entre dos egos  desorbitados con una genial interpretación de Charlton Heston y Rex Harrison, dos actores que se llegaron a odiar en vida.
Dirigida por el británico Carol Reed (Londres, 30 de diciembre de 1906 – ibídem, 25 de abril de 1976) , autor de El tercer hombre (1949) y Oliver (1968). Desgraciadamente El tormento y el éxtasis pinchó en taquilla y se olvidó con el tiempo. Pero vista ahora comprobamos que es una película que ha sobrevivido al paso del tiempo. Tiene sus puntos de reflexión. Me gusta mucho la disputa con el pintor Rafael (el cubano Tomás Milian antes de centrarse en los westerns italianos) . Miguel Angel defiende la libertad del artista, el respeto que merece, y Rafael en cambio prefiere caer en el servilismo ante los poderosos que financian sus obras.
El papa guerrero que es presentado con armadura y caballo repartiendo mandobles entre sus enemigos terrenales. Es un verdadero tirano. Miguel Angel un rebelde. Todos los grandes dictadores se han visto rodeados de artistas mediocres cuyo mayor mérito es la adulación. Gente que vive del cuento y de los chiringuitos. Una plaga todavía vigente en el mundo moderno.
La ambientación de la época es muy afortunada y realista pero antetodo es una película de actores, Heston y Harrison geniales, Harry Andrews, Diane Cilento y Adolfo Celi están en su punto.

Miguel Angel

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El Doctor Zhivago (2002)

Publicada el diciembre 14, 2025 por Salvador Sáinz

JUGUETES DEL DESTINO

DOCTOR ZHIVAGO. Título original: Doctor Zhivago. Año: 2002. País: Reino Unido. Dirección: Giacomo Campiotti. Reparto: Keira Knightley (Lara Antipova), Hans Matheson (Yuri Zhivago), Sam Neill (Victor Komarovsky), AlexandrKrisn Marshall (Pasha Antipov/Strélniko), Alexandra Maria Lara (Tonya Gromyko Zhivago), Sam MacLintock (Pequeño Yury), Daniella Byrne (Pequeña Tonya), Nick Stewart (Cura ortodoxo), Jeremy Clyde (Profesor), Daniele Liotti (Misha Gordonv), Anne-Marie Duff (Olya Demina), Maryam d’Abo (Amalia Guishar), Robert Orr (Agitador). Guion: Andrew Davies. Novela: Boris Pasternak. Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Blasco Giurato. Granada Television, WGBH Boston. Duración: 225 minutos.

Borís Leonídovich Pasternak (en ruso Бори́с Леони́дович Пастерна́к) (Moscú, 29 de enerojul./ 10 de febrero de 1890 greg. – Peredélkino, cerca de Moscú, 30 de mayo de 1960) fue un poeta y novelista ruso, Premio Nobel de Literatura en 1958. Su mayor problema fue que nació en el lugar equivocado, la Unión Soviética de Nikita Jrushchov, el tercer Jefe de Estado soviético que si bien denunció las atrocidades de sus predecesores en el cargo ejerció una censura feroz. Pasternak en 1957 publicó una novela titulada El Doctor Zhivago, fue en Italia, y con ella ganó el Nobel que no pudo disfrutar porque las autoridades soviéticas prohibieron su novela y le obligaron a renunciar al famoso Premio porque salían malparados en sus páginas.
El gobierno comunista se cree que pueden decidir cómo deben pensar sus ciudadanos y si no cumplen sus dogmas le persiguen. Pasternak trabajó con un gobierno en contra, razón por la cual cuenta con mis simpatías.
Esa novela se llevó al cine por David Lean en 1965 pero como se ha hablado mucho de ella nos centraremos en un remake rodado para televisión en 2002.

La versión de 2002 presenta algunas diferencias respecto a la versión de 1965. Está rodada con un pequeño presupuesto, es más modesta de producción. Pero es más clara en la persecución que sufre su personaje central porque escribe poesía que habla de sentimientos como el amor y la belleza, denostados por el régimen comunista que exige propaganda política y enaltecimiento del sistema.
El doctor Zhivago es zarandeado por el destino. Su familia es expulsada de la Unión Soviética, le niegan trabajo (como al propio autor), confiscan su casa, le obligan a participar de la guerra civil contra la Rusia zarista que también sale malparada en la película.
Strélniko, el comisario político, ex marido de Lara, asesina a miles de personas inocentes, que son buena gente y que no han hecho nada para merecer tal cruel destino. Sin embargo al final se arrepiente del mal que ha hecho (al contrario del personaje de la película de Lean) pero a los miles de muertos no les devuelve la vida.
La película se centra en los amores adúlteros del doctor Zhivago y de Lara. Ambos tienen un mal final. El telefilme es más plano que la famosa superproducción y mucho más triste. Se puede ver, no es mala película. Al contrario, tiene su calidad.
Nikita Jrushchov prohibió la novela sin haberla leído, cuando la leyó se arrepentió de haberka prohibido pero el daño ya estaba hecho. Boris Pasternak fue perseguido injustamente,

Boris Pasternak

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Dick Van Dyke cumple 100 años

Publicada el diciembre 13, 2025 por Salvador Sáinz

EL ACTOR QUE
NO QUISO SER JAMES BOND

Nuestro Dick Van Dyke cumple hoy 100 años. Nos alegramos por ello y desde este Diario de Cine le felicitamos. Lo vimos en sus famosas películas, Un beso para Birdie, Mary Poppins y Chitty chitty bang bang. Esta última para la productora de James Bond. Albert  R. Broccoli, su productor, le ofreció el papel del agente 007 pero Dick lo rechazó, «lo mío es hacer reír, cantar, bailar. Bond es demasiado violento para mí«.
Su debut fue cuando era bebé. Fue el niño Jesús en un Belén pero se pasó la representación llorando.

Fue amigo de Walt Disney, Stan Laurel y Buster Keaton, a los que admiraba profundamente. En los últimos años apareció en Buttons y El regreso de Mary Poppins.  Brilló en Noche en el museo cuando ya le daban por olvidado.
Hay otras películas en las que intervino: El teniente Robinson, Ni un momento de respiro, Ella y sus maridos, El cómico, El novio de mi mujer, Un mes de abstinencia, Cuidado con el mayordomo, e incluso rodó un drama, Más allá del amor.

Fue criticado por el acento cockney de Bert en Mary Poppins, pero sólo en Londres porque el resto del mundo no se enteró. Lo propusieron para el Fagin de Oliver, pero por ese motivo no aceptó.
Donde más brilló fue en la televisión, El Show de Dick Van Dyke y Diagnóstico: asesinato. Dos series excelentes y muy diferentes. La primera era una comedia de situación y la segunda una serie de misterio. También fue actor invitado en otras series como Columbo, Supertren, y sobretodo el episodio Amor bajo la carpa dela serie Las chicas de oro. Dick era un abogado que también trabaja de payaso en un circo. Las chicas tienen un problema con la justicia y el abogado acude al juicio vestido de payaso. Todo un alarde de ingenio.
Nos alegramos que el legendario actor llegue a tal edad. De verdad lo sentimos. Felicidades Dick.

Una vez publiqué un artículo en El Diari de Tarragona sobre Dick Van Dyke, al cabo de un tiempo recibí esta foto dedicada de esta genial leyenda del cine. Es la única vez que un actor de Hollywood ha tenido un detalle conmigo.

 

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La infiltrada (2024)

Publicada el diciembre 11, 2025 por Salvador Sáinz

CINE NEGRO ESPAÑOL


LA INFILTRADA. Título original: La infiltrada. Año: 2024. País: España. Dirección: Arantxa Echevarria. Reparto: Carolina Yuste (Mónica Marín / Aranzazu «Arantxa» Berradre Marín (basada en Elena Tejada), Luis Tosar (Ángel «El Inhumano» Salcedo), Víctor Clavijo («Teruel»), Nausicaa Bonnín, (Andrea), Íñigo Gastesi (Kepa Etxebarria), Diego Anido (Sergio Polo Cabases), Pepe Ocio (Bodhi), Jorge Rueda (Mario), Carlos Troya (Zoido), Asier Hernández (Joseba), Yune Nogueiras (Nagore), Pedro Casablanc (superior de la Policía Nacional), Isidoro Fernández (comisario). Guion: Arantxa Echevarria, Amèlia Mora. Idea: María Luisa Gutiérrez. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Javier Salmones, Daniel Salmones. Bowfinger International Pictures, Beta Films Spain, Esto También Pasará, Film Factory Entertainment, Beta Fiction Spain, Atresmedia Cine, ICAA, Movistar Plus+, ETB, Mogambo, Crea SGR. Duración: 118 minutos.

Durante décadas la banda terrorista ETA aterrorizó a la sociedad española. Más de 800 personas fueron asesinadas<. hombres, mujeres y niños. Más de mil heridos y más de 12.000 personas se vieron obligadas a exiliarse del País Vasco. Aparecieron durante el llamado tardofranquismo. Se les otorgó una inmerecida simpatía confundiéndolos con luchadores de la libertad pero, nada de eso, en la democracia continuaron matando. Socialistas y derechistas cayeron bajo sus pérfidas balas. Pusieron una bomba en un supermercado de Barcelona, en Hipercor, con 21 muertos. Algunos independistas catalanes y vascos simpatizaron con la criminal banda.
Todo es fruto de unos políticos tóxicos que han sembrado el veneno en sus pueblos y de un gobierno central ciego e incompetente. Muy caro pagó España sus errores.

Basada en una historia real, La infiltrada (2024) cuenta la historia de una guardía civil que estuvo 8 años infiltrada en la ETA. Recientemente se ha estrenado Un fantasma en la batalla (2025) de Agustin Díaz Yanez con argumento similar. La película de Arantxa Echevarria fue la gran triunfadora de loa últimos Premios Goya, una estatuilla a la mejor película y otra a la mejor actriz, la excelente Carolina Yuste a quien vimos en Saben aquell (2024), basada en la vida del humorista Eugenio, y La, la, la, la canción (2025) interpretando a Massiel cuando ganó el festival de la canción de Eurovisión. Una actriz muy sólida, de raza, y grandes aptitudes que borda su papel.
Es la historia real de una joven que vive una falsa personalidad, rodeada de sus enemigos que le pueden quitar la vida si la descubren. Es un drama muy intenso. Arantxa Echevarria sabe crear una atmósfera de opresión. La protagonista siente repugnancia por quienes la rodean. Su trabajo es gigantesco e ingrato. No recibió, hasta ahora, ningún reconocimiento.
Los paisajes del pueblo vasco lucen bien. Sus compañeros de piso, los etarras, son amenazadores y temibles. La película tiene buena atmósfera. Para nada es plana como la mayor parte del cine moderno. Vale la pena su visionado.

Arantxa Echevarria

 

Carolina Yuste recibiendo el Goya

 

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La Biblia… en su principio (1966)

Publicada el diciembre 6, 2025 por Salvador Sáinz

HÁGASE EL CINE

LA BIBLIA… EN SU PRINCIPIO (1966). Título original: The Bible: In the Beginning… Año: 1966. País: Estados Unidos. Dirección: John Huston. Reparto: John Huston (narrador/Dios/Noé), Franco Nero (Abel), George C. Scott (Abraham), Michael Parks (Adán), Zoe Sallis (Agar), Peter O’Toole (los tres ángeles), Richard Harris (Caín), Angelo Boscariol (Cam), Giovanni Di Benedetto (el criado de Nemrod), Gabriella Pallotta (la esposa de Cam), Rossana De Rocco (la esposa de Jafet), Eleonora Rossi Drago (la esposa de Lot), Claudie Lange (la esposa de Nemrod), Pupella Maggio (la esposa de Noé), Anna Orso (la esposa de Sem), Ulla Bergryd (Eva), Alberto Lucantoni (Isaac), Luciano Conversi (Ismael), Eric Leutzinger (Jafet), Gabriele Ferzetti (Lot), Stephen Boyd (Nemrod), Ava Gardner (Sara), Peter Heinze (Sem), Flavio Bennati (la serpiente). Guion: Vittorio Bonicelli, Cristopher Fry, Jonathan Griffin, Ivo Perilli. Basado en el Genesis. Música: Toshiro Mayuzumi. Fotografía: Giuseppe Rotunno. Coproducción Estados Unidos-Italia; 20th Century Fox, Dino de Laurentiis Cinematographica, Seven Arts Pictures. Productor: Dino de Laurentiis. Distribuidora: 20th Century Fox. Duración: 174 minutos.

La Biblia fue un faraónico proyecto de Dino de Laurentiis que debía contar con varias películas llevando a la gran pantalla todos los textos del llamado Viejo Testamento. Sin embargo el proyecto se limitó al título que nos ocupa. Se le confió a un director poco creyente, John Huston, que se lo tomó un poco a broma.
La Biblia del Antiguo Testamento es la base de la fe en las antiguas religiones abrahámicas: el cristianismo en todas sus variantes, el judaísmo y el Islam. Se escribió en hebreo y en arameo, no en inglés como dice Henry Higgins en My Fair Lady. No es un libro científico, es un libro de fé. Puedes creer o no creer en sus enseñanzas.  Para unos es una fantasía, para otros la Verdad Absoluta. Tal vez metáforas escritas para una cultura muy primitiva e ingenua.

Lo cierto es que la película de John Huston es impecable, se reservó un papel, el del viejo patriarca Noé y su famosa arca. El papel se le ofreció a Charlie Chaplin que lo rechazó y Huston decidió asumirlo con cierta gracia. Es un episodio amable que recuerda las antiguas comedias slapstick. Es sin ninguna duda lo más sobresaliente de la película.
La parte del Paraíso es también bienvenida mostrando los primeros desnudos que vimos en las pantallas franquistas tan puritanas.
El resto de la película tiene un tono más bajo. John Huston no es Cecil B. DeMille y sus orgías son un poco tenues. Su Sodoma y Gomorra son descafeinadas. Pero el conjunto de la película es más que aceptable.

 

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Fantasmas de Roma (1961)

Publicada el diciembre 5, 2025 por Salvador Sáinz

I SOLITI FANTASMI

FANTASMAS DE ROMA. Título original: Fantasmi a Roma. Año: 1961. País: Italia. Dirección: Antonio Pietrangeli. Reparto: Marcello Mastroianni (Reginaldo / Federico di Roviano / Gino), Vittorio Gassman (Caparra), Belinda Lee (Eileen), Sandra Milo (Doña Flora), Eduardo De Filippo (Don Annibale, Príncipe de Roviano), Claudio Gora (Ingeniero Telladi), Tino Buazzelli (Padre Bartolomeo), Franca Marzi (Nella), Ida Galli (Carla), Lilla Brignone (Regina), Claudio Catania (Poldino), Michele Riccardini (Antonio, sastre y portero), Enzo Cerusico (Admirador), Luciana Gilli (Chica en el parque), Enzo Maggio (Fricandó). Graziella Galvani (Profesora de matemáticas. Guion: Sergio Amidei, Ennio Flaiano, Ruggero Maccari, Antonio Pietrangeli, Ettore Scola. Música: Nino Rota. Fotografía: Giuseppe Rotunno. Lux Film, Galatea Film. Duración: 97 minutos.

¿Dónde vamos después de morir? Nadie tiene la certeza porqué no hay pruebas científicas que lo avalen salvo alguna que otra teoría:
Primera: todas las religiones nos hablan de un paraíso idílico y de un infierno para los malvados. Creer en él es una cuestión de fe muy respetable por cierto.
Segunda: la reencarnación. Algunas fuentes aseguran que al morir volvemos a nacer en otro cuerpo. Cuestión de fe respetable.
Tercera: Al morir nos convertimos en fantasmas etéreos que vagan por la faz de la tierra. Ídem.
Cuarta: No vamos a ningún sitio. Desaparecemos y no hay nada más. Triste pero respetable.
Yo no doy lecciones de nada por lo que no expondré mis creencias aquí. Sólo hablaré de una película de fantasmas amables y simpáticos. Una típica comedia italiana.

Olvidada comedia italiana, Fantasmas de Roma, soporta bien el paso del tiempo. Es una comedia de fantasmas amables, una pandilla que recuerdan a Rufufú, unos tipos pintorescos y caricaturescos.
Tenemos a los protagonistas de este film citado, Marcello Mastroiani y Vittorio Gassman, los dos divos más celebrados en la Península Itálica. El primero hace tres papeles, el fantasma y dos descendientes. Por lo visto era muy tarambana porque tuvo hijos fuera de su vínculo matrimonial.
La atmósfera es decadente, un palacio que se cae a pedazos, ruinoso, que se actual ocupante pasa miseria para mantenerlo. La resistencia es numantina.
Antonio Pietrangeli hace asimismo una crítica al presente, al capitalismo sin alma, a los críticos de arte que pretenden saberlo todo y no saben nada.
Excelente fotografía de Giuseppe Rotunno que le da calidad a esta cinta muy grata a la vista y a los sentidos.
Fantasmas de Roma me debería su recuperación y ser rescatada del olvido. Nos retrotrae a un cine italiano de alta calidad con la que disfrutamos en su tiempo ya lejano.

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El 47 (2024)

Publicada el diciembre 3, 2025 por Salvador Sáinz

ELS ALTRES CATALANS

EL 47. Título original: El 47. Año: 2024. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Reparto: Eduard Fernández (Manolo Vital), Clara Segura (Carme), Zoe Bonafonte (Joana), Salva Reina (Felipín), Óscar de la Fuente (Antonio), Betsy Túrnez (Aurora), Vicente Romero (Ortega), Carlos Cuevas (Pasqual), Carme Sansa (Angelines), David Verdaguer/Serra), Aimar Vega (Josep), Pep Ferrer (comerciante). Guion: Marcel Barrena, Alberto Marini. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. The MediaPro Studio, TV3, Telson, RTVE. Duración: 110 minutos.

 

Yo recuerdo bien la llegada masiva de inmigrantes extremeños y andaluces a Cataluña en donde fueron mal recibidos por la burguesía catalana, quien sin ningún pudor los acusó de ser una maniobra del general Franco para desespersonalizar su maravilloso país. Los llamaron charnegos y colonos entre otras lindezas. Hubo un terrible choque cultural en donde se demostró incomprensión e intolerancia.
Pero la realidad fue muy dura. Huían de los señoritos andaluces y extremeños culpables de su pobreza. Huían del terrible mal que asoló nuestro país, que es España, el caciquismo, un mal endémico todavía no superado.
Los inmigrados andaluces y extremeños han protagonizado muy pocas películas. La piel quemada (1967) de nuestro llorado amigo Josep María Forn es una obra maestra que desagrada a nuestra burguesía local. La Mari (2003) y su segunda parte La Mari 2 (2009)  con Ana Fernández obtuvieron un importante éxito aunque fuera más blanda. El 47 recupera esta incómoda temática con alguna discrepancia por mi parte pero repleta de vigor y sed de justicia.

La película de Marcel Barrena tiene sus puntos negativos y otros positivos. Entre los primeros una voluntad de agradar a las autoridades que subvencionan parte de su producción (el policía malo, el protagonista habla en catalán mientras la mayoría de los inmigrados se niegan a aprender ese idioma), entre los segundos está la narración de un hombre que se enfrenta al Sistema para defender una causa justa.
La acción se centra en la nefasta Cataluña pujolista, absolutamente dañina. Un barrio de barracas que recuerda al cine neorealista italiano, concretamente a El techo (1956) de Vittorio De Sica. Gente marginada que deben construir una chabola en una noche y si el techo no está construido la vivienda es ilegal por lo que será derribada.
Después ese barrio marginal, Torre Baró, vive aislado. No llegan los autobuses no llegan y los vacunos deben caminar kilómetros para acudir al trabajo y a los esenciales servicios que necesitan. Es en ese punto que la película se crece y consigue empatizar con sus personajes.
El 47 es una buena muestra de neorealismo con sabor catalán, una película altamente recomendable.

Marcel Barrena

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El viaje de Chihiro (2001)

Publicada el noviembre 30, 2025 por Salvador Sáinz

UN MUNDO DE FANTASÍA

EL VIAJE DE CHIHIRO. Título original: Sen to Chihiro no kamikakushiaka. Año: 2001. País: Japón. Dirección: Hayao Miyazaki. Dibujos animados. Guion: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Animación, Atsushi Okui. Studio Ghibli, Tokuma Shoten, Dentsu Inc. Distribuidora: TOHO. Duración: 124 minutos.
Hayao Miyazaki (宮崎 駿 Miyazaki Hayao?, Bunkyō, Tokio; 5 de enero de 1941) es un director de cine de animación, animador, ilustrador, empresario, mangaka y productor de anime japonés, de renombre internacional y con una carrera de cinco décadas. Junto con Isao Takahata fundó Studio Ghibli, un estudio de películas y animación. Es comparado por muchos con Walt Disney, Steven Spielberg u Orson Welles.
Studio Ghibli (スタジオジブリ Sutajio Jiburi?) es un estudio japonés de animación, considerado por la crítica especializada y muchos cinéfilos como uno de los mejores estudios de animación del mundo en la actualidad.

No soy muy aficionado al manga, pero reconozco que el cine de animación japonés ha obtenido un éxito impresionante. Las series Heidi (1974) y en menor medida Marco (1976) obtuvieron un éxito impresionante, lo que animó a producir más series y más largometrajes con un estilo similar aunque jamás igualaron el éxito popular de las mentadas series, pero si alcanzaron un nivel artístico impresionante.
Los estudio Ghibli, por ejemplo, sedujeron a cinéfilos de todo el mundo con El viaje de Chihiro (200), El castillo ambulante (2004), Mi vecino Totoro (1988), La princesa Mononoke (1997), nos produjeron gran satisfacción.

El viaje de Chihiro nos cuenta la historia de una niña, Chihiro, que viaja con sus padres de excursión. Se encuentran con un lugar solitario y con un restaurante vacío lleno de sabrosa comida. Como nadie los atiende, los padres se sirven solos pero se convierten en cerdos. La niña de diez años no sabrá qué hacer.
Hayao Miyazaki realiza un trabajo admirable. Nos muestra un mundo fantástico como Dorothy en la tierra de Oz y Alicia en el País de las Maravillas repleta de seres mágicos. La acción no decae ni un segundo. Chihiro se ve envuelta en aventuras extrañas. Los personajes tienen su gracia. Nunca nos aburren y nos mantienen en vilo. La película tiene mucha personalidad y es verdaderamente maravillosa.

Hayao Miyazaki

 

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